Ancora grande successo al Teatro alla Scala per il Boris Godunov di Musorgskij diretto da Riccardo Chailly. La positiva impressione complessiva per l'opera del grande compositore russo che ha inaugurato la nuova Stagione scaligera, è stata anche ieri sera, alla sesta e penultima rappresentazione, riconfermata dagli interminabili applausi tributati a tutti i protagonisti, ad iniziare da quello maggiormente apprezzato, il basso Ildar Abdrazakov, una presenza scenica generosa, sia musicale che attoriale. La prima versione del Boris, quella del 1869, era già stata diretta da Gergiev nel 2002 agli Arcimboldi. Dopo vent'anni è tornata per riconfermare il valore del primo lavoro, un'opera che in seguito venne rimaneggiata, ma che in questa versione, l'Ur-Boris, risulta essere maggiormente incisiva nell'evidenziare il contrasto tra potere e popolo. Come accade nelle messinscene più riuscite, è la somma dei vari interventi artistici a portare al successo un'opera. L'alto livelli del cast vocale, con il protagonista al top d'eccellenza, la direzione analitica, incisiva e rispettosa delle voci di Riccardo Chailly, gli eccellenti Cori, sia quello principale che quello di voci bianche, rispettivamente preparati magistralmente da Alberto Malazzi e da Bruno Casoni, la complessiva valida regia di Kasper Holten rimarcata dalle ottime scene di Es Devlin e dai costumi di Ida Marie Ellekilde, e soprattutto la splendida musica, molto russa del grande Modest Petrovič Musorgskij, hanno portato ad un risultato sorprendente, se pensiamo all'entusiasmo rivelato nelle rappresentazioni in teatro e il seguito di pubblico televisivo della Prima del 7 dicembre. I pochi elementi di criticità, inerenti alla regia, sostenuti in alcuni articoli giornalistici, sono ben poca cosa rispetto ad un lavoro di alta qualità degno del luogo, il Teatro alla Scala, dove è stato effettuato. Un lavoro ancora atteso per l'ultima replica del 29 dicembre. Da non perdere. ( fotografie di Brescia e Amisano dall'archivio del Teatro alla Scala)

Un concerto memorabile quello di Mikhail Pletnev. Ieri sera ai concerti di Serate Musicali, il grande pianista russo è tornato in Conservatorio con il suo personale pianoforte gran-coda Shigeru Kawai per deliziare il pubblico di Sala Verdi con un impaginato studiato meticolosamente, quasi a sembrare un'unica grande Suite di brani. Brahms e Dvořák, erani i due musicisti scelti da Pletnev. In alternanza, lavori più noti del grande musicista ungherese, quali la Rapsodia n.1 op.79, l'Intermezzo n.6 Op.118, i Tre Intermezzi op.117 e la Ballata in sol minore dall'op.118, con quelli, molti di rara esecuzione, del grande compositore ceco quali il Minuetto op.28 n.1, i n.ri 4, 5 e 6 dall'op.52, i n.ri 7,6 e 4 dall'op.101 , i n.ri 3 e 4 dall'op 103 e a conclusione una selezione da i Quadri poetici op.85. Il celebre pianista ha, ancora una volta, rivelato una maestria eccelsa nell'esprimere in modo personale sia i più corposi brani brahmsiani che quelli di Dvořák, spesso brevi momenti musicali che nelle mani di Pletnev diventano pura poesia. Impressionante la sua capacità di "pesare" il suono, spesso centellinando le singole note quasi a fermarle nel tempo. La lettura, sovente non segue le indicazioni di partitura, ma stravolge il testo con la sua profonda idea musicale, un'idea di grande arte estetica, tipica dei pochi grandissimi pianisti entrati nella storia dell'interpretazione. Tra i frangenti più memorabili, certamente i più brevi brani di Dvořák sono stati di più immediata e raffinata godibilità. Il dominio assoluto del materiale musicale ha trovato esternazione attraverso la sua misurata gestualità corporea, espressa anche con movimenti delle mani minimi e rapidissime articolazioni digitali che producono sonorità che sottintendono un pensiero profondo e un'idea precisa della forma musicale. Eccellenti, al termine del programma ufficiale, i due celebri bis con il Notturno Op.9 n.2 di Chopin e lo Studio Op.2 n.1 di Scrjabin, nelle sue mani.. due capolavori assoluti. Applausi calorosissimi.

4 dicembre 2022 Cesare Guzzardella

È stata per molti una piacevole scoperta ascoltare le belle melodie di Francesco Paolo Frontini, musicista siciliano nato a Catania nel 1860 e deceduto nella stessa città nel 1939. Autore fecondo in un repertorio vasto ed eterogeneo, è rimasto alla storia per quel grazioso e orecchiabile brano chiamato Il piccolo montanaro ( Le petit montagnard). Non molti hanno sentito anche la Serenata araba o la Marcia trionfale. In realtà la produzione lirica di Frontini andrebbe riscoperta e anche le sue centinaia di melodie. Numerose sue opere (Nella, Sansone, Aleramo, ecc. ) vennero rappresentate a cavallo dei due secoli e il suo amore per la sua terra è testimoniato dai cinquanta Canti popolari siciliani. Ieri, nel tardo pomeriggio, per la rassegna Musica Maestri!, nella Sala Puccini del Conservatorio milanese, il mezzosoprano siciliano Patrizia Patelmo e la pianista russa Svetlana Kosyatova hanno intrattenuto il numeroso pubblico intervenuto con 14 Arie da Camera -una quindicesima si è aggiunta come bis- donandoci un quadro ampio della mirabile produzione melodica di Frontini. Brani più leggeri o più impegnati si sono alternati, mediati dalla colorata e voluminosa voce della Patelmo e dalle chiare e precise note della Kosyatova. Bravissima la cantante ad introdurre con chiare parole ogni brano prima di ogni interpretazione. Marinaresca, Nenia, A se stesso, Dispetto, Fotografia, Vorrei Sapere, Lasciatemi dormir e tutti gli altri, si sono succeduti rivelando un compositore importante, legato al suo tempo e con molti legami in Europa, tanto da essere molto apprezzato nella sua produzione lirica dal francese Julies Massenet. Un'importante scoperta!

28 novembre 2022 Cesare Guzzardella

Ieri doppio appuntamento nella Sala Verdi del Conservatorio milanese per il pianista viennese Rudolf Buchbinder. Nel pomeriggio per la serie Zaffiro, e alla sera per la serie Rubino, abbiamo ascoltato soprattutto sonate di Beethoven anticipate, nel programma pomeridiano, dai quattro Improvvisi op.90 D 899 di Franz Schubert. Il celebre virtuoso, specialista soprattutto del repertorio classico di fine '700 e della prima metà dell'800, con una passione rivolta da decenni per Haydn, Mozart, Schubert e Beethoven, ha ancora una volta restituito in modo altamente espressivo lo spirito del mondo classico, con uno stile interpretativo elegante e fluido, tipico della grande scuola pianistica viennese. Dopo il valido Schubert pomeridiano, ben sette Sonate pianistiche - l'Op.49 n.2 e l'Op.13 "Patetica" nel pomeriggio e le Op. 2.n.3, 49 n.1, 81a "Gli addii", Op.10 n.3 e l'Op 101 alla sera- hanno espresso il genio compositivo del grande genio tedesco. Buchbinder, da anni esegue tutte le 32 Sonate di Beethoven con grinta e passione ed ha raggiunto una capacità di esternazione che deriva sia dall'affinità oramai storicizzata della musica del compositore di Bonn, che dall'invidiabile esperienza raggiunta nella definizione di sintesi formale dei raffinati concerti live. La resa interpretativa, sempre di alto livello, ha trovato momenti di ancor migliore restituzione in molte delle opere proposte. Tra quelle eseguite l'apice, a mio avviso, è stato raggiunto nelle due sonate pomeridiane contenenti anche la celebre "Patetica" , e alla sera nella Sonata n.3 in do maggiore op.2 n.3, nella Sonata n.7 in re maggiore op.10 n.3 e nell'ultima, quella di piena maturità stilistica, la n.28 in la maggiore Op.101. Valido il bis concesso in entrambi i concerti con due finali di altre sonate beethoveniane: il Presto dell'Op.10 n.2 e l'Allegretto dell'Op.31 n.2 "Tempesta". Pubblico entusiasta al termine dei rispettivi concerti con fragorosi applausi e numerose uscite in palcoscenico per il celebre interprete. Al termine dei concerti, nel foyer di Sala Verdi, ha firmato copie del suo ultimo Cd uscito per una nota casa discografica, una Soirée de Vienne che tra pochissimi giorni sarà reperibile in tutti i negozi musicali sia fisici che on-line.

24 novembre 2022 Cesare Guzzardella

Ieri sera, 22/11, il Teatro Faraggiana ha visto in scena una nuova serata del XLII° Festival Cantelli, l’annuale appuntamento della città di Novara con la musica cameristica e sinfonica. Il programma del concerto, che vedeva protagonista uno dei migliori violinisti italiani del momento, Domenico Nordio, nella duplice veste di solista e direttore dell’orchestra dei Musici di Parma, in formazione cameristica per soli archi, era di notevole interesse, con uno spazio rilevante concesso alla musica del ‘900: tre composizioni su cinque. Il primo pezzo proposto era una delle composizioni per violino più celebri della musica barocca italiana, la Ciaccona in Sol minore per violino e basso continuo, nella versione, oggi di gran lunga più diffusa, per violino e orchestra d’archi, di Tomaso Antonio Vitali (1663-1745), esponente importante di quella scuola bolognese di violinisti e compositori, che nella generazione precedente aveva dato il suo splendido frutto con A. Corelli. L’età barocca, com’è noto, associa in maniera abbastanza rigorosa le varie tonalità del sistema temperato ad un preciso stato d’animo ( come del resto già gli antichi Greci, coi loro modi). Massimo teorico di questa correlazione tra tonalità e ‘affetti’, fu il francese Marc Antoine Charpentier, che definisce la tonalità di sol minore “seria e magnifica”. Dunque una musica austera e solenne. Il sol minore della Ciaccona di Vitali e in genere della scuola musicale bolognese, apporta, a questo registro solenne, una vena di sottile pathos, come un velo di malinconia, preparando alla lontana il sol minore di qualche decennio più tardi, intriso di tensione tragica. Ed è proprio questa la chiave interpretativa che guida la bella interpretazione di Nordio. Nordio è un violinista dalla cavata di un colore caldo e morbido, con un’ arcata di rara limpidezza ed eleganza in tutti i colpi d’arco e, in particolare, di una leggerezza capace di plasmare suoni quasi eterei .Le sue quattro corde creano un mondo sonoro di preziosa raffinatezza e capace, con il sapiente variare delle dinamiche, di penetrare nelle pieghe più sottili del suono: così le variazioni della ciaccona ,affidate al violino di Nordio disegnano i loro suggestivi e incantevoli arabeschi sul basso dell’orchestra, in una delle più suggestive interpretazioni del capolavoro di Vitali da noi ascoltate. A seguire un’opera non tra le più note, ma certamente deliziosa di F. Schubert: il Rondò in La maggiore per violino e orchestra d’archi D438. Dal Barocco al Romanticismo, dunque, ma un Romanticismo come gaio e sereno abbandono alla vita, nella forma un po’ salottiera della danza, preceduta da un’introduzione lenta, in cui domina una delle anime del grande Maestro viennese, quella mozartiana, che si traduce in forme di limpida e classica eleganza, animata da una ineffabile grazia. E ancora una volta Nordio e i Musici di Parma danno prova delle loro squisite virtù interpretative, esprimendo al meglio la sognante levità delle volute sonore dell’Adagio introduttivo e la viva freschezza del tema principale e dei vari couplets dell’Allegro del Rondò, appena ombreggiata (non sarebbe altrimenti Schubert), da qualche passaggio armonico in chiaroscuro che qua e là incrina il sereno fluire dei motivi di danza. A chiudere la prima parte della serata un nuovo balzo cronologico, dall’800 romantico al pieno ‘900. Anche in questo caso l’impaginato presentava un compositore di non fulgida notorietà, nonostante la sua prolifica produzione meriti forse qualche attenzione in più di quella che solitamente le viene riservata. Parliamo di Mieczislaw Weinberg (è questa una delle tante forme in cui è noto il suo nome, ma è almeno altrettanto nota la forma russa di Vajnberg, 1919-1996): di origini ebraico-moldave, visse la fanciullezza e la giovinezza in Polonia e da qui fuggì in Unione sovietica quando la Polonia venne invasa dalle armate hitleriane. In URSS trascorse il resto della sua esistenza,, legandosi di stretta amicizia a ‘colossi’ come Sciostakovic, di cui fu tra gli amici più stretti, e Rostropovic. Tra le poche composizioni di Weinberg che godono di una certa fama è il Concertino per violino e archi op.24, eseguito ieri sera a Novara. In questa composizione emergono due delle caratteristiche più significative dell’arte di Weinberg, il ricorso al folklore musicale ebraico e moldavo e le forme di limpida e leggera architettura musicale, di un classicismo che definiremmo ‘aereo, ancora fondamentalmente tonale, in cui quel materiale musicale è immesso. Ad arricchire il mondo musicale di questo gioiello fatto di suoni, è la frequente variazioni delle dinamiche e dell’agogica, specie nel tempo finale: il violino domina e guida l’orchestra con rara sapienza, nello stacco dei tempi e nel fraseggio, un meraviglioso trine di suoni, nitidi e leggeri, che paiono sospesi ad un qualche iperuranio. Il motivo di un canto ebraico, ripetuto insistentemente nel primo tempo, perde qualunque peso e si fa puro ritmo, che l’incipit del tempo lento centrale, affidato ad una sorta di cadenza per violino solo, con le sue stridenti doppie corde sembra spezzare, per poi riprendere con l’intervento dell’orchestra e concludere col finale che torna ad avvolgere l’ascoltatore. col suo leggero turbine di musica. Dopo il breve intervallo, due celebri composizioni novecentesche, per orchestra di soli archi, in cui Nordio depone il violino, e sale sul podio: l’Adagio per Archi di S. Barber e la Simple Symphony di B. Britten. L’Adagio di Barber, eseguito da un’orchestra da camera spegne forse un po’ l’intensità ed il volume sonoro della tensione espressiva prima ascendente, poi discendente, che è uno dei tratti caratteristici dell’opera e che un’orchestra a pieno organico può rendere al meglio. In compenso però Nordio, con una finissima gestione delle dinamiche, ottiene dagli archi dei Musici di Parma un suono come leggermente velato, che accentua l’altra caratteristica musicale dell’Adagio di Barber, quel che di inafferrabile, di sfuggente che, ‘tecnicamente’, scaturisce dall’incerta sospensione tra modalità e tonalità propria di questa partitura: ci sembra di poter dire che, con la riduzione del ‘volume sonoro’, Nordio abbia tolto parecchio di quel sapore di musica da film caratteristico di questo brano, non a caso sfruttato più volte come colonna sonora, e lo abbia reso più intimo, talora quasi un sussurro di suoni, carico di suggestione. Il concerto chiudeva dunque con quella chicca musicale che è la Simple Symphony op.4 di Britten. Non deve trarre in inganno l’aggettivo con cui l’autore qualificò questa composizione, ‘simple’, semplice. Britten intendeva alludere alla ingenuità di chi crea un mondo di suoni, paragonabile a quella di un fanciullo che si trastulla con un giocattolo: in realtà, è una composizione tutt’altro che semplice, sia per la ricerca raffinatissima sui timbri degli archi, sia per i numerosi riferimenti ‘colti’ alla tradizione musicale, come lo Scherzo (Playful) tutto in pizzicato, che evoca lo Scherzo della quarta sinfonia di Ciajkovskij, per fermarsi all’esempio più evidente. Nordio ha donato al pubblico un’interpretazione splendida di questo brano di Britten, valorizzando al massimo quella ricerca timbrica di cui si diceva, e contemporaneamente ottenendo dall’orchestra, in questa mirabile tavolozza di colori quella leggerezza di suoni, che è la cifra del Nordio violinista. Valorizzando la tessitura alta che la partitura prevede e spremendo ogni sfumatura dalle melodie raddoppiate, ne esce una Bourrée (primo tempo), semplicemente incantevole, così come perfetta, a nostro parere, è la Sarabanda in cui l’alternarsi di tinte scure e trasparenti è reso al meglio, mentre di energia haydniana, non priva di qualche sfumatura ironica alla Rossini è l’interpretazione del Finale, nella vivacità e nella sorprendente varietà di motivi, spesso di alto virtuosismo, in cui i Musici di Parma hanno dimostrato, una volta di più, il loro indiscutibile valore. Ieri 22 novembre, era il giorno di S. Cecilia., santa della musica e dei musicisti. Non lo si poteva festeggiare meglio di così, con questo bellissimo concerto che l’Associazione Amici della Musica, organizzatrice del Festival Cantelli, ha regalato al pubblico, che ha espresso la sua gratitudine con un lunghissimo applauso, chiedendo un bis che purtroppo non è stato concesso.

