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MAGGIO 2024

Un grande Luca Rasca alla "Primavera di Baggio"

È iniziato da pochi giorni il Festival Musicale milanese "Primavera di Baggio" e alla seconda data di programmazione abbiamo assistito al concerto del pianista Luca Rasca interamente dedicato a Johannes Brahms (1833-1897). Tutti lavori giovanili quelli del grande amburghese, scelti ed interpretati dal quasi 52enne pianista torinese che ricordiamo essere vincitore di importanti concorsi internazionali. L'impaginato eseguito nella splendida storica Chiesa Vecchia di Baggio - capolavoro romanico completamente ricostruito alla fine dell'800- è stato presentato dal pianista Davide Cabassi, da molti anni organizzatore della nota rassegna musicale. Prevedeva prima le Quattro Ballate op.10 (1854) e poi la Sonata n.3 in fa minore op.5 (1853). Brahms già dai primi lavori rivela uno stile compositivo tanto personale quanto complesso nell'originale organizzazione architettonico-musicale che aggiunge ancora novità alle geniali innovazioni melodico-armoniche schumanniane Rasca, parzialmente favorito dall'acustica dell'ampio luogo sacro - anche se in alcuni frangenti il riverbero del grande spazio creava un'originale piacevole sorta di profondità timbrica- ha rivelato una straordinaria vicinanza allo stile compositivo di Brahms, elargendo interpretazioni analitiche, molto equilibrate nella distribuzione delle parti, ricche di armonie pregnanti nelle voluminose masse sonore. Un pianismo corposo e ricco di espressività il suo, che sa essere anche molto delicato nei momenti meno concitati. Complessivamente ha interpretato in modo eccellente sia le Quattro Ballate che la corposa Sonata n.3, brano di oltre trentacinque minuti, suddiviso nella singolare distribuzione in cinque movimenti. Applausi fragorosi dal numerosissimo pubblico intervenuto e un eccellente bis con un il celebre Intermezzo in la maggiore op.118 n.2. Prossimo concerto per venerdì 10 maggio alle 20.45 con "La Follia del Prete Rosso", musiche di Antonio Vivaldi. Da non perdere.

5 maggio 2024 Cesare Guzzardella

UN PROGRAMMA STUZZICANTE PER I CONCERTI DEL SABATO AL CONSERVATORIO DI NOVARA

Accade assai spesso che tra i principali motivi di attrazione dei concerti, che si tengono il sabato pomeriggio al Conservatorio G. Cantelli di Novara, siano i programmi, che propongono spesso autori e composizioni assai rari o addirittura sconosciuti, spesso ingiustamente. È stato il caso del concerto di ieri pomeriggio, sabato 4/05, che pure si era aperto con un pezzo celeberrimo, di autore altrettanto celebre, la versione per violoncello della Sonata in La maggiore per violino e pianoforte di Cesar Franck (1886). A eseguirla erano chiamati due giovani strumentisti, entrambi selezionati tra i migliori del Conservatorio novarese, già ‘rodati’ da attività concertistica e prove concorsuali: Elena Lombardo al violoncello, attualmente specializzanda presso l’Accademia di Musica di Pinerolo, con la prestigiosa insegnante Marianne Chen e Enrico Casagrande al pianoforte. La versione per violoncello del capolavoro di C. Franck sta conoscendo crescente fortuna nelle nostre sale da concerto e, avendola ascoltata ieri per la prima volta, l’abbiamo trovata assolutamente apprezzabile: il suono del violoncello dà risalto a certe pieghe di particolare morbidezza, e a velature crepuscolari, che, perfettamente coerenti con l’atmosfera spirituale del pezzo, possono sfuggire anche al miglior violino. Proprio per questo è da lodare l’interpretazione di Elena Lombardo: un suono morbido e caldo e sottilmente crepuscolare ha esaltato l’intensità lirica che pervade l’intera composizione., già a partire dal tema intonato ad un’ispirazione di berceuse, sognante e di ampia arcata melodica che apre il primo tempo e si ripeterà ciclicamente per tutti i tre tempi. Ma la bravura di questa giovane violoncellista spicca anche nel successivo allegro, in cui il perfetto dominio della tecnica strumentale e la potente energia di suono le consentono di esprimere con efficacia l’impeto drammatico del movimento, con una coinvolgente tensione espressiva, realizzata anche con una finissima calibratura dei chiaroscuri dinamici. Siamo dolenti invece di dover esprimere qualche riserva sull’interpretazione della parte pianistica: Casagrande non ci è sempre parso all’altezza dei compiti esecutivi cui era chiamato, con un suono di scialba espressività e talora anche impreciso: deve ancora maturare la capacità di scegliere il ‘suono’ giusto e un più sicuro dominio della tastiera. La seconda parte del concerto era dedicata al duo Flauto-Pianoforte: al flauto Alessandro Orlando, diplomato al Conservatorio di Novara, con importanti affermazioni in concorsi nazionali e al pianoforte il ventiseienne sassarese Luigi Camedda, attualmente specializzando al Cantelli. E’ precisamente in questa seconda parte che il programma proponeva autori e brani che non si possono dire di frequente esecuzione nelle nostre sale da concerto Il primo dei quattro pezzi previsti era di Edison Denisov, (1929-1996), compositore russo-sovietico del secondo Novecento, della generazione di una Gubajdullina, di uno Schnittke, di un Sil’vestrov. Non collegabile a precisi indirizzi musicali, anche se inizialmente interessato all’esperienza dodecafonica, è venuto maturando uno stile che si distingue per una sobria linearità melodica e di struttura armonica, di cui è testimonianza la bella Sonata per flauto e pianoforte del 1960. In un unico tempo, disegna una struttura ad arco, in cui l’elemento melodico, di limpida semplicità, enunciato all’inizio, si fa via via più fragile, per il continuo contrasto delle dinamiche, e il sussulto improvviso di una ritmica minacciosa, affidata nei suoi valori più intensi al pianoforte, che tende a spezzarlo, sino a travolgerlo, per poi nuovamente ricomporlo, ma come esile e in sordina, fino a spegnersi in un inquietante silenzio. Bravi, davvero, Orlando e Camedda, che hanno sempre trovato il suono giusto per dare piena espressione a questo bellissimo pezzo, con un accurato controllo delle dinamiche, e soprattutto una scelta dei ritmi (in cui talora si avvertiva la lontana eco del Jazz, carissimo a Denisov) e dei tempi, del tutto aderente alla linea espressiva del pezzo, secondo noi il migliore di questa parte del concerto. Di una certa, sia pur non ampia fama in Italia, gode l’autore del pezzo successivo del concerto, la Seconda Ballata per flauto e pianoforte del 1939: si tratta del compositore svizzero-francese Franck Martin (1890—1974); il suo è infatti uno stile piuttosto originale, che concilia dodecafonia, intesa in modo non dogmatico, alla Schonberg, e tonalità. Ovviamente, l’elemento di contatto e ‘passaggio’ tra i due sistemi è il cromatismo, nonché l’adozione di successioni particolari della serie che possono evocare schemi tonali, un po’ come fece Berg. L’esecuzione fornita da Orlando e Camedda si raccomanda per la pulizia del suono di entrambi gli strumenti e per l’incisiva espressività del fraseggio, soprattutto del flauto, che con un continuo passaggio di registri e chiaroscuri dinamici, conferisce un’ombra d’inquietudine al flusso, ritmicamente sostenuto e incalzante, della composizione. Un pezzo in effetti ricco di ombre, sin dall’inizio, col minaccioso ritmo ribattuto del pianoforte e un recitativo, anch’esso a ritmo ‘puntato’ del flauto che non sembra quasi trovare una sua strada melodica: un momento di forte tensione, che dà la chiave per il successivo svolgimento del discorso musicale, molto ben eseguito dal duo di giovani strumentisti. Decisamente appartenenti al cono d’ombra del semianonimato i due successivi brani, il ‘Notturno’ e la ‘Romance’ (Romanza), opera di due compositrici, rispettivamente la francese Lili Boulanger (1893-1918), sorella della ben più famosa Nadia, e l’americana Amy Beach (1867-1944) che all’attività di compositrice (la prima donna americana a dedicarsi professionalmente alla musica ‘colta’) affiancò anche quella di pianista, che la condusse anche a compiere tournée in Europa. Entrambi i pezzi si caratterizzano per un melodismo intenso e ampio, affidato al flauto, un melodismo talora reso mosso e inquieto da misure più veloci e agitate nel caso del ‘Notturno’ della Boulanger, più sommesso e morbido nella Romanza della Beach. In entrambi i pezzi il duo Orlando Camedda ha condotto la propria interpretazione impostandola secondo una suggestiva ricerca espressiva, con cura attenta dei dettagli dinamici e timbrici e una perfetta intesa tra i due strumenti. Gli applausi scroscianti del folto pubblico presente in Auditorium hanno siglato il pieno successo del concerto.

5 maggio 2024 Bruno Busca

La direttrice Jessica Cottis alla guida de I Pomeriggi Musicali e il violista Timothy Ridout

Un'ottima direttrice d'orchestra quella vista dirigere all'anteprima de I Pomeriggi Musicali. Jessica Cottis, quarantaquattrenne australiana, già nota internazionalmente, ha impaginato un programma particolarmente interessante dove tra la poco frequente Ouverture "Le rovine di Atene" di L.v. Beethoven e la conclusiva celebre Sinfonia n.3 "Scozzese" di F. Mendelsshon, c'era il raro ma eccellente Rhapsody-Concerto per viola e orchestra del compositore ceco Bohuslav Martinu (1890 – 1959), un brano che prevedeva come solista alla viola il notevole Timothy Ridout, ventinovenne londinese. Già dall'Ouverture introduttiva, di particolare pregnanza espressiva, si è notato il particolare segno direttivo, preciso e risoluto della Cottis. Nel brano successivo, la Rapsody-Concerto, l'equilibrio tra l'evoluta e varia componente orchestrale nello stile tipico di Martinu -una calibrata sintesi tra neoclassico e romantico-, con riferimenti anche più lontani nel tempo, e il solismo d'eccellenza di Ridout, giocato tra il bellissimo timbro della sua corposa viola e la sua cavata leggera e nello stesso tempo incisiva, ha portato ad un'interpretazione di qualità. Dopo il breve intervallo, la celebre "Scozzese" di Mendelsshon, terza delle sue diversissime sinfonie, ha ancor più rivelato la chiarezza di dettaglio della bravissima Cottis e l'ottima restituzione dell'Orchestra de I Pomeriggi, brava in ogni sezione di strumenti. Applausi meritatissimi. Questa sera la prima ufficiale alle ore 20.00 e sabato alle 17.00 la replica. Da non perdere.

2 maggio 2024 Cesare Guzzardella

APRILE 2024

Successo strepitoso alla Scala per Lisette Oropesa e Benjamin Bernheim diretti da Marco Armiliato

Un concerto straordinario quello scaligero di ieri sera che ha visto sul podio Marco Armiliato con i giovani dell'Orchestra dell'Accademia Teatro alla Scala e con il soprano statunitense Lisette Oropesa e il tenore francese Benjamin Bernheim. Un impaginato diversificato, che ha trovato anche frangenti solamente sinfonici che hanno esaltato le qualità dei giovani strumentisti. Partendo con la Sinfonia dalla verdiana Forza del destino, incontrando la Sinfonia dei Masnadieri, sempre di Verdi, arrivando all'Ouverture da Roméo e Juliette di Charles Gounod, abbiamo ascoltato l'energica direzione di Armiliato e l'ottima restituzione degli orchestrali, che oltre ad avare solisti di talento come Chiara Rollini, violino di spalla, e Andrea Cavalazzi, primo violoncello , trovano accordi sinergici di primo livello. Ma la punta di diamante della splendida serata è stata certamente quella del duo solistico. Sia Lisetta Oropesa che Benjamin Bernheim, in arie e duetti, hanno espresso delle timbriche che già all'origine rivelano un colore eccellente. Se a questo si aggiunge la capacità di esprimere una naturale vocalità, con l'ausilio di tutti gli adeguati elementi tecnici, arriviamo ad un livello interpretativo che raramente si ascolta. Nella prima parte della serata hanno eseguito brani tutti italiani di Verdi, Donizetti e Puccini , mentre nella seconda le arie prevalentemente francesi erano di Gounod, Bizet e Massenet, con anche un brano del tedesco Meyerbeer. La serata, qualitativamente in crescendo, ha raggiunto momenti memorabili nella seconda parte con la romanza di Bizet da Les pêcheurs de perles "Je crois entendre encore", interpetrata con maestria da Bernheim e l'aria di Giacomo Meyerbeer da Robert le Diable " Robert, toi que j'aime", con una voce della Oropesa splendida. Le due interpretazioni sono state accolte da ovazioni da parte del pubblico che gremiva la Scala. Dopo l'eccellente Massenet da Manon, con je suis seul!...e Perdonnez-moi..., entusiasmanti i bis pucciniani concessi da Bohème. Applausi conclusivi interminabili. Da ricordare a lungo.

30 aprile 2024 Cesare Guzzardella

UNA SPLENDIDA MOSTRA A VERCELLI SU G.B. VIOTTI E I VIOLINI STRADIVARI

Inaugurata il 13 aprile, è in corso a Vercelli, nello spazio espositivo dell’Arca, in pieno centro cittadino, una mostra davvero imperdibile, senza dubbio la più importante iniziativa non musicale organizzata quest’anno nella città piemontese per le celebrazioni del duecentesimo anniversario della morte del grande violinista e compositore vercellese G.B. Viotti (1755/1824). La mostra è articolata in due sezioni: una ‘mostra immersiva’ e un’esposizione straordinaria di violini Stradivari, alcuni dei quali di eccezionale pregio e rarità. La mostra è concepita per offrire al visitatore una vera e propria esperienza: attraverso un allestimento immersivo anche con l’uso sofisticato di tecniche hi-tech, la mostra racconta la vicenda umana e artistica di Viotti e il suo rapporto con gli Stradivari. Dialoghi, monologhi drammatizzati, voce narrante attoriale (con la partecipazione dell’attore P.P Spollon), video, musiche, esperienze immersive e interattive conducono il visitatore in un evento unico in cui bellezza e conoscenza sono strettamente unite. Al termine del percorso narrativo, il “caveau” dei violini: un’esposizione straordinaria dei preziosissimi violini appartenuti a Viotti, tra i quali alcuni Stradivari di particolare interesse storico-artistico. La mostra chiuderà domenica 2/06. Orari: dal 13/04 al 5/05 tutti i giorni dalle 12.00 alle 20.00 Dal 6/05 al 2/06 solo weekend dalle 12.00 alle 20.00- Il prezzo intero è di 15 euro, ridotto a 12 euro per: over 65, under 20, universitari, gruppi di almeno 5 persone, possessori del biglietto Trenitalia per Vercelli del giorno. E’ prevista la gratuità per minori di 6 anni, visitatori disabili con accompagnatori, possessori della tessera Abbonamento Musei Piemonte, giornalisti, guide turistiche. Per informazioni e prenotazioni info@viottistradivari.it

30 aprile dalla redazione

Il soprano Ingrid Kuribayashi a Musica Maestri! in Conservatorio

Ingrid Kuribayashi, soprano americano-giapponese, vincitrice del Premio del Conservatorio 2023 nella Categoria di Canto F dedicata al grande baritono Giuseppe Zecchillo, e il pianista giapponese Takahiro Maruyama, hanno tenuto un concerto per Musica Maestri! , la valida rassegna del Conservatorio che impegna gli insegnanti e i migliori studenti dell"importante istituzione milanese. Eseguendo brani di Rossini, Donizetti, Verdi, Meyerbeer e Puccini, la Kuribayashi ha rivelato le sue ottime qualità interpretative, ben evidenziate dalle precise armonie pianistiche di Maruyama. Tra i numerosi brani eseguiti dei compositori citati, tutti di valida resa, si sono ancor più rivelati di ottima qualità quelli di Rossini con «Anzoleta dopo la regata» da La regata veneziana, «Il mio ben sospiro e chiamo» da La scala di seta e, da Semiramide «Bel raggio lusinghier». Di Gaetano Donizetti «Prendi, per me sei libero» da L’elisir d’amore e di Giacomo Meyerbeer da Le pardon de Ploërmel, «Ombre Légère». Di ottima resa anche i brani pucciniani da Bohème e da La rondine. Applausi meritatissimi dal numeroso pubblico di Sala Puccini.

29 aprile 2024 Cesare Guzzardella

VIOTTI, MOZART E HAYDN A VERCELLI PER IL VIOTTIFESTIVAL

Ieri sera, domenica 28/04, la nuova serata del ViottiFestival ha visto protagonista il violino di Guido Rimonda, chiamato anche al ruolo di direttore dell’Orchestra Camerata Ducale. Per l’occasione il Maestro non suonava il suo mitico Stradivari ‘Noir’, ma un Vincenzo Panormo, appositamente costruito dal grande liutaio siciliano a Londra per G.B. Viotti e anch’esso attualmente in possesso di Rimonda. Il programma proponeva di G. B. Viotti il Concerto per violino e orchestra n.25 in La minore WI:25 (1792-97), di W.A. Mozart il Concerto per violino e orchestra n.1 in Si bemolle maggiore KV 207 (1773) e la Sinfonia n.45 in Fa # minore Hob:I 45 (1772), universalmente nota come “La sinfonia degli addii”. Programma, come si vede di lineare compattezza e notevole interesse storico-musicale: i due ‘dioscuri’ del classicismo viennese e il loro grande contemporaneo italiano (ma vissuto per lo più tra Francia e Gran Bretagna), i cui rapporti coi viennesi sono, a nostro modesto avviso, ancora tutti da chiarire. Il Concerto n.25 di Viotti, appartiene al ciclo dei c.d. ‘Concerti londinesi’ (i nn. 21-26) scritti tra il 1792 e il 1804 nella capitale inglese dove Viotti decise di soggiornare perché l’aria, nella Parigi rivoluzionaria, si era fatta per lui piuttosto pericolosa. È un ciclo che contiene alcuni dei capolavori di Viotti, e questo concerto 25 è tra i suoi bellissimi. A renderlo particolarmente bello contribuisce naturalmente il modo di interpretarlo di Rimonda, col suo splendido Panormo, che per belllezza di suono non fa rimpiangere lo Stradivari 1721 Noir. Il suono che ne cava Rimonda è un suono di brillante chiarezza, ricco di sfumature, morbido, capace di dar voce alla più delicata energia, come al più acrobatico virtuosismo, sempre con signorile eleganza e con disinvoltura anche dinanzi alle più ardue difficoltà ‘tecniche’. Il concerto 25 di Viotti ascoltato ieri sera presenta la consueta varietà dei concerti viottiani, escludendo peraltro momenti di particolare intensità drammatica. Bellissimo, per fluidità e dolcezza di fraseggio l’ingresso, con un tema melodico, del violino nel primo tempo, dopo un’introduzione orchestrale a forte intensità ritmica, variata, com’è tipico del Maestro vercellese, lungo un ventaglio espressivo che dal brioso giungono ad improvvise ombreggiature sottilmente inquietanti. Gli abbandoni melodici del violino, che affiorano dai ritmi incalzanti dell’orchestra, alternandosi ad essa, sono sempre variati nelle sfumature timbriche, accuratamente calibrate da Rimonda, oltre che nell’assetto armonico, ed è questa alternanza la forma del trattamento del materiale musicale che Viotti propone in luogo della forma sonata viennese: un’eredità estrema del Concerto grosso corelliano? Certo, siamo in pieno Made in Italy! Fatto sta che è, quella di Viotti, una musica che sa afferrare l’ascoltatore dall’inizio alla fine. In questo Concerto 25 la linea melodica tocca naturalmente il suo vertice nel centrale Andante, con una elegia che, nonostante il modo maggiore, inconsueto nei tempi lenti di concerto, tocca il cuore dell’ascoltatore con quel sottile velo di tenerezza e malinconia, frequente in Viotti e che Rimonda sa suonare in modo così coinvolgente. Il finale è una successione di ritmi trascinanti, in cui Rimonda è chiamato a diversi numeri di agilità tra doppie corde, trilli, colpi vari d’arco su ritmi iperveloci. Da notare, perché mai ascoltato prima in Viotti, l’uso del triangolo a dare spumeggiante risalto ai ritmi puntati dell’orchestra, accentuando quel vago sapore ‘zingaresco’ del tema principale del Rondò. Eccellente esecuzione di un concerto che certamente indica a questo genere musicale strade piuttosto diverse da quelle che ormai da vent’anni almeno si andavano imboccando in quel di Vienna. Subito a seguire il primo dei cinque concerti per violino e orchestra di Mozart. È interessante il fatto che, pur nella forma sonata, presente in tutti e tre i tempi, si tratta di un concerto ancora legato ad alcuni aspetti della tradizione italiana, con quell’alternarsi di passaggi solistici ‘brillanti’ e interventi orchestrali, che abbiamo visto essere ben presente nei concerti di Viotti. È un concerto brillante, di gaio brio salottiero, in cui senti più di un’eco di Vivaldi e Tartini, e il cui vero centro d’interesse musicale sono le pur brevi sezioni di Sviluppo dei tre movimenti. Rimonda col suono limpido e a tratti squillante del suo Panormo, ha interpretato al meglio questo carattere di fondo del KV 207, toccando i punti espressivamente più alti nella raffinata delicatezza con la quale ha esposto le modulazioni e il tema melodico dello sviluppo del primo tempo, ombreggiato da pregevoli chiaroscuri delle dinamiche, nell’esposizione ed elaborazione dell’intenso tema sognante affidato al violino nell’Andante e infine negli spumeggianti virtuosismi del Finale . Eccellente anche la prova della Camerata Ducale, un ensemble ormai di solida intesa d’assieme e col solista, efficace in tutte le sezioni strumentali. Della Sinfonia n.45 di Haydn, la scelta interpretativa di Rimonda è stata quella di privilegiarne il carattere “Sturm und Drang” che indubbiamente è in essa ben presente. Più che i contrasti tematico-armonici, la bacchetta di Rimonda cerca il tono emozionale del discorso musicale, conferendo particolare tensione al tema dei violini primi su cui è costruito gran parte dell’Allegro iniziale, o con la sonorità assorta e un po’ misteriosa degli archi in ppp coi violini in sordina dell’Adagio e una timbrica che sfruttando qualche pennellata dei corni evoca passaggi schubertiani e il progressivo spegnersi via via delle varie linee strumentali nello straordinario Adagio finale, cui si deve il titolo con cui è divenuta popolare questa sinfonia, sicuramente la più bella di quelle haydniane prima delle ‘parigine’. Come talora accade, l’esecuzione di questa Sinfonia è avvenuta nella più completa oscurità di palcoscenico e sala, con accesi i soli lumini dei leggii, con progressivo abbandono dei loro posti da parte degli orchestrali, riproducendo ciò che effettivamente accadde al Castello di Esterazha in quel lontano 1772. Tre autori della stessa epoca, tre mondi musicali diversi, esplorati tutti con sensibilità e profondità interpretativa da Guido Rimonda e dalla Camerata Ducale. L’esplosione degli applausi alla fine del concerto ha testimoniato il successo riscosso presso il pubblico, come sempre numeroso al Civico.

29 aprile 2024. Bruno Busca

GIOVANI STRUMENTISTI CRESCONO. BEL CONCERTO PER I SABATI DEL CONSERVATORIO A NOVARA

Programma interessante e vario, quello proposto a Novara ieri pomeriggio, 27/04, presso l’Auditorium Olivieri del Conservatorio G. Cantelli, nell’ambito della stagione di musica da camera dei Concerti del Sabato. Protagonisti alcuni dei neodiplomati o studenti di particolare valore del Conservatorio novarese, tutti con una già significativa esperienza di concerti non solo entro i confini della provincia, tra i quali spicca il ventenne violoncellista Francesco Barosi, non solo per numero di pezzi eseguiti, ma anche perché comincia a godere una certa fama di giovane talento, consacrata già nel 2021 da un numero della nota rivista musicale Amadeus. E proprio a Barosi è toccato, in duo con la flautista Giulia Vighetti, dare inizio al concerto, con un pezzo in tre tempi, scritto nel 1950 dal compositore brasiliano Hector Villa-Lobos, “Assobio a Jato”, che in portoghese significa “fischio del Jet”, in quanto nel terzo movimento il flauto suona un glissando così forte e in un registro così acuto, da ricordare il fischio di aereo a reazione. La diversità tra due strumenti così lontani per suono e registro, permette, quasi impone al compositore di sfruttare al massimo il contrasto timbrico tra essi, con effetti spesso suggestivi e una sonorità lontana da quella più riconoscibile come ‘musica classica’. I due interpreti sono stati davvero bravi a riprodurre i contrasti, richiesti dalla partitura, tra alto e basso, suono del metallo e suono delle corde vibranti sul legno, respiro e colpo d’arco, soprattutto intervallo, per il flauto, e timbro per il violoncello. Quest’ultima considerazione ci permette qualche considerazione sul ‘primus inter pares’ di questo concerto, Francesco Barosi, che ha esibito un bel suono, equilibrato tra intensità e morbidezza nella cavata, con un bel fraseggio fluido e pulito, nonché una intonazione precisa e una ottima padronanza della tecnica strumentale, evidente in particolare nel Vivo finale, dal ritmo incalzante, con ampi balzi intervallari e vari passaggi di agilità. Detto tutto il bene possibile di Barosi, non possiamo trascurare la flautista Giulia Vighetti, dalla sicura emissione di fiato, sempre ben tenuta e di buona proiezione ,il fraseggio pulito e sicuro e davvero brava nel suo ‘numero’, il glissando alla fine del pezzo, che per forza ed efficacia dell’acuto non aveva molto da invidiare a ben più celebri esecutori. Ritroviamo il violoncello di Francesco Barosi anche nel seguente pezzo, un’altra formazione a due piuttosto inusuale, come la precedente: il Duetto per violoncello e contrabbasso (affidato a Claudio Mazzeo) in Re maggiore di G. Rossini, che lo compose a Londra nel 1824. In tre tempi, col classico tempo lento centrale, è un pezzo tanto raro all’ascolto in sala da concerto, quanto sorprendente, per il vario e sempre efficace gioco contrappuntistico che lo sostiene, con momenti di vera ingegnosità armonica. Fondamentalmente in tutti e tre i tempi questo gioiellino rossiniano si svolge con l’alternarsi tra i due strumenti di parti di accompagnamento e di parti melodiche, alcune delle quali sono vere e proprie arie d’opera. Non è un pezzo facile, anche se concepito da Rossini come Hausmusik per dilettanti, comunque dotati di buona tecnica: numerosi sono i passaggi virtuosistici, in cui Barosi conferma la sua piena padronanza dello strumento e una linea espressiva virata su un suono morbido e caldo, funzionale ad un fraseggio di bel respiro, di intensa cantabilità nelle melodie più ‘operistiche’. E ancora una volta suona molto bene la sua parte Claudio Mazzeo, che riesce a gestire efficacemente, con colpi d’arco raffinati e calibrati con precisione, un ruolo non di solo accompagnamento per il contrabbasso, variandone anche con sapienza la timbrica. A Barosi toccava poi la gran conclusione del concerto con due pezzi di notevole spessore. La Suite per violoncello solo n.3 in Do maggiore BWV 1009 di J. S. Bach (1720 ca.) e la Sonata per violoncello solo op. 25 n.3 di Paul Hindemith (1923). Di buon livello l’esecuzione che Barosi ha fornito della Suite bachiana, dimostrando ottimo fraseggio, finezza nel rilievo conferito alle ‘elaborazione contrappuntistica, piuttosto ricca in questa Suite n.3 e una limpidezza di suono, sempre morbido e caldo anche nei passaggi di agilità, numerosi in questo pezzo, come gli arpeggi e le scale del Preludio, i vari abbellimenti dell’Allemande, sino agli staccati e ai picchettati della Giga finale. Ma quello che ha colpito in particolare l’ascoltatore sono stati i valori espressivi messi in evidenza da Barosi, in particolare nella Sarabande: l’eleganza, la delicatezza e l’intensità meditativa con cui questa pagina è stata suonata. Una esecuzione, questa della Suite bachiana, che ci autorizza a considerare Barosi già qualcosa di più di una semplice promessa. La sonata per violoncello solo di Hindemith pone l’interprete di fronte ad un pezzo in cinque tempi, piuttosto avaro di abbandoni melodici, ma molto vario nell’elaborazione del materiale musicale, che il giovane solista affronta sfoggiando una buona dose di duttilità. Questa sua ulteriore qualità gli consente di comunicare con vivace forza espressiva la tensione stridente e persino brutale del Vivace iniziale come del ‘Moderatamente veloce’ finale, e di rendere invece con delicatezza e ricchezza di sfumature i tre tempi centrali, soprattutto il Lento in terza posizione, in cui il suono del violoncello si smarrisce in una nebbiosa incertezza e nel quarto tempo (Vivace alla semiminima) diventa un sussurro, in cui la densità espressiva si assottiglia sin quasi ad annullarsi in una strana dimensione astratta; che ci pare un modo intelligente di interpretare l’indicazione di Hindemith, ”senza espressione”. Non c’è dubbio che Francesco Barosi si stia costruendo un suo stile, con le sue particolari modalità interpretative, che certamente richiedono ulteriore affinamento e approfondimento, ma che ci appaiono già in avanzata via di maturazione. Al centro del concerto campeggiava l’unico pezzo alla cui esecuzione non partecipasse Barosi. Ancora un’opera di Hindemith, i “Musikalisches Blumengartlein und leyptziger Allerley” dal bizzarro titolo (pressappoco: “Fiori di giardinetto e verdura mista”) per una formazione inusuale, quale il duo Contrabbasso (ancora Claudio Mazzeo) e clarinetto, affidato ad Alberto Viganò. Si tratta di nove componimenti, tutti salvo il primo e il terzo con un titolo, di cui spesso non si vede alcuna connessione col pezzo e che dunque va considerato come una sorta di divertita ironia, vagamente surreale dell’autore sulla propria opera, tra le cose più stravaganti di Hindemith. È una composizione di breve. durata (il tutto supera di poco i dieci minuti). Si tratta di brevi sequenze musicali di carattere vario, in cui entrambi gli strumenti sono sfidati ad esprimere le loro potenzialità tecniche e le loro risorse timbriche in una forma di estrema concisione. Pezzo di tipica ‘Motorik’ hindemithiana, un geometrismo meccanico in cui entrano diverse componenti, anche a seconda delle epoche, è stato eseguito con perfetta intesa tra i due solisti, e accuratezza nel rilievo dei dettagli ritmici, armonici dinamici, ma soprattutto, com’è naturale in composizioni di tal sorta, timbrici. Bel concerto, che conferma il Conservatorio Cantelli come una delle più propositive e attive istituzioni musicali della città di Novara, pienamente meritevole degli scroscianti applausi del numeroso pubblico.

28 aprile 2024. Bruno Busca

PROSSIMAMENTE ARCADI VOLODOS PER LA "SOCIETÀ DEI CONCERTI" DI MILANO

Mercoledì 8 maggio alle 20:45 presso la Sala Verdi del Conservatorio di Milano la Società dei Concerti è lieta di proporre al pubblico milanese un artista sensibile e raffinato che saprà catturare l’attenzione con il suo carisma eccezionale. Sebbene abbia iniziato i suoi studi nel canto, Arcadi Volodos è diventato rapidamente uno dei più importanti pianisti del mondo. Per Volodos la musica è uno strumento di comunicazione unico e prezioso che va salvaguardato Il Maestro nutre un forte distacco con la tecnologia e non nasconde un certo disagio per il mondo contemporaneo così oppresso dalla comunicazione digitale. Può sembrare una contraddizione ma Arcadi Volods sostiene che la musica, quindi, non sia elitaria ma per pochi: solo chi ha un animo e un cuore può riceverla. Il programma della serata prevede la Sonata in la minore di Schubert, Davidsbündlertänze di Schumann e Hungarian Rhapsody di Liszt. Programma della serata “Arcadi il poeta”:F. Schubert, Sonata in la minore op. 42 D 845; R. Schumann, Davidsbündlertänze op. 6; Liszt/Volodos, Hungarian Rhapsody n. 13 in la minore. Da non perdere.

26 aprile 2024 Dalla Redazione

Daniele Gatti dirige la Filarmonica della Scala nella Nona Sinfonia di Mahler

Il prossimo direttore musicale della Scala, probabilmente dal 2026, il milanese Daniele Gatti, ha diretto la Filarmonica scaligera nella Sinfonia n.9 in Re maggiore di Gustav Mahler. È una composizione interamente strumentale che, nella sua completezza, conclude il ciclo sinfonico del grande musicista austriaco, se non consideriamo la Decima, rimasta incompleta. È stata una lettura di grande livello interpretativo, considerando anche l'esperienza di Gatti maturata in Mahler con le numerose importanti orchestre internazionali da lui dirette, sino ad arrivare alla Staatskapelle di Dresda, di cui è attualmente il direttore principale. La Filarmonica della Scala ha dimostrato di adattarsi molto bene alle esigenze interpretative di Gatti, che ha diretto la Nona senza partitura. La sua visione mahleriana, chiara, precisa e dettagliata, coglie gli infiniti momenti di un lavoro composto nel 1909, in un periodo cruciale per le radicali trasformazioni nei modi di comporre musica. La disgregazione della forma operata da Mahler, soprattutto nelle sue sinfonie strumentali, trova qui il frangente maggiore, con quei continui cambiamenti temporali, con quelle timbriche da pacate a più fragorose, che anticipano le differenze strutturali, musicalmente più rivoluzionarie, della Seconda Scuola di Vienna. Molto indicativo il movimento finale di questo ampio lavoro, quell'Adagio dove il tempo sembra fermarsi, tanto viene eseguito lentamente dagli archi con volumi sonori quasi impercettibili. Gatti è stato abilissimo nell'esternare una grande orchestra compatta che, in moltissimi frangenti, mette in rilievo le voci soliste dei singoli strumentisti per soluzioni quasi cameristiche. Una lettura molto personale, diversa da quelle ascoltate da altrettanto eccellenti direttori. Alla replica di ieri il pubblico era entusiasta e ha favorito le uscite ripetute del direttore in palcoscenico. Ultima replica prevista per sabato, 27 aprile, alle ore 20.00. Da non perdere.

25 aprile 2024 Cesare Guzzardella

IL QUARTETTO GOLDMUND A VERCELLI PER IL VIOTTIFESTIVAL

Il ViottiFestival di Vercelli ha offerto ieri sera, mercoledì 24/04, presso il Teatro Civico, un recital di quello che si può considerare uno dei migliori quartetti d’archi giovanili attualmente in attività a livello internazionale, il tedesco Quartetto Goldmund, formato da Florian Schotz e Pinchas Adt (violini), Christoph Vandary (viola) e Raphael Paratore (violoncello). Dal 2009 interpretano con successo un ampio repertorio, dal classico al contemporaneo, ottenendo riconoscimenti prestigiosi anche in diversi concorsi importanti. Diciamo subito che con il Quartetto Goldmund ci troviamo di fronte ad un complesso di alta classe, con una qualità di suono brillante, cantabile e ricco di sfumature, intonazione impeccabile, un fraseggio vivo e intenso, perfezione d’assieme. Queste virtù dei quattro strumentisti del Goldmund emergono già tutte nell’esecuzione del primo pezzo in programma, il Quartetto op.76 n.2 in Re minore Hob. III.76 (1797) di F.J. Haydn, universalmente noto come il ‘Quartetto delle quinte’, per il ruolo centrale, strutturale, che vi assume la quinta discendente, davvero onnipresente. Con intelligenza e sensibilità interpretativa, il Goldmund conferisce risalto alle sottili mutazioni ritmiche dell’Allegro iniziale e con un suono caldo ed elegante e un fraseggio attento a ogni dettaglio timbrico e dinamico esalta la bellissima coda del movimento. Mentre nell’Andante protagonista è il primo violino, con le sue raffinate volute di carattere virtuosistico, l’ interpretazione del Goldmund raggiunge il suo apice nei due ultimi movimenti: nel particolare ‘colore’ con cui i quattro giovani strumentisti pennellano il ‘Minuetto delle streghe’ come è talora definito il terzo movimento di questo Quartetto haydniano: un colore scuro e inquietante, ottenuto con la particolare intensità di suono della coppia viola -violoncello, contrapposta a canone ai due violini, con effetto timbrico di grande suggestione; e nel pianissimo del Vivace assai finale, eseguito con fraseggio di rara finezza, che accompagna il progressivo, rasserenante passaggio dal tono minore al maggiore. In generale possiamo dire che il valore di questa interpretazione è consistito nel portare alla luce, al di là dell’apparente semplicità di scrittura e di struttura dei temi, quella sottile e straordinaria ingegnosità d’invenzione, che è la caratteristica fondamentale del genio haydniano. A seguire, inevitabile nell’anno viottiano, un quartetto di G.B. Viotti, l’op.1 n.3 in Mi bemolle maggiore, W II:03. È un quartetto in cui l’espressività del compositore vercellese, superata l’inquietudine dell’Adagio introduttivo vira verso una serenità zampillante di belle invenzioni melodiche e di momenti più mossi e ritmici. Il Goldmund ha interpretato con energia ed eleganza, valorizzando in particolare l’elaborazione timbrica, quello che non ci è sembrato un capolavoro della produzione cameristica del grande Vercellese. Con un balzo che più brusco di così non si potrebbe, il terzo pezzo proposto era il Langsamer Satz (Movimento lento) WoO 6 di Anton Webern , ovvero un lavoro giovanile di quello che sarebbe divenuto il più radicale esponente della musica atonale della Scuola di Vienna primonovecentesca. Composto nel 1905, dunque negli anni di apprendistato con Schonberg, è una composizione ancora legata alla tonalità, sia pur allargata, cioè molto ricca di cromatismi. L’interpretazione fornita dal Goldmund è stata esemplare per sensibiltà, forza espressiva, scavo negli strati più profondi di questa pagina. Ogni singolo strumento sembrava esplorare una sua strada, fatta di infinite sfumature dinamiche, di particolari timbrici anche inusuali, per il ricorso frequente ad una sordina, che portava il mondo sonoro del brano ai confini del silenzio, e con continui cambiamenti di tempo. Indimenticabile la conclusione in ppp in una dissonanza non risolta, come sospesa sul nulla, che il Goldmund ha eseguito caricandola di una misteriosa tensione. Dalla Vienna del 1905, alla San Pietroburgo del 1882, data della prima esecuzione del Quartetto per archi n.2 in Re maggiore di A. Borodin, uno del famoso ‘Gruppo dei Cinque’ che mirò, in contrasto con l’"occidentalista" Ciajkovskij, a rinnovare la musica russa attingendo alla viva linfa della musica popolare dell’immenso Paese. Anche di questo noto gioiello della musica da camera russa ottocentesca, i quattro giovani strumentisti tedeschi hanno saputo offrire al pubblico una splendida esecuzione ispirata ad eleganza e intensa carica espressiva, che trovava il suo apice, naturalmente, nell’incantevole terzo tempo Notturno, in cui il Goldmund s’immergeva con delicata sensibilità nella straordinaria densità timbrica del brano, guidato in particolare dal primo violino, capace di acuti di estatica bellezza e dal violoncello, di fluente morbidezza anche nei registri più scuri. Ne usciva una musica avvolta da un’ombra inquietante, molto coinvolgente per l’ascoltatore. Ma tutta l’infinita ricchezza delle più varie soluzioni espressive di cui è intessuto l’intero Quartetto n.2 di Borodin, sorta di microcosmo musicale in perenne fermento, è stata eseguita con esito altissimo per qualità tecnica ed interpretativa dai quattro del Goldmund, cui è arriso uno strameritato successo di pubblico, testimoniato dal torrenziale e prolungato applauso alla fine del concerto. Un applauso che ha conquistato un fuori programma, un pezzo di Dvorak, eseguito con accattivante leggerezza, degna conclusione di una serata di ottima musica.