23 novembre 2022 Bruno Busca

Ieri sera, per il concerto tenuto in Sala Verdi al Conservatorio milanese, organizzato da "Serate Musicali", la "Cziffra Chamber Festival Orchestra" diretta da Gábor Takács-Nagy e il pianista trentaquattrenne di Budapest János Balázs, hanno tenuto un concerto "per i 100 anni dalla nascita di György Cziffra", celebre virtuoso ungherese. Oltre ai protagonisti , tutti ungheresi, anche l'interessante impaginato  prevedeva brani di compositori ungheresi quali Ferenc Liszt (1811-1886) e Béla Bartók (1881-1945). Le note Danze popolari rumene (1915) del secondo ungherese, nella versione per piccola orchestra, hanno introdotto la serata, rivelando l'ottimo livello interpretativo della giovane compagine strumentale diretta con esuberanza gestuale ed efficace resa espressiva in tutte le sette parti che compongono le Danze. Due i brani di Liszt interpretati dal pianista Balázs: prima il celebre Concerto n.1 in mi bem. maggiore per pianoforte e orchestra S124 (1849- 1856) ) e poi, dopo il breve intervallo, la rara Fantasia su temi popolari ungheresi S123 (1852), ampliamento tematico dalla più nota Rapsodia ungherese n.14, entrambi nelle trascrizioni per piccola orchestra di Reszsö Ott. Nei due lavori del grande compositore-pianista, caratterizzati da una rilevante quantità di effetti virtuosistici, valida è stata la resa interpretativa di János Balázs, pianista dotato certamente di tecnica appariscente, visibilmente espressa con sicurezza timbrica, tipica dell'interprete estemporaneo ed estroverso. Più efficace, a mio avviso, con momenti di eleganza coloristica, la Fantasia sui temi ungheresi. Validi i bis solistici concessi da Balázs con una Danza ungherese e una riuscita trascrizione pianistica del celebre O mio babbino caro, dall'opera Gianni Schicchi di Giacomo Puccini. Di ottima qualità l'ultimo lavoro in programma con il Divertimento per orchestra d'archi Sz 113 (1939) di Bartók, brano composto in pieno '900, interpretato con profonda espressività complessiva, ed evidente intensità coloristica nel penetrante movimento centrale "Molto adagio".

22 novembre 2022 Cesare Guzzardella

La Società dei Concerti di Milano ha portato, sul palcoscenico di Sala Verdi in Conservatorio, uno spettacolo diverso dal consueto, ottenendo al termine fragorosi e ripetuti applausi dal numeroso pubblico intervenuto. L'eccellente pianoforte di Costanza Principe, in posizione laterale sul palco, ha costruito le basi per l'ideazione coreografica di Massimo Moricone denominata "Préludes", dove quattro celebri opere pianistiche sono state interpretate dai ballerini classici Anbeta Toromani, Amilcar Moret Gonzalez e Alessandro Macario. Due momenti di pausa dei danzatori hanno permesso alla Principe di eseguire al pianoforte La cathédrale engloutie di Claude Debussý e il poco eseguito Allegro in si minore Op.8 di Robert Schumann. Una ragionata selezione con sette tra i celebri Ventiquattro Preludi op.28 di Frédérik Chopin - precisamente i numeri 2-4-21-15-6-7-13- ha introdotto la serata con tutti e tre i danzatori in palcoscenico. Dopo i primi tre preludi danzati dai due ballerini, con le prime note del celebre Prelude n.15 "la Goggia" è entrata in scena Anbeta Toromani, prima raggiungendo Gonzalez e Macario e poi in solitaria per definire con aggraziate movenze il breve e toccante Prelude n.6 in si minore . Tutti i Preludi chopiniani, scelti tra quelli più introspettivi e melanconici, ad eccezione della più luminosa Goccia, sono stati interpretati con profonda espressività dalla Principe. Bravissimi i ballerini nell'esprimere sinergie complessive evidenti con profonda penetrazione della musica. L'intermezzo pianistico, con l'intenso Debussy della celebre "Cattedrale". è stato definito dalla splendida trascrizione pianistica di Leonard Borwick del Prélude à l'après-midi d'une faune, un fondamentale lavoro del compositore francese, tra le sue prime opere rivoluzionarie, spesso utilizzato dai maggiori coreografi dopo la storica ideazione e interpretazione del 1912 di Vaslaw Nijinski. La flessuosa Toromani e il valente Macario hanno interagito in plastiche movenze di elegante espressività. Dopo il breve intervallo, il Preludio in do diesis minore Op.3 n.2 di Sergej Rachmaninov, nell'esecuzione grintosa della Principe, ha portato ad un severo scontro danzante di Macario e Gonzales che in una sorta di schermaglia corporea hanno poi lasciato, da posizioni opposte, il palcoscenico. Ottimo l'intermezzo solo pianistico successivo, con l'Allegro op.8 schumanniano eseguito intensamente da una Principe che ha rivelato alte qualità nel rapportarsi col mondo musicale romantico. Notevole l'ultimo balletto in programma, con tutti e tre i danzatori in palcoscenico, per una sorprendente esecuzione della Ciaccona dalla Partita n.2 di J.S. Bach nella trascrizione pianistica di Ferruccio Busoni. Le qualità dei tre artisti della danza sono ancora emerse in quest'ultimo eccellente lavoro dove il ruolo centrale della ballerina Anbeta Toromani trovava come contendenti il napoletano Alessandro Macario e il cubano Amilcar Moret Gonzalez. Numerose uscite di ringraziamento per i quattro bravissimi protagonisti.

17 novembre 2022 Cesare Guzzardella

Una rivisitazione in chiave jazzistica dei celebri brani di Kurt Weill (1900-1950) e Bertolt Brecht (1898-1956) ha visto la C-Jazz Band e alcuni studenti dei Civici corsi di Jazz di Milano  diretti da Enrico Intra e Luca Missiti in una serata al Teatro Lirico "Giorgio Gaber" denominata Di cosa vive l'uomo . Le voci di Peppe Servillo - musicista, cantante e attore - e quella di Costanza Alegiani, nota cantante jazz, insieme e in alternanza, hanno dato un'impronta particolare alle canzoni tratte dalla celebre Opera da tre soldi e dagli altri lavori del musicista tedesco e del grande drammaturgo. La serata è stata introdotta con dovizia da Maurizio Franco, e si sono naturalmente ricordati il regista Giorgio Strehler e la cantante Milva, migliori rappresentanti italiani di quel mondo culturale e musicale tedesco. Certamente con modalità intrattenitive differenti, lontane anni luce dal kabarett berlinese e dalle opere originarie di stampo classico di Weill-Brecht, e in un clima musicale vicino alla Broadway newyorchese, sono stati piacevolmente interpretati i numerosi brani. I colori degli ottoni della big-band, ben rivelati nei classici assoli improvvisati dai bravissimi musicisti della C-Jazz Band e dagli studenti della Civica milanese, hanno espresso chiare timbriche negli arrangiamenti ben fatti da Gianluigi Giannatempo e da Filippo Minisola. Una serata di spettacolo vario, con momenti di più seriosa intensità espressiva nei testi brechtiani recitati da Peppe Servillo, nell'avvincente canzone Speak Low del periodo statunitense di Kurt Weill, cantata molto bene da Costanza Alegiani. Tra i brani eseguiti ricordiamo il Salamon Song, Tango Ballade, Jenny dei Pirati, Cannoni e bombe di Weill- Brecht, Lost in the stars di Weill e la rivisitazione della Ballata per una ragazza annegata sul toccante testo di Brecht e le musiche di Weill tratte dal Berliner Requiem (1928), breno reso molto bene dalla Alegiani accompagnata dall'ottima chitarra di Pierluigi Fidanza. Gran bis finale con tutti i protagonisti per il brano probabilmente più noto dall'Opera da tre soldi, Mackie Messer. Tra i musicisti ricordiamo almeno, oltre a Enrico Intra al pianoforte e alla direzione, Mario Rusca al pianoforte, Marco Mistrangelo al contrabbasso, Giulio Visibelli al sassofono, Humberto Amesquita al trombone, Emilio Soana e Marco Mariani alle trombe, Tony Arco alla batteria, Pierluigi Fidanza alla chitarra e il giovane e bravo direttore Luca Missiti. Applausi calorosi con tutti i protagonisti in piedi sul palcoscenico.

16 novembre 2022 Cesare Guzzardella

15 novembre 2022 Cesare Guzzardella

Ieri sera, lunedì 14/11, all’Auditorium del Conservatorio di Novara si è inaugurato il XLII° Festival Cantelli, la storica stagione novarese di musica cameristica e sinfonica, organizzata dall’associazione Amici della Musica V. Cocito, attualmente presieduta dal Maestro Ettore Borri. La serata inaugurale aveva un titolo: “Il Recital come Dramma: Eros e Thanatos nella vita di Schumann” e due protagonisti, il grande studioso e storico del pianoforte e della musica pianistica Piero Rattalino e la pianista sud coreana, ma ormai naturalizzata italiana, Ilia Kim.. La serata era impostata, sostanzialmente, come una ‘conferenza-concerto’, incentrata sulla figura e l’opera pianistica di Schumann, o meglio, data l’impostazione scelta da Rattalino, sulla tormentata vita amorosa e coniugale e l’opera pianistica di Schumann. A spingere Rattalino a portare nelle sale da concerto da un po’ di tempo questa formula è la convinzione che il concerto tradizionale sia ormai in crisi, soprattutto perché i musicisti d’oggi eseguono, in modo anche tecnicamente impeccabile, le opere, senza però saperle interpretare (che è una sacrosanta verità, purtroppo!) e per Rattalino si ha vera interpretazione della musica solo quando si riesce a far emozionare l’ascoltatore. Prima che ‘pensiero’, la musica è ‘emozione’. E il modo migliore, secondo Rattalino, per infondere nuova linfa emotiva all’ormai esausta formula del tradizionale concerto, sarebbe appunto quello di guidare, con un’adeguata presentazione, gli ascoltatori a penetrare, attraverso la musica, negli abissi dell’anima dell’autore, che nelle note trovano la loro espressione. In concreto, e qui citiamo Rattalino alla lettera, la musica deve essere interpretata come “documento biografico” , servendosi soprattutto di nozioni, tratte, un po’ a spanne, dalla psicanalisi freudiana (almeno per quel che si è sentito ieri sera). Quindi, i singoli brani in programma venivano introdotti da Rattalino, che narrava gli episodi della vita e degli amori di Schumann che, a suo avviso fornirebbero la chiave interpretativa dei relativi brani e la cui conoscenza sarebbe fondamentale all’ascoltatore per provare ‘emozione’ da quella musica. Lo scrivente si sente in dovere di dichiarare apertamente che le sue idee di estetica musicale sono lontane anni luce da quelle espresse da Rattalino (oltretutto un po’ vecchiotte, dal sapore di positivismo tardo ottocentesco nel legare strettamente arte e biografia dell’artista), ma va riconosciuto al Maestro il merito di una ancora vivissima e accattivante capacità affabulatrice (a novant’anni suonati!!), che, nutrita di una vastissima cultura musicale (e non solo), ha saputo sempre tener desta l’attenzione del pubblico, senza annoiare mai. Va aggiunto che nelle sue presentazioni Rattalino, inseriva anche utili e acuti accenni alla struttura musicale del brani, sempre preziose guide per l’ascoltatore. Questa formula della ‘conferenza-concerto’ presenta però un limite, a nostro modo di vedere, ci scusi Rattalino, imperdonabile: la gran parte dei pezzi in programma non sono presentati nella loro integrità, ma a frammenti. Quando il brano presenti già di suo una struttura frammentaria, la cosa può essere ammissibile, sia pur a fatica, nel caso di Schumann in cui il frammento è sempre legato all’insieme, a formare una totalità spirituale e musicale. Il programma prevedeva da “Papillons” op.2 i nn. 1,5,7,11,12 (cinque pezzi su dodici); dai Phantasiestucke op.12 il solo n. 1 Des Abends, “La sera” (un pezzo su dieci). Seguiva il solo primo movimento della Fantasia op.17. E qui osiamo ribellarci, e dire al Maestro Rattalino: “Caro Maestro, no! Non ha nessuna giustificazione spezzare l’unità di un capolavoro assoluto della musica, come la Fantasia op.17 di Schumann, amputarla degli altri due meravigliosi movimenti, e in particolare di quel sublime Adagio finale che illumina il senso di tutta l’opera, un viaggio straordinario della musica all’infinito, per far ascoltare il solo primo tempo come ‘documento biografico’. In questo modo, lungi dal restituire vitalità e forza di coinvolgimento ai concerti, li si impoverisce e li si svilisce!”. Per fortuna, il concerto si concludeva con un capolavoro finalmente eseguito nella sua interezza, la sonata in fa minore op.5 n.3 di Brahms. L’itinerario attraverso le vicende amorose di Schumann non può in effetti che concludersi con Brahms, che , com’è noto, entrò ancor ventenne, nella vita coniugale di Robert e della moglie Clara Wieck, innamorandosi perdutamente di costei e complicando la già intricata vita amorosa e coniugale di Schumann. Di questa sonata brahmsiana Rattalino fornisce un’interpretazione singolare, in verità difficilmente dimostrabile, ma degna di essere citata per originalità: secondo il Maestro, Brahms, in questo vasto e complesso affresco sonoro, disegnerebbe la tragica storia d’amore incestuoso dei fratelli Walsidi, Siegmund e Sieglinde, quale è narrata nei primi due atti della Valchiria wagneriana. Questa vicenda sarebbe a sua volta ‘maschera allusiva’ dell’amore di Brahms per Clara Wieck Schumann.  Passiamo all’esecuzione dei brani pianistici in programma. Ilia Kim appartiene alla classe dei pianisti ‘ muscolari’, dal suono energico e potente, diteggiatura di ferro e tecnica elevatissima. Il suono che esce dal suo tocco è generalmente un suono pulito e preciso. Ha reso al meglio il tono malinconico che avvolge i motivi di danza nei pezzi tratti dai Papillons, ma ci è parso un po’ troppo uniforme il trattamento delle dinamiche nel Des Abends dai Pezzi fantastici: il crepuscolare incanto serale del pezzo ci è sembrato compromesso dal prevalere di un suono eccessivamente tenuto sul ‘forte’ .. Valida le interpretazioni del primo tempo della Fantasia op..17, di cui è stato espresso appieno il tono appassionato e soprattutto l’episodio al centro del movimento,, molto ben diteggiato nelle sue progressive ornamentazioni in variazioni. Tra le buone interpretazioni della sonata n.3 di Brahms da noi ascoltate porremmo senz’altro quella fornita ieri dalla Kim, efficace sia nella resa delle parti più vigorose e armonicamente complesse, sia nel dar voce a quelle mezze tinte crepuscolari, così inconfondibilmente brahmsiane, presenti nell ‘Andante espressivo’, come nell’ ‘Intermezzo ‘di soffusa malinconia, in alcuni passaggi vicino a una marcia funebre. Così come ci è piaciuto il breve bis, il tema e la prima variazione delle Variazioni per pianoforte op. 9 di Brahms, da un tema di Schumann, con la sua sognante e vaporosa atmosfera ultraromantica. Una serata, su cui, come abbiamo detto, molto ci sarebbe da discutere, ma appunto per questo stimolante e meritevole degli applausi che alla fine il pubblico ha tributato ai due protagonisti. ( Foto di Attilio Borri )

15 novembre 2022 Bruno Busca

Pochi giorni dopo la presentazione della stagione 2023, molto ricca e interessante nella varietà delle sue proposte (si comincia alla grande a Gennaio col “Trovatore”), il Teatro Coccia di Novara chiude la sua stagione operistica 2022 con uno dei titoli più accattivanti e divertenti, benché non molto frequentati, del teatro comico di Donizetti: “Le convenienze ed inconvenienze teatrali”, andato in scena ieri sera, Venerdì 11/11, con replica Domenica 13. Propriamente si tratta di una ‘farsa’, più che di un’opera buffa, il che in concreto significa che in essa più che dalle battute, dai contrasti dialogati, il comico scaturisce dalle situazioni (che la musica deve contribuire a ‘creare, coi suoi ritmi e i suoi temi e motivi). E’ un’opera in cui Donizetti attinge abbondantemente alla tradizione del dramma giocoso e degli intermezzi del teatro musicale settecentesco, come segnala la presenza di un personaggio caratteristico come il tenore tedesco Guglielmo, che richiama visibilmente, col suo improbabile tedesco ridicolo, il soldato tedesco Tagliaferro di uno degli archetipi del genere, la “Cecchina” del Piccinni Questa farsa ha due versioni, la prima, del 1827, in un solo atto, su libretto dello stesso Donizetti e una seconda del 1831, in due atti, su libretto del Gilardoni, talora rappresentata in passato anche coll’improbabile titolo di “Viva la mamma”. La versione novarese, coprodotta col Teatro municipale di Piacenza e il Teatro dell’Opera Giocosa di Savona, propone la seconda versione. “Le convenienze ed inconvenienze teatrali” sono un classico esempio di metateatro, di ‘teatro sul teatro’: vi si racconta, in toni farseschi, la messa in scena di un’opera seria, un’immaginaria “Romulo ed Ersilia”, esempio delle tante insulsaggini che infestavano i palcoscenici dell’epoca. L’intento dell’autore è chiaramente la satira del teatro musicale del proprio tempo, coi suoi vizi, le sue convenzioni, le pretese grottesche e i comportamenti talora assurdi dei cantanti e di tutto un mondo di comprimari che ruotava (e in parte ancora oggi ruota) intorno all’impresa teatrale. A questo si aggiunga, come fonte primaria della comicità di questa farsa donizettiana, la parodia di numerose opere del tempo, anche di autori celebri: famosa ed esilarante la parodia della ‘canzone del salice’ dall’Otello di Rossini, cantata, si fa per dire, da Mamm’Agata. Questo carattere burlesco dell’opera è subito sottolineato, se mai ce ne fosse bisogno, dalla modifica del nome del luogo in cui si svolge l’azione: la Lodi del libretto del Gilardoni è sostituita da ‘Momo’, che è sì una piccola borgata del territorio novarese, ma è anche l’antico dio greco della burla e della buffoneria, vero e proprio. ‘fool’ della mitologia. Nell’allestimento novarese, il libretto originario di Gilardoni subisce un drastico intervento, ad opera del celebre critico musicale e giornalista Alberto Mattioli, ieri presente in sala, che nell’occasione assume il ruolo di drammaturgo: a parte il riferimento a doppio senso appena citato a Momo, l’intervento più importante di Mattioli riguarda i recitativi. Partendo dal presupposto (citiamo dalle note dello stesso Mattioli nel libretto di sala) che “la satira non può essere archeologica”, e che molti dei riferimenti a figure e abitudini del teatro musicale ottocentesco nel 2022 sfuggirebbero ai più, Mattioli riscrive gran parte dei recitativi, sia nella forma, rendendoli parlati, come nell’operetta (ma in verità se ne trovano anche nell’opera buffa e negli intermezzi settecenteschi), sia nei contenuti, aggiornati al mondo contemporaneo: ed ecco allora che nel corso della vicenda, in questi recitativi moderni si parla di cellulari, mail, followers, sponsor, Muti, Netrebko, Gheorghiu critici musicali, fra cui lo stesso Mattioli, che fa dell’humour su se stesso, e via andare; l’impresario diventa “sovrintendente”, il poeta Prospero Salsapariglia diventa modernamente ‘regista’ etc. A nostro avviso questo adattamento modernizzato del libretto, pur potendo talora risultare un po’ forzato, e talvolta persino estraneo, nel confronto con la partitura di Donizetti, non disturba particolarmente lo spettacolo, proprio perché questo trae tutta la sua verve dalla partitura e dalla trama del libretto scritte quasi due secoli fa e ha il suo centro di più travolgente forza comica nel personaggio protagonista di Mamm’Agata, la mamma della ‘seconda donna’ Luigia, che, con la sua imponente e mascolina mole e la sua irruente invadenza, occupa letteralmente il palcoscenico per difendere la figlia dalla ‘tirannia della ‘prima donna’, Corilla, ma soprattutto per conquistare una parte per sé, peraltro quasi totalmente digiuna di canto. La parte di Mamm’Agata è affidata da Donizetti alla voce maschile di un baritono/basso buffo, creando così uno dei rari esempi, nella storia del teatro musicale, di parte ‘en travesti’ al contrario (di solito , specie nel melodramma barocco, ma non solo, è una voce femminile che interpreta un ruolo maschile). Lo spettacolo confezionato è davvero godibile e ottimamente realizzato in tutti i suoi aspetti. Anzitutto una prima, grande nota di merito va assegnata al regista Renato Bonajuto, che sa far muovere benissimo i personaggi e il coro sulla scena, assecondando il ritmo dell’azione coi suoi continui colpi di scena, soprattutto, facendo recitare a meraviglia i cantanti. I balletti, che di tanto in tanto interrompono l’azione ( e totalmente assenti nel libretto originario) conferiscono un carattere di ‘rivista’ all’insieme che ben si concilia con l’intento satirico della farsa. .La regia è perfettamente sostenuta dalle scene del bravissimo Danilo Coppola, che interpreta al meglio l’atmosfera di operetta, che avvolge l’allestimento, costruendo una rapida successione di ‘siparietti da avanspettacolo, fatti ora di ‘stracci di scena’, ora di sale di prova e di camerini, di conchiglie di ostrica, infine di una scena ‘eroica’ di una classicità anch’essa impietosamente parodiata. Anche i costumi, di Artemio Cabassi, nella loro sfolgorante pacchianeria, contribuiscono efficacemente a questa satira del teatro musicale e sono coerenti con quella nota di ‘rivista’ di cui si parlava poc’anzi. Ma naturalmente uno spettacolo di teatro musicale fallirebbe, se non potesse contare su cantanti di qualità. Almeno metà del merito della riuscita di queste “Convenienze” spetta ad un Simone Alberghini, semplicemente strepitoso nella parte di Mamm’Agata: col suo tonante fraseggio, sostenuto da una voce basso-baritonale di intensa proiezione e di timbro perfetto in tutti i registri, Alberghini ha sfoderato anche grandi capacità di attore, con una serie di numeri e di gag, davvero travolgenti.: una grande Mamm’Agata, per la quale c’è solo da rimpiangere che non sia stata fatta cantare in dialetto napoletano, come prevedeva la prima versione dell’opera e in cui, secondo il nostro modesto avviso, Mamm’Agata assurge al livello di uno dei personaggi più riusciti del nostro teatro musicale, non solo comico. Ottima anche la Corilla del soprano Carolina Lippo padrona sicura del canto di agilità, dal limpido fraseggio anche nelle zone acute e sovracute, un po’ meno impeccabile, talvolta, nelle mezzevoci. Bravissima anche lei come attrice, nell’interpretare l’altezzosa e intransigente superbia della classica primadonna. Applausi dovuti anche alla Luigia di Leonora Tess, soprano cui toccava la parte di ‘mezzo carattere’, con buon timbro vocale, che sa essere pungente nei momenti più ‘polemici’. Tra le parti maschili più importanti vanno segnalati il Procolo (marito di Corilla) di Paolo Ingrasciotta, baritono dal buon timbro e fraseggio dagli ottimi legati, nitido nei centri come nei registri più alti e il Guglielmo di Didier Pieri, divertente nel suo farfugliante italo-tedesco e di buona vocalità tenorile, valido per profondità dei centri e di più che discreti acuti. Hanno sbrigato a dovere la loro parte, sia quella di cantanti, sia quella di attori anche gli altri interpreti: la mezzosoprano Lorrie Garcia (Dorotea), il baritono Andrea Vincenzo Bonsignore (Biscroma Strappaviscere, il direttore d’orchestra), il baritono Dario Giorgelé (il sovrintendente) il basso Stefano Marchisio (Prospero Salsapariglia, il regista), il basso Juliusz Loranzi (l’ispettore teatrale): questi ultimi tre recitano, in verità, più che cantare. L’Orchestra Filarmonica Italiana era affidata alla direzione del Maestro Giovanni di Stefano, autorevole specialista dell’opera comica italiana sette-ottocentesca e in particolare autorevole studioso ed esecutore di Paisiello: impeccabile la sua direzione, caratterizzata da una agogica e da una dinamica calzanti a pennello con il ritmo sostenuto di battute e scenette, e capace di sostenere al meglio i cantanti e il coro del Teatro Coccia, ben diretto da Yrui Weng. Alla fine applausi a scena aperta e prolungati da un pubblico numeroso (pienone in platea, qualche vuoto di troppo nei palchi e nel loggione), tra cui vogliamo segnalare una scolaresca delle elementari, accompagnata dai suoi intelligenti insegnanti, che ha seguito in perfetto silenzio e compostezza straordinaria tutta l’opera, dall’inizio alla fine. In tempi in cui in certe scuole gli allievi sparano pallottole di gomma ai loro insegnanti, uno spettacolo consolante, in platea, che si accompagna a quello divertente sul palcoscenico.

12 novembre 2022 Bruno Busca

11 novembre 2022 Cesare Guzzardella

E' ritornata in Sala Verdi la pianista georgiana Elisso Virsaladze, dopo un anno di assenza per motivi probabilmente dovuti alla pandemia. Nella splendida serata organizzata da Serate Musicali, la società concertistica milanese che dal 1992 la ospita regolarmente, la Virsaladze ha impaginato un programma all'insegna della classicità, inserendo musiche di Beethoven, Haydn e Schumann. Interessante l'ordine alterno dei brani scelti, alcuni di apparente semplicità come la Sonata n.19 in sol minore op.49 di Beethoven o le Kinderszenen Op.15 di Schumann, lavori spesso destinati a giovani nei primi studi pianistici, ma resi dalla pianista, nata nel 1942 a Tblisi, con una luminosità ed una leggerezza discorsiva sorprendenti. A questi si univano altri brani, tre lavori di Beethoven come la Sonata n.25 in sol maggiore op.79 "Alla tedesca" l'Andante in fa maggiore "Favori" e il raro Rondò a capriccio in sol maggiore op.129, le note Variazioni in fa minore Hob XVII di Haydn e la celebre Arabesque in do maggiore op.18 di Schumann, resi con una progressiva qualità espressiva, partendo dall'ottima resa dei primi brani ed arrivando all'eccellenza delle ultime esecuzioni, sino al virtuosistico ultimo brano in programma, con un'emozionante e ricca di energia Sonata n.23 in fa minore op.57 "Appassionata". Un pianismo esemplare quello della Virsaladze, che proviene dalla migliore scuola russa moscovita, quella di Sviatoslav Richter e di Emil Gildes, dei grandi pianisti-didatti Heinrich Neuhaus e Yakov Zak, suoi maestri. Applausi fragorosi in una sala con folto pubblico. Il concerto è stato dedicato a Marco Vallora (1953-2022), grande intellettuale e giornalista, studioso raffinatissimo di arte, letteratura, filosofia, musica e cinema, bibliofilo tra i più importanti. Persona riservata ed eclettica, che sempre s'incontrava ai concerti di Sala Verdi in Conservatorio ed in ogni luogo di cultura, e che certamente avrebbe apprezzato ancora una volta le qualità eccelse della grande Elisso Virsaladze.

8 novembre 2022 Cesare Guzzardella

Ieri sera, sabato 5 novembre, a Vercelli, la Camerata Ducale, fedele a quella che è ormai divenuta una lodevole tradizione, ha ‘presentato’ musicalmente l’imminente XXV edizione del Viotti Festival (e ricordiamo che il 2023 ricorrerà anche il XXX° anniversario della fondazione dell’orchestra Camerata Ducale ad opera dei Maestri Guido Rimonda e Cristina Canziani) con un concerto a ingresso libero, nella settecentesca chiesa di s. Lorenzo. Il programma, integralmente impaginato su compositori dell’età barocca, era affidato al complesso dei Musici di S. Andrea: si tratta di una formazione orchestrale, pensata e realizzata dal Maestro Guido Rimonda, proprio come ‘sezione’ della Camerata Ducale specializzata nel repertorio barocco. E’ formata, oltre che da ‘veterani’ dell’”orchestra-madre”, anche da giovani strumentisti selezionati per la loro eccellente preparazione tecnico- interpretativa. Una volta di più si conferma una caratteristica che conferisce caratura decisamente nazionale alla Camerata Ducale, oltre alle sue indiscutibili qualità esecutive: essere un ‘cantiere’ straordinariamente attivo nel promuovere sempre nuove iniziative, che si propongono in particolare di valorizzare e inserire nella vita musicale i giovani musicisti segnalati per il livello delle loro capacità. Questa serata è stata per alcuni di questi giovani l’occasione per esibirsi nelle parti di primo piano previste dalla struttura della musica barocca, non solo col concerto solista e la sonata, ma anche col concerto grosso. Tutte e tre queste forme capitali della musica strumentale del tardo ‘600-‘700 erano infatti previste dal programma di ieri sera, che proponeva cinque composizioni di tre autori chiave della nostra civiltà musicale barocca: Corelli, il ‘corelliano’ Geminiani e Vivaldi. Proprio il grande veneziano ha dato inizio al concerto con uno dei suoi trentanove concerti per fagotto e archi, l’RV492 in Sol maggiore. Il fagotto è lo strumento cui il ‘prete rosso’ dedicò più concerti, dopo, (molto dopo) s’intende, il violino;. Del fagotto, del suo peculiare suono pieno e scuro, pastoso nelle note basse, cantabile e leggermente nasale in quelle alte, Vivaldi apprezzò e sfruttò tutte le risorse, richiedendo interpreti di qualità. E notevoli qualità ha senza dubbio sfoggiato il giovane Lorenzo Mastropaolo, calibrando con grande attenzione le dinamiche, i chiaroscuri timbrici dello strumento, fondamentali in una musica come quella barocca, che, ignorando la complessa articolazione tematica della forma.sonata classico-romantica, si affida alla varietà dei colori strumentali e al virtuosismo degli abbellimenti delle linee melodiche. Anche per questo aspetto l’esecuzione di Mastropaolo è risultata impeccabile, con un dominio tecnico dello strumento davvero esemplare. La scelta di orchestrare il basso continuo con un contrabbasso e un violoncello ha dato una tinta di fondo particolarmente scura ai questo e a tutti gli altri pezzi in programma, forse evocando la timbrica del violone, utilizzato, soprattutto nel tardo’600, per il basso. E’ stata comunque una scelta felice, proprio perché, combinandosi con il suono dei violini, spesso al registro acuto, a quello vellutato e suadente della viola, e, per questo concerto, a quello particolare del fagotto, questo basso molto scuro ha creato una tavolozza di colori orchestrali particolarmente suggestiva. Fin da questo esordio i giovani Musici di S. Andrea, guidati dal Maestro Rimonda in veste di Konzertmeister, hanno dimostrato di essere complesso ottimamente amalgamato, con precisione nelle entrate e una cavata di suono omogeneamente intensa ed energica. L’impaginato proseguiva con tre Concerti Grossi di F. Geminiani, il n. 8 in mi minore H 139 il n. 9 in La maggiore H 140 e il n.7 in re minore H138. In verità si tratta di rielaborazioni in forma concertistica di altrettante sonate per violino dell’op.5 di Corelli, omaggio a quello che per Geminiani fu “onore e lume”, per dirla con Dante. Il ‘concertino’ è stato affidato in questo caso a due violini: nel concerto n.8 Paolo Chiesa violino I e Pierfrancesco Galli violino II, nel concerto n.9 Guido Rimonda violino I e Francesco Sappa violino II, nel n. 7 Francesca Ripoldi violino I e Guido Rimonda violino II. L’esecuzione, anche in questo caso, merita il più sincero apprezzamento: del concerto grosso barocco, nella sua classica forma corelliana, i giovani Musici hanno reso con ottimi risultati i due aspetti- chiave, cui si alludeva all’inizio: gli elementi del concertino hanno sfoggiato con agilità il vario repertorio del virtuosismo violinistico barocco (il discorso si riferisce ovviamente ai giovani, il Maestro Rimonda è qui fuori discussione), così come gli archi del ‘ripieno’ hanno realizzato a dovere quella fondamentale , precisa diversificazione dei piani sonori, talora con suggestivi effetti ‘ad eco’, che è uno degli elementi portanti del concerto grosso. Tra i primi due concerti di Geminiani e il terzo, che chiudeva la serata, è stata presentata una inusuale trascrizione per violoncello col contrabbasso in funzione di basso continuo, di una delle composizioni per violino più celebri di tutti i tempi: la Sonata op.5 n.12 per violino solo e basso continuo “La Follia”, di A. Corelli, consistente, com’è noto, in una serie di ventitré variazioni su un tema di probabile origine popolare portoghese. La trascrizione è dovuta al giovane contrabbassista Tommaso Fiorini, ieri sera anche esecutore, accanto a Camilla Patria al violoncello. Tra i vertici del virtuosismo violinistico barocco, questa composizione pone evidentemente ardui problemi tecnici anche al violoncello, sulle cui corde le dita provette della giovane esecutrice se la sono cavata egregiamente, tra scale rapidissime, arpeggi, doppie corde etc. Dobbiamo onestamente confessare che ci ha suscitato qualche perplessità l’accoppiamento, per una sonata, di due strumenti come il contrabbasso e il violoncello. In teoria nulla da eccepire sulla scelta di sostituire il più usuale clavicembalo con il contrabbasso, perché le indicazioni in partitura prevedono, in alternativa alla tastiera, il violone, che per estensione e colore di suono si avvicinava molto al contrabbasso. Ma abbinare poi il contrabbasso al violoncello ci è parsa una scelta non delle più felici sul piano timbrico, reso troppo scuro. Alla fine di questo bellissimo omaggio alla civiltà musicale barocca italiana possiamo trarre una conclusione: accanto alla Camerata Ducale Junior (CDJ), I Musici di s. Andrea sono un’altra eccellente ‘creazione’ della Camerata Ducale, cui arride un futuro di sicuro successo. Non possiamo chiudere questo articolo senza un almeno breve riferimento alla presentazione della nuova stagione 2022/23 del Viotti Festival, fatta nel corso della serata dal Direttore Artistico della Camerata Ducale, Cristina Canziani. Si parte sabato 26/11/2022, si finisce sabato 20/05/2023, per un totale di quindici concerti, di cui tre della CDJ. I concerti sono affidati tutti ad interpreti di chiara fama nazionale e internazionale. Si segnalano ben due serate integralmente dedicate a G.B. Viotti e la presenza in cartellone di un apprezzabile numero di autori del ‘900 “storico”. Infine, degne del più alto plauso, offerte di massimo favore rivolte ai giovani fino ai 26 anni, che fanno di questa stagione concertistica vercellese un caso più unico che raro in Italia. Portare i giovani in sala da concerto è un’altra sfida che la Camerata Ducale si è data e che le auguriamo con tutto il cuore di vincere!