25 aprile 2024 Bruno Busca

L'Orchestra Giovanile della Svizzera italiana alle Serate Musicali con Andrea Bacchetti

Sono giovani gli strumentisti della OGSI, una compagine che annovera ragazze e ragazzi di un età compresa tra i 14 e i 18 anni. Capeggiati dal direttore venezuelano Yuram Ruiz, gli oltre sessanta strumentisti hanno dato prova di serietà e d'mpegno per una restituzione interpretativa ottima, relativamente alla giovane età. Il programma scelto prevedeva tre lavori classici di Haydn, Mozart e Schubert. La notorietà dei primi due concerti è certa, e i lavori sono stati eseguiti con l'ausilio di un noto solista, il pianista ligure Andrea Bacchetti. Prima il Concerto in re maggiore per pianoforte e orchestra Hob XVIII di Joseph Haydn (1732-1809) e poi il Concerto in do minore per pianoforte e orchestra K 491 di W.A. Mozart (1756-1791) hanno occupato la prima parte della serata. L'equilibrio tra pianoforte e orchestra, ottimamente mediato dal direttore Ruiz, ha portato ad una valida resa espressiva, probabilmente più intensa in Haydn. L'ottimo pianismo di Bacchetti, giocato su una precisa perfezione discorsiva, espletata con leggerezza e con una meditata elargizione delle timbriche, ha dato un'impronta altamente classica ai due brani. Particolarmente riuscita la Cadenza dell'Allegro del mozartiano K 491 composta dal pianista inglese Stephen Hough. Bacchetti ha poi voluto ripetere il finale dell'Allegro vivace di Mozart e poi ha concesso uno splendido Bach con un affascinante Preludio e fuga: di straordinaria leggerezza il Preludio e di preciso rigore tecnico nella chiara polifonia delle parti la relativa Fuga. Applausi meritatissimi. Dopo il breve intervallo la rarità esecutiva della Sinfonia n.1 in re maggiore D 82 di un Franz Schubert (1797-1828) sedicenne, ha ancora rivelato le qualità dei giovanissimi dell'Orchestra della Svizzera italiana. Applausi meriratissimi al direttore e all'orchestra.

23 aprile 2024 Cesare Guzzardella

Giuseppe Grazioli in un "Viaggio in Italia" con la Sinfonica di Milano

Denominato "Viaggio in Italia", il concerto cui abbiamo assistito ieri sera in Auditorium prevedeva un incontro con i colori italiani di cinque compositori: Massenet, Melchiorre, Čaikovskij, Rossellini e Alfano. Nella scelta dell'impaginato il direttore Giuseppe Grazioli, da molti anni presente con l'Orchestra Sinfonica di Milano, ha rivelato ancora una volta le sue affinità con un repertorio melodico mediterraneo, repertorio che lui ricerca in modo intelligente per proporre brani anche di rara frequentazione, come quelli ascoltati nel valido concerto. Tra le composizioni dei tre italiani, quelle del francese Jules Massenet e del russo P.I. Čaikovskij sono state dedicate all'Italia: Scènes napolitaines, del primo, e Capriccio italiano Op.45, del secondo, sono lavori ispirati dalle loro assidue frequentazioni con il Bel Paese. Il romano Renzo Rossellini (1908-1982) componeva nel 1954 la rapsodia Canti del Golfo di Napoli, e Franco Alfano (1875-1954) nel 1909 la sua Suite romantica, una serie di temi legati a luoghi italiani. In questi quattro lavori Giuseppe Grazioli ha espresso un'orchestrazione energica, con frangenti di esasperata concitazione, dove la sintesi discorsiva era proiettata all'esaltazione della ritmica mediterranea, delle tarantelle, delle altre danze, con colori solari molto accentuati. Bravissimi gli strumentisti della Sinfonica di Milano in ogni sezione orchestrale. Particolarmente valido il brano di Franco Alfano, il musicista divenuto celebre per aver completato la pucciniana Turandot, ma anche importante compositore che andrebbe rivalutato anche solo per la maestria delle sue orchestrazioni e per la modernità espressiva ricercata. Grazioli, direttore-ricercatore, uno dei pochi che esegue la musica del compositore napoletano, ha realizzato anche un CD con la Sinfonica di Milano che contiene oltre al brano ascoltato anche altri quattro validi lavori. Ad inframmezzare la musica melodica eseguita, abbiamo ascoltato in Prima Esecuzione Assoluta il nuovo lavoro del ligure Alessandro Melchiorre (Imperia,1951). Il suo Microliti (2024) è stato composto partendo da aforismi, prose e frammenti letterari tratte dall'opera omonima di Paul Celan, ma anche di altri poeti e letterati come Rilke, Mandel'stam e Kundera. Prevede due voci e l'orchestra. Le voci erano quelle di Joo Cho, soprano, e di Nicholas Isherwood, basso, entrambe ben inserite nel contesto orchestrale e con ottima resa coloristica. La musica di Melchiorre, di ottima costruzione formale e di suggestiva resa timbrica, ha sottolineato il testo di drammatico significato, adattandosi ai contenuti specifici in una costruzione unitaria ed espressiva. Applausi a tutti i protagonisti. Domani, domenica, replica alle ore 16.00.

20 aprile 2024 Cesare Guzzardella

In Conservatorio è iniziata MUSICA MAESTRI INTERNATIONAL

Il primo appuntamento della nuova rassegna del Conservatorio denominata Musica Maestri International ha visto ieri sera in Sala Puccini il Con Fuoco Duo, con Robert Walzel al clarinetto e Steven Michael Glaser al pianoforte. La nuova iniziativa, ieri introdotta da Stefania Mormone docente di pianoforte nel Conservatorio milanese, allarga la rassegna di successo Musica Maestri! che abitualmente si svolge in Sala Puccini. Statunitensi, entrambi, docenti dei rispettivi strumenti in università americane, il duo ha voluto omaggiare l'Italia inserendo nel variegato impaginato denominato Melodies for many occasions, brani di Puccini e di Morricone molto popolari, unitamente ad autori come Bernstein, con la rara ed efficace Sonata per clarinetto e pianoforte, di Harlos con “Benniana“, di Richard Rodney Bennett con “Ballad in memory of Shirley Horn“ e di Simon A. Sargon con "KlezMuzik". Ottimi interpreti, i due strumentisti hanno elargito esecuzioni chiare, con misurato equilibrio tra le parti strumentali e di valida resa espressiva complessiva. Bis ancora di Ennio Morricone. Applausi sostenuti da un pubblico purtroppo non numeroso in un iniziativa che meritava una sala al completo.

19 Aprile 2024 Cesare Guzzardella

Il pianista Pietro De Maria diretto da Alessandro Cadario ai Pomeriggi Musicali

Il classicismo di due grandi musicisti quali Beethoven e Schubert è stato messo in risalto nell'anteprima di questa mattina da I Pomeriggi Musicali del Dal Verme con l'orchestra diretta da Alessandro Cadario e con la partecipazione solistica del pianista Pietro De Maria. Prima un brano celebre con il beethoveniano Concerto n.5 per pianoforte e orchestra in Mi bem.Maggiore Op.73 "Imperatore"; poi un'assoluta rarità interpretativa con la giovanile Sinfonia n.1 in Re maggiore D 82 di Schubert. Lo straordinario concerto del grande tedesco riassume tutta la forza espressiva del musicista: dai frangenti più estroversi dell'Allegro iniziale e del Rondò finale, alla dolcezza interiore del profondo Adagio poco mosso centrale, dove le poche note del pianoforte, eseguite con intensa espressività da De Maria, e le geniali armonizzazioni orchestrali definite con eterea precisione e giusto equilibrio da Cadario e dagli ottimi I Pomeriggi, hanno portato, insieme ai corretti ed equilibrati movimenti laterali nel cosiddetto "stile eroico", ad un'ottima interpretazione. Applausi meritatissimi ai protagonisti. Particolarmente interessante la Sinfonia giovanile di uno Schubert solo sedicenne, ma che aveva imparato il mestiere assai bene. Emergono già qui le qualità melodiche del viennese e poi che delizia quell'Allegro vivace finale, eseguito con grinta e passione da Cadario nella valida restituzione de I Pomeriggi. Ma non è finita qui: il Maestro Caderio ha voluto regalare al numeroso pubblico presente una splendida orchestrazione di Max Reger di Erlkönig, Op.1 di Franz Schubert e celebre suo lied. Questa sera alle ore 20.00 la prima ufficiale e sabato alle 17.00 la replica. Da non perdere!

18 aprile 2024. Cesare Guzzardella

Il pianista inglese Paul Lewis interpreta Schubert per la Società dei Concerti

È tornato in Conservatorio il pianista inglese Paul Lewis per la Società dei Concerti milanese. Nel marzo dello scorso anno aveva affrontato tre Sonate schubertiane, la n.13, la n.15 e la n.16. Ieri ha continuato l'impresa con altre tre Sonate del grande musicista austriaco, precisamente la n.4 D.537, la n.9 D.575 e la n.18 D.894. Ci troviamo di fronte ad un interprete che ha fatto dei classici la sua principale cifra interpretativa. L'amato Schubert, insieme a Beethoven, sono i musicisti da lui più eseguiti. Come avevamo scritto lo scorso anno, Lewis, classe 1972, di Liverpool, ebbe tra i suoi insegnanti anche il grande Alfred Brendel, dal quale ha ereditato evidenti modalità interpretative oltre che a una certa gestualità funzionale ad un'intensa concentrazione utile per definire in modo analitico le sue ottime timbriche. La qualità della sua raffinata esecuzione ha trovato da subito esplicitazione nella Sonata n.4 in la minore, eccezionalmente in tre movimenti, mancante di uno scherzo o di un minuetto, ma nell'insieme comunque completa. La resa espressiva di alto livello ha, in questo lavoro, ma anche negli altri, rivelato coerenza nel rapporto tra i differenti movimenti, con frangenti di eccellente conpenetrazione del materiale per una resa dettagliata e chiara. Altrettanto valida la successiva Sonata n.9 in Si maggiore e, dopo l'intervallo, la più corposa Sonata n.18 in Sol maggiore, quattro movimenti di cui il primo, Molto moderato e cantabile di ampia dimensione e l'ultimo, l'Allegretto, di una raffinatezza eccellente. Un interprete doc per Schubert che ha meritato pienamente i fragorosi applausi del pubblico presente in Sala Verdi, concedendo, dopo il programma ufficiale, un bis ancora schubertiano con il profondo Andante molto dalla Sonata D568. Splendido concerto!

18 aprile 2024 Cesare Guzzardella

Il VIOLINISTA E DIRETTORE SZEPS-ZNAIDER AL VIOTTIFESTIVAL DI VERCELLI

Ieri sera, mercoledì 17 aprile, al Teatro Civico di Vercelli, ospite del ViottiFestival è stato uno dei più celebri violinisti d’oggi, nonché apprezzato direttore, il danese Nikolaj Szeps-Znaider, tra i pochi a poter vantare il primo premio ai due più importanti concorsi europei per violino, il Sibelius e Il Reine Elisabeth. Alla sua prima vercellese, Szeps-Znaider, sia in veste di solista, sia in quella di direttore dell’Orchestra Camerata Ducale, presentava un programma impaginato su due concerti per violino e orchestra, il n. 2 in Re maggiore KV 211 di Mozart (1775) e il n.16 in Mi minore WI: 16 di Gb. Viotti (1785-89), per concludere, deposto il violino, con la Sinfonia n.38 in Re maggiore KV 504 “Praga”, ancora di Mozart (1786). Fin dall’Allegro moderato che apre il Concerto KV 211 il pubblico è stato sedotto dal suono dolce, caldo, morbido e chiaro dello splendido Guarnieri del Gesù 1741 Kreisler di Szeps-Znaider. Questo suono, unito a una fluidità straordinaria del legato, ha impresso, alle varie soluzioni melodiche del Concerto, una soave pacatezza, una sorta di serenità trascendentale, che ha contenuto entro la misura di un lieve brivido anche l’improvvisa modulazione al minore nello sviluppo del primo tempo. Un Mozart meravigliosamente classicistico, ma non di un classicismo marmoreo, soffuso invece come di ‘un calore di fiamma lontana’, se ci è lecita una citazione foscoliana, grazie anche alle sottili e raffinate ombreggiature chiaroscurali ottenute con il controllo sapiente delle dinamiche. Un suono, quello di Szeps-Znaider che sa anche velarsi di suggestiva tenerezza, come nel primo splendido tema cantabile dell’Andante centrale, acme espressiva dell’intero concerto, ma sa anche farsi capriccioso e brioso, come nel refrain e nei couplet del finale Rondò, ma sempre con quella soavità e pacatezza di fondo di cui si diceva e che avvolge un po’ tutto questo stupendo Mozart del violinista danese. Il Concerto n. 16 di Viotti, uno dei più belli in assoluto del suo catalogo (tanto da suscitare l’ammirazione di Mozart, che ne curò un’edizione aggiungendo all’orchestrazione trombe e timpani) porta all’estremo quella che già individuammo in un precedente articolo come la caratteristica fondamentale della musica più alta del Vercellese, la tensione che la attraversa costantemente tra temi (e mondi) musicali lontani tra loro. Questo è un concerto segnato da una forte inquietudine, che sfiora l’ansia, subito annunciata dalla emozionante introduzione funebre, e da un andamento fremente, nervoso, reso instabile dalla costante oscillazione tra momenti di intenso virtuosismo e temi cantabili. Szeps-Znaider domina questo infuocato materiale sonoro, con una calibratissima duttilità di suono, qui spinto ad esplorare zone che il concerto mozartiano escludeva. L’intervento del violino dopo l’ampia introduzione orchestrale del Primo tempo Adagio/non troppo/Allegro si carica di un’aura più dolente, in generale di una energia sofferta e inquieta, in cui la linea talora frammentata dei temi ritmici offre il banco di prova a Szeps-Znaider per il suo virtuosismo, come in generale nel Rondò finale e in particolare nel ritornello, subito introdotto con le sue cinque note ravvicinate e ribattute, cui Szeps-Znaider sa dare la giusta carica di fierezza. Ma nei momenti di più abbandonato lirismo melodico, il violino del grande solista danese raggiunge vertici di incantevole bellezza, di una dolcezza intensa e coinvolgente, come nell’Adagio centrale, tra le pagine da antologia di Viotti. Dunque un Viotti tormentato e dolente, drammatico, che solo nell’ultimo tempo sembra trovare una qualche luce di riscatto e speranza, secondo una’ narrazione’ sinfonica che è già romantica. Veramente un’eccellente interpretazione, sia per Mozart, sia per Viotti, questa di Znaider, che ha guidato molto bene la Camerata Ducale, con una perfetta gestione degli equilibri e degli intrecci tra le varie linee strumentali, valida scelta dei tempi e delle dinamiche, dialogo sicuro tra solista e orchestra. Gli applausi scroscianti di un pubblico ammirato non sono valsi a ottenere un bis. Non ha certamente deluso le attese neppure lo Szeps-Znaider direttore, che ha ormai una consolidata esperienza alle spalle e un’ottima fama, che la ‘sua’ Sinfonia Praga ha dimostrato essere ampiamente meritata. Questo Mozart è certo diverso da quello del Concerto KV 211. Son passati più di dieci anni, siamo al Mozart della piena maturità, che ha appena composto le Nozze di Figaro e si accinge alla grande impresa del Don Giovanni. In generale, possiamo dire che la chiave di lettura che Znaider offre di questa quart’ultima sinfonia mozartiana è fondata su un mirabile equilibrio tra la dolce amabilità del concerto KV 211 e l’enorme intensificazione espressiva che, rispetto a quella musica, anima l’ultimo Mozart e che certo deve molto al Teatro. Un mondo pieno di contrasti e di tensioni, questo della ‘Praga’, ma che spesso resta latente, pronto ad affiorare all’improvviso, incrinando i più limpidi equilibri formali. Se la bacchetta di Znaider presenta l’introduzione lenta già come un dramma, che ha presentimenti del Don Giovanni, è nel primo tempo che mostra tutta la sua bravura nel sottile lavoro di scavo della graduale e calibratissima evoluzione della tensione drammatica che muove il pezzo. Con una limpidezza fatta di preziosa precisione timbrica e ritmica, la bacchetta (si fa per dire, perché Znaider ieri ha diretto senza podio e bacchetta, non sappiamo se sia una sua abitudine) del Maestro danese guida la Camerata Ducale a inseguire le più varie combinazioni dell’insieme di motivi che formano il tema principale e che ricorrono continuamente, spesso urtandosi e contrastandosi a vicenda per tutto il tempo, illuminando le diverse linee contrappuntistiche, in cui il materiale musicale raggiunge un suo ordine e un suo equilibrio, all’insegna di una superiore armonia che trionfa di ogni contrasto. Così, anche nell’Andante centrale la barra della direzione di Szeps-Znaider tiene saldamente la rotta di una grazia amabile che ha da combattere con forze più oscure, qui rese evidenti dall’abbondanza di cromatismi che caratterizza il movimento. È infine l’inesausta spinta ritmica quello che il Maestro danese mette in maggior risalto nel Finale (com’è noto la Sinfonia Praga conta solo tre tempi, mancando il Minuetto), una sorta di slancio verso mete ignote, che accompagna la gaiezza briosa di questo Rondò. Un Mozart inafferrabile e ambiguo, come sospeso in un mondo espressivo sfuggente e indefinibile, per il quale la luminosa struttura classicistica è più che altro una forma di resistenza di fronte a un che di ignoto e vagamente minaccioso, che si affaccia alla complessa coscienza di questo genio. Questo il Mozart di Szeps-Znaider, ottenuto con una direzione orchestrale sempre attentissima alla cura dei dettagli ritmici, dinamici, timbrici e nella scelta calibrata dei tempi. Grandi applausi del pubblico, che ha salutato con entusiasmo questo gran bel concerto, decisamente da ricordare.

18 aprile 2024 Bruno Busca

Presentato ieri al Teatro alla Scala il 33° Festival "Milano Musica"

Il 33° Festival Milano Musica denominato quest'anno "L'ASCOLTO INQIUIETO" si svolgerà tra il 23 aprile all'8 giugno 2024. Con oltre 25 appuntamenti: concerti sinfonici e cameristici, musica elettronica e video, teatro di figura e con 7 prime esecuzioni assolute e 11 prime in Italia comprese 1 commissione e 5 co-commissioni di Milano Musica, il Festival si rivela anche quest'anno con un numeroso numero di eventi musicali e anche nell' obiettivo perseguito lungo percorsi molteplici: nell’uso di spazi non convenzionali, il Pirelli HangarBicocca e l’Orto Botanico di Brera; nella scelta e nell’accostamento di repertori e autori, da Schumann a Marco Momi con la prima assoluta del suo Concerto per pianoforte e orchestra con elettronica; nella preferenza per brani che innovano la relazione fra la musica e il pubblico, come i trii e i quartetti per le combinazioni strumentali più originali in prima esecuzione nel Ridotto dei palchi del Teatro alla Scala in occasione dell’inaugurazione. L’arco del Festival si apre martedì 23 e mercoledì 24 aprile con un’anteprima dedicata a giovani e adulti, Tierkreis di Karlheinz Stockhausen nello spettacolo di teatro di figura di Luciano Gottardi, con intermezzi elettroacustici al Teatro Menotti, e si chiude al Pirelli HangarBicocca e al Conservatorio G. Verdi, con due fondamentali lavori di Fausto Romitelli, le cui coraggiose scelte musicali hanno segnato la giovane generazione di compositori a livello internazionale. Nella presentazione di questa mattina, dopo il saluto introduttivo della Presidente di Milano Musica Rosalina Archinto, l'organizzatrice e direttore di Milano Musica Cecilia Balestra ha introdotto il Festival con esaustive parole, delineando i punti di forza della nuova rassegna di musica contemporanea e presentando i numerosi ospiti: il musicologo Franco Pulcini ha anche illustrato la mostra presente in Scala con immagini e documenti dedicati a Luigi Nono, musicista d'avanguardia del Secondo Novecento che in modo evidente si collega alle origini di questa importante rassegna; musicisti come il citato Marco Momi; organizzatori come Mark Madlener, direttore dell' IRCAM di Parigi che ha rimarcato il legame privilegiato tra Milano e Parigi nel sostenere la musica contemporanea. Sono intervenuti anche il direttore d'orchestra Michele Gamba che è entrato in merito al lavoro di Momi; interpreti come il pianista Filippo Gorini che unirà nel suo concerto alla Scala la figura di Schubert a quella di Kurtag. Per finire il consulente artistico Paolo Petazzi è entrato nei dettagli della programmazione del Festival. Anche quest'anno si prevede una forte affluenza di appassionati nei numerosissimi spazi in cui si svolgerà la manifestazione italiana più importante di musica contemporanea.

17 aprile 2024 C.G.

L’ ORCHESTRA DA CAMERA DI LUGANO E LA PIANISTA MARIA GLORIA FERRARI AL FESTIVAL CANTELLI DI NOVARA

La stagione del novarese Festival Cantelli si è conclusa ieri sera, martedì 16/04, con un concerto al Teatro Faraggiana, che vedeva protagoniste l’Orchestra da Camera di Lugano e la pianista Maria Gloria Ferrari. L’Orchestra di Lugano, di formazione abbastanza recente (2005), è costituita da strumentisti professionisti di giovane età, che vantano tutti significative esperienze in alcune delle più importanti compagini sinfoniche e filarmoniche europee, sotto la guida di prestigiose bacchette. Attualmente l’Orchestra svizzera è diretta dal Maestro Stefano Bazzi, con un ottimo curriculum di studi tra Svizzera e Italia e un’esperienza di notevole spessore su un repertorio assai esteso, dal Barocco alla musica contemporanea. Maria Gloria Ferrari vanta una tappa decisiva del suo iter formativo come pianista in quanto allieva scelta di A. Benedetti Michelangeli. All’attività d’insegnamento presso il Conservatorio G. Verdi di Milano ha accompagnato un’intensa attività concertistica, sia come solista, sia con orchestra, un po’ ovunque in Europa. Di notevole interesse il programma, che aveva un titolo: “Musique avec charme”, dunque una musica che si propone il fascino del suono, delibato anzitutto come fascinosa esperienza sensoriale, come realtà assoluta, proprio in quanto suono. A dare inizio a questo ‘charme’ musicale sono stati eseguiti i “Two Pieces for Small Orchestra”, di Frederick Delius (1862-1934), quello che è forse il compositore inglese del tardo ‘800-primo’900 meno presente nelle sale da concerto italiane, del tutto ingiustificatamente, visto il suo ruolo storico di ‘padre’ tra i più rilevanti della musica inglese di almeno tutta la prima metà del XX sec. nonché la qualità notevole di gran parte della sua produzione. Delius è stato definito “l’impressionista” della musica inglese, una specie di traduzione inglese di Debussy: qualunque cosa s’intenda con questo controverso termine, una volta che dalla pittura lo si trasferisca alla musica, certamente il linguaggio musicale di Delius appare profondamente e, per rimanere in tema con la serata, fascinosamente innovativo, per i tempi in cui la sua attività compositiva si colloca. I “Two Pieces”, composti nel 1911-12, s’intitolano “On hearing the first Cuckoo in Spring” (‘Ascoltando il primo cuculo in primavera’) e “Summer night on the river” (‘Notte d’estate sul fiume’). Proprio questi due brevi pezzi vengono di solito citati come la prova più significativa dell’impressionismo di Delius. In effetti si tratta di brani di struttura assai libera, rapsodica, in particolare il secondo, in cui domina incontrastata un’armonia, molto allargata rispetto a quella autorizzata dal sistema tonale tradizionale, sino ai limiti di leggere, dolci dissonanze, che screziano soprattutto il primo pezzo: un’armonia intesa ormai in senso esclusivamente coloristico-timbrico. Eccellente l’esecuzione dell’Orchestra Svizzera, diretta con impareggiabile maestria da Bazzi nel sottolineare le incessanti fluttuazioni, il continuo gioco di luci e ombre, lo ‘charmant’ variopinto quadro di impasti timbrici sempre cangianti, instabili, incantevoli sino all’estasi, nella ricchezza di armonie di una sottigliezza che la sensibilità e la bravura di Bazzi hanno saputo cogliere e donare a noi ascoltatori, in un’esperienza emotiva e sensoriale molto coinvolgente, velata di un’impalpabile malinconica dolcezza, che è un possibile modo, tra i più suggestivi, di manifestarsi dello charme nella ‘musica’. Iniziatosi in Inghilterra, il viaggio musicale proposto dal programma del concerto di ieri in Francia si trasferiva, con un contemporaneo di Delius, quel Gabriel Fauré, che, pur appartato e indipendente da qualsiasi movimento o scuola del momento, veniva dando anche lui, soprattutto nella musica da camera, il suo bravo contributo all’apertura di nuove prospettive musicali. Di Fauré è stata proposta una composizione orchestrale del 1919, la “Suite per orchestra Masques et Bergamasques” 0p. 112, nella versione originaria in quattro movimenti, che purtroppo esclude l’indimenticabile “Pavane”, aggiunta solo successivamente. È una composizione, diremmo ‘neoclassica’, che rivive, attraverso la forma della Suite di musiche per danza cara al ‘700, con sentimento ora spiritoso, ora malinconico, il mondo del salotto aristocratico di quei tempi, sulla suggestione del ciclo poetico delle “Fetes galantes” del grande poeta simbolista Verlaine, a sua volta ispirato da celebri quadri di Watteau, che col suo pennello aveva immortalato quel mondo. Queste note sono necessaria premessa per comprendere l’interpretazione di Bazzi e dell’Orchestra di Lugano. Nello stacco dei tempi e nel suono richiesto all’orchestra, sempre nitido e preciso, Bazzi crea un’atmosfera di raffinata ed elegante leggerezza, che si declina ora come ritmo briosamente spiritoso, specie nei frequenti richiami a Mozart, appena velato di malinconia nel secondo tema (Ouverture), ora con una vena di sottile umorismo (Menuet), o come puro ritmo, nella sua baldanza giocosa (Gavotte) o infine come lirismo, sempre contenuto entro una classica misura (Pastorale). Notevole, in questa esecuzione, anche l’estrema cura, riservata da Bazzi ai dettagli timbrici, sempre seducenti nella ricchezza e varietà della tavolozza, e dinamici. Restando in Francia, seguiva un pezzo celeberrimo, il Concerto per pianoforte e orchestra in Sol maggiore di M. Ravel. Siamo ormai vent’anni dopo i Two Pieces di Delius, il clima musicale europeo è radicalmente cambiato, all’impressionismo debussyano e non solo si è dato il bando, sia con l’avanguardia viennese, sia con le varie declinazioni del cosiddetto neoclassicismo. In quest’ultimo caso, per il Ravel pianista soprattutto, lo ‘charme’ va cercato nel nitore, nelle pagine limpide e cristalline in cui anche il più arduo virtuosismo si viene sgranando sulla tastiera. L’interpretazione, eccellente, di Maria Gloria Ferrari, scaturisce da un fraseggio elegante e di non grande volume, ma di seducente eleganza, che mantiene intatta la propria pulizia formale anche nei ripetuti glissando e nei vari arabeschi del primo tema dell’Allegramente iniziale o nello scatenato terzo tempo Presto, ove il tour de force virtuosistico del concerto tocca il suo apice. Ma è un fraseggio, quello della Ferrari, di grande sensibilità, rispettoso degli elementi strutturali della partitura, e che interpreta con grande efficacia anche i momenti più melodici del concerto, come il seducente blues ‘gershwiniano’ del primo tempo o, e soprattutto, la cantilena, così apparentemente semplice e così potentemente suggestiva, dell’Adagio assai centrale, in cui il suo tocco delicato e morbido dà voce a quel che di sfuggente è in questo meraviglioso pezzo (‘tecnicamente’ dovuto ad alcune minime sfasature negli accenti di battuta). Al fraseggio si accompagna poi un suono che è l’evidente frutto di un’arte squisita e di uno studio meditato del concerto di Ravel, che sappiamo dalle note di sala essere uno dei suoi autori prediletti (avrà pur contato anche in questo l’essere stata allieva di Benedetti Michelangeli!). È un suono che, duttile nel vario alternarsi delle dinamiche, sa essere di aerea delicatezza in alcuni momenti-chiave, quali la ripresa del secondo tema dell’Allegramente, e soprattutto nel grandissimo Adagio assai, ove il lunghissimo tema affidato in cadenza al pianoforte trova, grazie a quel suono, il ‘volume’ giusto, di dimessa dolcezza, privo di accensioni, quasi piatto e monotono, che è il suono puro della malinconia nella sua quintessenza. Quando poi, dopo l’intervento dell’orchestra, affiorano i timbri del corno inglese e del fagotto, il colore del suono del pianoforte cambia, si fa come vitreo, con un che di irrigidito nella sua cristallina purezza, per poi, ci è parso, quasi dissolversi negli arpeggiati, quasi in un colore liquido che culmina nel trillo finale. Davvero una bellissima interpretazione, di rara finezza e classe nella ricerca espressiva attraverso i suoni. Ovviamente spetta un alto titolo di merito all’ottima riuscita di questo concerto raveliano anche alla valida direzione di Bazzi, che ha sempre tenuto un perfetto equilibrio dei piani sonori, con un intenso dialogo strumentale nelle varie soluzioni timbriche della partitura e nel dialogo costante con il pianoforte. Gli applausi scroscianti del pubblico hanno ottenuto due fuori programma: uno pianistico, chopiniano, uno Chopin di elegante e delicata misura, secondo lo stile della Ferrari; e uno orchestrale, l’Intermezzo della Carmen di Bizet. Gli Amici della Musica di Novara hanno voluto salutare il loro pubblico con un concerto all’insegna della bellezza e dello charme. Sono stati ripagati da grandi, meritati applausi, che sono anche applausi di riconoscenza per la bella musica di cui, anche quest’anno, hanno fatto dono alla città.

18 aprile 2024 Bruno Busca

Elisso Virsaladze alle Serate Musicali del Conservatorio

Torna puntualmente per Serate Musicali la pianista georgiana Elisso Virsaladze. Dal 1992 è ospite dell'importante società concertistica e sempre ha impaginato programmi diversificati in concerti come quello cui abbiamo assistito ieri sera. Schubert, Brahms, Liszt e Prokofiev sono stati interpretati con una facilità discorsiva tipica di chi ha interiorizzato ogni frangente di brani spesso molto complessi e articolati. I schubertiani Sei momenti Musicali D780 Op.94 hanno introdotto la serata rivelando una leggerezza di tocco mediata da sottili escursioni dinamiche, per una restituzione espressiva e di ottimo valore estetico. Il brano successivo , la Sonata per pianoforte n.1 in do maggiore Op.1 è un lavoro giovanile di Brahms con i classici quattro movimenti che rivelano una costruzione articolata e già costitutiva del linguaggio del compositore amburghese. La Virsaldze ha eseguito questa rarità esecutiva con equilibrio, sicurezza e penetrazione espressiva di eccellente livello. Di romantica valenza estetica nella leggerezza interpretativa i due noti brani di Franz Liszt: prima da Consolations il n.3 Lento placido, quindi da i Tre studi da concerto "Il Lamento". L'ultimo brano del programma, la celebre Sonata n.7 Op.83 "Stalingrado" è probabilmente la più eseguita di Prokofiev, anche per via di quel ritmico Precipitato, ultimo dei tre movimenti che la compongono. La Virsalazde con un'ottima lettura, ha restituito tutte le caratteristiche della geniale musica di Prokofiev, ricca di geometrie, simmetrie e astratte visioni. Un'interpretazione di alto spessore. Applausi sostenuti e due i bis concessi, entrambi di Schubert: prima un breve valzer e poi il celebre ed eccellente brano da Soirées de Vienne, il n.6 "Valse caprice". Splendida serata!