6 novembre 2022 Bruno Busca

31 ottobre 2022 Cesare Guzzardella

Una serata all'insegna del romanticismo quella ascoltata ieri sera in Sala Verdi in Conservatorio ai concerti organizzati dalla Fondazione la Società dei Concerti. L'ottima Orchestra da Camera di Mantova era diretta da un giovane promettente direttore quale lo spagnolo Julio Garcia Vico, impegnato in brani di Schumann e di Mendelssohn. Protagonista della serata è stata la pianista cinese Ying Li, talento che ha trovato affermazione internazionale anche in seguito alla vittoria del primo Concorso Internazionale "Antonio Mormone" dello scorso anno, concorso organizzato dalla stessa società concertistica. Il talento della venticinquenne pianista, oltre ad aver dato la possibilità di frequentazioni delle più importanti sale da concerto mondiali - nei giorni scorsi anche la prestigiosa Carnegie Hall di New York-, le ha permesso di realizzare un primo Cd interamente pianistico di ottima qualità per una prestigiosa casa discografica. Ieri, dopo il brano introduttivo, l'Ouverture da concerto op.27 "Meeresstille und glückliche Fahrt", interpretato con rigore ed impeto dall'orchestra, la pianista è salita sul palcoscenico per il celebre Concerto in la minore op.54 di Robert Schumann, un capolavoro di equilibrio costruttivo del grande compositore tedesco. Le ottime sinergie con l'attenta direzione di Julio Garcia Vico, hanno trovato Ying Li in una situazione idonea per un'eccellente interpretazione, giocata oltre che da un dettagliata e precisa resa tecnica, da un'importante restituzione espressiva esternata da una complessiva leggerezza di tocco non disgiunta da momenti di sicura incisività. Personale, ma certamente valida, la resa stilistica della sua interpretazione. La bellezza delle timbriche, sia del pianoforte che delle sezioni orchestrali, è emersa in modo evidente nei tre movimenti del concerto. Il pubblico ha tributato al termine intensi appllausi e la pianista ha concesso due bis, il primo Des Abends dai Fantasiestücke Op.12 di Schumann, e il secondo un breve e luminoso J.S. Bach. Dopo l'intervallo, il brano orchestrale, ancora di Felix Mendelsshon, era la nota Sinfonia n.3 in la minore op.56 "Scozzese", lavoro terminato nel 1842, un anno dopo la realizzazione del concerto schumanniano. Julio G.Vico ha trovato il giusto equilibrio delle dinamiche nella sua direzione senza bacchetta, ma con una gestualità particolare e molto producente in termini di resa coloristica. Il lavoro mendelsshoniano è complesso e ricco di contrasti nell'organizzazione dei quattro movimenti, ma con momenti melodici, tipici del compositore, ottimamente elargiti da ogni sezione dell'orchestra mantovana, orchestra che ricordiamo essere tra le più importanti ed affermate in Italia e non solo. Ancora intensi gli applausi al termine della riuscita serata.

27 ottobre 2022 Cesare Guzzardella

Una serata di alta qualità quella proposta ed ascoltata in Conservatorio per le Serate Musicali. Il duo cameristico formato dalla violinista tedesca Isabel Faust e dal violista parigino Antoine Tamestit ha rivelato eccellenti qualità strumentali, affrontando un impaginato che copriva un ampio periodo storico, passando dalla seconda metà del Seicento con Monsieur de Sainte Colombe (1640-1700), al vivente Gyorgy Kurtag (1926), attraverso Mozart (1756-1791) e Bohuslav Martinu (1890-1959). Un programma intelligente e splendido a dimostrazione di come interpreti del calibro della Faust e di Tamestit possano, in modo disinvolto, trovare relazioni tra le timbriche più antiche espresse dai loro strumenti e le composizioni contemporanee. I tre concerti di De Saint Colombe, in un unico movimento, denominati Le retour, Le tendre e Tombeau Les Regrets, si sono alternati agli altri lavori. In essi, il duo ha mostrato di penetrare la musica piu lontana temporalmente attraverso arditezze strumentali raffinate, eseguite in modo perfettamente sincrono tra i toni più alti del violino e quelli intermedi della viola. I timbri, ricchi di sottigliezze coloristiche, ci hanno portato indietro nel tempo e, attraversando i diversi periodi storici degli altri compositori proposti, hanno portato il segno del sapore "antico" anche nei brani più recenti di Martinu o di Kurtag. I quattro brevi e raffinati brani di Kurtag, tra i quali citiamo almeno Ligatura Y e Eine Blume für Tabea, erano giocati sull'espressività di pochi elementi musicali riuniti in sottili armonie unificate dai due strumenti. Sottigliezze ardite, eseguite con infinita precisione dai due protagonisti. Due bellissime Sonate mozartiane per Duo, la KV423 e la KV424, eseguite una nella prima parte della serata e l'altra a conclusione del concerto, ci hanno portato in un clima musicale più sicuro e conosciuto , dove la cantabilità dei temi del grande genio salusburghese e il suo modo di armonizzare o di sviluppare i temi, come nel mirabile Tema con variazioni nel finale della seconda sonata, hanno trovato il piacere d'ascolto di tutto il pubblico presente in Sala Verdi. Di grande impatto timbrico i Tre Madrigali per violino e viola di Martinu, dove il grande musicista ceco ha penetrato il mondo musicale antico attraverso gli stilemi del '900. L' eccellente resa espressiva della Faust e di Tamestit ha evidenziato in questo lavoro una sorta di sintesi dell'idea complessiva avuta per il sorprendente impaginato. Un concerto che meritava una sala al completo, ma purtroppo, spesso accade che la migliore arte sia prerogativa di pochi fortunati. Ottimo il bis concesso tratto dal Flauto magico mozartiano. Applausi calorosi.

25 ottobre 2022 Cesare Guzzardella

L'elegante auditorium di via Fratelli Zoia 89 ha accolto ieri pomeriggio il musicista Carlo Boccadoro. Classe 1963, Boccadoro è noto in Italia nella molteplicità dei suoi ruoli: compositore, direttore d'orchestra, saggista e anche pianista. E' specializzato nel repertorio contemporaneo, ma trova interesse anche in quello classico e jazzistico. Ieri, nel concerto introdotto da Luca Schieppati, organizzatore musicale e pianista, Boccadoro ha impaginato al pianoforte un programma particolare dal titolo "Il suono del ricordo - Musica fra memoria e metamorfosi". Le composizioni scelte, presentate al pubblico con grande chiarezza e competenza dallo stesso Boccadoro, appartengono a quel filone musicale detto "minimalismo", che ha nella semplicità melodica e strutturale e nella tonalità gli elementi più evidenti. Brani di Adès, di Glass, di Pärt, di Einaudi e di Boccadoro stesso, si sono succeduti secondo una logica che trova nella trasformazione di semplici elementi e nella riflessione su piccoli cambiamenti una ragione di comprensione. Il primo brano è stato il breve ed intenso Souvenir (2018) dell' inglese Thomas Adès (1971), utilizzato anche come colonna sonora del film Colette: si è così definita dai primi accordi la cifra tonale e riflessiva data al pomeriggio musicale. Le Five Metamorphosis (1988) del compositore americano Philip Glass (1937) ci hanno portato nel più autentico minimalismo, giocato su piccole trasformazioni di un tema ripetuto all'infinito. Bravissimo Boccadoro nell'evidenziare, con sfumature ben delineate, le sottili dinamiche che fanno mutare le timbriche del noto lavoro. Una sorta di cambiamento di percorso si è avuto con il brano Cruel Beauty (2011) di Boccadoro (1963), dedicato a Franco Battiato: una breve composizione che, pur utilizzando elementi semplici in partenza, rievocanti la corrente minimalista, trova anche semplici dissonanze ed elementi armonici più evoluti. Indubbiamente un brano di notevole espressività. Profondo nella sua semplicità solo apparente Variationen zur Gesundung von Arinuschka (1977) del compositore estone Arvo Pärt (1935). Un breve lavoro giocato su pochissime note e interpretato con grande intensità emotiva da Boccadoro. I quattro brani conclusivi tratti da Underwater (2020) di Ludovico Einaudi (1955) ci hanno portato nel minimalismo melodico del noto compositore piemontese. L'interiorizzazione dei lavori di Einaudi, che appaiono all'ascolto come una sorta di monologhi con se stesso, ha trovato in Boccadoro un interprete ideale. Molto piacevole per la sua coralità espressiva il breve Underwater, dodicesimo brano che dà il nome alla raccolta. Ottimo il bis concesso dal pianista con un'eccellente trascrizione di Black Bird dei Beatles, nella firma di Lennon-McCartney. Grande successo e applausi dal numeroso pubblico intervenuto.

24 ottobre 2022 Cesare Guzzardella

Il pomeriggio musicale degli Amici del Loggione del Teatro alla Scala di via Silvio Pellico 6, ha avuto come protagonista il pianista parigino Ali Hirèche, classe1976. Dopo i primi studi fatti nella capitale francese, Hirèche ha continuato al Conservatorio "G.Verdi" milanese con Riccardo Risaliti, perfezionandosi poi alla scuola d'interpretazione pianistica di Imola. È stato vincitore di concorsi internazionali tra cui l'importante Premio Venezia nel 1999. Il breve concerto, introdotto da Mario Marcarini per la rassegna "Lieti Calici", aveva come tema Faust e il Wenderer, e per l'occasione il virtuoso ha eseguito la celebre corposa Sonata in si minore di Franz Liszt, un brano molto rappresentativo della musica romantica legata a quel periodo storico di metà Ottocento. L'interpretazione fornita da Hirèche ha rivelato le sue indubbie qualità virtuosistiche, sostenute da una carica espressiva evidente, ma anche da una visione complessiva del brano: precisa e sicura nelle rappresentazioni coloristiche e unitaria nell'insieme costruttivo. Ricordiamo che Hirèche è un collaudato interprete del romaniticismo musicale avendo eseguito con successo molta musica di Chopin e avendo all'attivo anche recenti registrazioni di Schumann. Di Schubert-Liszt il pianista ha poi interpretato in modo introspettivo il noto brano Gretchen am spinnrade dal relativo lied del viennese. A conclusione, l'ottimo ed intenso Mompou di Pájaro triste e come bis il suo amato Chopin con un vibrante Studio n.12 op.10. Dopo l'ora musicale sia è passati al classico brindisi, con ottimi vini, salumi e gustosi pizzoccheri.

22-10-2022 Cesare Guzzardella

Conosciamo bene la passione che lega il pianista iraniano Ramin Bahrami alla musica di Bach. Interprete affermato, ha eseguito concerti nelle maggiori sale concertistiche europee e di tutto il mondo, producendo anche numerose incisioni per le maggiori case discografiche. Ieri in una bella serata organizzata dalla "Società dei Concerti", ha interpretato naturalmente "tutto Bach", coadiuvato da una valida formazione cameristica, quella dei Solisti Aquilani. La formazione strumentale, nata nel 1968 sotto la guida di Vittorio Antonellini, ha iniziato il concerto con il celebre Concerto Brandeburghese n.3 in Sol maggiore BWV 1048, rivelando da subito la freschezza virtuosistica della formazione che ha donato un'interpretazione ricca di timbriche luminose ed espressive. L'entrata in palcoscenico di Bahrami ci ha permesso l'ascolto del solo pianoforte con il Concerto in stile Italiano in fa maggiore BWV 971. Un Bach personale quello del pianista iraniano, caratterizzato da una leggerezza discorsiva certamente lontana dalla tradizione esecutiva di tipo clavicembalistico, ma più vicina alle sonorità tipiche dello strumento moderno, sonorità avvolgenti e morbide, certamente di qualità. Il Concerto n.3 in re maggiore per pianoforte ed archi BWV 1054 concludeva la prima parte della serata. Un' esecuzione ricca di espressività, con un Adagio centrale di notevole riflessione ed intensità espressiva. Dopo il breve intervallo, Bahrami procedeva ancora in solitaria con la Partita n.1 in si bem.maggiore BWV 825, tra le più note ed eseguite del genere. Sette brevi movimenti interpretati ancora con candore e fraseggio legato e scorrevole. Due concerti per pianoforte ed archi concludevano il programma ufficiale: quello in Fa minore BWV 1056 e quello in Sol minore BWV 1058. In entrambi, il movimento centrale , un Largo e un Andante, hanno rivelato intensa espressività. Ottima la componente orchestrale in tutti i lavori, sempre in sintonia col Bach vellutato di Bahrami. Applausi fragorosi dal numeroso pubblico intervenuto, con la presenza anche di molti giovani. Nell'ottimo bis concesso da Bahrami, con dedica del pianista al popolo e soprattutto alle donne iraniane, la replica dell'intenso Adagio del Concerto n.3 BWV 1054 Ancora lunghi applausi ai protagonisti.

20 ottobre 2022 Cesare Guzzardella

Ieri sera, al concerto organizzato da Serate Musicali, Daniel Lozakovich doveva avere come compagno Stanislav Soloviev, ma il pianista di San Pietroburgo ha avuto il divieto di lasciare il suo Paese a causa delle disposizioni che lo potrebbero mandare a combattere in Ucraina. All'ultimo momento il ventunenne violinista svedese ha organizzato un programma per solo violino con pagine di Bach, Ysaye, Paganini e Milstein. Un impaginato all'insegna del virtuosismo che Lozakovich ha esternato con continuità e senza l'interruzione del consueto intervallo. Non era la prima volta che il violinista veniva a Milano . L'avevamo già ascoltato nel febbraio di quest'anno, al Teatro Lirico "Gaber", in un bellissimo Concerto op.64 di Mendelssohn e nel marzo del 2018, non ancora maggiorenne, in duo con il pianista ucraino Romanovski. Ieri ha avuto la possibilità di dimostrare i progressi fatti in questi anni, rivelando un netto miglioramento delle sue già notevoli qualità, in termini di virtuosismo ed espressività interpretativa. Iniziando dalla celebre Partita n.2 in re minore BWV 1004, quella della famosa Ciaccona, ha subito espresso fluidità non indifferente nell'affrontare anche i frangenti più virtuosistici della straordinaria composizione bachiana. Con la Sonata in sol maggiore op.27 n.5 " Mathieu Crickboom", brano di Eugene Ysaye ricco di raffinate esternazioni coloristiche, Lozakovich ha rivelato ancor più grinta e bellezza nei timbri del suo voluminoso e prezioso violino. Negli ultimi brani, all'insegna di Paganini, Lozakovich ha consolidato una qualità interpretativa che lo pone certamente tra i migliori interpreti della sua generazione: prima con il celebre Capriccio n.24 in la minore op.1 - quello delle variazioni-; poi la meno nota Paganiniana del virtuoso violinista Nathan Milstein, che non è altro che una serie di variazioni in "stile paganiniano" di alcuni tra i più celebri momenti musicali del grande genovese. Decisamente validi i due bis concessi: un Adagio dalla Sonata n.1 per violino solo di Bach, quindi un ottimo Fritz Kreisler con Recitativo e Scherzo, brano di grande impatto espressivo. Applausi fragorosi dal pubblico presente in Sala Verdi.

18 ottobre 2022 Cesare Guzzardella

14 ottobre 2022   Cesare Guzzardella

12 ottobre 2022 Cesare Guzzardella

10 ottobre 2022 Cesare Guzzardella

Particolarmente interessante l'incontro organizzato da Mario Marcarini agli Amici del Loggione del Teatro alla Scala di via Silvio Pellico 6 per la rassegna musicale Lieti Calici. Il pianista Luca Gorla, ha messo in rilievo la figura di un musicista un po' dimenticato quale il lucchese Alfredo Catalani (1854-1893), proponendo una serie di brani pianistici particolarmente significativi. Ricordiamo che Catalani, fu una figura di spicco alla fine del '800 soprattutto come operista. Apprezzato dai contemporanei e da direttori come Toscanini o da direttori-compositori come Mahler- ma l'elenco degli apprezzamenti è lungo - rimane ora ricordato soprattutto per l'opera la Wally e meno per Loreley o Edmea. Nella breve vita, interrotta all'età di 39 anni per una grave forma di tisi, Catalani oltre ad un numero importante di opere liriche, compose musica da camera, per orchestra e una serie di brani pianistici melodici d'immediata presa emotiva. Gorla, tra le parole espresse con chiarezza sulla non facile vita del compositore, ha alternato alcuni brani pianistici, tra cui A te.., Rêverie, In sogno e A sera, tutti lavori dove l'alta componente melodica, con intima e melanconica liricità, rivelano l'amore del musicista per l'opera italiana ed europea. Ottime le interpretazioni di Gorla e la sua lezione-concerto complessiva che è piaciuta molto ai numerosi presenti nella capiente sala. Al termine, come di consueto un brindisi con ottimi vini e non solo.

10 ottobre 2022 Cesare Guzzardella

6 ottobre 2022 Cesare Guzzardella

La coppia di pianisti formata dall'israeliana Yaara Tal e dal tedesco Andreas Groethuysen da molti anni viene ospitata nelle più importanti sale da concerto del mondo. Spesso programmi alternativi, come quello particolarmente interessante ascoltato ieri sera al Teatro dal Verme per il Festival MiTo, fanno parte dell'impaginato. Il Bach proposto dal duo, rivisitato da Reinhard Febel, musicista tedesco di Metzingen nato nel 1952, è quello della celebre Arte della Fuga, brano conclusivo del genio tedesco. Il brano, presentato a inizio serata da Nicola Campogrande, è titolato Diciotto Studi sull'Arte della fuga (2020) e riprende, come da partitura, il Bach originale su un pianoforte, mentre con grande libertà di trasformazione la seconda linea pianistica propone rielaborazioni in termini di accenti, ripetizioni di note, cambiamenti di tonalità e altri artifizi, per ottenere contrasti particolari, effetti eco, risonanze e mille altre situazioni timbriche che rivelano un Bach diverso, riattualizzato in modo contemporaneo. Il Bach autentico, nascosto nel "tutto sonoro", in realtà viene alternato dai due pianisti, così come le modifiche sono spesso equamente suddivise tra gli interpreti. Al primo ascolto, questo lavoro risulta certamente nuovo ed innovativo per il taglio compositivo scelto, anche se rielaborazioni in chiave moderna sono oramai particolarmente diffuse, basti pensare al tedesco/britannico Max Richter con le Quattro Stagioni di Vivaldi o all'italiano Danilo Rea che in coppia con Ramin Bahrami ha rivisitato in chiave jazzistica le Variazioni Goldberg, ancora di Bach. Gli ottimi interpreti Tal&Groethuysen per oltre ottantacinque minuti hanno definito con tensioni emotive le note bachiane e quelle rielaborate, generando frangenti espressivi spesso di eccellente qualità. Il pubblico ha apprezzato il lavoro di Febel con la sua "Doppia arte della fuga" e naturalmente l'ottima interpretazione dei due bravissimi pianisti.

16 settembre 2022 Cesare Guzzardella

Per il Progetto Accademia, quest'anno è di scena al Teatro alla Scala Il Matrimonio Segreto di Domenico Cimarosa, un dramma giocoso in due atti che ha sempre trovato riscontro di pubblico in tutti i teatri d'opera, probabilmente per la leggerezza del soggetto e per la giocosità interpretativa dei protagonisti. I due atti di Cimarosa su libretto di Giovanni Bertati vennero rappresentati per la prima volta a Vienna nel 1792 e diretti registicamente nel 1949 da un giovane Giorgio Strehler. Alla Scala ritorna dopo oltre quarant'anni. La direzione orchestrale attuale è stata affidata a Ottavio Dantone, direttore e clavicembalista specializzato nel repertorio antico e settecentesco che ha proposto in questi anni, nella sala del Piermarini, un cospicuo numero di opere di Händel, Mozart e, più di recente, di Rossini. Ieri sera, nella seconda rappresentazione delle cinque in programma, il successo si è rinnovato. La messinscena della regista Irina Brook, le scene e i costumi di Patrick Kinmonth e le luci di Marco Filibeck sono stati molto apprezzati. La teatralità del lavoro, con i numerosissimi interventi corali in tutte le combinazioni dei sei protagonisti, ha esaltato le musiche di Cimarosa ben evidenziate con un ritmo serrato, dal direttore Dantone. Il giovane cast vocale - ieri il secondo cast-, capeggiato dall' "esperto" veterano e docente dell'Accademia scaligera Pietro Spagnoli -nel ruolo di Geronimo- ha rivelato le eccellenti potenzialità della scuola scaligera che nel cast di ieri sera trovava Fan Zhou in Elisetta, Aleksandrina Mihaylova in Carolina, Valentina Pluzhnikova in Fidalma, Jorge Martinez nel Conte Robinson e Brayan Ávila Martinez in Paolino. La bravura degli interpreti si è evidenziata oltre che nelle voci, tutte all'altezza, anche nell'esternazione attoriale. La messinscena in chiave moderna di Irina Brook, nella valida e varia scenografia e nei costumi di Kinmonth, ben evidenziati dalle luci di Filibeck, ha dato un apporto teatrale di immediato impatto comunicativo, sinergico alle musiche di Cimarosa, musiche che hanno anche frangenti di evidente bellezza estetica. Ma probabilmente la dominante teatralità del lavoro è quella che ha convinto di più il numerosissimo pubblico che ha tributato al termine fragorosi applausi a tutti i protagonisti ed anche ai numerosi attori-mimi spesso fondamentali nelle divertenti situazioni. Ottima quindi la direzione orchestrale e le note di clavicembalo di Eric Foster. Uno spettacolo altamente consigliabile. Prossime repliche per il 10-13-19 settembre. ( Foto di Brescia e Amisano Archivio Scala)

8 settembre 2022 Cesare Guzzardella

7 settembre 2022 Cesare Guzzardella

5 settembre 2022 Cesare Guzzardella

Musica splendida quella di Igor Stravinskij per i due balletti di Wayne McGregor in scena in questi giorni al Teatro alla Scala. Le bellissime coreografie che il regista e coreografo britannico ha recentemente realizzato sono AfteRite e Lore. Il primo per la prima volta in scena in Italia, dopo le rappresentazioni del Metropolitan di New York del 2018; il secondo, in prima assoluta mondiale, è una nuova produzione scaligera. Due lavori differenti, che trovano nelle timbriche dei capolavori stravinskiani quali Sacre du printemps e Les noces un punto d'unione. Il Sacre venne composto nel 1913 e Les noces nel 1923. Hanno in comune le ostinate poliritmie pagane, sapientemente dosate dal grande musicista russo per realizzare una varietà di timbriche divenute celebri soprattutto nel primo lavoro orchestrale. Nel secondo brano, quello più raramente eseguito ma di incredibile resa musicale, la formazione strumentale cameristico-corale prevedeva la presenza di ben quattro pianoforti, con altrettanti pianisti quali Davide Cabassi, Giorgio Martano, Andrea Rebaudengo e Marcello Spaccarotella. Il Coro preparato splendidamente da Alberto Malazzi, ha trovato anche quattro incisivi timbri solistici nelle voci del soprano Karine Babajanyan, del mezzosoprano Olga Savova, del tenore Vasili Efimov e del basso Alexei Botnarciuk, ai quali si aggiunge anche Alberto Rota, basso profondo del Coro. Il grande coreografo ha realizzato un' altrettanta varietà d'interventi particolarmente efficaci per il corpo di ballo, con parti solistiche, di coppia e di gruppo in entrambe le coreografie. La direzione musicale eccellente di Koen Kessels, alla testa dell'Orchestra del Teatro alla Scala per AfteRite e dell'ampio gruppo strumentale e corale per Lore, è stata in perfetta sinergia con la splendida componente coreografica. In AfteRite il ritorno di Alessandra Ferri quale personaggio centrale del numeroso corpo di ballo è stato eccellente sotto ogni profilo, apprezzato al termine dal pubblico con applausi particolarmente fragorosi. La riuscita coreografica di entrambi i lavori ha trovato il fondamentale supporto delle scene e dei costumi di Viki Mortimet, nelle perfette illuminazioni di Lucy Carte per AfteRite e di Jon Clark per Lore. Nel secondo lavoro sono risultate importantissime la realizzazioni grafica e di Film design di Ravi Deepres per una varietà di effetti perfettamente integrati e di raffinata resa visiva. Ricordiamo almeno qualche nome degli ottimi solisti che hanno portato al successo le rappresentazioni già effettuate tra cui la sesta, da me vista. Oltre la straordinaria Alessandra Ferri, Marco Agostino, Martina Arduino, Caterina Bianchi, Nicola Del Freo, Christian Fagetti, Maria Celeste Losa, Valerio Lunadei, Mattia Semperboni, Gioacchino Starace, Virna Toppi, Navrin Turnbull, Rinaldo Venuti in AfteRite e Timofej Andrijashenko, Claudio Coviello, Agnese Di Clemente, Domenico Di Cristo, Nicoletta Manni, Alice Marianiin Lore. Questa sera settima ed ultima messinscena. Da non perdere! Dal 9 al 16 luglio ritorna Giselle. (Foto di Brescia e Amisano dall'Archivio Scaligero).

7 luglio 2022 Cesare Guzzardella

L'ottima iniziativa denominata Pianotime, pensata dai docenti di pianoforte del Conservatorio "G. Verdi" di Milano, ha trovato riscontro nel successo della splendida serata svoltasi ieri sera nel chiostro del Conservatorio. Sette giovani pianisti, tra i migliori dell'importante Istituzione musicale italiana, hanno offerto un saggio delle loro qualità interpretative, offrendo al numerosissimo pubblico intervenuto alcuni brani di un vasto repertorio che spaziava da Beethoven sino a Prokofiev e Gershwin. In ordine di salita sul palcoscenico abbiamo ascoltato: Elisabetta Galindo Pacheco, Margherita Righetti, Andrea Canino, Edoardo Braga, Giorgio Paolo Nicita, Sonia Candellone e Virgilio Volante. Tutti bravissimi! Da segnalare comunque alcuni brani particolarmente convincenti, a mio parere, ad iniziare dai tre Intermezzi op.18 di Brahms (n.1-2-4) interpretati con sicurezza ed equilibrio dalla Galindo Pacheco, alla rara Ballade di Claude Debussy eseguita con disinvoltura dalla Righetti; di ottima resa espressiva l'Allegro in si minore op.8 di Schumann eseguito dal giovanissimo Andrea Canino dopo un buon Liszt ( Un sospiro). Tra gli ultimi saliti sul palcoscenico eccellente la resa disinvolta ed espressiva di Sonia Candellone nei virtuosistici Sarcasmes op.17 di Prokofiev e di valida estroversione ed equilibrio formale la conclusiva Rhapsody in blue di George Gershwin interpretata da Volante. Ottima dunque la serata, che troverà una cadenza bimensile di altri saggi pianistici nella Sala delle conferenze della biblioteca del medesimo Conservatorio.

6 luglio 2022 Cesare Guzzardella

Doveva esserci Daniel Trifonov alla Scala. All'ultimo minuto non potendo venire, è stato rimpiazzato da un altro grande del concertismo mondiale. Il russo Arcadi Voldolos, venuto in febbraio in Conservatorio, ha pensato bene di rifare il medesimo concerto, con solo alcuni dei cinque bis differenti. Certamente le qualità espresse sono state ancora di altissimo livello ed hanno reso pienamente soddisfatto il pubblico presente in teatro. Rimane il fatto di aver mantenuto lo stesso impaginato, cosa assai diffusa tra molti fuoriclasse del pianismo mondiale, che girano per un anno le sale concertistiche con il medesimo programma. A parte questo, dobbiamo ribadire il giudizio espresso in febbraio ascoltando prima Schubert con la corposa Sonata in re maggiore D 850 , un lavoro scritto in età matura dal viennese, precisamente nel 1825. La classicità della sonata si articola in quattro movimenti ricalcando il sonatismo beethoveniano, ma introducendo una varietà melodica tipica solo del viennese. Volodos si è rivelato anche ieri sera un eccellente interprete schubertiano, capace di una straordinaria discorsività mediata da un peso delle dinamiche espresse in modo esemplare. Passando da una leggerezza quasi impercettibile dei pianissimo, sino alle robuste esternazioni dei momenti più concitati. La chiarezza espressiva si è rivelata con timbriche forse ancor più scavate e di luminosa resa espressiva. Dopo il breve intervallo il tutto Schumann riproposto evidenziava prima le Kinderszenen op.15 e poi la Fantasia in do maggiore op.17. Questa volta, distanziando le due opere da applausi e da una fugace uscita dal palcoscenico, - cosa che in Sala Verdi non era avvenuta avendo eseguito le due opere senza interruzione- Volodos ha espresso ancor più profondità espressiva nella celebre raccolta dei tredici brevi brani dedicati ai giovanissimi, con alcune vette di esemplare resa interpretativa. Ha poi ridefinito con grande maestria i tre grandi movimenti che compongono la Fantasia in do maggiore op.17, resa con virtuosismo mediato da grande capacità riflessiva ed estemporanea resa discorsiva. Momento di grande pianismo quella dei cinque bis, ancora una volta concessi. Partendo dal noto Vogel als Prophet dall'op.82 di Schumann arrivando a Liadov col Preludio op.40 n.3 in re minore, a Scriabin con il Poéme op.71 n.2 e a conclusione il Mompou della Musica Callada dal vol.4, Lento. Interpretazioni memorabili. Applausi intensi in un teatro con purtroppo molti posti liberi.

4 luglio 2022 Cesare Guzzardella

Il pianista turco Fazil Say è finalmente ritornato in Sala Verdi in Conservatorio per la Fondazione La Società dei Concerti, recuperando una serata che avrebbe dovuto svolgersi nel mese di marzo. Da anni ascoltiamo Say nel repertorio classico e anche nel suo, essendo un affermato compositore. Le due attività, quella d'interprete e quella di compositore, sono legate da una personale visione della musica che rendono l'artista certamente unico per modi interpretativi e compositivi. Molto conosciuto nella sua terra d'origine, Say ha acquisito notorietà in Italia e in Europa grazie anche ad alcune pecurialità stilistiche e gestuali che hanno dato a lui un apprezzamento interessante di musicista 'trasversale", aperto al jazz e alle melodie tonali ricche di innovazioni timbriche. Generalmente anche un pubblico più giovane del consueto segue i suoi concerti, come del resto accade per un altro interprete e compositore quale l'italiano Giovanni Sollima. I due, attraverso due strumenti diversi, il violoncello per il musicista siciliano, hanno in comune un modo molto mediterraneo d'intendere la musica e un medesimo approccio "creativo" nell'eseguire la musica classica. Nel bellissimo concerto, ascoltato ieri, due lavori sono stati eseguiti senza intervallo, ed hanno trovato grande successo al termine delle rispettive esecuzioni. Le celebri Variazioni Goldberg di J.S Bach hanno occupato la parte più cospicua della serata, mentre il recente brano di Say, Yeni hayat - Nuova vita (2021), la parte conclusiva. Le ottime Goldberg di Say hanno avuto una restituzione decisamente personale e di ricca esternazione, sino dalla celebre Aria iniziale - ripetuta a conclusione - eseguita con luminosa introspezione. Le trenta Variazioni erano giocate su una varietà di contrasti molto efficaci, dove le timbriche, all'occorrenza accentuate e accellerate, oppure distese e riflessive, con infinite gradazioni dinamiche, hanno dato vita ad un lavoro dove il carattere "improvvisatorio", di chi però ha completamente interiorizzato il materiale, risulta evidente. Le poche imprecisioni, in alcune ultime variazioni, non hanno certo influito sulla qualità interpretativa complessiva sempre di alto livello. La componente gestuale, elemento centrale nelle sue composizioni, trova anche una valida importanza nei brani classici, e anche in questo valido Bach. Say tende ad eseguire l'evento sonoro "vedendolo" spazialmente e sottolineando le frasi con gesti, apparentemete scomposti, ma invece perfettamente funzionali alla resa esecutiva. Dopo le ottime Goldberg, la sua recente Sonata per pianoforte op.99 "Yeni hayat" -poco più di dieci minuti la sua durata- ha ritrovato il suo tipico personale stile compositivo e la sua lucida sintesi discorsiva, inserità in un'unità espressiva di eccellente qualità. Gli effetti sonori iniziale sulle corde, nella cassa di risonanza e altri artifizi sono tipici in Say. Il brano, ricco di suggestioni coloristiche, utilizza tutta l'estensione della tastiera, in un contesto di riverbero sonoro che da spazialità e orchestralità al lavoro. La gestualità dell'interprete integra perfettamente il risultato sonoro in una performance che comunque deve essere anche osservata per meglio intenderne la valenza artistica complessiva. Applausi sostenuti al termine del brano, con molto pubblico entusiasta in piedi e come bis, ancora un suo brano dal carattere più melodico, con il suo gusto tipico "alla francese".