16 aprile 2024 Cesare Guzzardella

Alla Scala successo meritatissimo per La Rondine di Puccini diretta da Riccardo Chailly

Un successo meritato per La Rondine, commedia lirica in tre atti di Giacomo Puccini su libretto di Giuseppe Adami, presentata alla Scala in una messa in scena curata da Ditlev Rindom nel 2023 che rivela alcune differenze rispetto alla prima edizione del 1917. È un'opera tra il leggero e il drammatico, come risulta nel finale del terzo atto, dove la musica pucciniana è particolarmente piacevole nella genuinità del personalissimo linguaggio del grande compositore toscano, inventore di arie anche leggere, ma non per questo non rilevanti. La sua geniale capacità di armonizzazione, con le ricercate timbriche orchestrali, è stata resa in modo eccellente da Riccardo Chailly, un direttore affascinato dalla musica pucciniana, attento ad ogni dettaglio e ad ogni perfetto inserimento delle voci nella componente strumentale. È un gioiello di raffinatezze melodiche questo lavoro purtroppo eseguito troppo poco rispetto quello che meriterebbe, che trova come riferimento quello ben più celebre di Bohème, per la presenza di numerose situazioni simili. La regia di Irina Brook, supportata dalle originali scene e i coloratissimi costumi di Patrik Kinmonth, dalle luminose luci di Marco Filibeck e dalla valida coreografia di Paul Pui Wo Lee, ci è piaciuta molto, soprattutto per l'ottima sintonia con la musica e i repentini cambiamenti dei personaggi in gioco. L'ottimo cast vocale ha trovato in Mariangela Sicilia, Magda, la voce più convincente, e nella quinta rappresentazione da me vista, anche la più applaudita. Ottimi anche Matteo Lippi in Ruggero, Rosalia Cid in Lisette, Giovanni Sala in Prunier, Pietro Spagnoli in Rambaldo, William Allione in Perichaud e tutti gli altri. Il coro di Alberto Malazzi, di grande potenza espressiva nel secondo atto, è stato come sempre al top. Uno spettacolo decisamente riuscito che avrà ancora una replica il 20 aprile. Da non perdere. (Foto di Brescia e di Amisano -Archivio della Scala)

15 aprile 2024 Cesare Guzzardella

A VERCELLI UN GRANDE VIOTTI PER IL BICENTENARIO

Ieri sera, sabato 13/04, il violinista e direttore Guido Rimonda con l’orchestra Camerata Ducale, ha degnamente festeggiato, al Teatro Civico di Vercelli, il bicentenario della morte di G. B. Viotti, cui è peraltro dedicata l’intera stagione in corso, con un concerto che proponeva, su tre pezzi, due dei ventinove concerti per violino del grande musicista vercellese: il n. 4 in RE maggiore WI 4 e il n. 28 in La minore WI 28. La serata era poi conclusa da un capolavoro di F. J. Haydn, la sinfonia n. 104 in RE maggiore, Hob I: 104, nota come ‘Londra’. Il Maestro Rimonda ha dedicato alla figura e alla musica di G. B. Viotti studi intensi ed approfonditi, che lo hanno reso uno dei massimi esperti al mondo di questo violinista e compositore che fu tra i più grandi e celebri in Europa tra ‘700 e ‘800, ammirato da geni quali Beethoven e Brahms, ma, abbastanza inspiegabilmente, caduto in un quasi completo oblio dopo la comparsa di Paganini, che pure di Viotti aveva grande considerazione e al Maestro vercellese deve non poco della sua arte. Un oblio cui l’indefessa attività di studioso e di violinista -direttore di Guido Rimonda ha il sommo merito di aver sottratto in questi anni uno dei pochi grandi della musica strumentale italiana dal tardo ‘700 in poi. Sfogliando le pagine dedicate a Viotti in saggi critici e storici, a definire la sua musica compare sovente l’aggettivo ‘accattivante’. In cosa è precisamente accattivante la musica di Viotti? C’è un passaggio nel secondo tempo, Romance, del Concerto n. 4 che ci appare al riguardo particolarmente significativo: il tempo si apre e prosegue per una serie piuttosto numerosa di battute, con una melodia di limpida serenità, in cui si avverte più di un’eco del bel canto italiano dell’epoca. All’improvviso, come un fulmine inaspettato, il violino introduce un tema inquieto, di un pathos piuttosto mosso ritmicamente, con un acuto stridente che spezza quasi brutalmente l’abbandono incantato alla precedente melodia, che, dopo poche battute riprende come nulla fosse accaduto. È questo, secondo noi, il tratto particolare e affascinante del miglior Viotti, questa espressività in fondo ambigua e sorprendente, sospesa tra dolcezza serena del classicismo del pieno ‘700 e brividi d’inquietudine che lo pongono sulla linea di quell’estetica del Sublime, che a fine ‘700 dominava l’arte europea che oggi diremmo d’avanguardia e irraggiava i primi bagliori della sorgente sensibilità romantica. Per rendere al meglio questa musica, le qualità di Rimonda, sia come direttore, sia come violinista, sono pienamente adeguate: dotato di una cavata espressiva ed energica ad un tempo, di un suono puro e ricco di sfumature, di una tecnica di rara perfezione nei vari colpi d’arco e negli effetti che è possibile ottenerne, sino al virtuosismo più arduo, come nella cadenza del Maestoso iniziale, di un fraseggio molto duttile nelle dinamiche, Rimonda ha fornito di questo quarto concerto viottiano un’interpretazione da antologia, assecondata da una Camerata Ducale che ha ormai maturato un suono di raffinata eleganza e sensibilità timbrica, giocata peraltro, in questa composizione, prevalentemente sulla sezione degli archi, essendo i fiati ridotti all’essenziale, con due oboi e due corni. Perfetto, in particolare, il Maestoso iniziale, in cui la solennità del tema d’attacco è temperata da quella eleganza di cui accennavamo poc’anzi, e inciso con precisione è il vario alternarsi dei ritmi, dal canto spiegato ai momenti di più rapida e robusta agogica. Facendo del suo arco un pennello capace di usare al meglio i più diversi colori, Rimonda dà voce tanto al fluire delle melodie più dolci della Romance centrale, quanto alle ombre che in essa affiorano, così come alla vena gioiosa, di vago sapore popolaresco, dell’Allegro finale. Il successivo concerto, il n.28, databile intorno al 1803-4, appartiene al periodo del secondo soggiorno inglese di Viotti. Presenta, a differenza del precedente, un’orchestrazione molto più ricca, con una sezione dei fiati con tutti i legni, cui si aggiungono corni e trombe a due, con una conseguente tavolozza timbrica assai più estesa e varia. Il primo tempo, Moderato, è esemplare di quella ‘poetica del contrasto’, come potremmo definire l’essenza espressiva della musica di Viotti: momenti di intimo ripiegamento espressivo aprono squarci improvvisi in una linea musicale dominante, a carattere assertivo, quasi imperioso. Dopo l’introduzione orchestrale è il violino a reggere il gioco, con energia e sottile ricerca espressiva, peraltro interloquendo con l’orchestra in un gioco timbrico abbastanza vario e raffinato. Il purtroppo breve tempo centrale Andante sostenuto è senz’altro il gioiello di questo concerto: lo avvolge un’atmosfera di cosmica tristezza, che si declina ora come solenne pensosità, ora come pathos venato di intima malinconia, in un flusso melodico che il fraseggio del leggendario violino Noir di Rimonda interpreta con sapienza, coi suoi delicati chiaroscuri, accuratissimo nella calibratura delle dinamiche, puntuale nelle escursioni lungo la tessitura dello strumento, dai registri acuti a quelli più gravi. Senz’altro brioso e gioioso, coi suoi ritmi da danza popolare, come già nel tempo di chiusura del concerto n.8, è il finale Allegretto vivo, dove peraltro il piglio giocoso sembra talvolta come avvolto in un impalpabile velo di malinconia. Un bellissimo concerto, interpretato in modo davvero superbo da un grande Rimonda. Gli scroscianti appalusi del sempre numeroso pubblico ottenevano da Rimonda, come fuori programma, uno dei suoi pezzi di baule Il tema della Marsigliese con variazioni di Viotti. Chiudeva la serata l’ultima sinfonia di Haydn, la 104 , ‘Londra’ , composta nel 1795 subito prima della sua definitiva partenza dalla Gran Bretagna, quando anche Viotti vi trascorreva il suo primo soggiorno, costretto nel 1793 a fuggire precipitosamente dalla Francia in piena Rivoluzione, inseguito da un’accusa, poi dimostratasi falsa, di attività politica filomonarchica: In questi due anni di comune soggiorno in terra britannica Haydn e Viotti si conobbero anche personalmente, presentati dal loro comune ‘mecenate’ Salomon. Al di là dei rapporti personali, ascoltando questa sinfonia di Haydn, sentiamo circolare, pur nelle differenze del linguaggio musicale dei due autori, un’aria comune alla musica di Haydn e di Viotti. Se consideriamo l’Andante della 104, formalmente un tema con variazioni, siamo colpiti da quella ‘poetica del contrasto’ che abbiamo già notato in Viotti, sfruttata dal Maestro di Rohrau in modo senz’altro più radicale: lavorando più sulla trasformazione del tema che sul contrasto tra temi diversi, Haydn spezza la placida serenità del motivo d’apertura con continue sorprese armoniche e dinamiche, con sospensioni improvvise, sino a raggiungere vertici di potente e suggestiva tensione drammatica. È evidente che Haydn e Viotti sono compagni di strada, stanno percorrendo un cammino comune, che porta fuori dal classicismo per approdare a nuove soluzioni espressive che hanno il loro perno nell’imprevedibilità e nella tensione cui è sottoposto il materiale musicale. Ancora una volta, la Camerata Ducale, sotto la guida di Rimonda, offre al pubblico del Civico un’interpretazione inappuntabile di un capolavoro, sottolineandone la tensione dominante già dall’Adagio introduttivo, con un energico gioco di contrasti drammatici tra l’inciso motivico a piena orchestra e i frammenti melodici di violini e fiati. Ottimo il fraseggio, sempre sorretto da un compiuto equilibrio dei vari piani sonori, che scolpisce la tensione dello sviluppo del successivo Allegro e il suo finale placarsi in un clima più sereno. Pregevole lo stacco dei tempi del Minuetto e trascinante il brillante finale su un tema di una ballata popolare croata, il tutto diretto con raffinatezza nella valorizzazione della complessa timbrica del pezzo. Ottima serata di musica, applauditissima da un pubblico come sempre accorso numeroso.

14 aprile 2024 Bruno Busca

Il pianista Nobuyuki Tsujii per Grieg, Maggese di Del Corno e Pini Romani di Respighi diretti da Sesto Quatrini

Il concerto ascoltato all'Auditorium milanese, denominato "Serate romane", ha visto alla direzione della Sinfonica di Milano il quarantenne romano Sesto Quatrini per tre brani diversi, ma aventi in comune timbriche per alcuni aspetti legati alla mondo paesaggistico. Il Concerto per pianoforte e orchestra in La minore Op.16 di Edvard Grieg, Maggese, recente composizione per orchestra di Filippo Del Corno e il celebre Pini di Roma di Ottorino Respighi, utilizzato anche per il noto film Fantasia 2000 di Walt Disney, attraverso frangenti di efficaci suggestioni coloristiche non possono non richiamare al mondo dell'osservazione. Il noto Concerto op.16 (1868) del norvegese Grieg (1843-1907), ha trovato al pianoforte l'affermato pianista giapponese trentacinquenne Nobuyuki Tsujii, un eccellente interprete già venuto in Auditorium per uno straordinario concerto di Rachmaninov. Ottima l'interpretazione elargita, sia grazie all'espressività della componente solistica che alla decisa direzione di Quatrini, che ha trovato una valida restituzione in ogni sezione orchestrale. Nobu, applaudito con entusiasmo dal numeroso pubblico presente, ha ringraziato il pubblico concedendo ben tre bis: due Pezzi lirici, op.12 n.1 "Arietta" e op.65 n.6 "Wedding day" sempre del compositore norvegese e centralmente,il noto Studio da Concerto n.1 del pianista-compositore russo Nikolai Kapustin eseguito con grinta e chiarezza superlativa. Un'ovazione con applausi interminabili per Nobu. Dopo l'intervallo la Prima esecuzione assoluta di Maggese (2023), recente composizione del milanese Filippo Del Corno (1970) era una commissione dell'Orchestra Sinfonica milanese e della Fondazione Arturo Toscanini di Parma. Il valido brano ci ha rivelato un compositore particolarmente sinfonico. Sono circa 15 minuti d'intensa musica che nascono dopo un lungo periodo - circa otto anni- nel quale il musicista aveva lasciato la composizione per l'impegno politico e amministrativo (Assessore alla cultura) nella sua e nostra città. Un ritorno felice alla composizione con un efficace lavoro che pur nella piacevole titolazione, risente del difficile periodo storico in cui stiamo vivendo. Nella varietà d'articolazione dell'unico movimento, sono riconoscibili quattro parti contrastanti che alternano timbriche forti ed incisive ad altre più tenui, in un complesso di suoni-immagini che ci sembrano adattissime per il mondo del cinema e che hanno un'impalcatura compositiva assai solida con una presenza di una strumentazione molto varia dove risalta una componente ritmico-percussiva. Un lavoro scritto molto bene, di non difficile comprensione e di valida resa emotiva, restituito con chiarezza dalla direzione di Quatrini. Applausi convinti del pubblico agli interpreti e anche al musicista salito sul palcoscenico. L'ultimo brano, Pini di Roma (1924), e diviso in quattro movimenti tanto celebri quanto splendidi, che ci rivelano ancora le abilità del grande Respighi (1879-1936), il più eseguito dei compositori italiani della sua generazione. Pur essendo nato a Bologna, i lavori sono spesso legati a Roma, città dove ha insegnato, dove ha composto le più importanti opere e dove è vissuto a lungo. Respighi ha segnato i primi decenni del Novecento italiano per la qualità compositiva e per l'eccellenza delle sue orchestrazioni. Un'esecuzione di ottima qualità quella ascoltata ieri sera, che ha ricevuto un tripudio di applausi. Domenica alle ore 16.00 la replica certamente da non perdere!

13 aprile 2024 Cesare Guzzardella

Il violoncello di Ettore Pagano ai Pomeriggi Musicali del Dal Verme

Tre brani molto diversi tra loro hanno impegnato l'Orchestra de "I Pomeriggi Musicali" diretta da James Feddeck. Il primo dell'aquilana Roberta Vacca (1947), denominato Poker Face, per la commissione de I Pomerggi e in prima esecuzione assoluta, ha introdotto l'anteprima di questa mattina. Un lavoro tonale molto sfaccettato nei ritmi e nelle timbriche che ha messo in rilievo le qualità di scrittura dell'affermata compositrice. Un valido lavoro reso bene da Feddeck e dagli orchestrali. Applausi anche alla compositrice salita sul palcoscenico. Il brano più atteso, anche per la presenza del giovane violoncellista Ettore Pagano, era il Concerto per violoncello e orchestra n.1 op.107 di Dmitri Šostakovic. Un capolavoro di pregnanza timbrica reso con espressività da Pagano, un cellista di grande spessore musicale, che ha saputo penetrare la musica del grande russo con timbriche profonde, incisive e di rara efficacia. La lunga Cadenza, un vero movimento tra il Moderato e l'Allegro con moto ha esaltato le qualità dell'interprete. Applausi sostenuti ai protagonisti. L'ultimo brano in programma, la Sinfonia n.4 op.60 di Beethoven è stato ben delineato nei quattro movimenti che lo compongono dalla valida direzione di Feddeck per una energica restituzione dalla compagine orchestrale. Questa sera alle ore 20.00 la prima ufficiale e sabato alle 17.00 la replica. Da non perdere!

11 aprile 2024 Cesare Guzzardella

Monica Zhang per la Società dei Concerti

Ha solo diciassette anni la pianista milanese Monica Zhang, l'artista in residenza della Fondazione La Società dei Concerti che all'ultimo momento ha sostituito il pianista Yunchan Lim. Un compito non facile, avendo il sud-coreano vinto nel 2022 l'importantissimo "Concorso Internazionale Van Cliburn". Le qualità superlative di Monica hanno comunque soddisfatto il numeroso pubblico intervenuto in Sala Verdi, nel Conservatorio milanese, dopo aver ascoltato un impaginato ricco di brani celebri e virtuosistici. Dal primo Čaikovskij con l'Andante maestoso- Pas de deux da "Lo Schiaccianoci" , nella straordinaria trascrizione di M. Pletnev, la Zhang ha rivelato la sua cifra interpretativa delineata da una tecnica straordinaria, ricca di chiarissimi dettagli e da una sicurezza nell'approccio pianistico da interprete con anni di carriera. Il successivo Liszt, con la celebre Parafrasi da Concerto dal verdiano "Rigoletto", ha ancora consolidato le qualità digitali della pianista e anche il più raro Ginastera delle Danzas Argentinas Op.2 -tre danze con quelle due laterali di un virtuosismo ritmico scintillante- ha dato idea di trovarci di fronte ad un'interprete con potenziali che potranno, nei prossimi anni, formare una personalizzazione espressiva di altissimo livello. Dopo l'intervallo sono stati eseguiti con grande equilibrio e con ottima resa espressiva i celebri Quadri di un'esposizione di Modest Musorgskij. Interpretazione di qualità la sua, specie nei frangenti dove le volumetrie hanno un grande impatto sonoro. Applausi interminabili al termine del programma ufficiale e ben tre i bis concessi dalla pianista con un brano iniziale di Gabriel Fauré e due di F.Chopin. Del polacco ha eseguito prima lo Studio n.1 op.10 e poi la Mazurca Op.33 n.1 . Applausi calorosi dal pubblico presente in Sala Verdi e numerosi mazzi di fiori anche dai compagni di Conservatorio e del Liceo Classico Carducci frequentato dalla bravissima Monica. Grande serata!

11 aprile 2024 Cesare Guzzardella

Wolfram Christ e Georgijs Osokins con l'Orchestra UNIMI dell'Università Statale milanese

Ieri nell'aula Magna dall'Università Statale, l'Orchestra UNIMI ha trovato la direzione di Wolfram Christ, un direttore d'orchestra che per decenni è stato la prima viola di eccellenti orchestre tra cui la leggendaria Orchestra Filarmonica di Berlino. La più recente attività direttoriale lo ha portato in giro per il mondo. Per l'Orchestra universitaria milanese ha scelto un impaginato tutto beethoveniano con il Concerto n.4 in Sol maggiore Op.58 per pianoforte e orchestra e con la Sinfonia n.8 in fa maggiore Op.93. Il primo brano, il concerto, ha trovato l'ausilio solistico del pianista lettone Georgij Osokins, un interprete di ottima qualità recentemente ascoltato in Sala Verdi in una trascrizione del Concerto n.2 di F. Chopin accompagnato dalla Kremerata Baltica (11 marzo- Serate Musicali) Il Concerto n.4 beethoveniano è stato affrontato con altrettanta discorsività e chiarezza di dettaglio. L'ampio Allegro moderato del primo movimento, con quelle celebri note iniziali solo pianistiche, ha trovato un'ottima resa anche dai giovani strumentisti dell'orchestra UNIMI, compagine universitaria milanese che ha anche quest'anno una valida programmazione con ottimi direttori e solisti. La precisa e incisiva direzione di Wolfram Christ ha permesso di ben rilevare il pianismo di Osokins, ben evidenziato anche nel profondo Andante con moto e nell'esuberante Rondò finale. Applausi sostenuti dal mumerosissimo pubblico intervenuto in Aula Magna, pubblico che in buona parte aveva presenziato all'incontro con gli interpreti, anticipatorio del concerto, in una conversazione con la collega giornalista-musicologa Gaia Varon. Splendido il bis solistico di Osokins con il celebre Carnevale di Venezia in una rivisitazione di Chopin dalle variazioni di Paganini. Dopo la brevissima pausa, valida l'interpretazione di Christ e dell'Orchestra della breve Sinfonia n.8 (1814) , lavoro di "passaggio" tra le ben più celebri Settima e Nona, ma con caratteristiche sempre molto beethoveniane. Ottimo concerto e ancora applausi sostenuti .

10 aprile 2024 Cesare Guzzardella

Uto Ughi alle Serate Musicali del Conservatorio

Una serata di ottima qualità quella di ieri sera alle Serate Musicali del Conservatorio milanese. È finalmente ritornato il violinista Uto Ughi, classe 1944, ottant'anni compiuti a gennaio. Era in duo con il pianista Leonardo Bartelloni per un programma di brani classici affrontati molte volte nelle decine di concerti tenuti in Sala Verdi, in almeno trent'anni di rapporto continuativo con la nota società concertistica milanese. Per questo, prima dei bis concessi dal Maestro, è stata consegnata a Ughi una targa di ringraziamento "per la sua arte a Milano" a nome di Hans Fazzari, da sempre organizzatore delle Serate Musicali e che purtroppo non ha potuto essere presente. Nella prima parte del concerto un cambio di programma ha visto Ughi e Bartelloni eseguire la celebre Ciaccona di Tomaso Vitali, cui ha fatto seguito l'altrettanto noto cavallo di battaglia del Maestro , il " Trillo del diavolo" ovvero la Sonata in Sol minore di Giuseppe Tartini. Uto Ughi ha ieri espresso, in questi primi due importanti lavori, un livello interpretativo poetico. Coadiuvato da Bartelloni, pianista attento alle volumetrie del violino e perfetto nel sottolineare le inflessioni timbriche di Ughi, il duo ha fornito una prestazione di altissimo livello. Non sono certo le lievi imperfezioni d'intonazione del grande violinista a sminuire una qualità complessiva eccellente dove la profonda espressività della "voce" è emersa in toto, valorizzata dalle armonie pianistiche. Il momento di "a solo" del violino di Ughi al termine del Trillo del diavolo è stato poi entusiasmante per pregnanza espressiva. Dopo l'intervallo, valida l'interpretazione complessiva della nota Sonata in la maggiore del belga-francese Cesare Franck, con frangenti di profonda espressività. Valida anche la parte pianistica, di fondamentale importanza, di Bartelloni, in questo ampio lavoro ciclico. Straordinari i due bis concessi dal duo. In essi un violino intonatissimo e molto espressivo ha fatto emergere i valori musicali sia del brano di Manuel De Falla, con la Danza spagnola n.1 da La vida breve, che di quello di Fritz Kreisler, Schön Rosmarin. Applausi meritatissimi in una sala molto affollata, con un pubblico decisamente soddisfatto.

9 aprile 2024 Cesare Guzzardella

I violinisti Houman Vaziri e Agnese Maria Balestracci ai Lieti Calici

Due ottimi violinisti, Houman Vaziri e Agnese Maria Balestracci del Quartetto Sincronie, hanno tenuto un ottimo concerto ieri mattina agli Amici del Loggione del Teatro alla Scala di Via Silvio Pellico 6 per la rassegna Lieti Calici. La valida resa interpretativa del duo cameristico è stata sostenuta da una scelta d'impaginato di qualità, con l'esecuzione di autori sia recenti che del passato e con relativi brani che hanno ben delineato la particolarità delle composizioni per "due violini". Al centro del breve concerto, la figura del ligure Luciano Berio (1925-2003) e di dieci duetti per due violini, tra i quasi 40 da lui composti - eseguiti all'inizio e alla fina della mattinata musicale- , hanno rivelato le qualità della sua musica, legata agli stilemi del passato ma anche alla figura di Bartòk e alle opere dei suoi contemporanei. I due interpreti, in un gioco di alternanza delle parti, secondo le modalità della scrittura a canone, tipica della musica seicentesca e settecentesca, hanno intervallato i brevi ma creativi lavori di Berio, dedicati a Bartók, con altri di Georg Philipp Telemann ( 1681 – 1767) , di Jean-Marie Leclair (1697-1764), ma anche di Paul Hindemith (1895-1963), musicista tedesco debitore della musica bachiana e, come il suo geniale connazionale, grande architetto polifonico. Un concerto interessatissimo, presentato bene da Mario Marcarini, e con il gran finale, - dopo il bellissimo bis con la ripetizione del brano più interiore e melodico di Berio e gli applausi sostenuti del numeroso pubblico presente- , del brindisi con eccelsi vini di superlativa qualità. Ottima mattinata.

8 aprile 2024 Cesare Guzzardella

Antonio Alessandri in un concerto in Conservatorio per la Fondazione Bracco

Il concerto straordinario organizzato dal Conservatorio milanese e dalla Fondazione Bracco ha trovato sul palcoscenico un pianista di 18 anni appena compiuti. Antonio Alessandri, vincitore del "Premio speciale Diventerò" di Fondazione Bracco alla XXXIII edizione del Concorso Pianistico Internazionale Ettore Pozzoli, è un nome già noto nell'area milanese e non solo, avendo già sostenuto concerti in numerose importanti sale della città, e avendo vinto molti Primi Premi in concorsi concertistici internazionali sin da quando era poco più di un bambino. L'impaginato scelto ieri sera, degno di un pianista maturo ed in carriera da decenni, prevedeva brani di Rachmaninov e di Chopin. Ha iniziato con i virtuosistici Etudes-Tableaux op.33 del grande russo e ha continuato con gli Studi op.10 del polacco. Si rimane certamente sbalorditi della sicurezza con la quale esegue brani di grande impegno. La facilità nel superare le difficoltà tecniche è unita ad una qualità espressiva già consolidata e di ottima resa. Alcuni dei celebri Studi chopiniani hanno trovato una rapida articolazione per un equilibrio discorsivo eccellente. Una resa così matura di brani alquanto difficili ha entusiasmato il numerosissimo pubblico presente in Sala Puccini. Applausi fragorosi e un bis ancora di Chopin con lo Studio n.7 op.25

7 aprile 2024 Cesare Guzzardella

La pianista Gala Chistiakova a "Il pianoforte in Ateneo" dell'Università Cattolica milanese.

"Il pianoforte in Ateneo", la rassegna musicale dedicata al pianoforte, è tornata all' Università Cattolica del Sacro Cuore di Milano. Gli organizzatori delle serate musicali, il prof. Enrico Reggiani, direttore dello Studium Musicale di Ateneo e il Maestro Davide Cabassi, pianista-concertista e docente al Conservatorio " G. Verdi" di Milano, hanno portato nella splendida Aula Magna dell'Università milanese la moscovita Gala Chistiakova che con il prestigioso Shigeru Kawai, pianoforte scelto per tutta la rassegna musicale, ha eseguito due celebri lavori di Beethoven (1770-1827) e di Musorgskij (1839-1881): la Sonata op. 27 n. 2 "Al chiaro di luna" e Quadri di un’esposizione. Brani che, come ricordato nella valida introduzione di Enrico Reggiani, non hanno certo bisogno di presentazione in quanto noti anche dal pubblico che non frequenta abitualmente le sale da concerto. La Chistiakova ha rivelato in entrambi i lavori di possedere un carattere particolarmente deciso, delineando strutture musicali ricche di forza espressiva e discorsività fluida nell'esternare ogni sequenza melodico-armonica. L'equilibrio complessivo, sia nella Sonata beethoveniana, sia in quella suite rappresentata dai Quadri, con quel ritorno alternato del celebre tema, è stato valido nel contrasto tra il cambiamento dei tempi e nelle volumetrie timbriche. Un grande successo nella Aula colma di appassionati e la concessione di due splendidi bis da parte dell'ottima interprete: prima di Piotr I. Čajkovskij Meditation op.72 n.5 e quindi di Anatoly Lyadov The Music Box op.32, che hanno rivelato tutte le raffinatezze del pianismo della russa. Il prossimo appuntamento, previsto per il 16 maggio , vedrà al pianoforte il noto interprete Boris Petrushanski con musiche di Mozart, Beethoven e Brahms. Da non perdere!

5 aprile 2024 Cesare Guzzardella

La violinista turca Tchumburidze diretta da Bisatti ai Pomeriggi Musicali

Brani tutti in Re Maggiore quelli scelti dal giovane direttore Riccardo Bisatti per I Pomeriggi Musicali al Teatro Dal Verme. Ho ascoltato l'anteprima di questa mattina con un programna che prevedeva un capolavoro assai noto di L.v.Beethoven con il suo Concerto in Re maggiore per violino e orchestra op. 61. L'ottima solista era la ventottenne violinista Veriko Tchumburidze. Dopo il breve intervallo una rarità giovanile di Franz Schubert con la Sinfonia n. 3 in Re maggiore D200 concludeva l'mpaginato. Il bravissimo direttore ha mostrato una valida gestualità nel trasmettere con precisione ogni indicazione ai bravissimi orchestrali de I Pomeriggi. Il concerto beethoveniano, splendido sia nei singoli movimenti che nell'insieme, con un grandioso Allegro ma non troppo iniziale, ha rivelato le qualità della violinista turca. Oltre ad una precisissima padronanza tecnica la Tchumburidze emergeva nella bellissima prima cadenza, risolta con straordinaria espressività, così come anche in quella del Rondò finale. Ha colori molto raffinati il violino della Tchumburidze, espressi nella tenue ma producente discorsività. Un equilibrio complessivo ottimo con la direzione di Bisatti. Il direttore ventitreenne novarese ha poi rivelato ancora qualità nella valida Sinfonia di Schubert. Una scrittura ancora non del tutto personale ma con un Allegretto e un Presto vivace deliziosi. Di qualità l'interpretazione. Questa sera alle 20.00 la prima ufficiale e sabato alle 17.00 la replica.

4 aprile 2024 Cesare Guzzardella

Successo incompleto per il Guillaume Tell rossiniano di Michele Mariotti e Chiara Muti

Un Teatro alla Scala colmo di pubblico ha accolto la quarta rappresentazione - da me vista - del rossoniano Guillaume Tell. Un'opera che da quasi 35 anni non veniva rappresentata in Scala - era il dicembre del 1989- e mai lo era stata nel teatro del Piermarini nella versione francese. Quattro atti particolarmente corposi per quasi quattro ore reali di musica, ai quali si aggiungono tre non brevi intervalli. Alcuni spettatori, i meno appassionati, hanno lasciato il teatro prima, perdendo l'ultimo atto e altri anche il più articolato e contestato terzo atto . Una contestazione rivolta alla regia di Chiara Muti, che se pur con indubbia creatività, ha realizzato una rappresentazione attualizzata ai tristi momenti che stiamo vivendo, mettendo in scena situazioni spesso violente come nei frangenti danzanti del terzo atto, buate da un certo numero di spettatori presenti anche in platea. Valide comunque le motivazioni di Chiara Muti scritte nel completo libro di sala che parte dalla scura messinscena ispirata dal celebre film del 1927 Metropolis di Fritz Lang, che profetizza "l'annichilamento della società e l'umanità automatizzata e asservita al profitto" e "l'uomo ha imprigionato sé stesso erigendo muri di schermi ad accecare il sole". La discordanza tra le splendide musiche dirette con passione e cura di dettaglio da Michele Mariotti - un rossiniano doc, pesarese come Rossini- e le cupe scene di Alessandro Camera, in sintonia con i costumi di Ursula Patzak e le luci di Vincent Longuemare, hanno creato un contrasto estetico che non è piaciuto a molti spettatori. Anche le coreografie originali, articolate e ricche di situazioni, di Silvia Giordano, non hanno trovato apprezzamenti da alcuni del pubblico presente. Ho trovato invece soprattutto il terzo atto meritevole d'attenzione per la complessa dinamica e per nulla astrusa realizzazione. Mariotti è stato al termine della lunga serata il più applaudito, ad iniziare dalla celebre Ouverture che riassume nei temi la particolare vicenda e che ha trovato a conclusione un'ovazione per l'ottima esecuzione. Ma anche il valido cast vocale è piaciuto, ottenendo meritati applausi. L'ultima opera di Rossini, drammatica ma a lieto fine, con gli svizzeri finalmente liberi dal dominio asburgico , è musicalmente diversa dalle altre opere, con molto sinfonismo presente nel corso degli atti, a dimostrazione di una capacità del grande copositore pesarese di realizzare musica non solo legata alla sua più celebre vena lirica. In questo, Mariotti e gli orchestrali scaligeri, hanno dato prova di eccellente duttilità timbrica. Tutti rilevanti i cantanti a cominciare da Michele Pertusi, un Guillaume Tell notevole nella timbrica e nella resa scenica; ottime le voce di Dmitry Korchak, Arnold Melcthal, di Salome Jicia, Mathilde, di Geraldine Chauvet, Hedwige, di Evgeny Stavinsky, Melchtal, di Catherine Trottmann, Jemmy, di Luca Tittoto, Gesler, e degli altri, tutti meritevoli degli applausi ricevuti. Di grande impatto timbrico e di alta qualità il Coro di Alberto Malazzi. Le prossime repliche sono previste per il 6 e il 10 aprile, sempre con inizio alle ore 18.30. Da non perdere. (Prime due foto di Brescia e Amisan- Archivio Teatro alla Scala)

4 aprile 2024 Cesare Guzzardella

Ilaria Baldaccini interpreta "Corde e martelletti" di Alessandro Solbiati al Museo del Novecento

Un pomeriggio musicale particolarmente interessante quello visto e ascoltato al Museo del Novecento per l'organizzazione di NoMus e del "Quartetto" di Milano. La raccolta di brevi pezzi per pianoforte del compositore milanese Alessandro Solbiati, denominata " Corde e martelletti, cento piccoli pezzi per crescere al pianoforte" ha trovato un valida esecuzione dalla pianista Ilaria Baldaccini. Lei ha selezionato sessanta tra i cento brani dell'originale lavoro del noto musicista. Circa un'ora di musica che ha ben delineato la sequenza di brani dedicati ai giovani studenti di pianoforte, ma che, come per le celebri raccolte pianistiche di Schumann, di Bartok e di altri ancora, hanno una valenza compositiva più importante, che rivela anche le profonde modalità creative dei compositori. Solbiati - come da lui raccontato presentando anche la bravissima Baldaccini- nei brani utilizza il pianoforte a 360 gradi, usando la cordiera, percuotendo lo strumento, modificando le timbriche preparando il pianoforte, e chiedendo all'interprete di usare la voce o fare versi, situazioni che ci hanno riportato alle lontane ricerche di Cage, di Bussotti e di altri compositori del "dopo anni '50" del secolo scorso. Anche quando l'uso del pianoforte è tradizionale, con le mani ben ancorate alla tastiera per chiare e incisive armonie o per semplici note isolate, Solbiati esplora le possibilità timbriche dello strumento con un'articolazione digitale, seppure non difficile in quanto pensata per i più giovani allievi, di particolare interesse compositivo. I brevi pezzi, di una durata compresa tra i venti secondi e il minuto e mezzo, sono un condensato di riferimenti musicali raccontati da una precisa titolazione, come ad esempio: Invenzione sulle corde, Corale con riverberi, Campane a festa , Fischiettando... una serie, Piccola pantomima, Scivolando, Trilli e guizzi, e così via per 100 titoli. Decisamente brava Ilaria Baldaccini nell'aver estrapolato sessanta dei cento brani, in un ordine da lei deciso, per ottenere una sorta di performance musicale-gestuale ben articolata, con frangenti di eccellenti valenze espressive, alternati ad altri dove la gestualità o l'effetto timbrico hanno una maggiore prevalenza. Al termine dell'originale esecuzione i doverosi applausi all'interprete e al compositore non sono mancati dal numerosissimo pubblico che gremiva la panoramicissima e luminosa Sala Fontana del museo milanese. Successo meritato in un pomeriggio musicale che voleva anche presentare l'ottimo Cd uscito nel 2023 per EMA Vinci Records con l'opera completa di Solbiati "Corde e martelletti" nell'ottima interpretazione di Ilaria Baldaccini.

3 aprile 2024 Cesare Guzzardella

MARZO 2024

A NOVARA LE ULTIME SETTE PAROLE DI CRISTO IN CROCE DI HAYDN CON IL QUARTETTO IRI DA IRI

Ieri sera, Venerdì Santo, a Novara, il Quartetto d’archi Iri da Iri ha eseguito uno dei capolavori della musica religiosa di tutti i tempi, “Le ultime sette parole di Cristo in Croce” op.51 Hob: III di F. J. Haydn. La prima versione di questo lavoro, per soli, coro e orchestra, eseguita per la prima volta nel 1787, venne quasi subito trascritta, già l’anno dopo, con alcune importanti modifiche, per quartetto d’archi da Haydn stesso, che, come è risaputo, attribuiva grande efficacia emotiva alla musica strumentale in chiesa. La composizione, nella sua versione per quartetto d’archi, più snella rispetto a quella per voci, coro e orchestra, è suddivisa in sette ‘sonate’ (così le chiama Haydn stesso, in quanto quasi tutte rispettano lo schema della forma-sonata), tutte in tempo lento e precedute da un’Introduzione, anch’essa in tempo lento e concluse da un pezzo, intitolato “Terremoto”, l’unico in tempo veloce, un Presto .Le sette sonate sono intervallate da brevi frasi in latino tratte dai Vangeli, appunto le ultime sette frasi (‘parole’) pronunciate da Cristo nella sua agonia sulla croce. Realizzando le intenzioni dell’autore, il Quartetto Iri da Iri ha scelto di eseguire le Sette parole in una chiesa novarese, la settecentesca (nell’attuale veste architettonica) S. Andrea, rispettandone integralmente le modalità esecutive, con la lettura, in italiano dei brevi brani evangelici tra una sonata e l’altra. seguiti da un breve commento .Sull’origine del nome dell’ensemble abbiamo recentemente parlato in un articolo del 17 marzo, e ci esimiamo dal ripetere quanto già detto. Precisiamo solo che il quartetto d’archi è formato da Anna Molinari e Tea Vitali, violini, Lara Albesano, viola, Lucia Molinari, violoncello, tutte giovani diplomate e perfezionate negli studi dei rispettivi strumenti, seguendo corsi di formazione rigorosi e con un’esperienza concertistica ormai significativa. Il giudizio su questa esecuzione non può che essere ampiamente positivo: il quartetto Iri da Iri è stato infatti pienamente all’altezza di un’opera di grande valore, complessa sia sotto il profilo tecnico, per la presenza di un fitto contrappunto, sia per i profondi valori espressivi che lo contraddistinguono. Tutte e quattro le parti dell’Iri da Iri hanno suonato con perfetta intonazione, con un suono chiaro e preciso, con impeccabile intesa, con un fraseggio ispirato da una cura rigorosa dei dettagli dinamici, essenziali in quest’opera. Un compito particolarmente gravoso, e assolto con risultati eccellenti, toccava al violoncello, cui era richiesta una particolare energia e intensità nel volume del suono, in quanto rappresentava l’unico basso in una composizione che tende a gravitare su una sonorità cupa e scura, tanto che alcuni quartetti scelgono di rafforzare il violoncello, trasformandosi in quintetti, con l’appoggio di un contrabbasso, soluzione peraltro non autorizzata da Haydn: ebbene, la qualità del suono cavato da Lucia Molinari per volume e proiezione non ha fatto rimpiangere certo il rinforzo del contrabbasso. In generale Le sette ultime parole di Cristo ascoltate ieri sera hanno colpito gli ascoltatori (che hanno riempito la chiesa), per il pathos, profondo, ma contenuto da una forma musicale di classico nitore, e sostenuto da una linea espressiva alimentata da un suono, in particolare nelle sette sonate, sussultante, a tratti quasi sospirato, di una delicatezza sovente sfumata in pianissimi di eterea levità, di potente carica suggestiva. I momenti in cui questo ‘pathos sospirato’ si sono impennati in una più accentuata tensione drammatica hanno visto generalmente il primo violino come strumento protagonista, come nel primo tema dell’Introduzione, dove Anna Molinari ha dato alla sua arcata una forza espressiva di alto impatto emotivo o come nella cadenza solistica della sonata IV, dove il suono del violino sembra ricreare con efficacia l’atmosfera di desolato abbandono e solitudine di Cristo sulla Croce, a commento delle parole di Marco “Deus meus, Deus meus, utquid dereliquisti me?” Tutta l’opera, come abbiamo detto, nell’ora circa della sua durata, ha incantato ed emozionato il pubblico, ma se vogliamo indicare i momenti in assoluto più alti, citeremmo le ultime tre sonate: la V, la “sonata della sete” che segue la parola di Cristo “sitio”, “ho sete”, coi delicatissimi pizzicati degli archi all’unisono, seguiti dal tema dell’invocazione drammatica; la VI, il “Consummatum est” dove il sol minore diventa davvero la ‘tonalità della morte’, con il suo primo tema scandito su cinque note lunghe in cui risuonano con tensione indicibile le cinque sillabe della frase; la VII, infine, col suo meraviglioso tema principale, di esaltante serenità, col quale, alla fine del dramma della passione, Gesù morente affida il suo spirito al Padre. Le quattro bravissime strumentiste dell’Iri da Iri hanno offerto di questi altissimi momenti di straordinaria musica un’interpretazione pienamente adeguata, che ha emozionato e commosso il pubblico, che ha tributato loro un meritatissimo, torrenziale applauso. Davvero, da ricordare.

30 marzo 2024 Bruno Busca

Le Sonate per violino e fortepiano di Mozart con Isabelle Faust e Alexander Melnikov per il "Quartetto"

L'impaginato mozartiano scelto dalla violinista tedesca Isabelle Faust e dal fortepianista moscovita Alexander Melnikov prevedeva quattro sonate: la K481, la K296, la K303 e la K380. Siamo abituati ad ascoltare Mozart con gli strumenti moderni, il pianoforte evoluto dei nostri giorni e i violini che, seppure spesso d'epoca, tendono ad adeguarsi alle sonorità anche voluminose dei pianoforti. Tra i vantaggi dei pianoforti recenti c'è certamente la maggiore resa volumetrica, che fa percepire le sonorità nelle grandi sale da concerto anche a chi si trova a notevole distanza. Ai tempi di Mozart i luoghi della musica erano però più raccolti, il clavicembalo e il fortepiano erano tra gli strumenti a tastiera più diffusi, e naturalmente il pensiero musicale dei compositori si formava con le timbriche più discrete di questi due strumenti. I due eccellenti interpreti che abbiamo ascoltato ieri sera in Sala Verdi per il "Quartetto" hanno voluto ritrovare le timbriche che verosimilmente erano quelle di maggior uso ai tempi di Mozart e dai suoi contemporanei. Il fortepiano, gentilmente concesso dalla collezione di strumenti d'epoca di Fernanda Giulini, ha permesso queste più autentiche interpretazioni Dalle prime note della Sonata n.33 in mi bem. maggiore K481 abbiamo riscoperto un Mozart diverso: raccolto, interiorizzato e restituito da una timbrica unitaria più "antica" che nascondeva una gamma infinita di colori sapientemente espressi dalle armonie del fortepiano storico di Melnikov e dalle sottili enunciazioni melodiche della Faust, una coppia di strumentisti integrati perfettamente in un unicum di grande valore estetico. Rilevanti tutte le quattro sonate con momenti di grande riflessione nei movimenti centrali delle tre maggiori, mentre per la più breve, la Sonata n.20 in do maggiore K 303, in due soli parti, l' Adagio era posto all'inizio. Una resa complessiva che ha pienamente soddisfatto il pubblico presente in Conservatorio. Interpreti visibilmente soddisfatti e un bis concesso con lo splendido Tempo di minuetto, movimento centrale della Sonata in mi minore K304. Concerto splendido!

27 marzo 2024 Cesare Guzzardella

La chitarra di Manuel Barrueco è tornata alle Serate Musicali del Conservatorio

Ricordando lo splendido concerto tenuto dal grande chitarrista Manuel Barrueco nel maggio 2022, siamo tornati a riascoltarlo ieri sera in Conservatorio, ancora per l'organizzazione di Serate Musicali. Un impaginato altrettanto diversificato e ottimamente progettato attendeva il Maestro con brani di Negri, Galilei, Bach, Sor, Harrison, Tàrrega e Turina, più alcuni anonimi della tradizione più antica. Come avevamo già sottolineato, si rimane stupiti della completezza melodico-armonica di questo strumento a sei corde che abbisogna di un ascolto adeguato; dove l'attenzione dell'ascoltatore deve andare incontro ai volumi contenuti della cassa armonica per comprenderne la ricchezza delle timbriche. Manuel Barrueco, chitarrista cubano tra i più noti virtuosi di questo strumento, eccelle per raffinatezza di colore. Oscar Chilesotti ha trascritto alcuni brani di danza anonimi, ma anche Bianco fiore di Cesare Negri (1535-1604) e il Saltarello di Vincenzo Galilei (1525-1591). Brani spesso per liuto, che trascritti per chitarra conservano ancora quelle timbriche antiche che Barrueco ha perfettamente restituito con il suo armonioso strumento. La splendida Suite per liuto n.3 in la minore BWV 995 di J S. Bach (1685-1750) ha trovato poi un'esemplare interpretazione nelle sei corde del chitarrista cubano. Le atmosfere spagnole del compositore-chitarrista Fernando Sor (1778-1839) sono quindi arrivate con il Grand solo op. 14 ( versione D. Aguado), un lavoro perfetto formalmente ed espresso con destrezza armonica e nitore timbrico da Barrueco. Il brano successivo ci ha portato al Novecento di Lou Harrison (1917-2003) con cinque brani tra cui Serenado por gitaro, Music for Bill and me, Sonata for Ishartum e le Serenade Air e Round. Brani scritti molto bene per la chitarra, di non difficile ricezione. Gli ultimi brani dell'impaginato erano di Francisco Tárrega (1852-1909) e di Joaquín Turina ( 1882-1949). Trent'anni separano le date di nascita dei due compositori spagnoli, il primo anche chitarrista e il secondo pianista. Diverse modalità stilistiche si riscontrano nei due lavori proposti: il primo, di Tárrega, era il Capricho Árabe, particolarmente celebre nei modi tipici ottocenteschi delle sue timbriche spagnole; il secondo, di Turina, era la più corposa Sonata in re minore op.61, nei classici tre movimenti Allegro, Andante e Allegro vivo . È un brano proiettato nelle modalità stilistiche novecentesche, ma ispirato dal flamenco andaluso per una sorta di fantasia particolarmente riuscita nelle influenze delle timbriche spagnole. Interpretazioni di rara qualità, apprezzate dal pubblico presente, con numerosi giovani amanti e/o praticanti della chitarra. Tre i bis concessi, due danze antiche le prime e nel finale il Fandanguillo di Torroba. Applausi calorosi.

26 marzo 2024 Cesare Guzzardella

Recital di Rosa Feola al Teatro alla Scala

Ieri sera Rosa Feola ha ottenuto un meritatissimo successo al Teatro alla Scala. Il soprano, nata a San Nicola la Strada in provincia di Caserta, aveva l'eccellente sostegno strumentale del pianista romano Fabio Centanni, in un repertorio che includeva brani di Rossini, Martucci, Respighi, Debussy, Mozart e Donizetti. Nella prima parte della serata alcuni brani erano rarità di grande valore, quali i Tre pezzi op. 84 di Giuseppe Martucci o i Quattro rispetti toscani di Ottorino Respighi, anticipati dalla Regata veneziana di Gioachino Rossini e conclusi con l'intenso Azael, Azael perche mi hai lasciata, dall'Enfant prodigue di Claude Debussy. L'ottima timbrica della Feola ha trovato precise armonizzazioni da Centanni, calibrate in ogni registro per sostenere ogni sottile inflessione coloristica della voce. Di maggiore frequentazione i brani della seconda parte del recital con un' aria dal Don Giovanni di Mozart, Don Ottavio, son morta! Qui la Feola, coadiuvata dal tenore Haiyang Guo, allievo del corsi di perfezionamenti scaligeri, ha esternato maggiormente tutta la sua intensità vocale con grande abilità anche attoriale. A seguire sono state eseguiti Bel raggio lusinghier da Semiramide di Rossini e Regnava nel silenzio da Lucia di Lammermoor di Donizetti, entrambi ancora indicativi delle qualità del grande soprano. Le capacità interpretative di Centanni le abbiamo rilevate anche nei due brani per solo pianoforte, eseguiti nei momenti di riposo della voce di Feola: prima il pregnante Debussy con Poissons d'or, dalla seconda serie di Images e poi l'efficace e graziosissimo Petite caprice ( in stile Offenbach) dai Péchés de vieillesse di Rossini. Applausi calorosissimi in un teatro gremito di pubblico e tre bis concessi dalla Feola con Quando men vò soletta per la via da Bohème, A' vucchella di F.P. Tosti e Signore ascolta da Turandot. Voce eccellente e soprano visibilmente soddisfatto.

25 marzo 2024 Cesare Guzzardella

A Musica Maestri! la giovanissima Martina Meola

Musica Maestri!, la Stagione concertistica dei docenti e degli studenti vincitori di premi del Conservatorio milanese, ha ospitato in Sala Puccini la pianista Martina Meola. Nata nel novembre 2012, non ha ancora dodici anni e ha vinto il premio per I Giovani Talenti categoria H. Il non breve concerto era abbinato ad un incontro importante con il CUAMM- Medici con l'Africa, un gruppo di volontari che sostengono la formazione del personale sanitario, finanziando la borsa di studio per un medico referente per l'ospedale statale Rumbek in Sud Sudan. La sala, colma di pubblico, ha ascoltato con attenzione Martina in un impaginato assai diversificato, che prevedeva brani di Schumann, Beethoven, Chopin, Liszt e Granados. Un pianismo perfetto nella classicità di brani importanti quello ascoltato, con alcuni lavori corposi come il Tema con variazioni sul nome Abegg op.1 di Schumann o la Sonata n.17 op.31 n.2 "La tempesta" di Beethoven. Brani piu brevi come lo Studio n.1 op.25 o il Valzer op.64 n.2 di Chopin o il delizioso Piccolo Valzer di Puccini, dalla Bohème ( aria di Musetta). D'incredibile virtuosismo il Liszt della Rapsodia ungherese n.11 o il Granados dell'Allegro da concerto op.46. Tra i bis concessi da Martina, il Valzer Op.64 n.1 di Chopin o il Sogno d'amore di Liszt. Si rimane davvero sbalorditi per l'avanzato livello interpretativo della giovanissima Meola, che studia in Conservatorio con la docente Silvia Limongelli: insegnante che ha il non facile compito di dare indicazioni ad un'allieva così talentuosa! La pregnante restituzione della Sonata beethoveniana, la facilità di esternazione della Rapsodia di Liszt o dell'Allegro di Granados, la trasparenza timbrica di tutti i lavori, rivelano doti naturali di una pianista dalle risorse già eccezionali, che certamente daranno molti frutti durante la sua crescita musicale. Pubblico entusiasta ed applausi calorosi a Martina - graziosissima nel suo abito bianco - , che ha ricevuto i complimenti anche dal direttore del Conservatorio di Milano "G. Verdi" Massimiliano Baggio , salito sul palcoscenico insieme a un rappresentante del CUAMM. Questo a sua volta ha ringraziato un giovane medico, Alberto, che è stato lo scorso anno in Sud Sudan a formare altri medici (per sostenere l'attività del CUAMM, si può versare un bonifico con causale "PMB3 Rumbek_FORMAZIONE Erogazione liberale" Banca Popolare Etica IBAN: IT 32C 0501812101 000011078904 www.mediciconlafrica.org ). Un concerto magnifico e importante!

25 marzo 2024 Cesare Guzzardella

IL VIOLINO DI SERGEJ KHACHATRYAN ILLUMINA IL VIOTTIFESTIVAL DI VERCELLI

Ieri sera, al Teatro Civico di Vercelli, la ventiseiesima stagione del ViottiFestival, che coincide con il bicentenario della morte del grande musicista vercellese, ha avuto come protagonista uno dei più affermati violinisti della ‘generazione degli anni 80’, l’armeno Sergej Khachatryan, balzato nel 2000 agli onori della cronaca musicale internazionale col primo premio al Concorso Sibelius e definitivamente consacrato cinque anni dopo dal Concorso Reine Elisabeth di Bruxelles (l’equivalente per il violino di ciò che è il van Cliburn per il pianoforte) , come uno dei più importanti violinisti del nostro tempo. Il programma della serata, dedicata doverosamente al ricordo di Maurizio Pollini, lo vedeva solista nel primo dei due pezzi proposti, uno dei più celebri ed eseguiti in assoluto tra i concerti per violino e orchestra, quello di Beethoven in Re maggiore op.61. Ad accompagnare il solista era, come d’abitudine, l’Orchestra Camerata Ducale diretta da Guido Rimonda: dalla collaborazione tra direzione orchestrale e solista è nata un’interpretazione di questo capolavoro beethoveniano che riteniamo di poter annoverare tra le migliori da noi ascoltate negli ultimi anni, un’interpretazione capace di dare voce suggestiva ed emozionante al clima espressivo di questa partitura, fondato su uno stretto rapporto dialogico tra solista e compagine orchestrale, con tutta l’infinita gamma di sfumature ritmiche, timbriche, dinamiche, cui esso dà luogo. Ovviamente in primo piano è stata la prova di Khachatryan, alla sua prima esibizione a Vercelli. Dire che il trentottenne violinista armeno domina senza problemi le numerose parti virtuosistiche previste dalla partitura, non solo nelle due cadenze dei tempi esterni, e in particolare nel finale Rondò, è, ormai, dire nulla, poiché tutti i violinisti delle ultime generazioni in genere possiedono un completo controllo dei mezzi tecnici, grazie all’avanzato perfezionamento della didattica dello strumento nei Conservatori di tutto il mondo. Il valore di un violinista, come di qualsiasi altro solista, si giudica dalla capacità di mettere il proprio bagaglio tecnico al servizio di un’interpretazione, di un ‘esplorazione delle potenzialità espressive del pezzo eseguito. Ebbene, non esitiamo a definire ‘carismatica’ l’interpretazione del concerto di Beethoven offerta ieri da Khachatryan. Sfruttando al massimo il suono particolare del suo Guarneri del Gesù “Ysaye” 1740, umbratile e sensuale, il violinista armeno ha creato atmosfere timbriche di estrema raffinatezza, a cominciare da quella incantata sospensione lirica con cui ha subito catturato le menti degli ascoltatori nella riesposizione del tema principale dell’Allegro ma non troppo iniziale, cavando dal registro più acuto un suono di eterea finezza. Nella lunga linea melodica, quasi dolcissima cantilena, in cui a un certo punto si trasforma il tema principale del Larghetto centrale, Khachatryan esibisce le migliori qualità del suo fraseggio: intonazione perfetta, un’articolazione delle singole frasi che è pura bellezza, precisione assoluta per le più sottili variazioni timbriche, sensibilità per le dinamiche e le varie ombreggiature del suono, con arcate sempre intese ai valori espressivi, screziate da un vibrato misurato e amabile. Un suono, in generale, quello di Khachatryan, che, pur non ignorando certo momenti di potente energia (tra tutti, l’attacco del primo couplet del finale Rondò, ma in generale l’intero terzo movimento), si distingue prevalentemente per un che di intimistico, di dolcemente suadente, talora come avvolto da sottilissime velature, ma che sa farsi raggio di luce cristallina nei trilli, negli arpeggi e nei vari abbellimenti, frequenti in questo concerto in tutti e tre i tempi, tra i quali indimenticabile il lungo trillo che sembra illuminare il morbido panneggio dei fagotti e dei clarinetti, nella ripresa del secondo tema della seconda esposizione dell’Allegro d’apertura. Insomma: la ricerca interpretativa ed espressiva di Khachatryan valorizza al massimo l’ideale d’intimismo espressivo che è il centro d’ispirazione di questo concerto beethoveniano, senza tuttavia rinunciare a quegli ‘scatti’ e illuminazioni improvvise che rivelano come una corrente di sotterranea energia, del resto evocata alle soglie del concerto dalla misteriosa pulsazione dei timpani. Dal podio Rimonda ha guidato la Camerata Ducale in un dialogo costante, preciso ed efficace con il solista, sempre sostenendo con coerenza la sua linea interpretativa: di particolare bellezza gli impasti timbrici, soprattutto nelle tinte delicate ottenuta dai legni, e ottimamente gestite le dinamiche, soprattutto quelle più intimistiche e ‘ in sordina’: un esempio da antologia di entrambi questi elementi della direzione di Rimonda è stata l’introduzione all’Andante, coi suoi archi in pianissimo, seguiti dalla delicata pennellata di clarinetti e fagotti, un momento di musica eseguito con suggestiva finezza e gran classe. I torrenziali applausi del pubblico assiepato al Civico ottenevano un lungo fuori programma, banco di prova del vertiginoso virtuosismo di Khachatryan: non abbiamo identificato con sicurezza l’autore del pezzo, azzardiamo Ysaye. A seguire, e concludere la serata, di Luigi Cherubini, la Sinfonia in Re maggiore Parc 54. Nell’impaginato del concerto la presenza di Cherubini richiama quella di Viotti, compensandone, in un certo senso, l’assenza: contemporaneo del grande vercellese, Cherubini fu anche legato a lui da stretti rapporti di amicizia; anzi, la sua decisione, nel 1788, di lasciare per sempre l’Italia per trasferirsi a Parigi, si deve anche all’invito di Viotti, che nella capitale francese lo aveva preceduto sette anni prima. Si aggiunga che entrambi i musicisti italiani godettero dell’ammirazione di Beethoven, e si comprenderanno bene le ragioni del programma di questo concerto. Questa sinfonia, a parte quelle d’opera, è l’unica composta da Cherubini, nel 1815. Amata da Schumann, che paragonava Cherubini addirittura a Dante (?!), caduta nel più totale oblio nel secondo ‘800, venne riscoperta nel 1935 e da allora, pur non godendo di vasta popolarità, è entrata abbastanza stabilmente nei repertori delle orchestre, non solo italiane. Nei canonici quattro tempi, mostra una qualche apertura al classicismo viennese, in particolare ad Haydn., accanto a cui convivono sprazzi di chiara reminiscenza dell’opera comica napoletana tra Cimarosa e Paisiello. Al di là dei modelli e dei riferimenti, sempre opinabili, all’ascolto questa sinfonia di Cherubini presenta una sua notevole originalità, che ne fa senz’altro l’albero più frondoso e maestoso del povero, limitato orticello del sinfonismo italiano nell’età d’oro del classicismo austro-tedesco. Tale originalità è ben colta e interpretata da Rimonda, come sempre impeccabile nell’eleganza del suono, nello stacco dei tempi, nella cura meticolosa di dinamiche e timbriche in cui peraltro raramente la partitura crea impasti tra archi e fiati, preferendo in genere sfruttarli a blocchi separati . Rimonda mette in pieno risalto quella che, in definitiva, è la caratteristica dominante di questa sinfonia: il suo ‘strano’ ritmo, il continuo contrasto tra temi e motivi e stati d’animo opposti, sottolineando la singolarità di una architettura che non ha termini di paragone nella musica dell’epoca: invece di sviluppare i temi, Cherubini li frammenta, inserisce spunti secondari, frasi indipendenti, giustappone motivi eterogenei, ora solenni, ora grotteschi, ora ironici, ora percorsi da un brivido d’inquietudine. Affascinante ne risulta il Minuetto, con il singhiozzo dei suoi accenti sincopati e con un Trio intermedio, che, per il modo in cui lo esegue Rimonda, potrebbe ricordare la giocosa leggerezza di Bizet, in cui lampeggia a tratti la divertita malizia di un Rossini. E, a voler azzardare un paragone, la spavalda e trascinante vitalità del Finale Allegro assai par quasi anticipare qualcosa dei Davidsbundler schumanniani (forse proprio qui stanno le ragioni dell’ammirazione di Schumann per Cherubini). Una pregevole esecuzione, che ci ha fatto venir voglia, tornati a casa, di togliere dal dimenticatoio in cui l’avevamo confinata sugli scaffali più remoti della nostra personale discoteca e riascoltarla, dopo tanti anni, questa strana, amabile sinfonia. Un’ altra, bella, interessante, memorabile serata al Civico di Vercelli: ma ormai, serate così, al ViottiFestival, non si contano più… (Foto in alto Ufficio Stampa di Vercelli)

24-03-24 Bruno Busca

Il concerto de I Pomeriggi Musicali, ricordando Maurizio Pollini

Ho riascoltato volentieri il concerto diretto da Alessandro Cadario per I Pomeriggi Musicali, per riassaporare sia l'ottimo Beethoven che la bravura del pianista Emanuele Arciuli, alle prese con l'avvincente Concerto per pianoforte e orchestra " Luminary" del compositore thailandese Narong Prangcharoen, un lavoro di particolare resa, la cui anteprima di giovedì 21 è stata già da me commentata. La triste notizia, diffusasi immediatamente, della scomparsa del grandissimo Maurizio Pollini (5 gennaio 1942- 23 marzo 2024), che ci ha lasciato questa mattina a 82 anni, ha purtroppo connotato la giornata. Pollini è sempre stato un punto di riferimento del concertismo pianistico, che con lui ha trovato il modo migliore per un'efficace condivisione del repertorio classico, grazie ai suoi amatissimi Beethoven, Chopin, Schubert e ai compositori del Novecento da lui privilegiati, come Stravinskij, Bartok, Schönberg, Stockhausen, Nono. Pollini ha dato meravigliosi concerti per oltre sessant'anni nelle sale della nostra città e soprattutto nel suo amato Teatro alla Scala dove ha voluto suonare fino all'ultimo, anche quando la malattia gli rendeva faticosa la tastiera. Oggi, alla replica pomeridiana del concerto de I Pomeriggi Musicali, dopo l'annuncio iniziale della scomparsa del Maestro,il direttore Cadario e i Professori d'Orchestra, unitamente a tutto il pubblico in piedi, lo hanno omaggiato con un minuto di silenzio. Dopo l'ottima interpretazione del valido concerto di Prangcharoen,eseguito ancora una volta molto bene, Emanuele Arciuli ha voluto ricordare personalmente Pollini eseguendo come bis uno dei lavori più cari al grande pianista, i Sei pezzi op.19 di Arnold Schönberg. Lavori brevissimi ma intensi, di cui Arciuli ha dato un' ottima resa estetica.

23 marzo 2024 Cesare Guzzardella

Alessandro Cadario ed Emanuele Arciuli con I Pomeriggi Musicali per un concerto di Prangcharoen

L'interessante impaginato ascoltato questa mattina all'anteprima dei concerti de "I Pomeriggi Musicali" prevedeva brani di due compositori, L.v. Beethoven e il thailandese Narong Prangcharoen (1973). Alla direzione dell'orchestra c'era Alessandro Cadario, rinomato direttore sia dei grandi classici che del repertorio contemporaneo. I noti lavori del genio tedesco erano l'Ouverture "Le creature di Prometeo", eseguita ad introduzione del concerto, e la Sinfonia n.7 in la maggiore op.92, elargita al termine. Centralmente, in Prima esecuzione italiana, il Concerto per pianoforte e orchestra "Luminary" di Prangcharoen ha visto come solista Emanuele Arciuli, un esperto nel settore contemporaneo, sempre alla ricerca di novità interpretative come la riuscita composizione del thailandese. Il corposo brano di oltre venticinque minuti è stato realizzato nel 2016 e dedicato al maestro del compositore, il pianista Bennett Lerner. È un unico lungo movimento dove però si riconoscono tre parti: quella centrale più lirica in contrasto con la dinamicità di quelle laterali. La forza espressiva di questa suggestiva opera, sorretta da una solida impalcatura dal carattere narrativo, rimane impressa per il ruolo incisivo, spesso percussivo del pianoforte, perfettamente integrato con l'evidente sinfonismo orchestrale altrettanto acceso. Non mancano i frangenti più meditativi, come quelli della parte centrale o nelle brevi cadenze pianistiche. Arciuli ha sostenuto la non facile parte solistica con grande precisione nelle scansioni ritmiche, spesso una miriade di note ribattute volte a sostenere la tensione drammatica accentuata. L'esemplare resa complessiva del solista, unitamente all'ottima sinergia con la direzione di Cadario e la valida resa espressiva di ogni sezione orchestrale, ha generato un successo entusiasmante nel numeroso pubblico presente al Dal Verme, pubblico che ha applaudito a lungo un brano che si spera possa trovare altre esecuzioni in Italia nei prossimi anni, cosa non scontata per gli autori contemporanei. Di ottima qualità sia il Beethoven introduttivo dell'Ouverture che la celebre Settima Sinfonia, resa ancor più interessante dall'eccellente espressività dello scultoreo Allegretto. Questa sera alle ore 20.00 la prima ufficiale e sabato alle 17.00 la replica. Da non perdere!

21 marzo 2024 Cesare Guzzardella

Il Festival Strings Lucerne e il violino di Leia Zhu per la Società dei Concerti

Gli straordinari colori della compagine strumentale "Festival Strings Lucerne" sono emersi nel notevole impaginato scelto per il concerto organizzato dalla "Società dei Concerti". L'Orchestra d'archi - ieri sera di sedici strumentisti - è stata fondata nel 1956, ed è tra le migliori formazioni di livello internazionale. Maestro concertatore dal 2012 è Daniel Dodds, dal 2000 anche primo violino. Il brano introduttivo, la Novelletten n.1 in fa maggiore op.53 per archi, una rarità di N.W. Gade, ha introdotto la serata rivelando da subito lo spessore della compagine orchestrale. La parte centrale della serata ha riservato un ospite d'eccezione quale la giovane violinista Leia Zhu. Non ancora diciottenne, era stata già ospite della Società concertistica nel 2018. Impegnata prima nel Concerto per violino e orchestra d'archi in re minore di Mendelssohn e poi nella celebre La campanella- dal Concerto n.2 di Paganini-, la britannica Leia Zhu, coadiuvata in maniera eccellente dai sedici archi, ha rivelato una musicalità di primo livello, esternando una leggerezza di tocco straordinaria, unitamente ad incisività e cantabilità. L'ottima esecuzione del concerto mendelssohniano ha visto successivamente un'eccellente resa solistica nella brillante La campanella, dove la chiarezza del fraseggio e la solida struttura complessiva dei tre movimenti, hanno ritrovato l'elemento virtuosistico con una resa d'apparente facilità d'esecuzione. Le intonazioni perfette della Zhu, anche nei più impervi sopracuti, realizzati con evidente nitore espressivo e la bellezza delle timbriche hanno portato ad un tripudio di applausi. Eccellente il bis solistico concesso, con il celebre Capriccio n.24 di Paganini, quello di maggiore lunghezza per via delle numerose variazioni sul noto tema iniziale. Ancora applausi sostenuti. I potenziali migliori dell'orchestra d'archi si sono poi rivelati nell'ultimo brano in programma. La Serenade in do maggiore op 48 di Čajkovskij è un gioiello compositivo assoluto, dove l'equilibrio delle quattro ampie parti che compongono questo capolavoro, travano un'evidente bellezza nelle melodie di ogni movimento, dall'Andante non troppo, allo strepitoso Valse moderato, all'Elegia e al Finale con il tema russo. Il perfetto equilibrio era controllato dalla straordinaria orchestrazione del violinista-direttore Dodds, e la chiarezza dei dettagli è stata di grande rilevanza estetica. Applausi sostenuti dal pubblico presente in Sala Verdi e un valido bis interpretato con profonda espressività: Evening Song op.85 n.12 di Robert Schumann nella riuscita trascrizione di J. Svendsen. Eccellente serata!

21 marzo 2024 Cesare Guzzardella

Il pianista Axel Trolese per "Musica con le ali" al Museo della Scala

Ieri, nel tardo pomeriggio, un nuovo appuntamento musicale realizzato dall'associazione "Musica con le ali" si è svolto nella Sala Esedra del Museo Teatrale alla Scala. Il terzo incontro dello splendido "Salotto Musicale" milanese, ha visto un giovane valido interprete al pianoforte quale Axel Trolese, ventiseienne di Genzano (RM), che ha offerto un programma di brani all'insegna del virtuosimo, iniziando con J.S.Bach (1685-1750), passando per Isaac Albéniz (1860-1909), arrivando a Maurice Ravel (1875-1937) e concludendo con Aleksandr Skrjabin (1872-1915). Il Concerto Italiano BWV 971 del grande genio sassone ha rivelato la sicurezza digitale di Trolese nell'imprimere un taglio deciso e chiaro alle polifonie bachiane. I brani di Albéniz, dal libro terzo di Iberia, con i tre lavori El Albaicín, El Polo e Lavapiés, sono di raro ascolto e di straordinaria difficoltà esecutiva e rappresentano una specialità del pianista che ha già inciso in Cd tutta la serie. Le valide esecuzioni hanno rivelato ancor più le doti virtuosistiche di Trolese nell'esprimere con chiarezza anche le più impervie dissonanze che sono presenti, specie nel terzo pregnante lavoro. Il brano successivo, più celebre del precedente e molto eseguito nelle sale da concerto, Gaspard de la nuit, del grande compositore francese, è stato eseguito, senza soluzione di continuità, con Vers la flamme“ op. 72, opera di straordinaria realizzazione del compositore russo. Una scelta motivata da Trolese per l'effettiva consonanza coloristico-timbrica delle due importanti composizioni realizzate nello stesso periodo storico, specie con il conclusivo Scarbo della prima grande opera. Ottima la discorsività complessiva dei due lavori, ben delineati dal voluminoso pianoforte Steinway & Sons, che ricordiamo essere appartenuto a Liszt dal 1883 e da alcuni anni utilizzato per i concerti del Museo scaligero. Applausi calorosi in una Sala Esedra colma di appassionati. Di profonda espressività il bis concesso da Trolese, visibilmente soddisfatto, con il primo, semplice ma profondo brano tratto da Musica Callada del catalano Frederic Mompou (1893-1987) e denominato Angelico. Ancora calorosi applausi. Il prossimo incontro per "Musica con le ali" in Sala Esedra è per l'8 aprile con la pianista Monica Zhang che eseguirà brani di Beethoven, di Liszt e di Mussorgskij. Da non perdere.

20 marzo 2024 Cesare Guzzardella

Alessandro Deljavan alle Serate Musicali del Conservatorio milanese

Per la seconda volta ospite di Serate Musicali, il pianista abruzzese Alessandro Deljavan ha voluto impaginare un programma tutto dedicato a Chopin. I 24 Studi, tra Op.10 e Op.25, sono stati anticipati da due Improvvisi, l'Op. 29 e l'Op.36, e le due serie di dodici studi inframmezzati dall'Improvviso op.51. È uno Chopin particolare quello del noto pianista trentasettenne di origine italo-persiane, certamente di qualità e personale nell'estrema sintesi discorsiva che fa sembrare i numerosi brani appartenenti ad un unico lavoro unitario. Deljavan ha indubbiamente le idee chiare su come rendere il suo Chopin. La sua gestualità, spesso chiarificatrice delle sue intenzioni, lo porta a definire le timbriche in modo delicato, senza eccessi, con modalità espressive molto interiorizzate e trasparenti nel rilevare frangenti discorsivi nei diversi piani sonori, in un gioco di armonie prevalenti rispetto il canto, che pur riconoscibile, è sempre legato ad una concezione unitaria del tessuto armonico. Momenti di straordinaria raffinatezza sono emersi negli Improvvisi e nella maggior parte dei celebri Studi. Il pubblico, purtroppo non numeroso, presente in Sala Verdi, ha assai apprezzato l'interpretazione del noto pianista che ha concesso come bis due splendide Mazurke, l'Op.67 n.2 e l'Op.17 n.2 del grande polacco, eseguite con incredibile profondità estetica. Uno Chopin di grande qualità quello di Alessandro Deljavan.

19 marzo 2024 Cesare Guzzardella

L’Orchestre Sorbonne Université e Giulia Rimonda per il Concerto op.35 di Čajkovskij all'Università degli Studi milanese

L’Orchestre Sorbonne Université, formata da un centinaio di allievi ed ex allievi della titolata Università parigina, è stata ospite, all'Università degli Studi milanese, dell'Orchestra Unimi per un concerto guidato dal direttore argentino Nicolás Agulló. Agulló, da alcuni anni dirige il COSU ovvero il Chœur & Orchestre - Sorbonne Université. L'impaginato comprendeva due importanti lavori, il primo, tra i più popolari internazionalmente, era il Concerto per violino in Re maggiore op. 35 di Ciaikovskij, il secondo, meno frequentato ma estremamente importante, la Sinfonia n. 7 in Re minore op.70 di Antonín Dvořàk. Protagonista del concerto del grande compositore russo è stata la violinista Giulia Rimonda, formatasi nell'ambiente musicale della Camerata Ducale vercellese di Guido Rimonda e con specializzazioni con importanti violinisti del calibro di Shlomo Mintz, Pavel Berman e ancora altri. Il Concerto op.35 di Čaikovskij, composto tra il 1878 e il 1881, inizialmente non ottenne il successo che meritava, oggi è invece quello tra i più eseguiti dai virtuosi di fama mondiale. Presenta un primo movimento, Allegro moderato, particolarmente corposo, sviluppato, ricco di melodie e che sempre al termine dell'esecuzione, strappa gli applausi del pubblico, come è avvenuto anche ieri. Il movimento centrale, Canzonetta. Andante, di soave espressività, è direttamente collegato all'Allegro vivacissimo, un finale che mostra ancora le qualità virtuosistiche di ogni interprete. Giulia Rimonda, coadiuvata da un'eccellente compagine orchestrale formata da giovani universitari, quasi tutti studenti del Conservatorio parigino, ha elargito con nitore espressivo, splendido vibrato e incisività, ogni dettaglio del celebre capolavoro, rivelando una comprensione totale dell'intenso sfaccettato brano in una convincente visione d'insieme. Eccellente la direzione di Nicolás Agulló, attento ai rapporti tra componente orchestrale e volumetrie del solista. La Rimonda ha poi concesso un ottimo bis bachiano, l'Allemande dalla Partita n.2 per violino solo, eseguito con maestria nella sua profonda espressività. Applausi calorosi nell'Aula Magna universitaria al completo. Di rilevante spessore l'interpretazione della successiva Sinfonia n.7 del composiore ceco. Lavoro del 1885, è tra le più interessanti costruzioni architettonico-musicali di Dvořák, anche se meno eseguito e meno popolare della celebre Sinfonia n.9 "Dal nuovo mondo". La complessità dei quattro movimenti, con il noto e più orecchiabile Scherzo vivace, terzo movimento, è stata affrontata con abilità da ogni sezione orchestrale e il direttore argentino ha trovato, mediante il suo gesto discreto e producente, una restituzione ottimale. Applausi calorosi e come bis il finale dello Scherzo. Bravissimi!

18 marzo 2024 Cesare Guzzardella

Eleonora e Beatrice Dallagnese a Palazzo Marino per i Ritratti Musicali

Avevamo ascoltato le sorelle Dallagnese recentemente nella Sala Esedra del Museo Teatrale alla Scala e questa mattina non ci siamo fatti sfuggire un altro loro concerto, in un luogo altrettanto prestigioso quale Sala Alessi di Palazzo Marino. L'iniziativa era inserita nella rassegna " Ritratti Musicali" abbinata alla splendida mostra di Giovan Battista Moroni ancora in corso nelle vicine Gallerie d'Italia. Le ventitreenni sorelle Eleonora e Beatrice hanno ancora una volta dimostrato le loro straordinarie qualità musicali in un programma per metà variato rispetto la scorsa volta. I Six Morceaux op.11 di Sergej Rachmaninov, opera giovanile del russo per pianoforte a quattro mani ascoltata al Museo scaligero, è stata anticipata da uno Schubert doc per pianoforte a quattro mani, con due brani celebri quali la Fantasia in fa minore D 940 e Lebensstürme, Allegro in la minore D 947. La concordanza delle Dallagnese nell'esprimere in maniera unitaria i due maturi lavori del grande viennese si è rivelata dalle prime note. La resa espressiva, attraverso variazioni dinamiche sottili, incisività di colore nei giusti frangenti, e leggerezza discorsiva molto viennese, hanno definito un'interpretazione di alto livello per entrambi i lavori. Notevole, forse ancor più del primo ascolto scaligero, i bellissimi Morceaux del grande russo, e di ottima resa discorsiva ed espressiva il bis concesso dal primo movimento di Petruska di Igor Stravinskij. Applausi calorosissimi nella Sala Alessi stracolma di appassionati. Una manifestazione complessiva di grande successo!