9 giugno 2022 Cesare Guzzardella

Il ritorno di Riccardo Chailly al Teatro alla Scala, dopo la breve pausa, per le ragioni di salute che non gli hanno permesso il podio per l'opera Un ballo in maschera, è stato accolto con entusiasmo dal numerosissimo pubblico intervenuto alla Stagione Sinfonica per ascoltare l'Orchestra e il Coro del Teatro alla Scala in musiche verdiane. Il programma, ricco di brani tratti dalle maggiori opere del musicista di Roncole, prevedeva Sinfonie, Cori, Ballabili e Preludi riferiti a ben nove opere quali Nabucco, I Lombardi alla prima crociata, Ernani, Don Carlo, Macbeth, Trovatore, La forza del destino, Aida e Simon Boccanegra, quest'ultimo proposto nel bis. Nella prima replica, ascoltata ieri sera, l'effetto scenico della grande Orchestra del Teatro alla Scale e dell'imponente Coro scaligero, preparato e coordinato magistralmente da Alberto Malazzi, era proporzionato all'impetuosa e pregnante musica del grande operista, che nella complessiva esternazione dei diciotto momenti sinfonico-corali, ha reso evidente il suo caratteristico e unico linguaggio melodico, votato anche alla grande musica orchestrale e corale. Alternando il maggior numero di celebri brani a pochi altri meno popolari, si è iniziato dalla Sinfonia, Gli arredi festivi e il Va', pensiero del Nabucco per arrivare alle pagine conclusive col Gloria all'Egitto e Iside dell'Aida. Un arco di tempo di oltre quarant'anni di composizioni che hanno evidenziato il genio verdiano e l'attitudine verdiana esternata con passione ed abilità dal direttore milanese, per una resa orchestrale e corale di altissimo livello, nelle quasi due ore di musica complessiva interpretata con rigore e taglio netto e preciso. Ricordiamo, come annunciato anche dal direttore, che le serate saranno registrate da Decca che le pubblicherà in disco nel 2023, in vista dei 210 anni dalla nascita del grande compositore. Mercoledì, 8 giugno, seconda e ultima replica di una serata assolutamente da non perdere. (foto di Brescia e Amisano a cura del Teatro alla Scala)

7 giugno 2022 Cesare Guzzardella

5 giugno 2022 Cesare Guzzardella

Un giusto equilibrio tra musica e teatro è lo spettacolo visto in una delle sale del Teatro Elfo-Puccini per il Festival Milano Musica. Le particolari timbriche del russo Dmitri Kurliandski hanno evidenziato la pièce teatrale Eurydice, une expérience du noir, dove il soprano Jeanne Crousaud nel ruolo di Eurydice, anche elegante attrice, il mimo-attore e poco danzatore, Dominique Mercy in Orfeo e la pianista Bianca Chillemi rendevano scenico il testo tratto dal poema di Nastya Rodionova. La valida regia di Antoine Gindt ha trovato gli adeguati rapporti di movimento tra i due principali protagonisti inserendoli in un contesto dove i toni cupi - con un inizio completamente al buio- tratteggiano il dramma umano di incomunicabilità tra la giovane e bella Eurydice e l'anziano e trasandato Orfeo. La musica di Kourliandski, tra effetti elettronici derivanti dalle lontane esperienze di musica concreta-elettronica degli anni '50 e l'eccellente vocalità narrativa _alla Berio- dell'ottimo soprano -vocalità completate da componenti registrate in un tutt'uno timbrico di eccellente fattura- , riesce ad integrarsi in modo unitario con la scena teatrale in un contesto di decadenza e chiusura che segnano l'incapacità di comunicazione. Interessante anche la scansione del tempo con quelle poche note scandite quasi ossessivamente dalla brava pianista Chillemi. Dopo la prima rappresentazione assoluta avvenuta a Reggio Emilia, anche questa seconda milanese, perfettamente inserita nel progetto del Festival Milano Musica, denominato Suoni d'ombra, ha trovato ottimo riscontro dal numeroso pubblico intervenuto. Peccato non ci siano repliche. Molto interessante.

1 giugno 2022 Cesare Guzzardella

14 maggio 2022 Cesare Guzzardella

Ottimo concerto quello di ieri sera con l' Orchestra de I Pomeriggi Musicali. La valida direzione di Jacopo Brusa proponeva tre brani differenti per genere e periodo di realizzazione. Partendo dal recentissimo Arcane, per orchestra di fiati, prima esecuzione assoluta di un lavoro di Alessandra Ravera, siamo andati a ritroso nel tempo con la Ballata per pianoforte e orchestra Op.19 di Gabriel Fauré, sino alla celebre Sinfonia n.7 op.92 di L.v. Beethoven, eseguita dopo il breve intervallo. Il brano cameristico della compositrice romana Alessandra Ravera (1977), allieva anche di Azio Corghi e di Ivan Fedele, è di particolare interesse per qualità espressiva. L'organico per strumenti a fiati, sostenuti anche dalle percussioni, si dipana per circa dodici minuti di musica esprimendo suggestive ed efficaci timbriche giocate sulle relazioni degli strumenti a fiato, tra interventi individuali, a piccole sezioni, e ampie coralità. La solida impalcatura costruttiva e gli efficaci interventi melodici dei bravissimi fiati de I Pomeriggi, hanno permesso armonizzazioni piacevoli al primo ascolto, con timbriche dal sapore orientale e di evidente valida resa espressiva. Applausi del numeroso pubblico anche alla compositrice salita sul palcoscenico. La Ballata per pianoforte e orchestra in fa diesis maggiore del francese Fauré è una delizia alle orecchie più attente. La leggerezza melodica del bravissimo compositore è solo la parte superficiale di un lavoro raffinato, giocato su armonizzazioni splendide dal punto di vista costruttivo. Non si poteva trovare meglio di Alessandro Deljavan ad esprimere l'importantissimo ruolo pianistico. Deljavan, affermato interprete internazionale, ha reso in modo particolareggiato e profondo il delicato gioco melodico, ricco di intrecci, della Ballata. È stato ben coadiuvato dagli orchestrali e dall'attenta direzione di Brusa. Splendida interpretazione. Di eccellente qualità il bis concesso dal solista con la preziosa Mazurca Op.17 n.2 in mi minore di F. Chopin resa con grande espressività. Dopo il raro Fauré, la celebre Settima Sinfonia di Beethoven ha trovato una direzione energica in Brusa per una valida restituzione degli orchestrali de I Pomeriggi, bravi in ogni sezione. Applausi sostenuti dal numeroso pubblico intervenuto. Sabato alle ore 17.00 si replica. Da non perdere.

13 maggio 2022 Cesare Guzzardella

Il pianista goriziano Alexander Gadjiev è salito alla ribalta internazionale con la recente importante seconda posizione al prestigioso Concorso Internazionale Chopin di Varsavia del 2021. Ieri sera, nel bel concerto organizzato da Serate Musicali in Conservatorio, ha dato saggio delle sue qualità d'interprete del grande polacco impaginando un programma romantico che dedicava a Chopin la prima parte del concerto. La Polacca Fantasia in la bem.maggiore op.61 introduceva la serata ed evidenziava da subito la cifra stilistica del giovane interprete: le indubbie qualità tecniche e le timbriche sfumate ben evidenziate ben si addicevano all'Op.61 di Chopin, tra le polacche quella più visionaria e suggestiva. Le Tre Mazurche op.56 continuavano il concerto in un unicum espressivo in sintonia con il primo brano. La personalizzazione interpretativa di Gadjiev, certamente di ottima fattura, è lontana da quelle dei grandi interpreti storicizzati, quella dei Cortot, dei Rubinstein, di Lipatti o dei più vicini Pollini e Zimerman,- solo per citarne alcuni tra i massimi - e vuole cercare nuovi orizzonti, cosa non facile da apprezzare nell'immediato per chi ha orecchie abituate a riferimenti entrati nella storia interpretativa. Certamente Gadjiev ha espresso frangenti con ottimo stile e valida creatività musicale. Anche nella celebre Sonata n.2 in si bem.minore op.35, Gadjiev ha articolato momenti particolarmente rilevanti pur non facendo emergere, al primo ascolto, una chiara unità interpretativà. Dopo il breve intervallo, un altro grande romantico come Schumann e la sua Fantasia in do maggiore op.17 ha trovato una complessiva notevole resa espressiva. Dalle prime efficaci note del celebre lavoro è continuata un'esternazione di ottimo livello. Molto applaudito dal pubblico intervenuto in Sala Verdi, con molti giovani presenti, Gadjiev ha concesso poi tre bis certamente di qualità: il Preludio in do diesis minore op.45 di Chopin, un eccellente Debussy con lo Studio n.11 per arpeggi e l'ottimo Studio op.10 n.8 in Fa maggiore ancora del polacco. Fragorosi e meritati applausi. Un pianista da riascoltare con attenzione.

10 maggio 2022 Cesare Guzzardella

"La Verdi", con la nuova denominazione Orchestra Sinfonica di Milano, ha visto in questi giorni la direzione di Hannu Lintu per due brani sinfonici importanti quali il Concerto per pianoforte e orchestra n.3 Sz. 119 di Belá Bartók e la Sinfonia n.3 in mi bem. maggiore op.97 "Renana" di Robert Schumann. Il primo lavoro del compositore ungherese, ascoltato alla replica domenicale, è un brano maturo composto da Bartók negli Stati Uniti nel 1945 ed eseguito per la prima volta nel '46 a Philadelphia per la direzione di Eugene Ormandy, purtroppo mai ascoltato dal grande musicista, deceduto poco dopo la quasi completa realizzazione ( mancavano solo 13 battute completate poi dagli appunti da Tibir Serly) . Un ottimo pianista quale il milanese Luca Buratto ha sostenuto la parte solistica avendo chiarissimamente in testa la visione completa del difficile brano, caratterizzato da grande virtuosismo ma anche da momenti di pacato lirismo come nell'intenso Adagio religioso centrale. L'ottima direzione del finlandese Hannu Lintu, con resa chiara in tutte le sezioni orchestrali, ha sostenuto con efficacia l'eccellente interpretazione di Buratto, in un lavoro caratterizzato da una scrittura tonale ricca di contrasti, dove soprattutto l'elemento ritmico costruisce fraseggi articolati, marcati moto bene dal solista, con perfezione tecnica e discorsività profonda. Applausi calorosi ai protagonisti e ottimo il bis solistico con l'amato Schumann ed il primo dei Fantasiestucke op.12. La seconda parte del concerto ci ha portato indietro di quasi cento anni, al romanticismo di Robert Schumann e la sua Quarta Sinfonia "Renana" op.97. Si tratta di un lavoro maturo del compositore tedesco composto nel 1850 che si sviluppa in ben cinque movimenti, una rarità per il genere trattato. La direzione dirompente di Lintu ha reso molto bene i caratteri schumanniani, attraverso una restituzione fluida e di ottima qualità espressiva da parte della Sinfonica di Milano. Applausi calorosi al termine ai protagonisti.

Ieri sera, sabato 7 maggio la XXIV stagione del Viotti Festival, ormai vicina alla conclusione, ha proposto, nella sala del Teatro civico di Vercelli, un concerto che vedeva in programma due pagine tra le più note dell’intera storia della musica: il Concerto per violino e orchestra in mi minore op.64 di F. Mendelssohn-Bartholdy e la sinfonia n.3 in mi bem. maggiore op.55, universalmente celebre come l’”Eroica” di L. van Beethoven. A eseguire questi due immortali capolavori la ventenne violinista Giulia Rimonda e il Maestro Emmanuel Tjeknavorian, che sempre più spesso lascia l’archetto del violino per la bacchetta di direttore, in questa occasione alla guida della Camerata ducale. Avevamo già avuto modo di apprezzare Giulia Rimonda in un recente recital cameristico di elementi della Camerata ducale junior, in cui ci aveva colpito la già matura autorevolezza interpretativa, unita ad una scioltezza e sicurezza assolute nei passaggi più ardui di abilità: uscimmo da quel concerto con una certezza e con un desiderio: la certezza che la giovanissima Rimonda è già più che una semplice promessa e il desiderio di riascoltarla il più presto possibile. Il concerto di ieri sera ha appagato il desiderio e confermato pienamente le certezza. Giulia Rimonda ha ormai maturato un suo suono, calibrato e tornito con cura, tanto nei legati quanto negli staccati, fatto di energia, di morbidezza e duttilità davvero notevoli nel controllo delle dinamiche, con un timbro che imprime alle note chiarezza e calore, sostenuto da una perfetta intonazione, come ci assicura la somma autorità di uno dei suoi Maestri, S. Accardo La cavata è sempre fluida, limpida, tale da consentirle un fraseggio che con naturalezza sale dalle note più gravi sino ai vertici di siderali sovracuti, un fraseggio che è un incessante fervore di impulsi ritmici e melodici. Più che convincente la sua interpretazione del Concerto di Mendelssohn. Fin dall’apertura, in seconda battuta, dell’Allegro molto appassionato, la giovane violinista torinese trova la ‘sua’ chiave esecutiva, in unità con l’orchestra, per dare voce alla tensione che impronta questa sezione del concerto, non come scomposto sentimentalismo, o ansimante respiro della cavata, ma piuttosto come un anelito struggente che si esprime al meglio, in particolare quando suona a doppia corda, nel dare voce all’espansione ascendente della melodia, coi suoi guizzi che, muovendo dai registri gravi, si protendono all’acuto e al sovracuto, quasi attratti dal richiamo di un ignoto al di là del suono stesso. E’ una sezione ricca di figurazioni, che l’archetto di Giulia Rimonda rende con accurata incisività nel dettaglio, altra virtù dello stile esecutivo di questa violinista. Più che il ritmo in sé, Rimonda ci è sembrata ricercare e valorizzare i ‘vertici di tensione’ che questo capolavoro dissemina nei momenti più coinvolgenti del primo tempo, ed è davvero brava nella sezione in cui, alla ripresa del primo tema dopo l’esposizione del secondo, il violino deve suonare, quasi protendendosi, per ben tre volte una nota tenuta, nel registro sovracuto: qui il sentimento che la solista comunica all’ascoltatore non ha nulla di drammatico, o addirittura di straziante, come per molti interpreti, ma è avvolto da un indicibile ‘non so che’, una sorta di ‘sete di infinito’, perfettamente romantica. Ma Rimonda sa dare anche voce adeguata all’altra componente di questo stupendo concerto, quella più affabilmente e teneramente melodica delle due sezioni esterne del secondo movimento: il violino qui sa passare dall’energia e dalla tensione al canto puro, di intensa liricità, in cui peraltro la calma dell’andamento ritmico lascia filtrare talora un che di palpitante, quasi commovente, per poi cambiare ancora suono nella sezione centrale del movimento, con un vibrato su doppia corda, che ascende gradualmente, con superba gestione delle dinamiche di crescente intensità, fino a congiungersi in un magico accordo con il tutto dell’orchestra, come in una sorta di trionfale rivelazione. Naturalmente queste preziose qualità di intelligente interprete sono sorrette da un virtuosismo che le permette di affrontare senza sforzo, e con assoluta precisione i passaggi più impervi del concerto mendelssohniano e in particolare il quarto tempo, un Rondò sonata dai passaggi vorticosi, per rapidità di ritmi, ampiezza di intervalli e quant’altro. Davvero strameritati i lunghissimi e appassionati applausi del numeroso pubblico presente, cui Giulia Rimonda ha concesso, come fuori programma, una appassionata e malinconica melodia della tradizione popolare ucraina. Il concerto per violino di Mendelssohn non fa dell’orchestra un semplice sfondo di accompagnamento per l’esibizione virtuosistica del solista: all’opposto di Paganini, Mendelssohn propone una continua interazione dialogica tra orchestra e strumento, che tendono a integrarsi, più che a contrapporsi. E Tjeknavorian ha svolto egregiamente il suo ruolo, curando al meglio i dettagli timbrici e dinamici, staccando i tempi giusti, sostenendo perfettamente la solista nei momenti di maggior tensione della partitura, con una ben calibrata energia di suono, che non ha mai coperto il suono dello strumento solista. A Tjeknavorian è poi toccato dirigere uno dei monumenti sacri della musica occidentale, l’Eroica. E’ davvero difficile, oggi, dopo più di due secoli di esecuzioni, al ritmo di centinaia all’anno con l’avvento della registrazione, dire qualcosa di ‘nuovo’ su questo mostro sacro della musica. A nostro avviso il Maestro austro-armeno ha eseguito bene, facendo suonare al meglio la Camerata ducale: ne è uscita un’Eroica dalla sonorità compatta, ma con colori diversi per i quattro movimenti, (molto ben riuscito per scelta metronomica e alleggerimento del suono lo staccato degli archi e la successiva ripresa dell’oboe, che aprono lo Scherzo, dopo la Marcia funebre) e densa, grazie anche ad una buona conduzione dei fiati, anche nel dare ‘peso’ e densità al suono orchestrale coi loro raddoppi d’ottava. Volendo indicare uno dei momenti migliori della direzione di Tjeknavorian sceglieremmo il fugato del secondo movimento, dove al direttore riesce perfettamente di unire alla densità contrappuntistica della sezione un velo di accorata malinconia di fronte al mistero del dolore universale. Buona la gestione delle dinamiche, che eccelle nel gigantesco respiro dell’inizio e nella cura dei dettagli timbrici e motivici , che dà il meglio di sé nell’immenso sviluppo dell’iniziale Allegro con brio. Un gran bel concerto, che ha riscosso, a giudicare dai lunghi applausi del pubblico quasi al completo, un notevole e meritatissimo successo. Un’altra serata di buona musica che fa onore alla Camerata ducale, al suo ViottiFestival e a chi li organizza e li dirige, specie in tempi così difficili per la musica, l’arte, la cultura tutta.(Foto dall'ufficio stampa di Vercelli)