17 marzo 2024 Cesare Guzzardella

VENTO FRANCESE ALL’AUDITORIUM DEDALO DI NOVARA

Ieri sera, sabato 16 marzo, l’Auditorium della Scuola di musica Dedalo di Novara ha ospitato un concerto dedicato a composizioni per quintetto di fiati (flauto, oboe, clarinetto, fagotto, corno) soli o con pianoforte, tutte di autori francesi della prima metà del ‘900 e ricordiamo che in francese i nostri strumenti a fiato sono ‘Instruments à Vent’, da cui il titolo della serata. L’organico strumentale era formato dalla sezione fiati dell’Ensemble Iri da Iri, in residence a Novara, presso la Scuola Dedalo. ‘Iri da Iri’ è citazione colta, dantesca per la precisione, dall’ultimo canto della Divina Commedia, quello in cui, al termine del suo viaggio ultraterreno, Dante ha la visione del divino : ‘Iri, è forma antica per ‘iride’, l’arcobaleno e allude alla bellezza infinita della musica, arcobaleno straordinario di suoni, emozioni, sentimenti, che come i colori dell’arcobaleno si dispongono in una magica, luminosa architettura di echi, di corrispondenze misteriose e sublimi, come la visione del divino nel poema cosmico di Dante. I cinque dell’ensemble erano Alessandra Altini (flauto e ottavino), Francesca Alleva (oboe), Marco Sorge (clarinetto), Gianmarco Canato (fagotto), Elisa Giovangrandi (corno). Si tratta di giovani intorno ai trent’anni, salvo il più anziano Sorge, che hanno compiuto una ricca e qualificata esperienza di studi musicali in importanti istituti in Italia e in Europa, con una già ampia attività concertistica di buon livello sia in ambito orchestrale ( alcuni di loro hanno suonato in orchestre come La Filarmonica della Scala, la Filarmonica di S. Cecilia, L’Orchestra del Maggio Musicale Fiorentino, l’Orchestra Sinfonica Nazionale della Rai) , sia in ambito cameristico o solistico. Da segnalare il curioso quartetto di soli ottavini, fondato da Alessandra Altini, Alt®e Frequenze, uno dei più originali quartetti, crediamo, attualmente in Italia. Al pianoforte sedeva Elena Brunello, il cui curriculum di concorsi ha il suo momento culminante nel secondo premio ottenuto nel 2012 all’International Piano Competition di S. Pietroburgo, e anche le sue esibizioni solistiche, cameristiche e in orchestra sono decisamente significative. Il primo soffio di vento francese è stato il Divertissement op.6 per pianoforte e quintetto di fiati (1906) di Albert Roussel (1869-1937). Figura piuttosto defilata nel vivacissimo panorama della musica francese d’inizio ‘900, Roussel ne è in realtà uno degli esponenti più interessanti e originali e questo breve pezzo ne è una testimonianza, come sintesi molto personale, di neoclassicismo, fauvismo alla Stravinsky, ma con qualche anno d’anticipo, e ‘impressionismo’ debussyano’. L’ensemble Iri da Iri ha offerto, di questo gioiellino musicale, un’interpretazione di alta qualità, mettendone in evidenza il ritmo agile e brillante, soprattutto nell’Animé iniziale, e toccando il vertice della suggestione musicale nelle sonorità evanescenti del Lento centrale e nel lunare Animando finale. Finissima la cura dei dettagli timbrici, essenziale per una partitura di Roussel, in particolare del terzo tempo, ove i limpidi passaggi del pianoforte nei registri acuti della tastiera (ottima la performance di Brunello) si intrecciano con il fraseggio ampio , ma rarefatto e sospeso ai limiti di un incantato silenzio, dei fiati, trai quali il flauto e il corno conferiscono un colore ‘in sordina’ particolarmente efficace: davvero un arcobaleno sonoro di potente suggestione, che ha strappato applausi meritatissimi da parte del pubblico. La seconda ‘ventata’ è arrivata con un notissimo pezzo di Ravel, di poco posteriore al Divertissement di Roussel, ‘Ma mère l’oye’ (1908). È noto che il brano, composto originariamente per pianoforte a quattro mani, fu poi trascritto per orchestra dallo stesso Ravel. Ieri ne abbiamo ascoltato una versione abbastanza celebre, per quintetto di fiati, opera di Joachim Linckelmann. Anche questa seconda composizione ha visto i fiati di Iri da Iri raggiungere livelli intrepretativi di notevole valore, con un panneggio sonoro ottimamente curato e smagliante, sia nella raffinatezza timbrica e nella gestione delle dinamiche, sia, più in generale, nell’esprimere quell’incantevole atmosfera fiabesca e sottilmente ironica a un tempo che è la peculiarità di questo capolavoro di Ravel. I momenti più alti di questa esecuzione sono stati a nostro parere il primo movimento, ‘La Pavane de la Belle au bois dormant’, dove il lungo tema è stato suonato con una dolcezza e una malinconia struggente eppure alleggerita dalle oculate e intelligenti dinamiche e dalla trasparenza del suono dei cinque fiati, compresi quelli gravi (corno e fagotto) e l’ultimo, ‘Le jardin féerique’, in cui il graduale trapasso dalla sommessa sonorità iniziale all’esplosione timbrica conclusiva è stato condotto con estrema precisione e incisivo disegno dei vari impasti timbrici di volta in volta selezionati dalla partitura. Dobbiamo osservare, en passant, che, non certo per colpa dei bravissimi strumentisti, questa trascrizione per soli fiati è inadeguata a rendere al meglio una delle parti più belle de Ma mère l’oye, il terzo tempo, Laideronnette, nella sua meravigliosa evocazione dei gamelan orientali, per la quale i soli fiati non sono sufficienti nel loro peculiare apporto timbrico, sicché va inevitabilmente perduto uno dei momenti musicalmente più suggestivi dell’intera composizione. L’impaginato proponeva quindi un breve brano di Jacques Ibert (1890-1962), i Trois pièces brèves per quintetto di fiati. (1930). Caratteri dominanti dello stile di Ibert sono la limpida chiarezza delle strutture e la sapienza costruttiva: il vario gioco dei timbri appare subordinato allo scopo di dare rilievo alla precisione delle forme. Questo aspetto caratterizzante della musica di Ibert è emerso con evidenza dall’interpretazione del quintetto Iri da Iri, che ha sfoggiato un’eleganza e trasparenza di suono ottimamente calibrate, pur non rinunciando ai momenti più brillanti, in particolare il vivace ritmo danzante della seconda sezione dell’Allegro iniziale. Da ricordare il duetto, che occupa gran parte dell’Andante centrale, tra flauto e clarinetto, per la morbidezza del clarinetto e la fulgida chiarezza di suono, specie nel registro alto, del flauto. Il concerto si chiudeva con un pezzo, anch’esso celebre, di Francois Poulenc, il Sextet per pianoforte e quintetto di fiati FP 100 (1932-1939). È nota la predilezione che Poulenc dimostrò sempre per gli strumenti a fiato, nella cui variegata sonorità trovò una ‘voce’ ideale per esprimere il suo mondo musicale, sempre mutevole, instabile e contraddittorio. Di questo mondo musicale il Sextett FP 100 si può ritenere quasi un manifesto, ancora una volta eseguito e interpretato molto bene dall’Ensemble Iri da Iri, a proprio agio sia con le sonorità delle parti più ‘motoristiche’ e trascinanti del pezzo, come il tema principale dell’Allegro vivace iniziale, un impasto di neoclassicismo stravinskyano nei suoi momenti più spumeggianti e di musica jazzistica, sia con quelle dei momenti di più ripiegata e quasi dolorosa cantabilità, come, sempre nel primo tempo, la sezione centrale. Ma un po’ ovunque c’è in questo pezzo, come in moltissimi altri lavori di Poulenc, questo strano contrapporsi di euforico e gioioso abbandono a ritmi vorticosi, di sapore ora burlesco, ora aggressivo, e di zone di andamento melodioso-cantabile: il che significa continuo mutare di ritmi, timbri, dinamiche, tonalità. I giovani di Iri da Iri dominano questo incandescente e complesso materiale musicale con assoluta padronanza e con fine sensibilità. Per i singoli apporti ci pare giusto qui citare la bellissima cadenza del fagotto, con una voce cupa e senza speranza, che apre la sezione centrale del primo movimento, e il subito successivo intervento del pianoforte, che disegna con fraseggio delicato e di notevole intensità espressiva, la dolorosa melodia cantabile della sezione centrale. Oppure la dolcezza intrisa di indefinita tristezza con cui l’oboe suona il suo tema nel Divertissement Andantino centrale, un tema che è una citazione dal Mozart della sonata per pianoforte KV 454 in Do maggiore. Bel concerto, applauditissimo, con un programma intelligente e raffinato, che promette bene per questa nuova stagione di musica da camera della Dedalus, che va sempre più affermandosi come un altro polo importante della vita musicale novarese .Gli applausi scroscianti di un pubblico che ha riempito ogni posto dell’Auditorium non hanno ottenuto alcun petit cadeau: il concerto è finito senza bis, ma questo nulla toglie, ovviamente, all’apprezzamento per una prestazione davvero di alta qualità.

17 marzo 2024 Bruno Busca

PER I SABATI DEL CONSERVATORIO DI NOVARA IL PIANOFORTE A QUATTRO MANI DI MOZART CON IL DUO G. BELLORINI-G. CUCCO

I pianisti Giuliano Bellorini e Giuliano Cucco hanno formato un duo che, da circa vent’anni, ha avviato una nutrita attività concertistica in Italia e non solo, nel cui repertorio occupano un posto di primo piano le composizioni per pianoforte a quattro mani di W. A. Mozart, che i due Maestri hanno anche inciso in vari CD. Bellorini, all’attività concertistica, in coppia con Cucco o come solista o in formazioni cameristiche e con orchestra, affianca anche l’attività di compositore, di raffinato musicologo e di insegnante, presso il Conservatorio G. Verdi di Milano. La fama che gli deriva da tali molteplici attività è rafforzata dalle sue frequenti partecipazioni a trasmissioni radiofoniche di argomento musicale di Rai radio tre. Giuliano Cucco è pianista affermatosi in vari importanti concorsi italiani e internazionali e con un’ampia attività di concertista; attualmente insegna presso il Conservatorio Cantelli di Novara. Bellorini e Cucco, i protagonisti del concerto ascoltato ieri pomeriggio, sabato 15/03, presso l’Auditorium Olivieri del Cantelli, hanno presentato un programma monograficamente impaginato su due sonate per pianoforte a quattro mani e una sonata per due pianoforti di Mozart. La serie è stata inaugurata dalla Sonata a quattro mani in Si bemolle maggiore Kv 358, composta da un Mozart ancora diciottenne nel 1774, ad uso personale suo e della sorella Nannerl, con la quale allora Wolfgang formava un duo pianistico ‘fisso’, in occasione di ricevimenti e serate musicali. L’interpretazione di Ceccherini e Cucco ci pare abbia puntato su due obiettivi: in primo luogo l’abile sfruttamento della tecnica a quattro mani che caratterizza questa sonata, sottolineandone il carattere ‘dialogico’ che, superando il più o meno rigido alternarsi o sottomettersi di un pianista all’altro, proprio delle sonate a quattro mani dell’epoca, affiora qua e là e s’impone particolarmente nell’Allegretto grazioso finale, in cui gli elementi motivici che compongono il tema principale passano da un pianista all’altro, con sorprendenti effetti timbrici. La seconda caratteristica dell’interpretazione di Bellorini e Cucco è quella di portare in primo piano quello che è forse il carattere più originale di questa sonata, in cui lo stile galante alla Johann Christian Bach, allora dominante, con le sue frasi bilanciate ed equilibratamente melodiche, i suoi eleganti ornamenti, è spezzato nei due tempi esterni da un tono assertivo e da ritmi puntati che Bellorini e Cucco interpretano con la dovuta energia, e ancora una volta, con una notevole finezza di giochi timbrici. Fin da questa prima esecuzione emerge la grande omogeneità e unità che lega i due interpreti, essenziale per una buona riuscita di un pezzo a quattro mani sul pianoforte. Molto bello, nella sua pulizia e trasparenza, anche il tocco, dei due pianisti, sia sui registri medio-alti (Bellorini), sia su quelli bassi (Cucco) A seguire, il programma proponeva all’ascolto la sonata per quattro mani in Fa maggiore Kv 497 (1786). Opera di un Mozart ormai nel pieno della sua maturità, è considerata il capolavoro mozartiano nel genere: essa porta a compimento quel carattere ‘dialogico’ della sonata a quattro mani che nella ‘salisburghese’ Kv 358 era appena abbozzato. L’interpretazione di Bellorini e Cucco, fondendo in una perfetta unità d’intenti l’apporto di due diversi pianisti, crea un fraseggio di squisita fattura, molto efficace nei contrasti dinamici e timbrici, anche plasticamente evidenziati dagli incroci, talora quasi stupefacenti per il perfetto sincronismo nei movimenti dei due interpreti. La tecnica superba di Bellorini e Cucco ci restituisce una Kv 497 che ormai non ha più nulla dello stile galante degli esordi di Amadè, come subito si annuncia nel colore livido delle prime battute dell’Adagio introduttivo, e nella complessità contrappuntistica o nei mossi, quasi drammatici contrasti dello sviluppo dell’Allegro iniziale, eseguito conferendo nitida trasparenza alle linee contrappuntistiche, o ancora, facendo affiorare, in certe sfumature dei momenti melodicamente più intensi dell’Andante centrale, precorrimenti schubertiani, intendiamo dello Schubert del tardo stile delle ultime sonate per pianoforte. A questa ottima esecuzione seguiva infine, a chiudere il concerto una sonata per due pianoforti la Kv 448 (1781) in Re maggiore: la coppia Bellorini-Cucco diventa propriamente un duo, termine che, a voler fare un po’ i pedanti, è precisamente riservato ai due pianisti che suonano su due pianoforti distinti. I due pianoforti, rispetto al pianoforte a quattro mani, ovviamente, aumentano assai il volume del suono e quindi offrono possibilità di sviluppo dialogico e di arricchimento della tavolozza timbrica. Dal punto di viste dello stile, dire che il tema principale dell’Allegro con spirito iniziale è tratto di peso da una composizione di J.C. Bach è già indicare una precisa scelta da parte di Mozart nella direzione dello stile galante, che in effetti lascia la sua impronta in tutta la sonata. In effetti la Kv 448 si può intendere come un estremo omaggio di Mozart a un musicista al quale guardò sempre con stima e ammirazione, anche quando la sua ricerca musicale lo portò ad a approdare ad un linguaggio musicale che con quello del figlio del grande Johann Sebastian Bach non aveva più nulla da spartire. Il merito dell’interpretazione offerta da Bellorini e Cucco consiste a nostro avviso nella riuscita sintesi tra la gaia leggerezza, la festosa brillantezza sonora del pezzo e la valorizzazione di ciò che di più creativamente mozartiano questo brano presenta: lo sviluppo a fondo del dialogo concertante tra i due pianoforti. Un’interpretazione, pertanto, che cura con meticolosa precisione l’equilibrio tra le due parti pianistiche, l’intreccio delle sezioni, l’efficace sfruttamento delle sonorità nei vari registri della tastiera, dando la giusta trasparenza, con la pulizia del fraseggio, alla limpida architettura dell’insieme, caratteristica di fondo della musica mozartiana, ciò che fa del cigno di Salisburgo il classico della musica per eccellenza. Naturalmente non possiamo non esprimere il nostro apprezzamento anche per il virtuosismo che in questa pagina mozartiana è subito presente con lo spumeggiare di arpeggi, volate, trilli, agilità varie con cui si apre, come un festoso sipario, la sonata; e che il duo di bravissimi pianisti esegue con olimpico dominio della tastiera; un virtuosismo che le scelte metronomiche di Bellorini e Cucco per i tempi esterni, piuttosto sostenute, contribuisce non poco ad esaltare. Gli applausi prolungati del pubblico, che, come sempre ormai, da qualche anno stipava l’Auditorium Olivieri, hanno indotto i due interpreti a regalare un fuori programma: il primo tempo della sonata per pianoforte a quattro mani, naturalmente di Mozart, Kv 381 in Re maggiore, petit cadeau molto gradito, ancora una volta, per l’alta qualità dell’esecuzione.

16 marzo 2024 Bruno Busca

Per la prima volta le composizioni di Toscanini all'Archivio di Stato di Milano

La rassegna Musica in Archivio, che si svolge in via Senato a Milano dallo scorso anno, ha proposto un breve ma interessantissimo concerto dedicato a Toscanini compositore. Pochi sanno che il celebre direttore d'orchestra Arturo Toscanini si dedicò, negli anni giovanili di studio, anche alla composizione di romanze su testi poetici, come era in uso in quel periodo storico che dall'ultimo ventennio dell'Ottocento arriva fino alla prima guerra mondiale. Nell'introduzione all'ascolto dei brani in programma, di particolare interesse sono stati gli interventi di Annalisa Rossi, Soprintendente Archivistico e Bibliografico della Lombardia e Direttore dell'Archivio di Stato milanese, di Marina Vaccarini, musicologa, e di Monica Cattarossi, pianista e docente di Musica da camera presso il Conservatorio "G.Verdi" di Milano. La Rossi ha presentato i giovani interpreti, che frequentano corsi di perfezionamento al Conservatorio; la Vaccarini è entrata nello specifico della figura di Toscanini direttore e compositore, illustrando la documentazione della mostra realizzata in una stanza dell'Archivio (manoscritti, spartiti, fotografie e articoli di giornali dell'epoca) . La Cattarossi ha presentato i dieci brani per canto e pianoforte che sono stati eseguiti insieme alla Berceuse per pianoforte solo. L'unicità dell'iniziativa ha prodotto poco più di trenta minuti di splendida musica realizzata da Fabio Bossi al pianoforte, Miwa Kuroda, soprano, e Lian Wang, tenore. I due eccellenti cantanti si sono alternati nell'esecuzione dei brani: il Canto di Mignon ha subito rivelato la potenza vocale della Kuroda, giapponese, laureata in canto lirico all'università di Osaka, dotata di perfetta intonazione e di notevole controllo dinamico; nel secondo brano, Desolazione, è emersa sin dalle prime note la superlativa voce tenorile di Wang, cinese, laureato all'Università di Nanchino. La bellezza timbrica, unitamente alla precisa intonazione in ogni registro e all'elegante portamento della possente voce, ha permesso la valorizzazione del lavoro toscaniniano. La Kuroda ha poi interpretato con passione i brani V'amo, Il pescatore, Sono sola e Son Gelosa; mentre Wang ha cantato Primo bacio, Autunno, Fior di siepe e I baci. Tutte di grande valore le interpretazioni dei giovani cantanti, che hanno davvero saputo emozionare il pubblico presente. Bravissimo il pianista, che non solo ha accompagnato il canto con matura sensibilità, ma ha anche eseguito la Berceuse, brano originale sul versante melodico-armonico, con ottima espressività. Una vera sorpresa è anche la qualità compositiva del grande direttore che, oltre alla capacità di forgiare interessanti melodie, trova abilità di costruzione armonica di alto livello. Peccato che dopo il compimento del ventiquattresimo anno d'età, nel 1891, Toscanini cessò di dedicarsi alla composizione, impegnandosi solo nell'attività che lo rese famoso, la direzione d'orchestra. Un piacevolissimo "concerto-gioiello", ben organizzato dalla responsabile del progetto musicale dell'Archivio, la pianista e docente Silvia Leggio. Applausi meritatissimi.

14-03-2024 Cesare Guzzardella

Il pianista Ingolf Wunder alla direzione dell'Orchestra Maderna per la Società dei Concerti

Il pianista Ingolf Wunder, nella veste anche di direttore d'orchestra e di compositore, ha condotto l'Orchestra Maderna in un programma particolare che prevedeva prima Mozart, poi Wunder ed infine Beethoven. Ospitato in Sala Verdi dalla Società dei Concerti, Wunder alla direzione e al pianoforte, ha iniziato con il Concerto in do maggiore K 467 per pianoforte e orchestra del grande salisburghese, lavoro celebre soprattutto per l'Andante centrale, movimento di esemplare equilibrio formale e di straordinaria bellezza nelle semplici e intense note del pianoforte. La valida interpretazione complessiva ha trovato proprio nel delizioso movimento centrale il frangente più toccante. A seguire, la composizione dello stesso Wunder, denominata A dream of a better tomorrow - con l'autore nella veste solo di direttore- ha interessato circa dieci minuti del concerto. Il brano tonale, ha un introduzione particolarmente interessante nelle timbriche dei registri più bassi degli archi. Elementi melodici più ritmatici e tradizionali subentrano subito dopo, in un complessivo strumentale ben costruito con rapidi cambiamenti dei centri di riferimento e con situazioni coloristiche vicine alla musica da film. Un buon lavoro che è stato ben eseguito dai bravissimi orchestrali della formazione di Forli, fondata nel 1996 e attiva nei classici e nei contemporanei. Applausi calorosi. Dopo il breve intervallo, l'ottima esecuzione della Sinfonia n.7 in la maggiore op.92 di L.v.Beethoven ha rivelato le qualità della compagine orchestrale e una valida direzione di Wunder incentrata su una scelta interpretativa con andature spedite, come nell'incisivo Allegro con brio finale, con le ultime battute ripetute anche nel bis. Applausi calorosi.

14 marzo 2024 Cesare Guzzardella

Gidon Kremer, la Kremerata Baltica e Osokins alle Serate Musicali

Il ritorno del violinista lettone Gidon Kremer e della sua Kremerata Baltica, la compagine cameristica da lui fondata nel 1997, è sempre molto atteso per la qualità superlativa che la formazione offre e per l'impaginato vario e moderno, che trova sempre momenti dedicati alla musica dei nostri giorni, spesso con prime esecuzioni. Ieri sera si è ascoltato una specie di "doppio concerto": dopo le performance di Kremer insieme alla Kremerata, si è creato un clima differente, con il giovane e virtuoso pianista lettone Georgijs Osokins (1995) che ha concluso il programma ufficiale con il Concerto n. 2 in fa minore op. 23 di Chopin. I tre brani che hanno anticipato l'esibizione di Osokins - tutti tipici da "Kremerata" - erano due prime esecuzioni italiane, inframmezzate dalle celebri Las Cuatro Estaciones Porteñas di Astor Piazzolla, arrangiate per violino e archi da L.Destatnikov. Il primo lavoro, dedicato a Gidon Kremer, era Pages of a Biography per violino, vibrafono e archi, del lituano Georgs Pelĕcis (1947), di Riga, concittadino di Kremer. È un brano corposo di particolare interesse, scritto con un linguaggio tonale raffinato e fitto di riferimenti al passato. L'intreccio di temi costruiti su melodie anche folcloristiche e il riferimento a importanti concerti solistici per violino del passato ( il concerto di Beethoven, di Sibelius), in una sorta di pastiche, dove le singole parti, spesso identiche ai lavori originali, vengono ricucite magistralmente con le timbriche originali di Pelĕcis, determina una rilevante composizione, pacata, ricca di spunti discorsivi, dalla valenza quasi paesaggistica, con unità espressiva di straordinaria fattura. Esecuzione di altissimo livello per la Kremerata, e parti solistiche di Kremer, e non solo, eccellenti. Le celebri Stagioni di Piazzolla, brani straordinari del compositore argentino molto amato da Kremer, hanno poi ancora una volta rivelato le qualità del principale interprete, unitamente allo straordinario spessore musicale del gruppo cameristico. Molte prime parti emergono, una fra tutte la violoncellista Giedre Dirvanauskaite. Dopo un breve melodico brano come bis, di ottima fattura e profonda espressività, l'altra prima esecuzione è stata "Lignum" per Orchestra ed archi, svilpaunieki (ocarina popolare lettone a forma di uccello) e percussioni, del giovane compositore Jekabs Jancĕvskis (1992). È un brano che entra subito nelle corde degli ascoltatori per l'intenso legame delle timbriche sottili e raffinate degli archi con il mondo naturale. Gli alberi sono il riferimento di Lignum, con le percussioni che richiamano i suoni della natura e l'ocarina le voci degli uccelli. L'immagine evocata è quella di una foresta nordica, in cui l'ascoltatore si immerge in profonda comunione spirituale con il mondo delle piante. Splendida l'esecuzione della sola Kremerata. Infine, Osokins ha suonato in perfetta sintonia con la Kremerata: eccellente la trascrizione del concerto chopiniano, nella parte orchestrale, di Yevgeny Sharlat. La componente degli archi risulta più importante e volta a sottolineare efficacemente le raffinatezze sia del compositore che di Osokins, un interprete perfettamente a suo agio nella scrittura del grande polacco, rivelando sicurezza, discorsività ricca di colori e perfezione di dettaglio. Un' interpretazione complessiva diversa dal consueto e di ottima qualità. Valido il bis concesso da Osokins con il super- virtuosismo di Liszt della "Rákóczi March", la Rapsodia ungherese n.15. Applausi calorosissimi dal pubblico delle "Serate Musicali". (Foto in alto di Alberto Panzani-Serate Musicali)

12 marzo 2024 Cesare Guzzardella

"Le ragazze del West" a Musica Maestri! in Conservatorio

Un concerto di interpreti donne, con brani composti da donne, quello ascoltato ieri nel tardo pomeriggio per Musica Maestri!, la rassegna musicale del Conservatorio milanese che sta avendo un meriratissimo successo di pubblico in Sala Puccini. L'impaginato, di rarissimo ascolto, riguardava tre compositrici americane con brani della prima metà del Novecento. Marion Bauer (1882-1955), Rebecca Clarke (1886-1979) e Amy Beach (1867-1944), sono state scelte da una formazione cameristica per l'occasione denominata "Le fanciulle del West" e formata da Agnese Ferraro e Margherita Ceruti ai violini, Rosaria Mastrosimone alla viola, Marianna Sinagra al violoncello e Monica Cattarossi al pianoforte. In quintetto hanno suonato nell'ultimo brano in programma, eseguendo il Quintetto in fa diesis op. 67 per pianoforte e archi (1908) di Amy Beach. Un brano corposo, ben articolato che mostra certamente l'influenza avuta dalla Beach dai musicisti europei romantici, Brahms soprattutto, ma che rivela anche l'alta cifra compositiva dell'autrice. La Beach è stata la prima donna americana a cimentarsi nella produzione di musica colta e tra i primi compositori americani ad avere avuto molto successo senza aver studiato in Europa. Di spessore l'interpretazione ascoltata, con la parte quartettistica degli archi ben coordinata dalle armonie pianistiche dell'ottima Cattarossi. Di ottima qualità e di eccellente resa timbrica Up the Ocklawaha op. 6 per violino e pianoforte (1913) della Bauer. Pregnante il vibrato della Ferraro ben amalgamato con il pianoforte della Cattarossi. Due i brani di Rebecca Clarke, compositrice inglese, naturalizzata americana, entrambi del 1941. Il primo era Passacaglia on a old English Tune per violoncello e pianoforte, un lavoro cupo ben definito dalle corpose timbriche del violoncello della giovane Marianna Sinagra. Il secondo, più vario,, tra romantico e neoclassico, era Dumka per violino, viola e pianoforte. Un lavoro assai piacevole, definito benissimo dal violino della giovane Margherita Ceruti e dalla viola di Rosaria Mastrosimone, entrambe in ottima sinergia con il preciso, dettagliato pianoforte della Cattarossi. Applausi meritatissimi e come bis un'ottima trascrizione per quintetto con pianoforte di Sergio Delmastro dell'Intermezzo dalla Manon Lescaut di Puccini, ricordando i 100 anni dalla sua scomparsa. Applausi colorosissimi . Bravissime!

11 marzo 2024 Cesare Guzzardella

La pianista veronese Ilaria Loatelli agli Amici del Loggione per Franz Liszt

"L'arte della parafrasi operistica" l'abbiamo ascoltata questa mattina agli Amici del Loggione del Teatro alla Scala di via Silvio Pellico n.6 dalle mani della pianista veronese Ilaria Loatelli. È venuta a Milano per presentare un suo Cd dedicato al sommo virtuoso e compositore Liszt autore di arie e parafrasi da celebri opere dei grandi musicisti Verdi, Mozart, ecc. All'introduzione di Mario Marcarini, factotum degli Amici, sono seguite le chiare parole di Filippo Michelangeli, direttore di importanti riviste musicali. Questi ha anche intervistato brevemente la Locatelli, che ha raccontato la sua storia, come spesso accade ai bravi pianisti, di " bambina prodigio" che ha sempre desiderato di vivere di musica. La Loatelli ha poi interpretato alcuni brani presenti nel disco, due tra le più celebri parafrasi di Franz Liszt: prima quella dal Don Giovanni mozartiano e poi quella dal Rigoletto verdiano. Il virtuosismo trascendentale della Loatelli ha portato ad una resa espressiva di ottima qualità, specie in Rigoletto dove l'alto livello coloristico e l'efficace chiarezza nel delineare le singole note e le voci nei diversi piani sonori hanno esaltato le qualità dell'interprete. Ancora più pregnante il brano concesso come bis: la celebre Toccata di Sergej Prokof'ev, eseguita con grande determinazione e dettaglio dei particolari. Applausi nella sala al completo e come sempre al termine un brindisi con ottime degustazioni di vini e formaggi doc.

10 marzo 2024 Cesare Guzzardella

IL TRIO PER PIANOFORTE ED ARCHI PROTAGONISTA DEI CONCERTI DEL SABATO AL CONSERVATORIO DI NOVARA

Per i Concerti del Sabato, la stagione di musica da camera del Conservatorio di Novara, ieri, sabato 9 marzo, si è esibito all’Auditorium un trio formato da strumentisti decisamente di notevole livello: al pianoforte sedeva Emanuele Delucchi, nato nel 1987, milanese di adozione, affermatosi grazie ad una ormai vasta attività concertistica come solista e in ambito cameristico, attualmente docente al Conservatorio di Rovigo; con lui suonavano la violinista emiliana Rita Mascagna (n.1984) anche lei con una esperienza formativa e concertistica di notevole spessore, docente dello strumento presso il Conservatorio Cantelli di Novara, ed il violoncellista Fabio Mureddu, accomunato agli altri due membri del trio da una più che significativa attività concertistica sia in orchestra (Filarmonica della Scala e Filarmonica di S. Cecilia), sia e soprattutto nella musica da camera, di cui è insegnante al Cantelli. Attraente il programma del concerto, aperto dal Trio ‘pathetique’ in Re min. del padre della musica russa dell’800, Mikhail Glinka. Questo Trio è per la verità la versione per archi e pianoforte di un originale previsto per clarinetto, fagotto e pianoforte, anche se Glinka stesso prevedeva la possibilità di sostituire il violoncello al fagotto. La scelta interpretativa di Delucchi, Mascagna e Mureddu è stata quella di accentuare il carattere concertante del Trio, in cui ogni strumento è un ‘personaggio’ impegnato in un dialogo contrastato con gli altri due: sicuramente il modello ispiratore di questo Trio è il melodramma italiano, che Glinka ha modo di conoscere a fondo durante il suo soggiorno in Italia negli anni ’30 dell’800, legandosi di amicizia con i grandi cantanti di allora, dalla Pasta a Rubini, e all’editore Ricordi, che gli pubblicò questo Trio. Ecco allora che il violino, delicato ed energico a un tempo, di Rita Mascagna, il violoncello di raffinata morbidezza di Fabio Mureddu, il pianoforte di Emanuele Delucchi, bravissimo nell’accompagnare con squisiti arabeschi, veri ‘trini’ sonori di perlaceo nitore con scale e trilli della mano destra, i due archi nel tempo più bello del pezzo, l’Adagio, diventano altrettante voci di un pezzo di puro belcantismo italiano, in cui il suono svaria suggestivamente dall’appassionato del primo tempo all’effuso patetismo del Largo. Seguiva il Trio in Do min. op.101 di J. Brahms. Composizione caratterizzata da una concisione ed essenzialità di scrittura, che alleggerisce quella densità contrappuntistica e tematica tipiche del comporre brahmsiano, si caratterizza semmai per una poliedrica varietà di ritmi, che l’esecuzione di Delucchi, Mascagna e Mureddu incide con il dovuto rilievo, a cominciare dall’energia ‘beethoveniana’ del tema principale dell’Allegro iniziale (‘energico’ appunto, secondo la definizione in partitura) per passare a quell’Allegro non assai, che, pur essendo in tempo binario, fa le veci di uno Scherzo, in seconda posizione, forse il tempo più ritmicamente articolato: sono molto bravi, i tre strumentisti, a trovare la giusta agogica per dare voce al carattere sfuggente, di un ‘botta e risposta’ sottilmente inquietante e misterioso del tema principale, rimbalzante tra i due archi e la tastiera, e all’estrosità del trio centrale, per finire coll’andamento capriccioso e scattante del tema principale del Finale Allegro Molto, in cui il ricco proliferare d’idee, tipico di Brahms, torna ad affacciarsi, ma sempre puntando sull’effetto ritmico, teso a scompensare ogni regolarità nello svolgimento melodico. Va aggiunto, a merito dei tre validissimi protagonisti del concerto di ieri, che questa raffinata e un po’ stravagante ricerca ritmica di Brahms, è sempre stata eseguita con un elegante e composto equilibrio nel controllo del materiale sonoro, nel giusto rispetto della sovrana ‘classicità’ che domina la musica del grande amburghese. Ma accanto a questa particolare attenzione per l’elemento ritmico, Delucchi, Mascagna e Mureddu hanno dato prova, in questo Trio op.101, di saper scavare nelle profondità più suggestive del suono di Brahms, in particolare nel terzo tempo, un Andantino grazioso, che, nonostante la tonalità maggiore in contrasto con la minore d’impianto della composizione, appare come il movimento più velato di ombre crepuscolari e autunnali, tipiche dell’ultimo Brahms, suggestivamente espresse dai tre strumenti con una sapiente calibratura dei chiaroscuri nelle dinamiche e nei timbri. Nella sognante melodia del secondo tema, in particolare, il dialogo fra i due archi e il pianoforte raggiunge davvero livelli di raffinatezza ammirevole, realizzando quel ‘non so che’ di indefinibile malinconia tipicamente brahmsiano, con la soave cantabilità del violino, la vellutata tenerezza del violoncello nei registri medio-alti e la delicatezza di tocco del pianoforte, velata dalle sfumature di un’abile gestione del pedale di risonanza. Concludeva il concerto un altro pezzo brahmsiano, il Trio in Sol magg. op.36, in realtà trascrizione ad opera di Th. Kirchner del sestetto per archi di Brahms op.36 n.2, il celebre “Agathe Sextett”. L’esecuzione ascoltata ieri all’Auditorium del Conservatorio è stata di qualità veramente apprezzabile, sia sotto il profilo tecnico, per la precisione nell’intonazione, la scelta dei tempi, la perfezione nelle entrate dei singoli strumenti, sia sotto il profilo propriamente espressivo, con una cura molto attenta delle dinamiche e soprattutto della paletta timbrica, assai varia e sottile, come sempre in Brahms. In particolare è da sottolineare la duttilità con cui Delucchi, Mascagna e Mureddu hanno saputo trovare il suono adeguato all’atmosfera delicata, appena adombrata da una sfumata vena malinconica, virata improvvisamente verso toni di vera disperazione nella sezione sviluppo, propria del primo tempo, alla fresca cantabilità del tema principale dello Scherzo, alla melodia sognante dell’Adagio, e infine a quel finale Poco Allegro, piuttosto singolare, in cui è stato accentuato in particolare il carattere ironico, quasi burlesco, in strana contraddizione col rigore strutturale della forma di Rondò-Sonata. Gran successo di pubblico, che riempiva tutti i posti dell’Auditorium, sottolineato dai prolungati applausi, senza, tuttavia, che la richiesta di bis venisse soddisfatta. Ottimo concerto, dunque, quello offerto ieri dal Conservatorio di Novara, che sempre più si va confermando protagonista irrinunciabile della vita musicale novarese.

10 marzo 2024 Bruno Busca

Ultime repliche al Teatro alla Scala per Il ratto dal serraglio di Mozart

Meritato successo alla penultima rappresentazione di Die Entführung Aus Dem Serail, il Singspiel in tre atti di W.A. Mozart su libretto di Johann Gottlieb Stephanie jn. da C.F. Bretzner. L'ottima orchestrazione del giovane direttore tedesco Thomas Guggeis certamente rappresenta un punto di favore per un'opera storica assai nota per la regia di Giorgio Strehler. È una messinscena che ha segnato un momento importante nelle rappresentazioni liriche del Teatro alla Scala. Il Singspiel tedesco - genere nel quale alle parti recitate si alternano i pezzi cantati- non è certo tra le opere più rappresentate del grande salisburghese. Il ricordo di Giorgio Strehler, a ventisei anni dalla sua scomparsa, e di Luciano Damiani, qui scenografo e costumista, a sedici anni dalla sua dipartita, ed il loro classico allestimento rappresentato in Scala la prima volta nel 1972 e prima ancora a Salisburgo nel '65, certamente resta indelebile per chi ha potuto assistervi. L'ultima volta di questo allestimento nel teatro del Piermarini è stato nel 2017, per la direzione di Zubin Mehta. Ieri sera abbiamo trovato un cast vocale all'altezza del compito assegnato. Bravissimi anche attorialmente tutti, con molti movimenti tipici della commedia dell'arte. Segnaliamo particolarmente la voce di Jessica Pratt in Kostanze, la cantante più applaudita. Ottimi tutti gli altri: Daniel Behle in Belmonte, Jasmin Delfs in Blonde, Peter Rose in Osmin, Michael Laurenz in Pedrillo e poi l'eccellente parte recitata di Sven-Eric Bechtole, Selim e quella mimata di Marco Merlini, il Servo muto. Di rilievo il Coro preparato da Giorgio Martano con i relativi solisti: Roberta Salvati, Alessandra Fratelli, Luigi Albani e Giuseppe Capoferri. L'ultima rappresentazione sarà domani, 10 marzo alle ore 14.30. Rimangono ancora pochi posti. Da non perdere. (prime due foto di Brescia e Amisano- Archivio della Scala)

9 marzo 2024 Cesare Guzzardella

Presentata a Milano la 26esima rassegna musicale Echos. I luoghi e la musica

Dal 27 aprile al 23 giugno si svolgerà la 26esima edizione del festival musicale itinerante piemontese Echos - I Luoghi e la Musica, un incontro tra il patrimonio storico, artistico e paesaggistico del Monferrato alessandrino con la musica. Come ricordato dal direttore artistico, il pianista e organizzatore di eventi musicali dell'Associazione Musicale Ondasonora APS, Sergio Marchegiani, nella splendida location gastronomica di via Laghetto a Milano, sono previsti 23 concerti in diversi comuni della provincia di Alessandria a cominciare da sabato 27 aprile quando avverrà l' inaugurazione con l’Orchestra ICO Suoni del Sud, con il violinista Ettore Pellegrino, il trio Nosso Brasil e Roberto Molinelli alla direzione. Tra i numerosissimi ospiti, tutti di straordinaria qualità, troviamo anche Angela Hewitt, Ilia Kim, Maurizio Baglini, il Duo Hauri-Moos, e il Trio Johanne. Scopo della rassegna non è solo quello di fare ascoltare ottima musica con eccellenti interpreti, ma anche proporre la possibile conoscenza di luoghi storici straordinari di quella parte del Piemonte che tra Alessandria e il Monferrato occupa una zona estesa della regione Piemonte tra le più meritevoli di conoscenza. A questi elementi si unisce anche la possibilità di assaporare la migliore cucina italiana e gli eccellenti vini,. "I luoghi dei vini" celebrerà la nomina del "GranMonferrato", rappresentato dalle città di Casale Monferrato, Acqui Terme e Ovada, come Città Europea del vino 2024. Si auspica una di grande partecipazione anche da chi proviene da aree territoriali limitrofe ai "luoghi", come tutta l'area milanese. Per ulteriori informazioni consultare il sito Www.festivalechos.it

Marzo 2024 dalla redazione

Torna "Il Pianoforte in Ateneo" all'Università Cattolica milanese con il pianista Elia Cecino

"Il Pianoforte in Ateneo", la rassegna musicale dedicata al pianoforte, è tornata all'Università Cattolica del Sacro Cuore con il primo appuntamento della nuova Stagione. Organizzatori delle serate musicali, che quest'anno saranno ben sette, sono il prof. Enrico Reggiani, direttore dello Studium Musicale di Ateneo e il Maestro Davide Cabassi, pianista-concertista e docente al Conservatorio " G. Verdi" di Milano. Ieri sera abbiamo ascoltato alla tastiera del prestigioso Shigeru Kawai il giovane Lia Cecino, interprete che per le sorprendenti doti virtuosistiche è già da tempo inserito nel circuito concertistico più ampio con performance sostenute in Europa e in altre regioni del mondo. L'esecuzione dei brani è stata preceduta dalla presentazione dei concerti in rassegna da parte del direttore musicale Davide Cabassi. Il prof. Reggiani invece ha fatto un interessante intervento sul pianoforte come oggetto appartenente ad un contesto culturale più ampio, dove la resa musicale rappresenta solo una parte di una più ampia contestualizzazione. Si è passati poi alla musica. L'impaginato scelto dal ventitreenne trevigiano era improntato al grande pianismo romantico di tre grandi compositori quali Chopin, con la Sonata n.2 in si bem. minore op.35 composta tra il 1837 e il 1839; di Mendelssohn con le Variations Sérieuses op. 54 completate nel 1841, ed infine con gli Studi Sinfonici op.13 di Schumann, composti nel 1834. Tutti brani celebri, pensati ad una distanza temporale, tra il primo e l'ultimo lavoro, di soli sette anni. Cecino ha individuato i giusti tempi per la corposa Sonata chopiniana, fornendo una valida interpretazione mediata da una solidità strutturale di pregnante espressività. Altrettanto valide le successive Variations Sérieuses mendelssohniane, nella loro progressione di trasformazione del tema principale in un ottima unità stilistica. I corposi e geniali Studi Sinfonici di Schumann, hanno trovato maggiore espressività nel corso dell'interpretazioni con gli ultimi Studi, anche questi straordinarie varianti del tema iniziale, via via più espressivi e definiti con maggiore grinta e profondità. Applausi sostenuti nella splendida Aula magna dell'università al completo e ben due i bis concessi con un nitido Piccolo Valzer (1894) pucciniano (per i cento anni dalla morte) , poi inserito nell'Aria di Musetta - Quando me n'vo- in Bohème, ed una trasparente ed elegante Mazurka in si bem. minore di Chopin. Bravissimo!

8 marzo 2024 Cesare Guzzardella

Contrasti musicali ai concerti de I Pomeriggi del Dal Verme

Un programma variegato quello ascoltato all'anteprima del mattino con l'Orchestra de I Pomeriggi Musicali e il suo direttore James Feddeck. A iniziare, andando a ritroso nel tempo, da un brano contemporaneo per strumenti a fiato e percussioni di Alberto Cara (1975) con il suo Wedding and Funeral Marching Band, passando per il milanese Nino Rota ( 1911-1979) con il raro ma efficace Divertimento concertante per Contrabbasso e Orchestra, arrivando poi a Beethoven (1770-1827) con l'Ouverture in do minore op.62 "Coriolano" seguita dalla Sinfonia n.8 in fa maggiore op.93. Il recente lavoro di Cara offre momenti di vitalità coloristica nei riusciti contrasti tra le timbriche melodiose dei fiati e le brusche ritmiche delle percussini che in vari momenti entrano per modificare il tempo e per vivacizzare con grinta le sequenze coloristiche altrimenti uniformi. Un ottimo lavoro con meritati applausi conclusivi anche al compositore in palcoscenico. Rota, celebre in tutti i suoi brani felliniani, ci offre qui un brano ampio, in quattro movimenti, in stile neoclassico che ricorda certo Prokofiev o certo Šostakovič. Punto di riferimento centrale le note gravi del contrabbasso di Paolo Speziale, che in territorio tonale, come la valida orchestrazione ben diretta da Feddeck, ci ha portato melodie sognanti dai colori onirici di efficace impatto coloristico. Bravissimo Paolo Speziale Ancora applausi meritati. Dopo la breve, pausa un Beethoven più potente con l'Ouverture da Coriolano, e uno di passaggio verso la Nona Sinfonia, con un'Ottava ben delineata dai bravi orchestrali de I Pomeriggi, ci hanno portato al termine della riuscita mattinata. Questa sera alle ore 20.00 la prima ufficiale e sabato alle 17.00 la replica.

7 marzo 2024 Cesare Guzzardella

L'Orchestra della Toscana diretta da Diego Ceretta per un “Omaggio a Wolfgang”

Un programma di straordinario interesse quello ascoltato ieri sera in Conservatorio per la "Società dei Concerti". L' Omaggio a Wolfgang - naturalmente si tratta di Mozart- era incentrato su due capolavori del genio salisburghese quali il Concerto per pianoforte e orchestra in re minore K 466 e la Sinfonia n. 41 in do maggiore K 551 “Jupiter”, anticipati però da un recente lavoro di Lera Auerbach, con il suo Eterniday, sottotitolato Hommage to W.A. Mozart. L'Orchestra della Toscana è venuta spesso in Sala Verdi ospite della Società dei Concerti, ma per la prima volta con il giovanissimo direttore milanese Diego Ceretta, nato nel 1996 e ancora ventisettenne. Ceretta è dal marzo 2023 nuovo direttore stabile della ORT, una delle compagini orchestrali tra le migliori italiane. Protagonisti del concerto, oltre al direttore d'orchestra anche la russa Lera Auerbach, nel doppio ruolo di compositrice, per il primo lavoro in programma, e di pianista per il Concerto K 466 di Mozart. È certamente nota internazionalmente per la sua creatività che si divide tra composizione, direzione d'orchestra, interpretazione pianistica, per quello che concerne il mondo musicale; ma è anche una scultrice e una poetessa. Artista quindi a 360 gradi, ha dimostrato le sue qualità sia nello scuro e pregnante brano Eterniday, un lavoro ispirato da Mozart ma decisamente personale anche nell'organizzazione orchestrale che prevede una piccola formazione da camera insieme alla più ampia orchestra. Le timbriche suggestive degli orchestrali e dei singoli strumentisti che spesso intervengono in modo concertante, avevano nel brano una definizione molto precisa, curata nei dettagli e in questo senso molto mozartiana. Un ottimo lavoro diretto con dovizia di dettaglio da Ceretta. Con i brani mozartiani siamo entrati in un altro clima musicale. La creatività della Auerbach è emersa nel suo modo d'interpretare Mozart. Il profondo Concerto in re minore K 466 ha trovato un'intensità espressiva rilevante nella restituzione orchestrale. La componente pianistica è stata delineata con rigore e chiarezza dalla Auerbach, che ha avuto come momenti creativi rivelatori le due ampie Cadenze solistiche, la prima nell'Allegro iniziale e la seconda nel Rondò.Allegro assai finale. La parte cadenzata era opera interamente della compositrice che si è sbizzarrita - con ottimo risultato- a trovare un compromesso tra Mozart e il suo modo di generare armonie. Valida la resa complessiva. Ottimi i due bis concessi dalla stessa Auerbach: prima un Étude Tableaux di Rachmaninov di pregnante resa emotiva e poi una Sonata di Scarlatti tra le più celebri, interpretata con una personalizzazione eccellente nell' andamento rapido scelto con perfetta coerenza stilistica. Applausi fragorosi meritatissimi. La seconda parte del concerto ( iniziata in ritardo per una sfortunata caduta di un anziano spettatore ultranovantenne durante l'intervallo e l'attesa dell'ambulanza) ha visto la celebre Jupiter K 551, ultima delle sinfonie mozartiane, che ha come ultimo movimento quell' incredibile Molto Allegro dalla evidente coralità polifonica . Diego Ceretta ha trovato un perfetto dosaggio nei tempi, nelle dinamiche e nei colori, arrivando poi nel gran finale ad una resa interpretativa di elevato livello estetico. Eccellente la compagine orchestrale in ogni sezione orchestrale. Applausi sostenuti dal numeroso pubblico presente in Sala Verdi, con numerose uscite del giovane bravissimo direttore.

7 marzo 2024 Cesare Guzzardella

Il pianista Ali Hirèche all'Archivio di Stato di Milano

Per la rassegna "Musica in Archivio" è stato presentato il recente Cd del pianista parigino Ali Hirèche e l'opera pittorica di Giulio Frigo, autore dell'immagine di copertina dell'incisione discografica. Annalisa Rossi, direttrice dell'Archivio di Stato di Milano, Luca Ciammarughi, musicologo e pianista, Andrea Chersicla, esperto d'arte, Silvia Leggio, pianista e docente di pianoforte al Conservatorio "G.Verdi" di Milano e curatrice della rassegna musicale, hanno presentato il musicista e l'opera del pittore purtroppo non presente. Dopo gli interessanti interventi, con Ciammarughi che ha con competenza approfondito gli aspetti musicali dei brani di Schubert e di Liszt presenti nel Cd, inquadrandoli storicamente e delineando la personalità dei due grandi musicisti, e con Chersicla che ha messo in risalto l'originale dipinto di Giulio Frigo nelle sue caratteristiche peculiari, il Maestro Hiréche ha dato saggio delle sue eccellenti qualità virtuosistiche eseguendo due brani inclusi nel cd (la recensione è in questo giornale) e precisamente la Sonata in si minore di F.Liszt e Gretchen am Spinnrade di Schubert- Liszt. Le interpretazioni di alto livello, hanno messo in risalto la forza espressiva di Hirèche nel delineare con impeto e chiarezza enunciativa i passaggi spesso impervi del celebre capolavoro lisztiano. Applausi sostenuti dal numeroso pubblico intervenuto ed eccellente il bis concesso dal pianista parigino con lo Studio n.12 Op.10 di F. Chopin.

6 marzo 2024 Cesare Guzzardella

Roberto Cominati alle Serate Musicali del Conservatorio

Roberto Cominati, pianista napoletano, classe 1969, è salito alla ribalta concertistica dopo la vittoria nei prestigiosi concorsi internazionali "Alfredo Casella" (1991) e "Ferruccio Busoni" (1993). La sua attività di pilota d'aerei di linea non gli ha impedito di dedicarsi a numerosi concerti in tutto il mondo. Ieri sera, per le Serate Musicali al Conservatorio, ha scelto due compositori a lui cari, quali Claude Debussy e Robert Schumann. Entrambi importanti innovatori di linguaggi armonici, sia il francese che il tedesco hanno inciso molto nella storia della musica, soprattutto pianistica, ma non solo, per la loro vasta produzione nella quale la componente di ricerca anche coloristica risulta fondamentale. Di Debussy, Cominati ha scelto il libro n.2 dei Préludes, mentre di Schumann una rarità esecutiva quale la Sonata n.3 in fa minore op.14 "Concerto senza orchestra". L'ottima interpretazione dei dodici preludi, eseguiti senza soluzione di continuità, ha rivelato la raffinatezza di un pianista dal tocco leggero, accompagnato a tecnica precisa e sintesi discorsiva di chi ha interiorizzato completamente il materiale sonoro. Cominati ha delineato con maestria i colori del compositore francese, di cui, a fine concerto, come bis, ha interpretato con meditazione e chiarezza il celebre Clair de lune. La sonata di Schumann, scritta dal giovane genio a soli venticinque anni ma già ricca di armonie, dal linguaggio elaborato e dalle timbriche molto orchestrali, è stata resa da Cominati con un'ottima sintesi dei quattro movimenti che la compongono. Lunghi applausi meritatissimi e, come secondo bis, un classico brano americano di Harold Arlen, "Over the Rainbow", interpretato con raffinate influenze jazz.

5 marzo 2024 Cesare Guzzardella

Piercarlo Sacco e Luca Schieppati allo Spazio Teatro 89 per un concerto dedicato a Tolstoj

Da quindici anni suonano in duo il violinista Piercarlo Sacco e il pianista Luca Schieppati. Ieri pomeriggio alla Spazio Teatro 89 di via Fretelli Zoia a Milano, hanno voluto rendere omaggio al grande romanziere russo Lev Tolstoj (1828-1910) con un concerto denominato "Qualcosa di terribile- Tolstoj, la musica e altre invettive". Come accennato da Schieppati nella presentazione del concerto, Tolstoj amava la musica; la moglie pianista accompagnava molti strumentisti e lui stesso compose alcuni semplici brani. Ammirava i grandi geni della musica, a cominciare dal suo contemporaneo ed amico P.I.Čaikovskij (1840-1893). Del musicista russo è stato eseguito il brano "Méditation" da Souvenir d'un lieu cher, op.42, nella trascrizione per violino e pianoforte. È un lavoro di pregnante espressività romantica interpretato con passione da Sacco e da Schieppati. Il successivo, un semplice e grazioso Valzer per pianoforte di Lev Tolstoj - poche note del grande romanziere - anticipava il brano di Carlo Galante (1959), Per Sof'ja Tolstaja. Piccola Sonata in forma di Diario , eseguito alla presenza del compositore milanese. È un lavoro in due movimenti, un Mosso e un Agitato, il secondo tempo composto alcuni anni dopo il primo, sempre per il duo Sacco/Schieppati. Galante ha tratto ispirazione dalla lettura dei diari della moglie del romanziere, Sof'ja, una donna che ebbe certo una convivenza sofferta con un genio dal carattere particolarmente difficile. Il brano, ricco di forti contrasti, nell'ottima costruzione compositiva che fa dialogare con grinta il melodioso violino di Sacco con le armonie pianistiche di Schieppati, riflette le situazioni spesso burrascose nella vita della celebre coppia russa. Nalla parte centrale compare anche un riferimento al grazioso tema di Valzer di Tolstoj. Un lavoro di ottima qualità, che ancora una volta ritrova un compositore che scrive in modo espressivo, con un linguaggio accessibile, che crea emozioni. Il brano successivo, Morceaux de Salon op.6 n.2 di Sergej Rachmaninov (1873-1943) è una rarità esecutiva di felice impatto virtuosistico e di eccellente integrazione timbrica tra i due strumenti. È stato scelto Rachmaninov ricordando che ebbe anche lui modo di conoscere personalmente Tolstoj, davanti al quale suonò alcuni suoi pezzi. Ne ricevette ahimè critiche, non consensi, in un momento, per di più, di grave depressione del giovane compositore. Eccellente l'interpretazione di un lavoro che trova una discorsività dal sapore lisztiano. Il capolavoro conclusivo era la celebre Sonata op.47 "A Kreutzer" di Beethoven (1770-1827). Questa volta è Tolstoj debitore al genio tedesco, in quanto ne fu ispirato per il suo omonimo romanzo breve del 1889. Un'interpretazione di valore, con timbriche decise, robuste nell'ottima sinergia dei protagonisti. Applausi fragorosi dai numerosi intervenuti e come bis la Vision Congolaise, secondo brano dal Trittico op.136 di Camille Saint-Saëns. Di assoluta originalità, è inserito nel recente Cd uscito per Da Vinci Classics (recensione su questo giornale) ed interamente dedicato alle musiche per violino e pianoforte del compositore francese: lavori eseguiti benissimo dall'affiatato duo Sacco-Schieppati.

4 marzo 2024 Cesare Guzzardella

Ritornano a Milano i concerti di Villa Mirabello

Ritornano a Villa Mirabello i concerti di musica classica organizzati da Alessio Bidoli, violinista e organizzatore di eventi musicali. Sono due serie di serate previste nei mesi di marzo e di giugno. Le prime tre nelle date del 7 marzo, del 14 e del 21 marzo, avranno come protagonisti il violoncellosta Vito Paternoster e il pianista Pierluigi Camicia; seguirà il 14 marzo il pianista Andrea Bacchetti e il 21 marzo è la volta dell'Amaranta Trio con Silvia Cattaneo al pianoforte, Stella Chiara Cattaneo al violino ed Ester Vianello al violoncello. Programmi variegati con brani noti di eccellente qualità. Concerti imperdibili sia per la rilevanza degli interpreti che per la particolare storica location dove avvengono le serate musicali. Siete tutti invitati!

4 marzo 2024 Cesare Guzzardella

Successo al Teatro alla Scala per Madina con le musiche di Fabio Vacchi e la coreografia di Mauro Bigonzetti

È tornato alla scala Madina, non solo un balletto ma un'opera di Teatro-danza multiforme e sfaccettata, che ebbe la prima rappresentazione nell'ottobre del 2021. La pregnante musica di Fabio Vacchi, di quasi ottanta minuti nell'intensa orchestrazione di Michele Gamba, è la componente unificante dei vari linguaggi presenti nel riuscito lavoro. Danzatori, cantanti, attori, video, immagini, si alternano, si integrano, interagiscono nella prorompente musica del compositore bolognese, musica che ha anche in sè una grandiosa componente corale, preparata dall'eccellente direttore di coro Alberto Malazzi. Sembrano in antitesi, ma sono in realtà complementari le solide strutture musicali di Vacchi, ricche di emozioni, scritte ragionando su ogni singola nota, in un linguaggio non semplice ma accessibile all'ascolto, e la parte visiva variegata, sempre in movimento, quella inventata dal coreografo Mauro Bigonzetti, dallo scenografo e ideatore delle luci Carlo Cerri, dai video designer ( ancora Cerri, con Alessandro Grisendi e Marco Noviello), dal costumista Maurizio Millenotti. La protagonista Madina, sempre riconoscibile nel suo costume rosso acceso, è la superlativa ballerina Antonella Albano. L'attore Francesco Aricò declama ad alta voce i testi tratti dal romanzo "La ragazza che non voleva morire" di Emmanuelle de Villepin, autrice anche del libretto. Il tenore Paolo Antognetti e il mezzo-soprano Anna-Doris Capitelli si alternano nel cantare la triste vicenda e sono rispettivamente Sultan/Louis e Madina/Olga. Nella terza rappresentazione, vista ieri sera in una Scala al completo, l'eccellente Roberto Bolle è Kamzan, lo zio di Madina che, divenuto terrorista, vuole spingere la nipote a diventare kamikaze. Gioacchino Starace è Louis, caporedattore di un giornale francese che ascolterà e incontrerà Olga- l'ottima Alessandra Vassallo- , la zia russa di Madina di cui poi si innamorerà. Il bravissimo Gabriele Corrado è Sultan, il padre di Kamzan, che vuole salvare Madina. Come racconta Fabio Vacchi "..Madina si trova risucchiata da una spirale di violenza. Non vuole uccidere. Ma si toglie la cintura esplosiva sottraendosi all'attacco omicida-suicida, sulla spinta di quell'istinto di sopravvivenza che accomuna gli abitanti della Terra..". Nel disinnescare la cintura esplosiva morirà l'artificiere. Madina verrà processata e condannata. Kamzan sarà ucciso. Una vicenda attualissima dove il territorio ceceno, in cui si svolge il dramma, potrebbe essere sostituito da altri dove oggi si combattono guerre sanguinose e si commettono terribili atrocità. La formula del teatro-danza di Vacchi è in Madina perfettamente realizzata, grazie anche alle grandi qualità di Manuel Legris, direttore del Corpo di Ballo scaligero. Un lavoro eccellente, imperdibile, che avrà ancora tre repliche il 6, il 7 e il 9 marzo. ( prime due foto di Brescia, Amisano, Archivio Scala)

3 marzo 2024 Cesare Guzzardella

Arthur & Lucas Jussen diretti da Jaume Santonja in Béla Bartók

Sono tornati in Auditorium con l'Orchestra Sinfonica di Milano i pianisti Arthur & Lucas Jussen per interpretare Béla Bartók sotto la direzione di Jaume Santonja, Direttore Ospite Principale della Sinfonica milanese e molto presente nella sala concertistica. L'impaginato prevedeva una prima parte del concerto interamente dedicata alle musiche del compositore ungherese: prima i Canti contadini ungheresi e poi il Concerto per due pianoforti, percussioni e orchestra Sz.115. Dopo l'intervallo, cambio di registro con la celebre Sinfonia n.2 in re maggiore op.73 di Johannes Brahms. L'anticipazione orchestrale bartókiana dei folcloristici Canti contadini ungheresi (1914-18) ha rivelato i primi lavori di Bartók (1881-1945) composti in età giovanile con un linguaggio comprensibile, immediato, ma già tipico delle modalità di scrittura bartókiane. Sono una serie di canti molto ritmati, orchestrati nel 1933 e presi dalla tradizione popolare ungherese. Ottima la resa espressiva di Santonja e degli orchestrali. Un Bartók più evoluto ed emancipato è invece quello del secondo brano. Il Concerto Sz. 115 prevede due pianoforti e l'uso di una serie di percussioni, ieri sera nelle mani di Viviana Mologni e di Simone Beneventi. Il corposo concerto ha anche timbriche percussive nei pianoforti. Il brano, particolarmente caratterizzante della modernità del grande compositore ungherese, è stato composto tra il 1938 e il 1940, quindi è un lavoro decisamente maturo. L'interpretazione, non facile, è stata affrontata con determinazione dai quattro protagonisti. I fratelli, nella suddivisione della parte pianistica, hanno interagito con le percussioni creando un'atmosfera scura e suggestivamente barbarica nei tre densi movimenti che formano il brano: Assai lento, Lento ma non troppo e Allegro non troppo. Ottima la resa complessiva e applausi fragorosi al termine per tutti i protagonisti. Bis per due pianoforti di grande levatura estetica quello concesso dai Jussen con il brano "La Coquette", dalla Suite n.2 "Silhouettes" del russo Anton Arenskij (1861-1906) . Dopo l'intervallo la calebre Sinfonia n.2 op.73 di Brahms (1877) ha trovato un'ottima resa nella direzione di Santonja con un andatura riflessiva nell'Allegro non troppo iniziale e un'andatura piuttosto spedita e contrastata nel quarto movimento, Allegro con spirito. Chiare le timbriche delle sezioni orchestrali anche nell'Adagio e nell'Allegretto giocoso. Applausi sostenuti dal numeroso pubblico intervenuto in Auditorium. Domani, domenica, alle ore 16.00 la replica. Da non perdere!

2 marzo 2024 Cesare Guzzardella

FEBBRAIO 2024

Ai Pomeriggi Musicali del Dal Verme due brani tra i più popolari diretti da George Pehlivanian

Il Concerto n.1 per pianoforte e orchestra op.23 di Čaikovskij e la Sinfonia op.95 "Dal Nuovo Mondo" di Dvořák godono di una popolarità universale per la orecchiabilità dei principali temi conduttori. Il Concerto in Si bem.maggiore del grande russo rappresenta anche un campo di battaglia di virtuosismo per i migliori pianisti, unitamente alla non facile capacità di dare espressività alla melodicità sempre presente, come nel pregnante Andantino semplice centrale. Al pianoforte questa mattina c'era un giovanissimo virtuoso, per la prima volta in Italia: Roman Borisov. Ad ascoltarlo all'anteprima, un pubblico con anche centinaia di studenti provenienti dalle scuole milanesi. Borisov, siberiano nato nel 2002, ha vinto prestigiosi concorsi internazionali e ha già frequentato le più importanti sale da concerto europee. Coadiuvato ottimamente dalla direzione del franco- americano George Pehlivanian, direttore spesso presente ai Pomeriggi Musicali , ha sostenuto con disinvoltura discorsiva sia le parti più melodiche del concerto, sia i momenti più virtuosistici espressi con decisione unitamente ad una leggerezza assai producente. Ottima la lunga cadenza dell'Allegro non troppo iniziale, elargita con passione e rigore tecnico. Applausi calorosi. Dopo il breve intervallo, decisa e piena d'energia la Sinfonia in Mi minore "Dal Nuovo Mondo" del musicista ceco. Di pregio la sinergia tra Pehlivanian e gli orchestrali e validi i numerosi interventi solistici del celebre, ma non unico, capolavoro di Antonin Dvořák. Applausi calorosissimi. Questa sera alle ore 20.00 la prima ufficiale e sabato alle 17.00 la replica. Da non perdere!

29 febbraio 2024 Cesare Guzzardella

L'Orchestra UNIMI diretta Hankyeol Yoon

L'Orchestra dell'Università agli Studi di Milano da molti anni ha una valida programmazione e trova anche ottime direzioni e validi solisti, oltre a mettere in risalto anche brani del nostro tempo, alcuni commissionati a giovani compositori dall'orchestra stessa. Ieri nell'Aula Magna dell'Università Statale, colma di spettatori, un ottimo direttore emergente come il sud-coreano Hankyeol Yoon, vincitore nel 2023 del Premio Herbert von Karajan per giovani direttori d'orchestra, è riuscito ha produrre ottime esecuzioni dai giovani orchestrali. Tre i brani in programma. Il primo era una commissione dell'Orchestra UNIMI a Leonardo Damiani, recente vincitore del Premio di composizione del Conservatorio milanese. Il suo Un azzurro intenso, senza pietà, lavoro del 2023, prevedeva uno raro strumento solista quale l'eufonio, un ottone con sonorità particolarmente penetranti suonato dalla bravissima Marina Boselli, anche lei vincitrice del Premio del Conservatorio di Milano nel 2022 come migliore strumentista dell'anno. Il concerto serale era stato preceduto da un incontro presieduto da Francesco Antonioni - compositore e organizzatore- con i tre protagonisti citati che hanno chiarito molti aspetti della loro attività e del concerto serale. Il brano di Damiani, compositore nato a Perugia nel 1991, attraverso sonorità penetranti dell'orchestra, ha messo in risalto le timbriche particolari dell'eufonio, in un dialogo denso di effetti sonori ben costruiti e d'intensa suggestione. Molto brava la Boselli ad esprimere le non facili sonorità del suo ingombrante strumento. Yoon, direttore e anche compositore, ha condotto molto bene l'esecuzione entrando nei non semplici dettagli coloristici. Lavoro molto applaudito e compositore in palcoscenico con i protagonisti. La serata è continuata con l'esecuzione di due noti brani: prima l'Ouverture, il Notturno e lo Scherzo dalla Suite Sogno da una notte di mezza estate (1846) di F.Mendelssohn; poi la Sinfonia n.38 in re maggiore "Praga" (1786) di W.A. Mozart. Soprattutto in quest'ultimo capolavoro del salisburghese il direttore Hankyeol Yoon ha esaltato i potenziali degli orchestrali per un interpretazione di ottima qualità. Applausi calorosi a tutti i protagonisti e ripetizione del bellissimo ultimo movimento Finale. Presto.

28 febbraio 2024 Cesare Guzzardella

Il pianista Roberto Cappello alle Serate Musicali del Conservatorio milanese

Torna puntualmente il pianista pugliese Roberto Cappello ai concerti organizzati da "Serate Musicali". Ieri un impaginato denominato "Il canto dell'anima" ha raggiunto certamente i cuori dei presenti in Sala Verdi. La scelta di pagine arcinote era suddivisa in due importanti momenti musicali: prima opere di L.V. Beethoven e poi quelle di F. Chopin. Due mondi sonori parzialmente in contrasto, che hanno in comune una profondità di scrittura compositiva che arriva rapidamente nel mondo delle emozioni di ogni appassionato di musica. Cappello ha iniziato il concerto con la Sonata n.14 in do diesis minore "Al chiaro di luna" per proseguire con la Sonata n.23 in fa minore "Appassionata". Tra le più eseguite del genio tedesco, entrambe presentano situazioni dove la struttura musicale più semplice deve essere riempita dalla forza di penetrazione dell'interprete, con una carica di espressività che solo eccellenti pianisti possono far emergere. Altri movimenti sono più virtuosistici. Mi riferisco soprattutto al celebre Adagio sostenuto, movimento iniziale della Sonata op.27 n.2 "Al chiaro di luna". Cappello, con un'andatura particolarmente riflessiva ha dato spessore straordinario alle centellinate note del tema iniziale, creando forti emozioni nel perfetto equilibrio delle componenti melodico-armoniche. Entrambe le sonate beethoveniane hanno rivelato lo spessore interpretativo di un pianista che cerca il più possibile la creazione di forti contrasti, sempre mantenendo una bellezza significativa delle timbriche. Sia il Presto agitato finale del "Chiaro di luna", che l'Allegro ma non troppo, finale dell'Appassionata, hanno poi evidenziato il forte segno timbrico dell'interprete in una tessitura robusta, un segno certamente vicino al tormentato carattere beethoveniano. Esecuzioni prestigiose. Senza intervallo, Cappello è passato al linguaggio chopiniano, un mondo diverso quello dei celebri Valzer, tra i quali il pianista ne ha selezionati otto, i più celebri. Partendo da quelli brillanti, il primo era proprio il Grande Valzer brillante in mi bem.maggiore op.18. L'alternanza tra i valzer in maggiore e in minore, con andature a volte rapide alternate ad altre molto riflessive, ci hanno rivelato il mondo chopiniano di Cappello. Dopo l'op.18 ha eseguito l'op. 34 n.1 e n.2, l'op.42, l'op.64 n.2, l'op.69 n.1, l'op. 70 n.1 e il Valzer in mi minore KK IV n.15. Interpretazioni coerenti, articolate, che scavano in profondità nelle timbriche. I valzer in minore hanno trovato andature particolarmente riflessive riempite di carattere e in contrasto con momenti di discorsività virtuosistica espressa brillantemente e con grande chiarezza negli ampi registri del pianoforte. Il virtuoso ha poi concluso l'impaginato chopiniano con un'eccellente Polacca op. 53 "Eroica", dimostrando una tenuta complessiva esemplare, vista la lunghezza del programma. Ha concesso anche due bis: prima uno Studio di Chopin, il n.12 in do minore op.25 e poi un Beethoven meditato con il movimento centrale, Adagio cantabile, della Sonata "Patetica" . Ottimi entrambi. Applausi fragorosi dal pubblico presente in Sala Verdi per una serata straordinaria.

27 febbraio 2024 Cesare Guzzardella

Il violinista Luca Kaufman per Musica Maestri! in Conservatorio

Il giovanissimo violinista Luca Kaufman ha vinto nel 2023 il primo Premio come migliore strumentista del Consevatorio milanese. Lo conosciamo bene avendolo già ascoltato nella nota formazione cameristica del Trio Kaufman, insieme alla gemella Chiara, violoncellista, e alla sorella maggiore Valentina, pianista. Ieri per la rassegna "Musica Maestri!", nel tardo pomeriggio si è presentato in Sala Puccini insieme alla valida pianista Eunmi Park per un impaginato classico con brani di cinque compositori: Beethoven (1770-1827), Brahms (1833-1897), Grieg (1843-1907), Kreisler (1875-1962) e Wieniawski (1835-1880). L'ottima intesa tra i due giovane è apparsa da subito nella Sonata per violino e pianoforte n. 8 in sol maggiore op. 30 n. 3 del primo grande compositore tedesco. Una discorsività resa con disinvoltura da entrambi gli interpreti. Il celebre Scherzo in do minore dalla Sonata F.A.E. di Johannes Brahms ha quindi restituito un virtuosismo più ricco specie nella componente violinistica di Kaufman e anche nella successiva e rara Sonata n. 2 in solo minore op. 13 di Edvard Grieg abbiamo trovato uno spessore interpretativo già maturo. Con il Recitativo e Scherzo op. 6 di Fritz Kreisler, brano per violino solo, le qualità virtuosistiche ed espressive del violino di Kaufman si sono ancor più rivelate. È un brano assai difficile, con difficoltà tecniche presenti in ogni registro e complessità superate con facilità dal virtuoso diciannovenne. L'ultimo brano in programna, lo Scherzo tarantelle op.16 di Henryk Wieniawski, era ancora all'insegna delle più ardite difficoltà in un contesto con andatura molto rapida che necessita di grande fluidità anche nella parte pianistica. Ottima la resa del duo tra gli applausi sostenuti e ripetuti dal pubblico presente nell'affollata Sala Puccini del Conservatorio milanese. Bis all'insegna del folclore con una Polka di Sasha Rozhdestvenski che ha strappato ancora fragorosi applausi. Bravissimi.

26 febbraio 2024 Cesare Guzzardella

Successo all'ultima recita di Simon Boccanegra alla Scala

Ieri l'ultima replica del verdiano Simon Boccanegra al Teatro alla Scala ha trovato uno straordinario successo di pubblico. È stato scritto molto su questa messinscena di Daniele Abbado con giudizi per lo più concordanti sui vari aspetti che non hanno soddisfatto pienamente la critica. La debolezza complessiva della regia, specie in alcuni frangenti, ha trovato in contrapposizione una resa ineccepibile nella direzione di Lorenzo Viotti. Il direttore svizzero- di origine italo-francese- ha proposto un eccellente equilibrio nel dosaggio tra la componente orchestrale, le voci soliste e l'ottimo Coro preparato da Alberto Malazzi. Nei momenti dove le sonorità orchestrali raggiungono vette "sinfoniche", e in questa opera in un Prologo e tre atti, sono molti - come nella toccante orchestrazione dell'ultimo atto- Viotti ha rivelato ancor più le sue alte qualità direttoriali. Le aveva dimostrate alcuni giorni prima nel bellissimo concerto sinfonico replicato due volte. Voce centrale per ruolo, certamente la più rilevante timbricamente, è stata quella di Luca Salsi, un Simon Boccanegra che da solo ha alzato il livello scenico. Di qualità e spesso pregnante per bellezza timbrica, Irina Lungu, un' Amelia (Maria) inizialmente non molto voluminosa ma poi in netto miglioramento. La Lungu ha sostituito nelle ultime due recite Anita Hartig assente per motivi di salute. Matteo Lippi, Gabriele Adorno, ha fatto bene la sua parte esprimendo un sicuro timbro tondo tenorile. Sottotono Ain Anger, Jacopo Fiesco, un basso dalla voluminosità non sempre adeguata. Bene Roberto De Candia, Paolo Albiani, Andrea Pellegrini, Pietro e gli altri. Da questa sera e per sei rappresentazioni, il teatro scaligero propone di W.A.Mozart "Die Entführung Aus Dem Serail", singspiel in tre atti in tedesco. La regia è quella storica di Goorgio Strehler, con scene e costumi di Luciano Damiani. Alla direzione il giovane Thomas Guggeis. Da non perdere!