Bruno Busca 8 maggio 2022

7 maggio 2022 Cesare Guzzardella

Una Scala al completo per l'ultima replica di Ariadne auf Naxos, testimonia il successo per un'opera di Richard Strauss non facile musicalmente e giocata soprattutto sulle abilità vocali e attoriali dei protagonisti. Un'orchestra di ristrette dimensioni, con molti frangenti cameristici, ben delineava gli sviluppi contenutistici del libretto di Hugo von Hofmannsthal e le efficaci voci presenti in scena. La valida direzione di Michael Boder ha dato buona energia alla riuscita regia di Sven-Eric Bechtolf, alle originali scene di Rolf Glittenberg, ai colorati costumi di Marianne Glittenberg illuminati dalle luci di Jürgen Hoffmann. La messinscena complessivamente ha rivelato un'unità d'interventi che hanno reso vitale un'opera complicata nei contenuti, che trova un valido compromesso tra situazioni drammatiche e divertenti. Le due compagnie teatrali presenti nella vicenda si sono ben amalgamate per restituire teatralità all'elegante costruzione scenica. Le ottime voci presenti erano quelle di Sophie Koch, splendida in tutti i registri di Der Komponist, di Markus Werba, valido Ein Musiklehrer, di Krassimira Stoyanova, ottima Ariadne, di Erin Morley, con ottima intonazione e perfetta attorialmente nel ruolo di Zerbinetta, di Stephen Gould, un adeguato Bacchus. Ottimo il terzetto delle Ninfe e bravissimi tutti gli altri. Ricordiamo la prossima opera in cartellone presente da questa sera con il verdiano Un ballo in maschera. Repliche per il 7, 10, 12, 14, 19, 22 maggio. Da non perdere. ( Foto di M. Brescia e R. Amisano dall'Archivio del Teatro alla Scala)

4 maggio 2022 C.G.

Oggi, primo maggio, è iniziata l'undicesima edizione di "Palazzo Marino in Musica", rassegna musicale organizzata dal Comune di Milano che propone una serie di concerti domenicali offerti alla cittadinanza milanese alle ore 11.00. L'offerta musicale di quest'anno indagherà sul rapporto tra musica e matematica, sia nei rapporti consolidati tra arte e scienza che dal punto di vista dei nuovi sistemi di produzione musicali lagati al mondo digitale e al computer. Il primo concerto ha visto la presenza di due affermati interpreti quali il violinista Francesco Manara ed il pianista Andrea Bacchetti. Manara, oltre a svolgere un'intensa attività concertistica solistica, è noto per essere da trent'anni "spalla"- (primo violino), della prestigiosa Orchestra del Teatro alla Scala. Il genovese Andrea Bacchetti da decenni è riconosciuto come eccellente interprete del repertorio settecentesco, soprattutto quello di J.S.Bach. Una Sala Alessi gremita di appassionati ha attentamente ascoltato il programma proposto, denominato Tre!, che prevedeva brani di Händel, Mozart, Bartók, Bloch e Saint-Saëns. L'ottima intesa del duo ha messo in rilievo le qualità classiche di Bacchetti nel sottolineare con chiarezza esaustiva ed eccellente equilibrio le splendida linee melodiche del violino di Manara. La Sonara op.1 n.4 di Händel e la Sonata in si bem.maggiore K454 di Mozart hanno messo in rilievo l'equilibrio "matematico" del duo giocato su un'evidente chiarezza coloristica. Le celebri Danze popolari rumene di B.Bartók, Nigun, adagio non troppo di Ernst Bloch e Introduzione e Rondó capriccioso di Camille Saint-Saëns, hanno esaltato l'efficace virtuosismo di Manara, violinista attento ad ogni dettaglio, preciso nei perfetti sopracuti, e soprattutto molto espressivo, sostenuto bene dalle armonie pianistiche di Bacchetti. Splendido anche il bis concesso al termine con il celeberrimo brano Meditation dal Thais di J.Massenet eseguito con profonda espressività melodica. Applausi fragorosi dal pubblico in una sala al completo. Prossimo concerto denominato "La sintesi degli opposti" è previsto per il 5 giugno e troverà Tania Birardi al clavicembalo

1 maggio 2022 Cesare Guzzardella

Ieri sera al Teatro alla Scala, per la serie "Grandi pianisti alla Scala" è salito sul palcoscenico il duo femminile più celebre internazionalmente, quello formato dalle pianiste Katia e Marielle Labèque. Da decenni suonano anche da soliste, in formazioni cameristiche e spesso insieme, impaginando programmi diversificati, dove la tradizione classica si unisce sovente al Novecento e alla musica contemporanea, non rinunciando a volte a trasgressioni nel mondo pop e jazz. Il programma scaligero, presentato davanti ad un pubblico che riempiva il teatro, è un esempio di visione a 360 gradi della musica. Il classicismo di Schubert con la celebre Fantasia in fa min. D 940 per pianoforte a quattro mani è stato anticipato dal Claude Debussy dei Six épigraphes antiques per due pianoforti. Una musica, quella del francese, concepita nel 1901 che nasce dalla lettura di brevi versi poetici dell'amico Pierre Louýs. La traduzione pianistica è breve, poco più di tredici minuti di timbriche deliziose, dal sapore antico, eseguite magistralmente dalle due celebri sorelle, per un'unità sonora perfetta ed espressiva nei colori delicati e profondi. Il romanticismo schubertiano della celebre Fantasia in Fa minore è del 1828, l'ultimo anno di vita del genio viennese. Di notevole profondità e perfetta completezza formale, il brano è stato interpretato in modo introspettivo e senza eccessi dalle Labéque, per un'interpretazione di elevato valore artistico. E' con il bellissimo arrangiamento di Michael Riesman del corposo lavoro dell'americano Philip Glass, Les Enfants terribles, che la serata ha preso una piega più vicina ai nostri tempi. Il lavoro originario per balletto è del 1996, più recente la riuscita versione pianistica per due pianoforti. L'originario minimalismo di Glass trova in questo corposo lavoro formato da un' Ouverture introduttiva e da dieci brani, un'evoluzione particolarmente fantasiosa nelle sequenze di elementi ripetuti con infinite varianti. Le Labèque, conoscitrici profonde della musica di Glass, hanno restituito un'interpretazione accurata e intensamente espressiva, con perfetta sincronia delle parti. Applausi sostenuti e ben quattro bis concessi con il bellissimo Debussy iniziale a quattro mani di Le jardin féerique , ancora Glass, un brano in stile Boogie Woogie per due pianoforti e un'ultimo breve e divertente a quattro mani. Pubblico entusiasta e continue uscite sul palcoscenico con meritati applausi.

1 maggio 2022 Cesare Guzzardella

A volte le cose belle ritornano. Basterebbe questo per descrivere il concerto che sabato 7 maggio riporterà in scena Emmanuel Tjeknavorian nella veste di direttore e Giulia Rimonda in quella di violino solista – accompagnati dalla fedelissima Orchestra Camerata Ducale – al Teatro Civico di Vercelli (ore 21, concerto in abbonamento). Ritornano, proprio così. Perché Tjeknavorian è già stato in questa stagione ospite del Festival (per l'occasione come violinista), e perché entrambi si sono resi protagonisti nella scorsa edizione di un altro memorabile concerto. Questa è dunque una nuova tappa di un sodalizio artistico tra due musicisti giovanissimi, un concerto che dimostra come la genuina voglia di “fare musica” sappia davvero superare ogni confine: Giulia è infatti il talento di casa al Civico, dove ha debuttato in tenerissima età, ed Emmanuel parte dalla sua Vienna per portare la sua musica in mezzo mondo. Quando si è così giovani – lei è da poco ventenne, lui ventisettenne – un anno può fare una grande differenza. Non c'è dunque da stupirsi se, dopo un primo concerto già molto denso dal punto di vista musicale, in vista di questo appuntamento i due protagonisti hanno deciso di alzare ancora “l'asticella”, proponendo un programma di incantevole bellezza, ma indubbiamente di notevole impegno. La serata si aprirà infatti con Tjeknavorian a dirigere Rimonda in una vera e propria colonna del repertorio violinistico universale, ovvero il meraviglioso Concerto in mi minore op. 64 di Mendelssohn. Un'opera che richiese al suo autore ben sette anni di lavoro, e che riesce a incarnare mirabilmente quell'appassionato lirismo e quella capacità di rinnovare la tradizione che è il segno inconfondibile della grande musica romantica. A seguire, Tjeknavorian dirigerà l'Orchestra Camerata Ducale in un'altra composizione che possiamo definire “monumentale”, ossia la Sinfonia n. 3 di Beethoven, nota a tutti come l'Eroica. Opera sulla quale sono stati scritti fiumi di parole, e della quale possiamo ricordare ora che, sia per i contenuti musicali sia per la vicenda della dedica, prima concepita e poi negata, a Napoleone, rappresenta una svolta fondamentale nella definizione del ruolo dell'artista e del suo rapporto con la storia, con gli eventi, insomma con il mondo che lo circonda. Un concerto che rappresenta dunque uno dei momenti più significativi dell'intera stagione, e che si rivolge a tutti gli appassionati della grande musica, in particolare ai più giovani.

1 maggio 2022 dalla redazione

Una serata di particolare interesse quella di ieri sera in Auditorium con la Sinfonica Verdi e il direttore musicale Claus Perer Flor. Particolarmente attrattivo il brano di L.v. Beethoven con il suo Triplo concerto in Do maggiore per, violino, violoncello e pianoforte op.56, interpretato da tre giovani solisti affermati internazionalmente quali la violinista Francesca Dego, il violoncellista Edgar Moreau ed il pianista Filippo Gorini. Una composizione, quella del genio tedesco, concepita tra il 1803 e il 1804, con frangenti di altissima qualità espressiva, dove il concertato tra i tre solisti protagonisti raggiunge alte vette espressive. L'ottima direzione di Flor e l'avvincente restituzione orchestrale dell'Orchestra Verdi, ha esaltato gli interventi solistici con un violino, quello della Dego, perfettamente integrato con gli altri due strumenti e con rilevanti interventi solistici; con un violoncello, quello di Moreau, voluminoso e melodicamente efficacissimo e con un pianoforte, quello di Gorini, preciso e controllato nella perfetta sincronia d'intervento. L'unità d'intenti del trio e la resa complessiva hanno contribuito a rendere il concerto di alto livello espressivo. Il pubblico presente ha apprezzato l'esecuzione tributando al termine calorosi applausi e determinando le numerose uscite in palcoscenico dei protagonisti. Bellissimo il bis concesso dai tre virtuosi con un brano di Schumann dai Pezzi fantastici, il n.3, Duetto. Il concerto beethoveniano era stato anticipato da un cameristico lavoro di Mozart: la Serenata n.10 in Si bem. maggiore K361 "Gran Partita". Sette movimenti interpretati molto bene da undici strumenti a fiato e da un contrabbasso, tutti strumentisti della Verdi. Un'esecuzione accurata, nel tipico stile d'intrattenimento del genio salisburghese, per un brano concepito intorno al 1783. Applausi sostenuti. Questa domenica alle 16.00 la replica. Prossimo concerto invece per il 28 aprile, con repliche il 29 e il primo maggio. In programma le ultime tre sinfonie di Mozart. Da non perdere.

23 aprile 2022 Cesare Guzzardella

Uno dei più importanti interpreti di musica del '900 e contemporanea, ha portato in Conservatorio, in una serata organizzata dalla Società del Quartetto, la musica di Johann Sebastian Bach. L'impaginato prevedeva l'esecuzione completa del Libro Secondo BWV 870-893 del Clavicembalo ben temperato, monumento musicale del genio tedesco, che oltre ad avere uno scopo didattico, essendo universalmente eseguito dagli studenti di Conservatorio, rappresenta una delle più alte opere di Bach. I ventiquattro Preludi con le relative Fughe - oltre due ore la durata complessiva d'esecuzione - sono stati equamente distribuiti in due parti, separate dal breve intervallo. Pierre-Laurent Aimard, francese, classe 1957, non ha bisogno certo di presentazioni, essendo tra i massimi specialisti al mondo di Stockhausen, Ligeti, Benjamin, Boulez, e di molti altri grandi nomi riferibili al Secondo Novecento e prima di loro anche di Messiaen. Il fatto che oggi porti nelle sale da concerto la musica di Bach dimostra la molteplicità degli interessi di un pianista che da giovanissimo, a meno di vent'anni, divenne il solista della parigina Ensemble Intercontemporain. Come interprete bachiano ci ha stupito. Con una mirabile tenuta tecnico- espressiva ha elargito un'interpretazione di altissimo livello in tutti i ventiquattro brani, considerando il Preludio e la Fuga come elemento unitario. Stupisce la capacità di Aimard di modulare il linguaggio stilistico e l'espressività in ciascuno dei ventiquattro numeri, creando una varietà incredibile di possibilità d'approccio e rendendo sempre nuovo l'evento sonoro. Splendidi i Preludi, alcuni più celebri di altri, e ancor più mirabili le Fughe, interpretate con una chiarezza espositiva esemplare nel fare emergere le singole voci, i contrappunti e la complessa logica costruttiva del sommo Bach. Dai momenti di sobria riflessione di alcuni preludi alle repentine e leggere discorsività di altri, tutti ci sono apparsi di pregio, e le fughe, ricche di chiarezza e di accenti nell'esposizione del tema, hanno trovato un intreccio nelle ripetizioni tematiche con escursioni dinamiche esemplari. Un esempio di grande Bach quello di ieri sera, che grazie alle mani fatate di Aimard e alla sua intensità riflessiva ed espressiva, ha fatto trascorre le oltre due ore di musica rapidissimamente. Un concerto memorabile, per un interprete applaiditissimo dal pubblico presente in Sala Verdi. Splendido il bis concesso con un brano esemplare di Ligeti, Autunno a Varsavia - il n.6 dal primo volume di Studi- in perfetta concordanza con il Bach ascoltato per i livello delle strutture costruttive e polifoniche, anche se dal carattere tragico. Dedicato da Aimard alle vittime della tragica guerra in Ucraina, come da lui detto poteva essere titolato Autunno a Kiev o a Maripoul. Splendida serata.