25 febbraio 2024 Cesare Guzzardella

IL FLAUTO DI ALBERTO NAVARRA PROTAGONISTA AL VIOTTIFESTIVAL DI VERCELLI

Ieri sera, sabato 24 febbraio, il Teatro Civico di Vercelli ha ospitato, nell'ambito del XXVI ViottiFestival, un recital del giovane, ma ormai affermato flautista Alberto Navarra. Piemontese di Mondovì, ove è nato nel 1997, è stato lanciato nell'orbita dello 'star system' della 'classica' dal primo premio al concorso flautistico internazionale Carl Nielsen 2022, uno dei più importanti concorsi per questo strumento, che gli ha spalancato le porte della più grande orchestra al mondo, i Berliner Philarmoniker. Sul palcoscenico del Civico era presente anche il Camerata Ducale Ensemble, un quartetto d'archi formato da Paolo Chiesa e Giacomo Lucato (violini), Lorenzo Lombardo (viola) e Giorgio Lucchini (violoncello). Il compito di dare inizio al concerto è stato affidato, com'era giusto nel bicentenario viottiano, al quartetto per flauto, violino, viola e violoncello in Do min. WII: 17 di G. B. Viotti, composto dal musicista vercellese a Londra intorno al 1806 per l'amico violinista e flautista Philip Cipriani Potter. Il 'periodo londinese' segna la piena maturità del compositore e violinista di Fontanetto Po. E' un'opera, aggiungiamo noi, appartenente a quel mondo musicale avvolto ancora nella penombra di un quasi totale oblio, che è la musica cameristica di Viotti, e perciò tanto più interessante. Questo quartetto si distingue per il pieno dominio della forma, che è quella, per quanto finora ci è dato conoscere, tipica dei quartetti di Viotti e che definiremmo 'brillante-dialogata', un garbato, elegante, raffinato e continuo dialogo tra gli strumenti, in cui peraltro a dominare sono il flauto e il violino che guidano il vario succedersi delle linee tematiche. È, inoltre, un quartetto scritto chiaramente da un violinista, ove il flauto è, in molti momenti significativi della composizione, in tutto e per tutto un primo violino (e infatti di questo quartetto esiste anche una versione per soli archi). Il tempo più riccamente elaborato è il primo, in cui l'ascoltatore è subito attratto dall'agogica di crescente intensità, ove è da ammirare il sottile gioco della timbrica che l'intrecciarsi di flauto e violino avvolge in un raffinato velo sonoro. Un gioiello di eleganza, ove senti ancora affiorare l'ultima eco dello stile galante. Nel Menuetto (sic) centrale, forse il tempo più riuscito del quartetto, erompono tutta la fresca vitalità e la grazia, che è uno dei tratti inconfondibili della musica di Viotti che lo lega ancora ad un clima musicale settecentesco. L'Allegro agitato e con fuoco finale risente di una temperie preromantica, ma non si sottrae a quel vigile controllo formale che è un altro dei caratteri inconfondibile della musica di Viotti, alieno, almeno in questo quartetto, da quell'inquietudine cupa che è tipica del do minore mozartiano e successivamente esasperata da Beethoven e dai Romantici. Ottima l'esecuzione a cominciare dal flauto di Navarra, distintosi per il suono pulito e cristallino, sostenuto da un'emissione del fiato sempre aperta ed elastica nel restituire le varie dinamiche del pezzo, e di grande fluidità nei cambi di registro: il risultato è quello di un suono capace di potenziare al massimo la grazia tipica del flauto, che brilla ed incanta nelle note alte del registro acuto. Ma un plauso convinto spetta anche agli archi, che hanno dialogato con perfetta intesa col flauto, sempre precisi e sicuri nelle entrate, ottimi nella gestione dei timbri e delle dinamiche. Tipico esempio di quartetto 'concertante' è invece il successivo quartetto in Re magg. KV 285 di Mozart, composto un trentennio prima del quartetto di Viotti. Qui ai momenti 'dialogici' si alternano momenti in cui il flauto acquista decisamente il ruolo di strumento solista, specie nell'Adagio centrale, che è praticamente un assolo del flauto, con il delicato accompagnamento in pizzicato degli archi. Con il quartetto KV 285 la magia creatrice di Mozart ci regala un gioiello musicale anche per uno strumento che il compositore dichiarava di "non sopportare" (ed è, per l'autore del "Flauto magico" dichiarazione un po' paradossale). È chiaro però che le parole del genio salisburghese vanno riferite al flauto del suo tempo, ben lontano per qualità di suono, intonazione e volume dal flauto moderno. In questo pezzo Navarra mostra tutte le sue doti di virtuoso e la perfetta padronanza tecnica dello strumento nel primo movimento in Allegro, soprattutto nella ripresa, con trilli, balzi bruschi di ottave e di registri, il tutto eseguito con quella splendida fluidità e purezza di suono che contraddistinguono lo stile del flautista monregalese. L'Adagio poi, si diceva, è un assolo in cui il flauto è sfidato da Mozart ad esprimere tutte le sue potenzialità espressive, con una melodia cui la dolcezza di suono di Navarra dona un'intensità e una carica sentimentale, capaci di suscitare profonda emozione nell'ascoltatore. Ma, ancora una volta, va citata l'ottima prestazione degli archi, in particolare nell'Allegro iniziale, ove, nella sezione sviluppo, presenta un ricco avvicendarsi di chiaroscuri, con il ricorso frequente al tono minore, eseguiti al meglio dal flauto e dagli archi, anche con una calibratura finissima delle dinamiche. All'insegna della più pura grazia mozartiana il Rondò finale, in cui tutti gli strumenti, intrecciando variamente le entrate, concorrono, con eleganza e finezza di suono, a confezionare un pezzo di delizioso abbandono alla gioia del fare (e ascoltare) musica. Con un brusco salto ai nostri giorni, il programma del concerto prevedeva un pezzo per flauto violoncello e gong, la Petite suite, composto da Joerg Widmann (che è un grande clarinettista) nel 2016, come 'tombeau' alla flautista svizzera Aurèle Nicolet, allora da poco scomparsa, suddiviso in tre tempi, Allemande, Lamento, Sarabande: l'intervento del violoncello e del gong è limitato alla Sarabanda finale, mentre i primi due tempi sono per flauto solo. Splendida l'interpretazione di Navarra, sia sotto il profilo tecnico che espressivo. Sotto il profilo squisitamente tecnico il giovane flautista piemontese dà prova di tutta la sua bravura nel rendere al meglio i passaggi più inquieti e nervosi dell'Allemande, con frequenti cambi di registro, con un'emissione di purezza ed energia straordinarie delle note sovracute, con scale di vertiginosa rapidità. Una tensione che si riproduce nel Lamento centrale, ove alle agilità già presenti nell'Allemande si aggiungono trilli e frullati, suonati con una trasparenza e una limpidezza davvero ammirevoli. Sul piano espressivo Navarra ha saputo dare pienamente voce a quel tono di intenso dolore, di meditazione sul tragico destino dell'uomo che ovviamente è presente in tutto il pezzo, ma che si fa particolarmente intenso nella finale Sarabande, in cui il registro acuto è un grido di dolore, e straziante è il progressivo spegnersi del suono che conduce alla conclusione del brano. La linea espressiva del flauto già intensa di suo, traeva ulteriore potenza suggestiva dal suono grave, di un brunito cupo e senza speranza del violoncello, con lo schianto del gong che precede la chiusura in pianissimo del flauto Una composizione bellissima, nella sua essenzialità e concentrazione, suonata benissimo. Chiudeva il programma della serata una delle più belle pagine della letteratura per Quartetto d'archi, il n.12 op. 96, "Americano" di A. Dvoràk, presentata nella versione per flauto e archi. Anche in questo caso Navarra e gli elementi del Camerata Ducale Ensemble han dato un'ottima interpretazione, a cominciare già dall'iniziale Allegro ma non troppo, con la trepidante, leggera malinconia che vena il suono vellutato della viola nell'enunciazione del tema principale, un tema lirico pentatonico, che risente dell'influenza della musica religiosa degli Spirituals (ricordiamo che il quartetto fu composto durante il soggiorno americano del grande compositore boemo, da cui il titolo). Diremmo che in questo capolavoro di Dvoràk l'intensità espressiva del flauto di Navarra tocca il suo vertice, in particolare nei primi due movimenti, i più lirici dei quattro in cui è diviso il pezzo. In particolare la valorizzazione dei vari registri dinamici, la cui gestione è essenziale in questo pezzo, è stata accuratissima, con un gioco chiaroscurale che si faceva emozione pura nei momenti in cui il suono del flauto, nel registro basso, si faceva misterioso mormorio, carico di suggestione, nell'intreccio coi timbri degli archi, tra i quali si distingueva in particolare, per un suono di altissima qualità, nella sua avvolgente e delicata morbidezza, il violoncello di Giorgio Lucchini. Ma è naturalmente l'intera compagine a ottenere un ottimo risultato nel suono d'insieme, calibrato con grande efficacia nei frequenti passaggi dei vari strumenti in tremolo, o nei ribattuti sincopati e nei ritmi puntati, che evocano come un sommesso singhiozzo che sembra attraversare l'intero primo tempo. Bravissimi sono stati Navarra e i i giovani talenti dell'Ensemble nel valorizzare tutte le potenzialità espressive e timbriche del tema del Lento, anch'esso improntato al tono di nostalgica cantilena dello Spiritual, e dove ogni strumento fa sentire la sua voce, nel vario e sempre timbricamente diverso intreccio delle linee strumentali. Il luminoso tema principale del Molto vivace e l'alternarsi nel Finale in forma di Rondò, di un trascinante ritmo di danza, e di due couplet di dolce e malinconico lirismo, trovano nell'interpretazione, nella qualità del suono e del fraseggiare del flauto e degli archi un tono espressivo di grande qualità, sia nei momenti più brillanti, sia in quelli di più intimistico ripiegamento sentimentale. Abbiamo insomma ascoltato un'esecuzione di un pezzo bello e celebre, ispirata da collaudata consapevolezza tecnica unita a matura capacità di scavo espressivo nella partitura e possiamo dire che la versione per flauto non fa per nulla rimpiangere l'originale per quartetto di soli archi. Vorremmo aggiungere una nostra considerazione: la sagace e straordinaria 'politica' perseguita da anni dalla Camerata Ducale nella valorizzazione e formazione di giovani strumentisti sta producendo i frutti meritati, potendo ormai contare su un gruppo di talenti di notevole qualità professionale e animati da quell'entusiasmo e da quella gioia del suonare insieme che nei giovani dà la spinta a offrire il meglio di se stessi. Bellissimo concerto, salutato dagli applausi di un pubblico come sempre numeroso e con presenza giovanile, crediamo, sopra la media italiana: a VercellI sembra talvolta di trovarsi in qualche sala da concerto austriaca o tedesca. Col bis, Summertime di Gershwin, sempre in una versione per flauto e archi, si è conclusa un'altra memorabile serata al Teatro Civico di Vercelli. (Foto in alto Uff. Stampa Vercelli)

25 febbraio 2024 Bruno Busca

Andrey Boreyko dirige l'Orchestra Sinfonica di Milano

L'Orchestra Sinfonica di Milano è stata diretta da Andrey Boreyko, direttore principale della compagine milanese dalla primavera del 2022. In programna c'erano: prima una rarità del compositore praghese Miloslav Kabeláč (1908-1979) con il suo Mystery of Time. Passacaglia per orchestra op31, poi il noto Concerto per pianoforte e orchestra n.2 in si bem.Maggiore op.83 di Johannes Brahms. Al pianoforte per il concerto dell'amburghese l'ucraino Vadym Kholodenko, vincitore del prestigioso "Concorso Internazionale Van Cliburn nel 2013". Un impaginato particolarmente impegnativo, con il primo brano composto da Kabeláč nel 1957 che prevedeva un'ampia passacaglia che lentamente, partendo da timbriche discrete, si sviluppava in crescendo, sino ad ampliare le volumetrie in modo tumultuoso anche attraverso le numerose percussioni presenti in orchestra. Una valida composizione, ottimamente interpretata dalla Sinfonica di Milano. Prima del concerto brahmsiano, Andrey Boreyko ha voluto salutare il pubblico annunciando la fine del suo mandato con l'orchestra e omaggiando i presenti con un pregnante brano wagneriano, l'Elegia nella trascrizione di Franco Mannino. Un'interpretazione pregnante di nitore coloristico. Dopo il breve intervallo è salito sul palcoscenico il pianista Kholodenko per il celebre concerto, un lavoro molto "sinfonico" dove la parte pianistica era resa con efficace espressività nella modalità elegante e raffinata del suo particolare ed essenziale tocco. L'ampio concerto, in quattro movimenti, cosa rara per un concerto pianistico, ha trovato una direzione accurata e ben evidenziata in ogni sezione orchestrale e Boreyko ha individuato benissimo l'equilibrio dei movimenti, quello dei piani sonori e una rispettosa integrazione pianistica nel contesto orchestrale sino alle delicate timbriche dell'Allegretto grazioso finale. Applausi fragorosi dal numerosissimo pubblico presente in Auditorium. Due i riflessivi bis concessi dal pianista, tra i quali il primo era una delicata Bagatella n.1 op.1 "Allegretto" del compositore ucraino Valentin Silvestrov (1937)

24 febbraio 2024 Cesare Guzzardella

Lorenzo Viotti dirige la Filarmonica della Scala

Tra una replica e l'altra del verdiano Simon Boccanegra, il direttore svizzero Lorenzo Viotti - figlio di italo/francesi- ha diretto un concerto sinfonico particolarmente interessante con brani di Rimskij-Korsakov, Ravel e Rachmaninov, tre compositori che hanno in comune le loro eccellenti qualità di orchestratori e di direttori d'orchestra. Il Capriccio spagnolo op.34 del primo russo ha introdotto la serata rivelando subito la valida cifra interpretativa del giovane direttore alle prese con un brano composto nel 1887 che vuole rendere omaggio al mondo musicale spagnolo. Il celebre Concerto in Sol (1929-31) del francese Maurice Ravel ha visto poi al pianoforte solista un altro francese, il quarantaduenne David Fray, interprete molto apprezzato internazionalmente. Elegante ed equilibrata la resa di un concerto che risente parecchio dell'influenza jazzistica e di Gershwin e che ha nel bellissimo movimento centrale, Adagio assai, un momento di grande riflessione resa ottimamente dalle note centellinate e ben pesate da Fray, esguite con eleganza in un contesto orchestrale ideale. Il solista, rimanendo in tema di note semplici, ha concesso poi come bis la celebre Aria iniziale delle Variazioni Goldberg di J.S.Bach. Ottima interpretazione e applausi fragorosi dal numerosissimo pubblico presente. Dopo il breve intervallo, l'impatto massiccio iniziale delle bellissime prime battute delle Danze sinfoniche op.45 (1940) di Sergej Rachmaninov ha dato ancora un tocco di virtuosismo e di eleganza alla serata. La bellissima orchestrazione di questo lavoro, che spesso viene eseguito nella versione per due pianoforti, ha messo in risalto le ottime qualità della Filarmonica della Scala, orchestra applauditissima al termine della splendida serata. Questa sera alle ore 20.00 l'ultima replica e sabato Viotti torna alla guida dell'orchestra scaligera per l'ultima replica di Simon Boccanegra. Da non perdere entrambi.

23 febbraio 2024 Cesare Guzzardella

Stefano Montanari dirige I Pomeriggi Musicali in Haydn, Mozart e Mendelssohn

Un impaginato estremamente classico quello ascoltato in anteprima al Dal Verme con I Pomeriggi Musicali diretti da Stefano Montanari. Queste mattinate musicali che anticipano il concerto serale delle ore 20.00 e la replica di sabato alle ore 17.00, stanno diventando veramente importanti, visto la numerosissima quantità di spettatori abituali ai quali spesso si aggiungono centinaia di studenti occasionali provenienti dalle scuole secondarie milanesi. Montanari presenta i brani rivolgendosi direttamente agli studenti, facendo a loro domando, inquadrandoli all'attento ascolto e sperando che questa venuta, con i loro insegnanti, possa stimolarli per una futura passione al mondo musicale classico. L'impaginato prevedeva una rarità di F.J.Haydn (1732-1809) con l'Ouverture da L'isola disabitata, il Concerto per flauto e arpa in do maggiore K 299 di W.A.Mozart (1756-1791) e infine la celebre Sinfonia n.4 in la maggiore op.90 "Italiana" di F. Mendelssohn ( 1809-1847). Il gesto energico ed efficace di Montanari, ottimamente recepito dagli orchestrali de "I Pomeriggi" ha prodotto una valida esecuzione dell'Ouverture haydniana, un brano di grande potenza espressiva che andrebbe inserito spesso nei programmi sinfonici. Protagonisti del successivo raffinato concerto mozartiano erano il flautista Andrea Manco e l'arpista Claudia Lucia Lamanna. Coadiuvati benissimo dagli orchestrali, il duo solistico è emerso per qualità espressiva dominata da nitore timbrico nell'elargire la gentile componente melodica del brano. Ottima la miscela delle sonorità del flauto, con i tenui e precisi colori dell'arpa. Perfetto l'equilibrio complessivo del brano giovanile mozartiano. Applausi fragorosi meritatissimi. La Sinfonia "Italiana", penultima delle cinque sinfonie del Maestro tedesco, è probabilmente la più popolare per via di quel sorprendente attacco iniziale che si ripercuote in tutto il lavoro. Ottima la decisa direzione di Montanari con un risultato a mio avviso migliore nei movimenti più energici laterali, l'Allegro vivace iniziale e il Saltarello.Presto finale. Un concerto decisamente di qualità. Da non perdere la serata ufficiale di questa sera e la replica di sabato.

22 febbraio 2024 Cesare Guzzardella

Meritato successo per Fazil Say in Conservatorio per la "Societa dei Concerti"

È una consuetudine sempre gradita il concerto che il pianista turco Fazil Say tiene da moltissimi anni in Conservatorio per la "Società dei Concerti". Era venuto l'ultima volta nel maggio del 2023 ottenendo, come sempre, un meritato successo. Ieri è stata una serata particolare, con una Sala Verdi al completo e con centinaia di giovani ventenni, molti della comunità turca, venuti - non solo da Milano- per ascoltare un interprete speciale, che ha fatto della creatività personale la cifra estetica più riconoscibile. Una parte dell'impaginato, quello "classico", prevedeva brani di Bach-Busoni , Beethoven e Janàček. La seconda parte "à la carte", ha visto solo composizioni di Say tutte riconoscobili, brani che oramai hanno fatto storia. Come detto in altre occasioni, Say particolarmente conosciuto nella sua terra d'origine, ha acquisito notorietà in Italia e in Europa grazie anche ad alcune pecurialità stilistiche e gestuali e anche per essere un musicista 'trasversale", aperto al jazz, alla musica folcloristica, al mondo colto, con modalità interpretative ricche di innovazioni timbriche, presenti soprattutto nelle sue composizioni. Composte con un linguaggio accessibile, i suoi lavori trovano influenze legate alla sua terra, al mondo europeo con riferimenti, nel melodiare, alla canzone francese. Un pianista-compositore che utilizza il pianoforte a 360 gradi, con effetti percussivi sulla cassa di risonanza o smorzando e riverberando le note ottenute con la mano sinistra sulla cordiera. Il programma classico, nello stile "alla Say", prevedeva la Ciaccona dalla Partita n.2 per violino solo di J.S.Bach nella nota trascrizione pianistica di Ferruccio Busoni; quindi la Sonata n.17 in re minore op.31 n.2 "la Tempesta" di L.v. Beethoven e a conclusione la pregnante Sonata "I - X- 1905" in mi bem.maggiore di Leos Janàček. Ottime le interpretazioni, alcune delle quali, quelle di Bach-Busoni e di Beethoven, che avevamo già ascoltato in concerti passati Di pregnante valenza timbrica la sonata di Janàček definita da marcati contrasti nelle tre parti che la compongono: Presentimento, Morte, e Adagio, riuniti in un unico movimento. Anche in questo brano la componente gestuale di Say, atta a sottolineare l'evento musicale, era un tutt'uno con l' espressive sonorità. Senza un momento di pausa, Say è passato poi ad una serie di suoi lavori, tutti oramai celebri tra cui il primo, quello più conosciuto, divenuto un classico: Black Earth. L'estemporaneità dell'esecuzione del celebre brano porta Say a fare sempre "modifiche in corso" . Particolarmente toccante quella di ieri, con effetti di riverbero e timbriche "orchestrali" d' intensa pregnanza coloristica. Senza soluzione di continuità ha eseguito altri brani tra cui il melodico SES e le sue Paganini Variazioni, con molte varianti jazz. Applausi fragorosi dal pubblico più giovane tutto in piedi e come bis la popolarissima "Alla turca" di Mozart-Say in versione jazz.

22 febbraio 2024 Cesare Guzzardella

Sergei Babayan alle Serate Musicali per le "Variazioni Goldberg"

L'Aria con 30 Variazioni in sol maggiore BWV 988, ovvero le "Variazioni Goldberg", rappresentano uno dei monumenti architettonico-musicali di J.S.Bach. Composte nel 1741, in età matura, dal genio tedesco, rappresentano un punto d'arrivo per ogni grande virtuoso. L'armeno Sergei Babayan (classe 1961) ha studiato al Conservatorio di Mosca, avendo tra i maestri anche Mikhail Pletnev, ed è un rinomato didatta avendo avuto tra i suoi allievi il grande Daniil Trifonov. È la seconda volta che viene in Conservatorio ai concerti organizzati da Serate Musicali. Nel maggio del 2022 l'impaginato era variegato con brani di Bach-Busoni, Liszt e Schumann resi con un linguaggio personale e notevole espressività. Ieri sera il celebre brano di Bach, vista la corposità di un lavoro- che nell'interpretazione dell'armeno residente negli Stati Uniti-, è durato esattamente 62 minuti, era l'unico in programma. Ho ascoltato le Goldberg da numerosi ottimi interpreti, un paio eccellenti, e per la prima volta da Babayan. Sono rimasto decisamenre soddisfatto della sua restituzione, giocata sulla varietà di ricerca di adeguati andamenti, di timbriche mai eccessive, d'intrecci delle voci di luminosa resa estetica. Partendo con un'andatura particolarmente riflessiva della celebre Aria iniziale -32 battute di una semplice melodia che poi ritornerà pressochè identica al termine della trentesima variazione- l'interprete ha rivelato un controllo totale di ogni elemento costituente la complessa architettura. L'interiorizzazione mnemonica di ogni dettaglio costruttivo ha permesso la più completa penetrazione di un lavoro ricco di contrasti, che comunque danno modo all'interprete di esprimere la propria creatività. Babayan ha aggiunto qualche abbellimento perfettamente adeguato e tolto alcuni ritornelli nella sua precisa visione del capolavoro. La leggerezza timbrica, priva di eccessi, ma di sicura resa nelle molteplici dinamiche, e la riconoscibilità delle voci nei differenti piani sonori sono indicativi di un'nterpretazione d'eccellenza. Molto interessante poi la timbrica "organistica" del finale, nella ventinovesima e nella trentesima variazione, che ha esaltato la musica del sommo Bach, proiettandolo verso un'alta vetta quasi irraggiungibile, ma da lui raggiunta con naturalezza. Probabilmente la migliore delle Goldberg ascoltate. Applausi fragorosi in una Sala Verdi con un pubblico decisamente entusiasta.

20 febbraio 2024 Cesare Guzzardella

Il pianista Pier Francesco Forlenza allo Spazio Teatro 89

"Cosi vicini, cosi lontani - quando i musicisti sono amici, ma non troppo": questo il titolo scelto da Luca Schieppati per il concerto tenuto dal pianista materese Pier Francesco Forlenza, dove la scelta dell'impaginato prevedeva brani di due coppie di musicisti, ossia Brahms - Herzogenberg e Debussy - Satie, amici, ma non sempre, con momenti anche di forti contrasti nei loro rapporti non solo musicali. Forlenza, nato nel 1970, interprete ma anche compositore, a soli 22 anni già docente di ruolo al Conservatorio, ha voluto introdurre il pomeriggio musicale con tre rarità pianistiche di Heinrich von Herzogenger (1843- 1900), musicista tedesco contemporaneo di Brahms (1833- 1897). Di lui ha eseguito Commodo op. 68 n. 2, Impromptu op. 37 n. 1 e Menuet op. 37 n. 5, brani molto interessanti e ben interpretati da Forlenza. A questi lavori sono seguite le celebri due Rapsodie op.79 del musicista amburghese, dedicate a Elisabeth von Herzogenberg nata Stockhausen, moglie del primo compositore. Elisabeth era una valida pianista e anche compositrice, allieva di Brahms; di famiglia aristocratica e colta, di notevole importanza all'epoca, aveva entrambi i genitori dedicatari di opere di Chopin. Forlenza, con timbriche sicure ed energiche, ha ottimamente eseguito i lavori brahmsiani. Con un netto cambio di registro si è passati ad un clima musicale differente, dove i brani di Satie e Debussy sono stati preceduti e intervallati da tre brevi composizioni di Forlenza: il primo, B Flat, è una riuscita ninna nanna con armonie legate al jazz, un po' alla Bill Evans, collegata a due notissimi brani di Erik Satie (1866-1925), Gymnopedie n.1 e Gnossienne n.1, due lavori tanto semplici quanto profondi, eseguiti da Forlenza con intensa espressività e andamento riflessivo. Gli altri due brani di Forlenza, Satie's faction e Valse lunatique, sono risultati entrambi molto validi e piacevoli, legati al mondo di Satie, con il secondo più sviluppato nel contrasto tra i due momenti differenti. Ottimi lavori! Numerosi i brani di Claude Debussy conclusivi: due Preludi dal libro secondo, Bruyères e Feux d'artifice, la prima serie di Image e per ultimo L'isle joyeuse. Tutti interpretati con grande perizia e sensibilità da Forlenza, a dimostrazione di un'indubbia affinità con il compositore francese. Applausi calorosi e meritatissimi, anche dopo il bis, una preziosa rarità: un breve brano delicato e scritto benissimo, un Intermezzo in la maggiore in stile brahmsiano, di Elisabeth Stockhausen von Herzogenberg trascritto dal pianista. Il 3 marzo, sempre alle ore 17.00, concerto del duo Sacco-Schieppati (violino e pianoforte) in un interessante programma denominato "Qualcosa di terribile - Tolstoj, la musica e altre invettive": in programma anche la beethoveniana Sonata op. 47 " a Kreutzer". Da non perdere.

19 febbraio 2024 Cesare Guzzardella

Il Kontraste Duo a Palazzo Marino per "Ritratti musicali"

Palazzo Marino, in occasione della mostra dedicata a Moroni in corso di svolgimento alle Gallerie d'Italia, ha organizzato alcuni Ritratti Musicali: tre incontri in musica di tarda mattinata che oggi e nel mese di marzo ( i prossimi incontri sono previsti per il 3 e il 17 marzo ) riempiranno di ottima musica la prestigiosa Sala Alessi. Questa mattina, un concerto interamente al femminile ha trovato successo in una sala stracolma di pubblico: il Kontraste Duo formato dalla clarinettista Silvia Puggioni e dalla pianista Gledis Gjuzi ha interpretato brani di ben sette compositrici e precisamente di Clémence de Grandval (1828-1907), Johanna Senfter (1879-1961), Francine Aubin (1938-2016), Ruth Gipps (1921-1999), Krystyna Moszumańska-Nazar (1924-2009), Lili Boulanger (1893-1918) e Marion Bauer(1882-1955). A parte Lili Boulanger, sorella di Nadia, entrambe conosciute e apprezzate musiciste, con la seconda celeberrima insegnante di composizione, meno conosciuti erano gli altri nomi. L'impaginato nella sua completezza era ottimo e le qualità di scrittura musicale delle autrici - soprattutto francesi, ma anche tedesche, inglesi, polacche e statunitensi -di alto livello. Il duo Puggioni-Gjuzi si è rivelato espressivamente pregnante nel trasmettere le articolate composizioni attraverso un'intesa discorsiva di ottimo livello. Le stesse interpreti hanno presentato in modo dettagliato i lavori eseguiti, inquadrando storicamente le compositrici in un panorama musicale che dalla fine dell'Ottocento si spinge quasi ai nostri giorni, con i raffinati brani ad esempio di Francine Aubin, di Ruth Gipps o della Moszumańska-Nazar. I Deux pièces en forme de jazz per clarinetto e pianoforte, della Aubin, -un Tempo di blues e un Andante- riassumono in modo mirabile ed elegante modalità classiche e ritmiche jazzistiche, espresse con abilità e disinvoltura dal duo. Di rilevante melodicità il Preludio per clarinetto op.51 della Gipps e di grande creativita le Tre Miniature per cl.e piano della polacca Mouszumańska-Nazar, brani brevi ma di grande varietà costruttiva, ottimamente individuata dalle interpreti. Due brevi brani della Boulanger, D'un vieux jardin e Cortege, tratti da Trois morceaux pour Piano, hanno trovato una luminosa e dettagliata interpretazione dalla Gjuzi, pianista proiettata nel repertorio novecentesco e contemporaneo. Efficaci anche i primi brani della Grandval, Invocation e Air Slave, l'ultimo della statunitense Marion Bauer - allieva di Nadia Boulanger- con la sua Sonata per clarinetto e pianoforte op.22 ( anche per viola) . Intensamente profondo Ruhig, movimento centrale della Sonata per cl.e pianoforte op.57 di Johanna Senfler. Un concerto applauditissimo che ha visto anche un' eccellente esecuzione di un bis di una nota compositrice quale la francese Germaine Tailleferre (1892-1983) e la sua splendida Arabesque. Applausi fragorosi alle protagoniste.

18 febbraio 2024 Cesare Guzzardella

L'Orchestra Sinfonica Giovanile di Milano diretta da Emmanuel Tjeknavorian

Dopo l'importante serata di giovedì sera con l'Orchestra Sinfonica di Milano, il direttore austriaco Emmanuel Tjeknavorian è tornato in Auditorium ieri nel tardo pomeriggio per dirigere l'Orchestra Sinfonica Giovanile di Milano, una compagine composta da giovanissimi strumentisti coadiuvati da alcune prime parti (come tutor) appartenenti all'orchestra principale. Un numerosissimo pubblico ha accolto la giovane l'orchestra e Tjeknavorian - da settembre 2024 direttore musicale in Auditorium- per due brani quali la celebre Moldava di Smetana e la Sinfonia n.8 di Antonin Dvorak. Esecuzioni di qualità per i giovanissimi che vogliono fare della musica la loro professione. Applausi meritatissimi a tutti i protagonisti. Oggi alle 16.00 la replica del concerto di giovedì. Da non perdere!

18 febbraio 2024 Cesare Guzzardella

Emmanuel Tjeknavorian dirige l' Orchestra Sinfonica di Milano in Wagner e R. Strauss

Una serata importante quella di ieri sera in Auditorium con l' Orchestra Sinfonica di Milano. Il nuovo direttore musicale della sinfonica milanese Emmanuel Tjeknavorian, direttore d'orchestra e violinista affermato internazionalmente, ha tenuto un concerto di decisa qualità proponendo brani di Richard Wagner e di Richard Strauss. Due musicisti tedeschi legati al romanticismo e al tardo romanticismo dove il primo, di cinquant'anni più giovane - era nato nel 1813 a Lipsia- è l'inventore di un nuovo modo di concepire la musica, legata ad un filo conduttore che torna in tutti i lavori, sia nelle numerose e amate opere liriche che nei pochi brani orchestrali da lui realizzati. Richard Strauss, nato nel 1864 a Monaco di Baviera, parte dalla concezione wagneriana e costruisce un sinfonismo virtuosistico portato alle più estreme ridondanze volumetriche, in costruzioni musicali dove anche molti strumenti solistici dell'orchestra primeggiano. Le sua grandezza di compositore, pari alle sue note capacità direttoriali, hanno permesso uno sviluppo coloristico molto progredito per le grandi orchestre che in quegli anni assumono dimensioni sempre maggiori. Il viennese Tjeknavorian, nato nel 1995, quindi non ancora trentenne, aveva iniziato la carriera musicale come grande virtuoso del violino a partire dal successo ottenuto al Concorso Sibelius nel 2015. Da alcuni anni l'interesse per la direzione orchestrale espressa dalle sue indubbie capacità, lo hanno portato in giro per il mondo alla guida di orchestre importanti. L'impaginato scelto per la serata ha visto prima di Wagner il raro Eine Faust-Ouvertüre, WWV 59 e poi il celebre Prelude & Liebestod da Tristan und Isolde; dopo l'intervallo di Strauss prima Der Rosenkavalier, Suite TrV 227 e poi Till Eulenspiegels lustige Streiche (I tiri burloni di Till Eulenspiegel) TrV 171. Le potenzialità dell'orchestra hanno trovato espressione nell'accurata direzione del viennese. Tutti e quattro i lavori hanno rivelato la chiarezza d'idee, dal punto di vista costruttivo, del giovane direttore, che con gesto elegante indirizza gli orchestrali in un territorio musicale a lui molto congeniale. Dopo la più estroversa Ouverture dal Faust, ottimamente eseguita, i colori intimistici del celebre Preludio da Tristan e Isolde sono stati delineati dall'orchestra con intensa profondità. Le caratteristiche quasi viennesi, con i relativi movimenti di valzer, presenti nella Suite dal Rosenkavalier hanno ancor più delineato l'affinità di Tjeknavorian con la musica dello Strauss tedesco. Anche nei Tiri burloni di Till Eulenspiegel, l'eccellenza degli impasti coloristici si sono rivelati in toto e complessivamente le interpretazioni straussiane sono apparse di ancor più alta qualità. Bravissimi i singoli strumentisti nei numerosissimi interventi solistici: tra questi citiamo almeno l'ottimo violino di Luca Santaniello. Un successo meritatissimo in un Auditorium stracolmo di pubblico. Ad assistere al concerto c'erano anche noti compositori e direttori d'orchestra come Riccardo Chailly, organizzatori di concerti e numerosi giornalisti. Splandida serata. Da non perdere la replica di domani, domenica 18 febbraio, alle ore 16.00

17 febbraio 2024 Cesare Guzzardella

Eleonora e Beatrice Dallagnese per "Musica con le ali" al Museo del Teatro alla Scala

"Musica con le ali" da alcuni anni promuove giovani talenti attraverso concerti ottimamente organizzati. Ieri, nel tardo pomeriggio, ho avuto l'opportunità di ascoltare il Duo Dallagnese nella elegante Sala Esedra del Museo Teatrale alla Scala. Eleonora e Beatrice Dallagnese, sorelle di 23 anni, si sono recentemente diplomate all'Accademia Pianistica di Imola, importante istituzione musicale che da molti anni annovera tra i migliori insegnanti di pianoforte celebrità del mondo interpretativo. Inserite nelle migliori società concertistiche italiane, hanno già effettuato numerosi concerti cameristici soprattutto in duo a quattro mani, e quello di ieri rappresenta un'ulteriore partecipazione rivelatrice delle loro straordinarie qualità. L'impaginato presentato, particolarmente riuscito negli accostamenti dei brani, prevedeva musiche di Ravel, Respighi e Rachmaninov, tre musicisti tra loro contemporanei, vissuti a cavallo tra gli ultimi tre decenni dell'Ottocento e i primi quattro del Novecento. Sono stati eseguiti re importanti lavori, il primo del francese, Ma Mére l'Oye, era il più celebre nella versione per pianoforte a quattro mani del 1910, dalla precedente orchestrale. L'ottimo impatto timbrico iniziale del primo dei cinque brani che compongono la suite- Pavane de la belle au bois dormant- ha da subito rivelato le qualità delle due interpreti, sostenute dalle limpide volumetrie dello storico pianoforte Steinway & Sons appartenuto a Franz Liszt e da alcuni anni presente al Museo della Scala. Di grande qualità anche il più noto Le jardin fèerique, spesso eseguito come bis. La perfetta sintonia delle due Dallagnese, definita da precisione di tocco e luminosità coloristica, ha evidenziato anche i brani successivi. Prima un' ottima trascrizione de I pini di Roma di Ottorino Respighi, compositore italiano celebre per le sue qualità di orchestratore, come nel brano in questione composto nel 1924 e qui eseguito nell'eccellente riduzione per pianoforte a quattro mani dello stesso compositore. Quindi, come lavoro conclusivo, i Six Morceaux op.11 di Sergej Rachmaninov, opera giovanile del russo per pianoforte a quattro mani del 1894. In entrambi i brani il duo pianistico ha rivelato ancora un'ottima sintonia interpretativa. Tra i movimenti più appariscenti segnaliamo almeno I pini di villa borghese di Respighi e lo straordinario Valzer, quarto brano dell'Op.11 di Rachmaninov, interpretato con varietà timbrica e volumetrica ed evidente espressività dalle bravissime Dallagnese. Applausi fragorosi nella sala al completo e come bis la celebre Danza ungherese n.1 di Johannes Brahms.

16 febbraio 2024 Cesare Guzzardella

Ramin Bahrami per la "Società dei Concerti" in Conservatorio

Conoscevo il pianista iraniano Ramin Bahrami per il suo Bach, musicista a lui caro che lo ha reso noto internazionalmente. L'impaginato presentato al concerto organizzato in Conservatorio dalla Società dei Concerti, unitamente a due brani del grande compositore tedesco, prevedeva anche lavori di Mozart, Chopin, Rachmaninov e Bartók. Un impaginato dunque variegato che ha messo in risalto un pianista diverso e personale. Indubbiamente la Partita n.1 in si bem. maggiore BWV 825 , eseguita a inizio concerto,e il delizioso Capriccio sopra la lontananza del fratello dilettissimo BWV 992, eseguita a conclusione del programma ufficiale, hanno messo in rilievo le specificità di Bahrami nell'interpretare il Sommo. La leggerezza di tocco, in una discorsività tutta interiorizzata e la capacità di pesare il suono su volumetrie discrete, sono una peculiare caratteristica dell'ottimo Bach ascoltato. Differenti le sensazioni avute per gli altri compositori, musicisti esternati dall' interprete con indubbia personalizzazione creativa, ma lontani dalle esecuzioni entrate nella storia. Il Mozart della celebre Fantasia in re minore K 397, anticipata - come già era avvenuto nel primo Bach- da un paio di battute introduttive opera del pianista, ha trovato una leggerezza forse eccessiva nella prima parte del brano, dove l'elemento patetico introduttivo risultava parzialmente svuotato. La logica complessiva dell'esecuzione ha avuto comunque una sua coerenza se riferita alla ricercata creatività dell'interprete. Le frequentate Mazurche di Chopin scelte, cioè l'Op.30 n.2 in si minore, l'Op.63 n.3 in do diesis minore e l'Op.33 n.2 in re maggiore, erano lontane dal registro polacco dei grandi chopiniani e personalizzate certamente con chiarezza espressiva e di dettaglio "alla Bahrami". Di valida resa Rachmaninov con l'Elegia in mi bem. minore op.3 n.1, eseguita analiticamente, mettendo bene in rilievo i piani sonori delle linee melodiche. Con il Bela Bartók delle celebri Sei danze rumene per pianoforte, abbiamo trovato un'interprete che ha trascurato il percussivo elemento ritmico e la precisa quadratura temporale, per una particolare "riflessione melodica" sulle sei danze folcloristiche. Un'nterpretazione poco bartókiana ma originale e anche questa molto "alla Bahrami". Ricordiamo che il pianista di Teheran, nell'introdurre i brani ha vuluto mettere in rilievo la triste situazione attuale dovuta alle numerose guerre in corso ricordando anche la violenza perpretata sulle donne in molte parti del mondo. Una presentazione toccante con un auspicio alla fine dei conflitti. Applausi fragorosi dal numeroso pubblico, anche giovanile, intervenuto in Sala Verdi. Due i bis concessi: prima un noto Valzer in la bem. maggiore di Chopin, sempre alla Bahrami, e poi la famosa Aria iniziale delle Goldberg di Bach interpretata con intensa leggerezza ed espressività. Ancora applausi.

15 febbraio 2024 Cesare Guzzardella

Luisa Sello e Bruno Canino al Museo del Novecento

Un programma particolarmente interessante per un duo che da più di un decennio interpreta soprattutto brani del Novecento e contemporanei. Stiamo parlando della flautista Luisa Sello e del pianista Bruno Canino, presenti nella panoramicissima Sala Fontana del Museo del Novecento per un concerto rappresentativo anche di un loro recente Cd, denominato "20th- century Middle European Flute Music". I brani proposti, quasi tutti presenti nell'incisione, rivelano il particolare interesse degli interpreti per il repertorio recente. Le qualità di Canino, da oltre sessant'anni sulla scena concertistica internazionale, sono a tutti note, unite a una profonda curiosità intellettuale per le musiche che spaziano dal Seicento sino ai giorni nostri. Luisa Sello è tra le più rinomate flautiste interessate alla musica del primo e del secondo Novecento, come alla musica colta contemporanea. Il programma presentava compositori poco conosciuti, come i cechi Petr Eben (1929-2007) ed Emil František Burian (1904-1959), insieme ad altri noti come l'austriaco, naturalizzato statunitense, Ernst Heinrich Křenek (1900-1991) e il tedesco Paul Dessau (1894-1979). A chiudere il concerto, ecco il più famoso Arnold Schönberg (1874-1951), austriaco, inventore di quella tecnica dodecafonica che cambierà il linguaggio musicale per alcuni decenni. Brani riferiti al mondo tonale, come la Sonatina semplice (1957) di Eben, la Suite per flauto e pianoforte (1954) di Křenek o Ztracené Serenády (1940) di Burian, hanno anticipato la straordinaria intesa musicale, ossia l'immediata comunicativa tra la limpida melodicità del flauto di Luisa Sello, e il nitore espressivo delle armonizzazioni di Bruno Canino, un pianista che ha nella precisa scansione temporale un altro punto di forza. Il cambiamento di linguaggio espressivo, vicino al mondo atonale iniziato con un intermezzo da Guernica (1938) per solo pianoforte di Dessau, eseguito con precisione dal Maestro, è continuato con un brano con data compositiva più lontana, il 1926, tratto dal Quintetto per fiati op.26 di Schönberg, eseguito in un'ottima trascrizione per flauto e pianoforte. È un ampio movimento di un lavoro che nella sua completezza dura oltre quaranta minuti: rivela una tecnica dodecafonica restituita con lucidità in perfezione e tempi dall'eccellente duo. Successo meritatissimo in una Sala Fontana stracolma di appassionati e concessione di un bis di grande bellezza, con un brano di J.S. Bach tra i più celebri: Siciliano, dalla Sonata per flauto e cembalo BWV 1031. Bravissimi!