5 aprile 2022 Cesare Guzzardella

Prossimamente a Vercelli

È tornato il Don Giovanni mozartiano per la regia di Robert Carsen. Sono passati oltre dieci anni dalla medesima messinscena, allora diretta da Daniel Barenboim. Nella rappresentazione vista ieri sera, la terza, il Teatro alla Scala al completo e gli applausi tributati al termine, testimoniano ancora una volta la riuscita complessiva di un'opera che trova nell'insieme degli interventi artistico-musicali la sua rilevante riuscita. A partire dalla direzione dello spagnolo Pablo Heras-Casado per una visione equilibrata della partitura, molto rispettosa delle voci e qualitativamente di rilievo interpretativo. Le scene minimali di Michael Levine e i validi costumi di Brigitte Reiffenstuel erano perfettamente funzionali all'ottima regia di Carsen- autore anche delle luci insieme a Peter Van Praet. Una regia studiata per dar corpo attoriale sostenuto alle voci. I protagonisti in palcoscenico, molto in movimento e spesso in unione con le comparse e l'ottimo coro preparato da Alberto Malazzi, hanno riempito le scene spesso spoglie con lo sfondo di grandi quinte che rappresentavano il teatro. Valido il gioco di specchi subentrato in alcune scene nei due lunghi due atti. Di ottima qualità il cast vocale, completamente diverso rispetto all'edizione del 2011 e alla ripresa del 2017. Hanno reso per timbrica e voluminosità tutti i cantanti, ad iniziare da Christopher Maltman, un Don Giovanni con voce perfettamente impostata ed efficace presenza scenica. Stessa validità per Alex Esposito, voce incisiva e presenza scenica brillante quella del suo Leporello, il più applaudito. Sul versante femminile decisamente di qualità Hanna-Elisabeth Muller, una Donna Anna di grande presenza con voce ricca di colori e impositiva nel porgerla. Ottima attrice. Di qualità Emyli D'Angelo, una Donna Elvirà elegante con timbro adeguato al ruolo efficace attorialmente. Valida Andrea Carrol, una piacevole Zerlina, con valida emissione ed intonazione e ben presente in scena. Ancora sul versante maschile, di eccellente fattura la timbrica di Bernard Richter, un Don Ottavio perfetto nel porsi. Bravo Fabio Capitanucci in Masetto e rilevante vocalmente Günther Groissböck un Comendatore impositivo in scena e anche dal palco centrale illuminato insieme a tutto il Teatro. Numerosi i riusciti fuori scena con movimenti anche tra il pubblico presente. Applausi fragorosi a tutti i protagonisti. Prossime repliche per il 2, 5, 10 e 12 aprile. Da non perdere! ( Foto di Brescia - Amisano dall'Archivio del Teatro alla Scala)

1 aprile 2022 Cesare Guzzardella

Una straordinaria intesa tra due strumentisti quella vista ed ascoltata ieri sera in Conservatorio al concerto organizzato da Serate Musicali. Gli estrosi musicisti, il violoncellista inglese Steven Isserlis ed il pianista finlandese Olli Mustonen, hanno trovato unione in quattro brani per violoncello e pianoforte, resi ottimamente con linguaggio personale ed estremamente espressivo. Iniziando con Felix Mendelssohn (1809–1847) e le Variazioni concertanti in re maggiore op.17, i due da subito sono entrati in sintonia: il pianista con la sua nota tecnica personale, brillante ed efficace, molto precisa nella pur evidente gestualità; il cellista con un'intensa melodicità in perfetta sinergia con le armonie pianistiche. Il virtuosistico brano, composto nel 1829 dal grande lipsiano, ha visto cambiamenti repentini nelle otto variazioni del delizioso tema iniziale, rese molto bene dal duo. Decisamente interessanti i due brani successivi. La Sonata per violoncello e pianoforte del pianista e compositore Olli Mustonen (1967) è del 2006 e, nei suoi quattro movimenti, - Misterioso, Andantino, Precipitato, Con visione - è un esempio felice di musica contemporanea, cosa non scontata. La scrittura, comprensibile, in ambito tonale con momenti di interessanti e ricercate dissonanze, rivela riferimenti storici che vanno da Stravinskij o Prokofiev a certo Messiaen ed altri ancora. La parte pianistica, ricca di virtuosismi espressi in modo chiaro da Mustonen, ha trovato appoggio dall'intensa melodicità di Isserlis, che è entrato perfettamente nel suo importante ruolo. Un ottimo lavoro, meritatamente apprezzato dal numeroso pubblico presente in Sala Verdi con applausi convinti. Il brano successivo, del ceco Bohuslav Martinů (1890-1959), ha destato altrettanto interesse ed è stato reso mirabilmente. La Sonata per violoncello e pianoforte n.3 è del 1952 ed è molto legata al folclore ceco. La costruzione, in tre movimenti, è nel tipico linguaggio del compositore che partendo dal neoclassicismo del primo Novecento , trova una personale modalità espressiva, resa bene dal duo. Il brano che ha concluso il bellissimo impaginato era quello più noto: la Sonata n.3 in la maggiore op.69 di L.v.Beethoven (1770-1827). Originalissima l'interpretazione del duo, con una personalizzazione, in senso virtuosistico e ritmico, valida e caratterizzante. Applausi sostenuti dal pubblico e un bis concesso con un brano intensamente melodico della compositrice francese Cécile Chaminade (1857-1954), Sommeil d'Enfant (1907).

22 marzo 2022 Cesare Guzzardella

Un cambio di programma, per motivi legati alla positività-covid, ha visto la sostituzione del gruppo cameristico Ensemble Festa Rustica che doveva presentare il recente Cd sul compositore Francesco Antonio Vallotti, con un ottimo interprete quale il ventiseienne pianista Diego Petrella. Di lui avevamo già parlato in occosione di un concerto del 2020 in Conservatorio. Vincitore del Premio del Conservatorio di Milano nel 2019 e di altri prestigiosi Concorsi internazionali, il bolognese Petrella ha ancora rivelato le sue ottime qualità eseguendo con maestria J.S.Bach. Mario Marcarini, musicologo, organizzatore e discografico, ha anticipato il breve concerto parlando di Bach e dei suoi contemporanei al numeroso pubblico intervenuto nella sala degli Amici del loggione della Scala. Petrella ha eseguito l' Ouverture in Stile francese n.1 in si minore BWV 831 con padronanza tecnica e rilevante espressività. Due i bis concessi prima con Scriabin e il Poema op.32 n.1 e poi Chopin con un Notturno . Applausi sostenuti da tutti i numerosi presenti e delizioso brindisi con un eccellente vino bianco.

21 marzo 2022 Cesare Guzzardella

21 marzo 2022    dalla redazione

Applausi meritati al Teatro alla Scala a conclusione della settima ed ultima rappresentazione dell'opera più celebre di Francesco Cilea (1866-1950), Adriana Lecouvreur. Cilea, nato a Palmi in Calabria, fu autore non fecondo, ma con l’Adriana ebbe notorietà internazionale. Questi ha il merito di aver composto un’opera, nel 1902, molto ricca di raffinate melodie, un passo avanti rispetto al Verismo e se pur con ambientazione settecentesca, con sonorità a volte decadenti non lontane da Wagner o da R.Strauss, ma soprattutto dal sapore pucciniano, con una componente orchestrale con rilevante valenza sinfonica. Sonorità che anche in un allestimento tradizionale, come quello visto ieri sera in un teatro gremito di pubblico, ha ancora una valida ragione di essere apprezzato. La riuscita messinscena, come spesso, accade è dovuta al complesso delle interazioni di tutte le componenti artistiche. La valida regia di David McVicar -ripresa da Justin Way-, le ottime scenogafie di Charles Edwards con i costumi settecenteschi di Brigitte Reiffenstuel, le adeguate luci di Adam Silverman e le corrette coreografie di Andrew George, hanno trovato unione con la riuscita componente musicale, dall'ottima direzione di Giampaolo Bisanti, al suo debutto scaligero e applauditissimo, al coro sempre eccellente di Alberto Malazzi e, naturalmente, al cast vocale che ci è apparso di alto livello, con una punta nella coinvolgente voce di soprano di Maria Agresta. Un'Adriana, la sua, bravissima anche attorialmente con bel timbro, chiaro e delicato ma all'occorrenza incisivo e voluminoso. Yusif Eyvazov è stato un Maurizio Conte di Sassonia vocalmente adeguato in tutti i registri con valide qualità attoriali. Notevole la presenza scenica di Judit Kutasi, una Principessa di Bojillon con voce molto voluminosa ma anche limpida e particolarmente ricca di espressività. Validi Alessandro Spina, adeguato Principe di Bouillon e Carlo Bosi, l’Abate di Chazeuil. Notevole Corbelli in Michonnet. Questi ha sostituito all'ultimo momento Ambrogio Maestri indisposto. La sua splendida capacità attoriale ha ben integrato la sua rilevante vocalità. Bravi tutti gli altri, ballerini compresi. Un'Adriana Lecouvreur che ha degnamente espresso il capolavoro teatrale di Francesco Cilea. Da ricordare! Prossima opera Don Giovanni, dal 27 marzo al 12 aprile con sette rappresentazioni. (Prime due foto di M. Brescia e Amisano- Archivio Scala)

È iniziata oggi la 16°edizione del Festival 5 Giornate dedicato alla musica contemporanea. Si svolge prevalentemente nel bellissimo spazio dedicato al Museo del Novecento di Milano per l'organizzazione musicale di Alessandro Calcagnile e di Rossella Spinosa. Oggi il programma prevedeva la presenza del gruppo cameristico New Made Ensemble in brani di Manzoni, Sani, Ambrosini, Solbiati, Fedele e Sciarrino. Paolo De Gaspari al clarinetto e Rossella Spinosa al pianoforte hanno introdotto il concerto con un lavoro significativo di Giacomo Manzoni del 1988, Frase per pianoforte e clarinetto. È un breve brano, ottimamente sostenuto dai due validi interpreti, dove le solide timbriche dello strumento a tastiera- con effetti anche nella cordiera- si alternano ai timbri ricercati del clarinetto, ricchi di effetti coloristici ottenuti con una ampia varietà di modi d'approccio ai timbri. Particolarmente valida l'interpretazione. Gli altri cinque brani erano per solo strumento solista. Prima il flauto contralto, con l'ottima Birgit Nolte impegnata in Dialoghi Migranti di Nicola Sani, un lavoro dove anche la gestualità è utile nel definire le soffici e discrete volumetrie, poi il clarinetto basso di De Gaspari per un corposo pezzo di Claudio Ambrosini denominato Capriccio, detto l'ermafrodita; quindi ancora il flauto con un brano di Alessandro Solbiati, "As if to land.." , lavoro che come il precedente si snoda utilizzando lo strumento in una gamma di possibilità totale tra suoni tondi ed effetti ben miscelati nella marcata linea compositiva. Di altrettanta efficacia il successivo brano, sempre per clarinetto basso, di Ivan Fedele denominato "High- memoriam Miles Davis". Vuole essere un omaggio al grandissimo trombettista e, la maggior melodicità del lavoro, se comparata ai brani precedenti, trova anche relazioni col mondo jazzistico. Precisa e dettagliata l'interpretazione. A conclusione un originale brano per flauto di Salvatore Sciarrino, Immagine Fenicia, suonato molto bene e caratterizzato da una sorte di note ribattute e ripetute quasi a creare un effetto eco. Applausi sostenuti ai tre interpreti al termine. Domani alle ore 17.30 il secondo appuntamento con brani di Sani, Castiglioni e Scelsi. Altri appuntamenti previsti i giorni successivi sino al 22 marzo, ultima delle 5 giornate di Milano. Da non perdere.

18 marzo 2022 Cesare Guzzardella

17 marzo 2022 Cesare Guzzardella

16 marzo 2022 Cesare Guzzardella

15 marzo 2022 Cesare Guzzardella

È tornato alla direzione dell'Orchestra Sinfonica di Milano "G.Verdi" Giuseppe Grazioli, direttore milanese che abbiamo molte volte ascoltato in repertori a lui cari, come quelli dedicati al compositore Nino Rota. Ieri sera due compositori francesi hanno animato il palcoscenico dell'Auditoriun di Largo Mahler: prima George Bizet con una selezione di suite da l'Arlésienne (1872), poi Francis Poulenc con La voix humaine( 1958),dal testo di Jean Cocteau che ricordiamo essere stato il riferimento del Gruppo dei Sei, di cui il compositore faceva parte. Due lavori molto diversi, che hanno in comune solo l'eleganza e la raffinatezza musicale tipica dei francesi. Il voluminoso impatto sonoro dell'Ouverture della prima serie di Suite ha rivelato subito la splendida musica di Bizet, giocata su un'evidente capacità d'orchestrazione delle bellissime melodie popolari che l'Arlésienne ritrova. La musica, negli otto momenti scelti per le due serie di suite, descrive con taglio deciso l’evoluzione dei personaggi della popolare vicenda ambientata in Camargue, nei pressi di Arles. Grazioli con una direzione decisa, esuberante e particolareggiata, ha plasmato ottimamente gli splendidi orchestrali della Sinfonica Verdi, rilevanti in ogni sezione dell'orchestra, una compagine spesso fragorosa nell'insieme, come anche nella seducente Marcia finale di Farandole, ma con momenti di pacato lirismo cameristico come nell'Andantino e nel Menuetto dalla seconda suite. Dopo l'intervallo c'è stato un deciso cambio di registro con la celebre piece per voce recitante e orchestra del secondo parigino, Poulenc. La semplice ed elegante messinscena era curata dalla regista Louise Brun, mentre protagonista in scena, il soprano francese Alexandra Marcellier. Nell'unico atto, la donna, raffinata ed elegante, è impegnata costantemente in una telefonata amorosa che alterna momenti affettuosi ad altri di crescenti contrasti, ricchi di tensione, sino alle parole finali con quell'affranto «Je t’aime» ripetuto più volte. Poulenc ha in modo geniale espresso musicalmente l'originale testo di Cocteau, e l'integrazione tra la voce, quasi sempre in recitazione ma con frangenti di alto lirismo vocale, e le pregnanti sonorità orchestrali, è emersa splendidamente grazie all'avvincente direzione di Grazioli e alle qualità attoriali e vocali della Marcellier. Una voce, la sua, con timbrica perfettamente adatta al ruolo de " La voix humaine ". Applausi fragorosi al termine con uscite ripetute dei protagonisti. Bravissimi. Domenica, alle ore 16.00, l'ultima replica. Assolutamente da non perdere.

12 marzo 2022 Cesare Guzzardella

Tre sono i validi motivi d'interesse per il concerto de I Pomeriggi Musicali ascoltato ieri sera e in replica sabato alle ore 17.00: la presenza di un direttore d'orchestra donna, cosa oramai pittosto frequente, ma che ancora incuriosisce; l'inserimento nell'impaginato di un brano di una compositrice che rarissimamente si ascolta; un giovanissimo pianista per un concerto mozartiano. Valentina Peleggi, che ricordiamo essere Direttore Musicale della statunitense Richmond Symphony Orchestra e Direttore Musicale Ospite in Brasile del Theatro de Opera São Pedro, ha infatti diretto l'Orchestra de Pomeriggi Musicali in tre brani tra i quali l'ultimo della francese Louise Farrenc (1804- 1875), con la sua Sinfonia n.3 in sol minore op.39. La Farrenc è stata all'epoca una celebre pianista di livello internazionale e come compositrice, autrice di brani pianistici, cameristici e di tre sinfonie riscoperte solo negli ultimi decenni. Il brano forse più atteso della serata è stato probabilmente il secondo con il Concerto n.13 per pianoforte e orchestra in do minore K 415 di W.A.Mozart per via del giovanissimo pianista milanese Antonio Alessandri, interprete quindicenne allievo di Davide Cabassi. Ad introdurre il concerto, l' Ouverture la Bella Melusina di F. Mendelssohn ha rivelato la spigliatezza del direttore nell'affrontare un brano tipico del musicista tedesco per energia profusa e naturale discorsività. L'ingresso sul palcoscenico del Dal Verme di Antonio Alessandri ha certamente destato interesse sia per la giovene età dell'interprete che per la scelta di un brano non facile del grande salisburghese. Antonio ha affrontato i tre movimenti con straordinaria disinvoltura, fornendo un'interpretazione di ottimo livello, con valida resa stilistica, tecnica fluida ben collaudata, sicurezza e grande musicalità. Certamente un pianista che va seguito nella sua evoluzione nei prossimi anni. Energico il bis concesso con lo Studio n.8 in fa maggiore op.10 di F. Chopin. La Sinfonia n.3 della Farrenc ha visto una valida interpretazione della trentanovenne direttrice. È un lavoro che risente molto dell'influenza beethoveniana con uno sguardo nel romanticismo soprattutto mendelssohniano. Notevole il terzo movimento, Scherzo.Vivace, di incredibile energia musicale e con una calibratissima resa dinamica. Applausi convinti a tutti i protagonisti. Come accennato, sabato la replica. Da non perdere.

11 marzo 2022 Cesare Guzzardella

10 marzo 2022 Cesare Guzzardella

Pianista affermato internazionalmente, il quarantanovenne inglese Paul Lewis ha scelto un impaginato diversificato per il suo recital tenuto ieri sera in Sala Verdi al Conservatorio milanese. La prevalenza di brani beethoveniani, con due celebri sonate quali la Patetica (1799) e l'Appassionata (1804-5), eseguite all'inizio e alla fine del programma ufficiale, rivela la passione per il genio di Bonn, compositore prediletto nella sua imponente discografia insieme a Schubert (non presente nell'impaginato). Tra la Sonata n.8 in do minore op.13 e la Sonata n.23 in fa minore op.57 di Beethoven, brani di Sibelius, Debussy e Chopin hanno messo in risalto ulteriori qualità dell'interprete. Valida l'interpretazione delle due sonate, con i momenti migliori nell'Adagio cantabile e nel Rondò nella Patetica e nell'Allegro ma non troppo nell'Appassionata. Abbiamo trovato rilevanti qualità espressive nelle rare Sei Bagatelle op.97 (1920) di Jean Sibelius ed eccellenti nel successivo Children's Corner (1906-8) di Claude Debussy, sei brani destinati a giovani interpreti di apparente facilità, resi da Lewis con una raffinata esposizione coloristica e un perfetto equilibrio costruttivo. Di buona fattura il suo Chopin con la Polonaise-Fantasie op.61 (1846). Due i bis concessi con un ottimo Felix Mendelssohn dalle Romanze senza parole, il n.1 op.19 e il n.3 op.53 eseguiti con fluida e raffinata discorsività. Applausi sostenuti dal numeroso pubblico presente i sala. Prossimo concerto il 15 marzo con il Quartetto Emerson.

9 marzo 2022 Cesare Guzzardella