14 febbraio 2024 Cesare Guzzardella

Alle Serate Musicali l'Orchestra Leonore diretta da Daniele Giorgi e il cellista Kian Soltani

È una compagine orchestrale formata soprattutto da giovani strumentisti l'Orchestra Leonore, fondata nel 2014 a Pistoia da Daniele Giorgi. Ieri sera, per Serate Musicali, l'impaginato era ricco di eccellente musica: due capolavori di Dmitri Šostakovič, la Sinfonia da camera per archi in do minore op.110a e poi il Concerto per violoncello in mi bem. maggiore op.107, seguiti dalla Sinfonia n.2 in do maggiore op.61 di Robert Schumann. In tutti i brani l'orchestra ha raggiunto vette eccellenti; l'accurata direzione di Giorgi è riuscita ad esaltare i due lavori del grande compositore russo, datati rispettivamente 1960 e 1959, opere quindi mature di Šostakovič. La Sinfonia da camera è in realta una fedele e riuscita trascrizione del Quartetto d'archi n.8 op. 110, realizzata dal direttore Rudolf Barshai, potenziando le linee melodiche degli strumenti. La profondità espressiva di questa intensa composizione - dedicata alle vittime del nazifascismo e della guerra - è emersa in toto ed ha anticipato un lavoro simile dal punto di vista espressivo, quel celebre concerto, l'Op.107, eseguito in questi sessant'anni dai massimi virtuosi del violoncello a partire dal dedicatario Mistislav Rostropovic. Kian Soltani, musicista nato a Bregenz nel 1992 da genitori iraniani, ha assolto il suo fondamentale compito solistico ottimamente. Il virtuosismo emerso in questo ampio lavoro si è avvalso di un violoncello corposo - uno Stradivari "London ex Boccherini 1694" - dalle sonorità precise, ben delineate e particolarmente espressive in tutti i contrasti volumetrici e dinamici esternati da Soltani. Eccellente la sinergia con la direzione di Giorgi e con le sezioni orchestrali. Di qualità la lunga cadenza solistica del terzo movimento. Rilevante il melodioso bis solistico scelto da Soltani - accompagnato da una sezione di due violoncelli e di contrabbassi- ossia il brano "Introduzione" di Šostakovic, dalla colonna sonora del film "Il Tafano", del 1955. Lunghi e calorosi gli applausi del pubblico. Dopo il breve intervallo le qualità dell' Orchestra Leonore e del direttore Giorgi sono ancora emerse nella restituzione della Sinfonia n.2 di Schumann. Un' esecuzione trasparente, con linee melodiche e armonie rilevate nei rispettivi piani sonori ed esternate con precisione dalle sezioni orchestrali. Di grande intensità l'Adagio espressivo, terzo movimento del capolavoro schumanniano: come bis la ripetizione del ritmico Scherzo - Allegro vivace. Splendido concerto! - Foto di Alberto Panzani, Uff.Stampa Serate Musicali-.

13 febbraio 2024 Cesare Guzzardella

Il Duo Alterno per Musica Maestri! del Conservatorio milanese

Per la rassegna musicale del Conservatorio milanese "Musica Maestri!" abbiamo ascoltato il Duo Alterno, formato da due eclettici interpreti quali Tiziana Scandaletti, soprano, e Riccardo Piacentini, pianoforte . La formazione è impegnata soprattutto nel repertorio del Novecento e contemporaneo, con molti compositori che hanno dedicato loro nuovi brani. Ieri, in una Sala Puccini al completo, hanno proposto un programma vario, incentrato soprattutto su brani del primo Novecento di De Falla, Puccini, Weill, Satie e su lavori di qualche decennio dopo di Morricone e Piazzolla. Piacentini, compositore oltre che ottimo pianista, ha proposto anche un suo recente lavoro. Il concerto, ben introdotto da Piacentini, era denominato "Arie di danza", e prevedeva brani ispirati al mondo dei valzer, del tango e dalla musica popolare. Il duo ha proposto inizialmente le note Siete Canciones populares españolas di Manuel De Falla (1876-1946), sette brevi canzoni che partendo da alcune melodie popolari ritrovano il linguaggio personale e raffinato del grande musicista spagnolo. Valida l'interpretazione dell'appariscente Scandaletti, accompagnata in modo preciso da Piacentini. A seguire, due brani per solo pianoforte, una rarità attribuita a Giacomo Puccini (1858-1924), il Piccolo tango (1910) e poi, sempre del grande compositore lirico, il noto Valzer di Musetta da Bohème, hanno ritrovato l'attenta lettura del pianista. Il mondo del cabaret ha rivisto in palcoscenico la Scandaletti con due brani di Kurt Weill (1900-1950) tratti da Trois chansons: Je ne t’aime pas e Youkali, Tango Habanera. Entrambi i lavori ci rivelano la passione per il canto popolare del grande compositore tedesco della brechtiana "Opera da tre soldi". Avvincente la resa interpretativa molto teatrale del duo. Ritorno quindi al solo pianoforte di Piacentini con Erik Satie (1866-1925) e il suo breve ma evoluto Le tango tratto da "Sports et divertissements". Ennio Morricone (1928-2020) aveva dedicato al Duo Alterno una versione del suo Tango un po’ caricaturale, celebre colonna sonora del film "Indagine su un cittadino al di sopra di ogni sospetto", rivedendo la parte vocale: poche note ben cantate dalla Scandaletti. Con il brano di Riccardo Piacentini (1958) denominato Eco logico per pianoforte e foto-suoni, siamo arrivati alla musica attuale dove il pianista-compositore ha realizzato una parte pianistica ottimamente scritta con una scansione ritmico-armonica chiara e di particolare ispirazione, inserita in un "tappeto sonoro" pre-registrato, che crea una situazione ambientale di suoni, voci e rumori. Una valida performance, che ci ricorda esperienze del periodo "concreto" post-anni '50. Il brano conclusivo del programma ufficiale in duo prevedeva la melodicissima e splendida Los pájaros perdidos di Astor Piazzolla (1921-1992), un brano interpretato con pregnante espressività dalla voce energica della Scandaletti e dalle armonie intense di Piacentini. Applausi fragorosi e come bis un raro e valido brano in inglese di Alfredo Casella (1883-1947) ben interpretato dal Duo Alterno.

12 febbraio Cesare Guzzardella

AL VIOTTIFESTIVAL DI VERCELLI LA VIOLA DI TIMOTHY RIDOUT

Ieri sera, 10 febbraio, al Teatro Civico di Vercelli, nuovo appuntamento con l’ormai imperdibile ViottiFestival. Due i motivi principali di interesse del concerto: il programma, ricco di autori e pezzi, italiani e no, di ascolto piuttosto infrequente, tra ‘700 e ‘800, contemporanei di Viotti, una cui composizione, com’è consuetudine in questo secondo centenario della sua morte, campeggiava al centro dell’impaginato. Un programma, insomma, intelligentemente studiato per ‘ricostruire’ una parte di quel mondo musicale di cui Viotti fu personaggio di primo piano. L’altro motivo di interesse del concerto è stata la presenza di uno dei maggiori violisti delle ultime generazioni, il ventottenne inglese Timothy Ridout, già noto al pubblico vercellese per un concerto di gran successo della passata stagione; è degno di nota lo strumento che Ridout suona abitualmente, una viola molto antica, fabbricata intorno al 1570 dal liutaio bresciano Pellegrino di Zanetto, contraddistinta da un suono un po’ meno vellutato di quello delle viole più recenti, ma di maggior volume ed intensità. Il concerto ha inizio con una sinfonia di Luigi Boccherini, la G 490 in Re maggiore, composta nel 1765, ancora nel periodo ‘italiano’ del grande compositore lucchese, prima del trasferimento alla corte di Madrid, ove avrebbe trascorso il resto della sua vita. Divisa, secondo la tipica caratteristica della sinfonia ‘all’italiana’, in tre tempi, col movimento lento centrale e i due Allegri esterni, si tratta probabilmente della sua prima sinfonia, composta come sinfonia d’opera e utilizzata come tale in un paio di occasioni. Il Re maggiore, tonalità amata dal Boccherini sinfonista, nella cultura musicale barocca e rococò è considerata tonalità “guerresca e gioiosa”, secondo la definizione dello Charpentier e i due tempi esterni hanno, specie il primo, un piglio impetuoso, un ritmo da marcia guerresca, appunto, cui fa da contraltare il melodismo di sapore galante, ma con una vena di sensibilità particolarmente intensa, dell’Adagio grazioso. L’interpretazione di Rimonda, alla guida della sua Camerata Ducale, è impareggiabile nel rendere, con raffinata eleganza, il vario gioco dei timbri e il libero contrasto dei temi, e, soprattutto, il suadente lirismo, di chiara origine operistica, del tempo lento centrale. Contemporaneo di Boccherini e di Viotti fu Alessandro Rolla (1757-1841, quasi coetaneo di Viotti), pavese di nascita, ma protagonista della vita musicale milanese per quasi tutta la prima metà dell’800, in qualità sia di direttore del Teatro alla Scala per trent’anni, che di fatto segnarono l’affermazione del Teatro milanese a livello europeo, sia come direttore del Conservatorio (pare sia stato proprio lui a bocciare il giovane Verdi all’esame di ammissione). Nella Storia della musica occupa un ruolo di primo piano come padre della scuola violinistica lombarda e soprattutto come straordinario violista, forse il più grande in tutta Europa a quel tempo. Di A. Rolla sono state eseguite due composizioni: una delle 12 sinfonie, la BI 533 in Re maggiore e il Concerto per viola e orchestra in Mi bem. maggiore BI 545, uno dei quindici scritti da Rolla per questo strumento. Nei tre movimenti in cui anche questa sinfonia è divisa, senti già fermentare i primi sentori di un nuovo spirito musicale: l’interpretazione di Guido Rimonda fa affiorare, dal Re maggiore di Rolla, una tensione drammatica nel ritmo e nel contrasto tra le linee tematiche, che spezza la limpida cornice galante presente ancora nella sinfonia di Boccherini, per gettare le sue ombre anche nel tempo lento centrale e portando allo scoperto quel non so che di preromantico che si avverte nei momenti più suggestivi della sinfonia; non è forse un caso che la prima esecuzione assoluta di tre sinfonie di Beethoven in Italia sia dovuta a Rolla (che fu anche valente direttore d’orchestra) cui dobbiamo guardare come un esponente di quella cultura strumentale di derivazione austriaca che si stava, sia pur timidamente, facendo strada nell’Italia del nord e soprattutto a Milano agli inizi dell’800, per poi essere travolta dal predominio schiacciante della musica operistica. Una davvero gradita sorpresa il concerto per viola di Rolla, decisamente una delle composizioni più belle scritte per questo strumento nella prima metà dell’800, “Aroldo in Italia” a parte. Il primo tempo, Allegro, ma aperto da un Andante sostenuto intonato ad un Mi bem. maggiore di sapore beethoveniano, per la sua corrusca drammaticità, si caratterizza per i ricchi contrasti tematici, che non contemplano un vero e proprio sviluppo, ma presentano una ricca elaborazione, tra un tema inquieto e ricco di pathos ed uno di più aggraziata melodiosità mozartiana, con sapienti scelte timbriche, tra cui giocano un ruolo importante, poco prima dell’ingresso della viola, l’oboe e il corno, a preparare il terreno alla tinta sonora della viola. Ridout conferma la sua fama con un’esecuzione semplicemente perfetta: il suo virtuosismo da mattatore è sempre posto al servizio di un arricchimento espressivo, ora nel dialogo con l’orchestra, che ha un ruolo tutt’altro che di puro accompagnamento, ora negli assoli e nella stessa cadenza. Con una cavata di incantevole morbidezza, Ridout sfrutta con finezza tutta la gamma delle possibilità espressive offerta dalla viola, questo strumento ingiustamente un po’ negletto, ma capace di offrire momenti di intima dolcezza ‘crepuscolare, che è poi il colore dominante della composizione. Trascorrendo dal registro acuto, a quello più grave, contraltile- baritonale, ricorrendo con particolare insistenza all’uso delle corde più ‘calde’ della viola, Ridout ci regala momenti di vera poesia, che hanno il loro apice, com’è naturale, nel Largo centrale. Indimenticabile l’ingresso della viola, a riprendere il dolce tema principale, con un tono sommesso e mormorante, di lirismo purissimo, capace davvero di toccare le corde più profonde dell’animo dell’ascoltatore, per poi, in un’ampia sezione in assolo, quasi una lunga cadenza, elaborare il tema con un gioco prodigioso di doppie corde, che ne amplia la risonanza e ne arricchisce il pathos, specie in acuto, ma con un gioco continuo di penombre, con i registri più gravi, che, sostenuti dai violoncelli, sembrano affondare la linea melodica nell’incanto di una luce che, sul punto di spegnersi, manda i suoi ultimi bagliori. In generale, Ridout ottiene i suoi più alti risultati espressivi con un legato di limpida fluidità, screziato da un vibrato usato sempre al momento giusto e di suggestiva delicatezza Splendido Ridout e splendida la Camerata Ducale e la direzione di Rimonda nell’accompagnare il solista in questa magia musicale. Il Rondò finale, forse il meno musicalmente interessante dei tre movimenti del concerto, si offre a Ridout come il palcoscenico per esibire tutta la sua pirotecnica bravura di virtuoso, in particolare nei couplet, ove la sua viola trapassa veloce tutti i registri, per raggiungere la vertigine del sovracuto, con un’antologia di colpi d’arco violinistici, , resi ancora più ardui sulla viola, che rispetto al violino, presenta dimensioni un po’ più grandi, imponendo alla mano sinistra posizioni più dilatate delle dita sulle corde. Come detto, al centro del programma del concerto era l’Andante in Fa maggiore che Viotti stesso trasse da un proprio duetto per violini in una versione per orchestra d’archi. E’ una composizione del miglior Viotti, diretta dal miglior interprete di Viotti oggi in Italia, e forse al mondo, Guido Rimonda. Introdotta da un’apertura di intimo e intenso lirismo, si fa poi più mossa e contrastata, con un gioco vario dei timbri tra le diverse sezioni degli archi, efficacemente valorizzata da Rimonda. Si tratta di un pezzo che, una volta di più, iscrive di pieno diritto il compositore vercellese in quella generazione di passaggio al Romanticismo, in cui, superato lo stile galante e la delicata sensiblerie rococò, la musica si avvia all’esplorazione di nuove, più intense ricerche espressive. Si lascia l’Italia per la Vienna di Schubert col penultimo pezzo in concerto, ancora una volta all’insegna della rarità, non essendo certo tra le composizioni più eseguite del catalogo schubertiano: si tratta dell’Ouverture in do minore D 8, opera del periodo giovanile di Schubert, di cui esistono anche versioni cameristiche, per quartetto o quintetto d’archi, ma ieri sera a Vercelli presentata nella versione per orchestra e viola. Confessiamo onestamente il nostro imbarazzo nel dover ammettere che l’Ouverture D8 ascoltata ieri a Vercelli ci è risultata irriconoscibile rispetto a quella a noi nota, in versione orchestrale: il brano presentato ieri era una composizione molto breve, in cui primeggiava l’intenso lirismo della viola, lontano dal cupo do minore ancora beethoveniano che impronta l’Ouverture D8 di Schubert che conosciamo, tra l’altro di durata ben più estesa rispetto a quella eseguita ieri. Non sappiamo francamente come spiegare la cosa… Gran finale all’insegna della viola e del virtuosismo di Ridout, con il Potpourri per viola e orchestra di Johann Nepomuch Hummel (1778-1837). Vissuto da giovane a Vienna, ove ebbe maestri d’eccezione come Mozart ed Haydn, e a Londra, ove studiò con Clementi, acclamato come fanciullo prodigio, è noto soprattutto come pianista e compositore per pianoforte. Questo Potpourri, composto nel 1820, è ovviamente un pezzo mirato ad esaltare le qualità virtuosistiche del solista (fu dedicato infatti a un grande violista del tempo, Antoine Schmiedl), ma l’orchestra non si limita ad una pura funzione di accompagnamento, ma anzi interviene sovente a dialogare col solista o addiritura ad occupare interamente la scena. Notevole anche la presenza massiccia di citazioni da temi e motivi di pura marca mozartiana, che peraltro è un fatto ricorrente nella musica di Hummel. Per quanto riguarda Ridout, da questo Potpourri mozartiano-hummeliano esce confermata la capacità di questo giovane, ma già grande violista, di coniugare abilità tecnica ed espressività, improntata ad un lirismo di grande melodicità nelle sezioni più lente del brano e ad un gioioso slancio vitale nelle sezioni dall’agogica più mossa, con una grazia raffinata nelle parti più mozartiane del Potpourri. I suoi colpi d’arco, e il suo vibrato sempre sicuri, frutto di un grande talento, hanno conquistato ancora una volta il pubblico del Teatro Civico, dimostrando, se mai ce ne fosse bisogno, quanto ingiusta sia stata la considerazione, prevalsa tra i compositori fino almeno a tutto l’’800, della viola come ‘figlia di un dio minore’ rispetto al violino, sottovalutandone le capacità espressive. Gli entusiastici applausi del pubblico sono stati premiati da due bis di Ridout: la Fantasia per sola viola n.7 di Telemann, pezzo di intenso pathos, e la ripetizione del Finale del concerto di Rolla. Un’altra serata musicale, dunque, di gran livello, quella di ieri al ViottiFestival e in tutto degna delle celebrazioni del grande Maestro vercellese.(Foto ufficio Stampa di Vercelli)

11 febbraio 2024 Bruno Busca

Edgar Moreau e Kolja Blacher in Auditorium per Haydn e Čaikovskij

Il classicismo haydniano e il romanticismo di Čaikovskij hanno visto ieri sera sul palcoscenico dell'Auditorium milanese il ventinovenne violoncellista parigino Edgar Moreau e il direttore - anche violinista- tedesco Kolja Blacher per due brani noti quali il Concerto per violoncello e orchestra n.2 in Re maggiore di J.Haydn (1732-1809) e la Sinfonia n.5 in Mi minore op.64 di P.I. Čaikovskij (1840-1893). Più di cento anni separano la composizione classica del musicista austriaco da quella del russo. I due lavori prevedevano una formazione numericamente più contenuta per il concerto violoncellistico, che data 1783, e una compagine sinfonica ampia per la penultima sinfonia del compositore russo, composta nel 1888 e indicativa dello sviluppo creativo dell'autore portato ai suoi vertici espressivi. Lo straordinario concerto di Haydn, nei classici tre movimenti, è stato sostenuto con evidente chiarezza timbrica da Moreau. Il suo violoncello, sempre in risalto con un'intonazione voluminosa ed elegante, era sottolineato dalle discrete timbriche orchestrali organizzate ottimamente da Blacher per esaltare la profonda voce dello strumento ad arco. Moreau, attento ad ogni particolare del brano, ha anche sottolineato con chiarezza espressiva la lunga cadenza solistica dell'Allegro moderato iniziale. L'eccellente intesa d'insieme ha delineato un'interpretazione complessiva di alta qualità, molto apprezzata dal numeroso pubblico presente in Auditorium. Applausi fragorosi al protagonista e di profonda resa il bis bachiano solistico concesso dal cellista. Dopo l'intervallo, la celebre Quinta Sinfonia di Čaikovskij ha trovato una riuscita interpretazione dell'Orchestra Sinfonica di Milano, sempre molto disponibile e preparata con i compositori russi. Il direttore Blacher ha rivelato estrema sintonia con la musica di Čaikovskij, attraverso una scelta eccellente nelle andature che danno equilibrio ai quattro movimenti del corposo brano. Ottime le timbriche elargite con espressività da ogni sezione orchestrale, e ben rilevati l'impasto dei colori nei riconoscibili piani sonori che trovano la massima elargizione nell'originale Finale. Andante maestoso, ultimo movimento del brano. Interpretazione complessiva di evidente qualità. Applausi sostenuti e di lunga durata a Blacher e ai bravissimi orchestrali. Domenica alle ore 16.00 la replica. Da non perdere.

10 febbraio 2024 Cesare Guzzardella

Successo al Teatro alla Scala per Alcina in forma di concerto diretta da Marc Minkowski

È tornata alla Scala, questa volta in forma di concerto, Alcina di Georg Friedrich Händel. Nel marzo del 2009 questo capolavoro del teatro musicale settecentesco venne rappresentato in forma scenica. Ieri nell'unica serata in programma, la compagine barocca Les Musiciens du Louvre diretta da Marc Minkowski, ha riportato la splendida musica del compositore tedesco - naturalizzato inglese- in teatro, con un cast vocale d'eccellenza. Ricordiamo che Alcina venne composta nel 1734-35 su libretto anonimo ispirato da L'isola di Alcina di Antonio Falzaglia, tratto dall'Orlando Furioso di Ludovico Ariosto. Il contenuto è una variante del mito di Circe, incantatrice fatale che attrae gli uomini col canto su di un’isola paradisiaca e, dopo averli sedotti, li trasforma in rocce, animali o piante. Alcina è un susseguirsi di splendide Arie col da capo che mettono in risalto la struttura psicologica dei protagonisti: non solo l'incantatrice Alcina e il paladino Ruggiero ma anche Morgana, Bradamante, Melisso, Oronte e Oberto hanno un ruolo di grande rilievo. Un'esecuzione in forma di concerto era stata data al teatro del Piermarini nell'aprile del 1985 e in quell'occasione il ruolo della protagonista che da il nome al capolavoro händeliano, venne interpretato da Luciana Serra. Ieri la compagine strumentale parigina, fondata da Marc Minkowski nel 1982, era ben visibile sul palcoscenico scaligero. Il direttore ha introdotto il primo atto con un' Ouverture strumentale anticipatrice dei numerosissimi interventi solistici dei protagonisti, un'introduzione che ha da subito segnato la cifra stilistica della direzione di Minkowski: energica, grintosa e attenta ad ogni dettaglio, con anche momenti di pacata esternazione coloristica. L'enunciazione delle arie è in crescendo man mano che si arriva al terzo atto, dove la quantità di melodie raggiunge un numero maggiore d'interventi. L'eccellente sinergia tra la preziosa direzione di Minkowski con la dettagliata restituzione della compagine strumentale e con le voci dei sette protagonisti, hanno portato ad una resa complessiva di ottima qualità, con molti frangenti d'eccellenza. Tutti validi i cantanti, molto immedesimati anche attorialmente, a partire dalla principale interprete, Magdalena Kožená in Alcina, un mezzosoprano di pregnante espressività che soprattutto nelle arie più rilevanti come Ah mio cor! Schernito sei, Ombre pallide e Mi restano le lagrime, raggiunge livelli interpretativi eccellenti. Di raffinata vocalità il soprano Erin Morley in Morgana, con l'eccellente celebre aria Tornami a vagheggiar, finale del primo atto o Credete al mio dolor del terzo atto. Di rilevante spessore espressivo sia Anna Bonitatibus in Ruggiero, che Elizabeth DeShong in Bradamante, mezzosoprano e contralto tra le più applaudite. Notevoli poi: Valerio Contaldo in Oronte con voce tenorile di particolare incisività e chiarezza coloristica; Alex Rosen in Melisso con voce da basso ricca di calore e il controtenore Alois Mühlbacher, un Oberto di pregnante e chiara resa timbrica. Di rilievo la componente corale ed eccellenti gli interventi solistici strumentali, in accompagnamento del canto, del primo violino, del violoncello e dei due flauti barocchi che di fronte al pubblico hanno concluso il finale dell'opera. Applausi fragorosi e continuati a tutti i protagonisti dal numerosissimo pubblico inervenuto in Scala per l'unica rappresentazione. Tre ore e venti minuti di eccellente musica certamente da ricordare a lungo.

9 febbraio 2024 Cesare Guzzardella

Stefano Montanari e Antonio Alessandri per "I Pomeriggi Musicali"

Un'anteprima di qualità quella di questa mattina con l'Orchestra de I Pomeriggi Musicali diretta da Stefano Montanari. I tre brani in programma avevano come lavoro centrale l'ancor poco eseguito Concerto n.2 in sol minore per pianoforte e orchestra di Camille Saint-Saëns con un solista d'eccellenza, il giovanissimo Antonio Alessandri. Ancora diciassettenne, ma prossimo alla maggiore età, Alessandri stupisce per virtuosismo, chiarezza espressiva e raffinato senso dell'equilibrio complessivo. Nel non facile concerto del compositore francese la parte solistica era dominante e comunque integrata con situazioni orchestrali importanti restituite benissimo nell'eccellente direzione di Montanari e con energica restituzione espressiva da I Pomeriggi. La componente melodica pianistica, ricca di armonizzazioni elargite con sicurezza dal giovane interprete, ha rivelato un' eccellente discorsività e un'ottima sottolineatura del materiale nei diversi piani sonori. I colori, spesso delicati, si alternavano a timbriche grintose sia nell'Andantino sostenuto iniziale che nell'inconsueto Allegretto scherzando centrale, sino al bellissimo Presto finale. Una splendida interpretazione, salutata dai fragorosi applausi del numeroso pubblico presente al Dal Verme, con anche molti studenti intervenuti da molti plessi scolastici. Il concerto è stato anticipato dall'Ouverture dell'opera Idomeneo, re di Creta di W.A. Mozart diretta con energico spessore timbrico da Montanari e dall'Orchestra. L'ultimo brano in programma, la Sinfonia n.2 in Re maggiore op.36 di Beethoven, ha trovato un'ottima esternazione da I Pomeriggi grazie alla visione complessiva chiara e dettagliata di Montanari. Di eccellente qualità l'Adagio molto.Allegro con brio iniziale. Fragorosi applausi ai protagonisti. Questa sera alle ore 20.00 la prima ufficiale e sabato, alle ore 17.00, la replica. Assolutamente da non perdere.

8 febbraio 2024 Cesare Guzzardella

Concerto De' Cavalieri alla "Società dei Concerti" per "Handel vs. Vivaldi"

Il gruppo cameristico Concerto de' Cavalieri e il suo direttore Marcello Di Lisa sono tornati alle serate musicali organizzate dalla "Società dei Concerti" per un'originale impaginazione che confrontava due colossi del barocco settecentesco quali G.F. Händel (1685-1759) e A. Vivaldi (1678-1741). Nella serata denominata "Handel vs. Vivaldi" particolare l'dea di prefigurare quattro momenti musicali dove movimenti di noti concerti dei due musicisti venivano eseguiti in alternanza, formando una sorte di quattro ampi nuovi concerti. Gli eccellenti strumentisti della compagine cameristica barocca hanno trovato la giusta dimensione volumetrica nel delineare l'essenza dell'arte settecentesca, tra timbriche dal sapore antico e dinamiche discrete ma ricche di contrasti. I quattro set, usando un termine tennistico voluto da De Lisi, erano volti ha rappresentare una sorta di scontro tra i due grandi protagonisti, scontro che si è domostrato invece un incontro tra modi affini di concepire la musica, spesso con momenti musicali non facilmente riconoscibili per paternità compositiva. Tra i numerosi movimenti tratti dai Concerto grosso op.3 e op.6 del musicista inglese e dai Concerti per archi o per flauto e archi del grande veneziano, segnaliamo almeno l'intervento della bravissima solista al flauto dolce Maria De Martini nei concerti vivaldiani " Il Gardellino" e "La tempesta di mare". Una serata particolarmente riuscita molto applaudita dal pubblico presente in Sala Verdi.

8 febbraio 2024 Cesare Guzzardella

Il pianista macedone Simon Trpčeski alle Serate Musicali del Conservatorio

E la terza volta che ascolto il pianista macedone Simon Trpčeski, sempre alle Serate Musicali del Conservatorio milanese. Già nei lontani 2009 e 2010 aveva inserito, nei suoi variegati programmi, molto Chopin e l'ottima restituzione di allora è stata riconfermata nel concerto di ieri sera, vario, con uno solo Chopin iniziale, quello delle Quattro Mazurche op.24 , già ascoltate in un concerto di allora, e ora, dopo quattordici anni, reinterpretate ancora meglio, con una luminosità coloristica più raffinata e con una modalità interpretativa molto "polacca". La presenza di molte "variazioni" ha caratterizzato gran parte della serata. Prima le rarissime Variazioni su "Come un agnello" K 460 attribuite a Mozart, ma con il tema iniziale di Giuseppe Sarti (1729-1802), eseguite dal pianista macedone con una calibrata ricerca delle timbriche nelle numerose possibilità dinamiche. Poi la virtuosistica Suite da "Lo Schiaccianoci" di Čaikovskij nella splendida trascrizione di Pletnev, approciata con notevole sicurezza. I temi dei sette movimenti estratti dal celebre balletto del grande russo subiscono continue variazioni, ben rilevate dall'interprete nei differenti piani sonori. Ottime le variazioni di Beethoven: prima le rarissime Variazioni su una Danza Russa WoO 71 su un tema Allegretto e poi le celebri 32 Variazioni su un Tema originale in do minore WoO 80. Quest'ultime di grande resa espressiva nella corretta e precisa scelta dei tempi e negli eccellenti contrasti. L'ultimo brano in programma, la Sonata n.7 in si bem. maggiore op.83 di Sergej Prokof'ev è nota soprattutto per il terzo e ultimo movimento, un sorprendente Precipitato eseguito con virtuosismo eccelso da Trpčeski nell'esternazione dei contrastati elementi ritmici percussivi. Applausi calorosissimi pienamente meritati e quattro brevi bis concessi dal pianista visibilmente soddisfatto: prima un breve ritmico brano folcloristico macedone, poi una trascrizione pianistica dello Scherzo per 4 fagotti di Prokof'ev, poi l' Humoresque del russo Rodion Shchedrin (1932) e, a conclusione, un recente brano particolarmente melodico di un compositore croato in stile jazz molto americano. Ottima serata.

6 febbraio 2024 Cesare Guzzardella

A NOVARA PER IL FESTIVAL CANTELLI RECITAL DELLA PIANISTA VERA CECINO

Ieri sera, domenica 4 febbraio, all'Auditorium Olivieri del Conservatorio di Novara, nell'ambito del Festival Cantelli si è tenuto un recital della diciannovenne pianista trevigiana Vera Cecino, vincitrice del Premio Martucci 2022, che si aggiunge ad una nutrita serie di premi in altri concorsi italiani. Il Premio Martucci è un concorso pianistico che si svolge a Novara con cadenza annuale, istituito nel 2015 dalla locale Associazione Amici della Musica e rivolto a giovani e giovanissimi musicisti. Il programma con cui Vera Cecino si presentava al pubblico novarese proponeva autori tra loro assai diversi, per epoca storica e stile compositivo: R.Schumann, S. Rachmaninov, M.Clementi, C. Franck. Vera Cecino ha introdotto il concerto con un pezzo di non frequentissima esecuzione nelle sale da concerto, l'Allegro in si minore op.8 di R. Schumann. Composto nel 1831, nonostante il numero d'opus, è di fatto l'opera prima di Schumann. Si tratta di un primo tempo di una Sonata che Schumann non continuò, pervaso di una sovrabbondanza di idee, di slanci, di una materia ribollente che la forma-sonata a stento contiene entro "il fren de l'arte" di dantesca memoria, peraltro accompagnata da una condotta contrappuntistica delle parti, Non è pezzo di facile interpretazione, sia per questo carattere vario e tumultuoso, sia per alcuni passaggi di notevole difficoltà tecnica, frutto dell'interesse particolare manifestato dall'autore in quel suo periodo giovanile per il virtuosismo violinistico di Paganini, applicato al pianoforte. Ottima l'interpretazione della giovane pianista trevigiana, che rivela subito sicura padronanza tecnica della tastiera, piena scioltezza nel risolvere le difficoltà esecutive della partitura, a cominciare dai numerosi incroci, un uso sempre appropriato del pedale di risonanza. Il fraseggio è nitido, reso fluido dalla limpidezza e precisione del suono e dalle corrette scelte dinamiche, e al tempo stesso assai energico. Lo Schumann proposto da Cecino, è decisamente lo Schumann-Florestano, ovvero uno Schumann tutto slancio impetuoso, che trascina in un torrente appassionato i temi e le cellule motiviche con cui la scrittura musicale del pezzo è costruita, sino alla coda, singolarmente lunga, quasi un secondo sviluppo, in cui il fraseggiare della pianista ci fa sentire un Si maggiore particolarmente caldo e luminoso. Pezzo più conosciuto ed eseguito dell'Allegro di Schumann sono le Variazioni su un tema di Corelli op.42 di S. Rachmaninov (1931). Basate sul tema del Finale della sonata per violino e basso continuo n.6 op.5 di Arcangelo Corelli, tema noto in tutta Europa sin dal XVI secolo con la parola portoghese 'Folìa (col significato di 'idea fissa')', queste Variazioni si caratterizzano, pur nella sempre scintillante qualità della scrittura pianistica del grande maestro russo, per un minor tasso di spettacolarità, di acrobatismo virtuosistico, rispetto alle più vulgate composizioni pianistiche del grande pianista e compositore russo, a favore di un più asciutto e severo impegno formale, soprattutto orientato verso lo studio di soluzioni armoniche abbastanza inusuali per il 'tradizionalista' Rachamaninov. Nell'esecuzione di queste Variazioni, la Cecino mostra di essere in possesso di una duttilità di registri da pianista ormai matura: un'energia di suono appassionata e travolgente per le Variazioni dall'agogica più veloce, ed una delicata dolcezza e leggerezza, venata di sottile malinconia, che si riverbera dal tema della "Folia", nelle Variazioni dai tempi più lenti, tra cui, bellissima, con un fraseggio di emozionante soavità, la Variazione XVI. Una menzione particolare merita l'interpretazione delle Variazioni VIII e IX in cui il tocco sensibile e raffinato della pianista porta in primo piano, nelle scelte timbriche, quelle risonanze misteriose (l'VIII Variazione s'intitola appunto Adagio misterioso) che scaturiscono dal ricorso ad accordi e armonie ai limiti della tonalità canonica da parte di Rachmaninov. La Cecino tende in particolare a conferire particolare rilievo ai registri più bassi della tastiera, quando, ovviamente, previsti in partitura, per ottenere un suono il più possibile scuro: ci pare un'ottima scelta interpretativa, anche perché le registrazioni a noi giunte delle esecuzioni dello stesso Rachmaninov testimoniano proprio un preciso orientamento del grande pianista in questa direzione. Tuttavia in alcuni, sporadici passaggi, si sarebbe desiderato da parte della Cecino un tocco più nitido. Abbiamo comunque ascoltato una interpretazione nel complesso di ottimo livello di un pezzo sicuramente complesso e impegnativo Col pezzo successivo, la giovane pianista , con un'inversione cronologica, torna al primo '800, con una figura di un grande incompreso, Muzio Clementi, di cui ha proposto una delle poche sue sonate per pianoforte che abbiano superato i confini del puro uso didattico nei Conservatori per approdare ad una qualche fama nelle sale da concerto: la Sonata op.25 n.5 in fa# minore. Ora, chi, oggi, suona in pubblico Clementi si assume un compito arduo e, aggiungiamo, una responsabilità piuttosto gravosa: quella di liberare questo compositore dalla condanna inappellabile che sembra averlo per sempre schiacciato nei bassifondi della storia della musica, con l'esiziale accusa di aridità', compendiata nel lapidario, sprezzante giudizio di Mozart, secondo cui la musica di Clementi è quella di un '"semplice mechanicus", parola che non abbisogna di traduzione. Tale giudizio liquidatorio è però quantomeno opinabile, se pensiamo che due giganti del pianoforte, quali Horowitz e Benedetti Michelangeli, non solo introdussero alcune sonate di Clementi nel proprio repertorio, ma giunsero entrambi a giudicare tali composizioni addirittura superiori alla maggior parte di quelle di Mozart. Dunque si tratta di' saper suonare' Clementi come si deve. Nelle note del programma di sala, vergate dalla stessa pianista, si parla di "una sonata particolarmente drammatica e tesa", il che è stato pienamente confermato, soprattutto dell'"Allegro con espressione" iniziale, dalla memorabile interpretazione di V. Horowitz, che giustifica pienamente quanto sostiene Rattalino, quando parla di "scie e strisce fiammeggianti di suono" che solcano gli Allegro delle migliori sonate del Maestro romano. Tuttavia, a noi non pare che sia questa la strada scelta da Vera Cecino nella sua interpretazione. La pianista trevigiana ha scelto un'altra strada, opposta, ma secondo noi altrettanto legittima, per far rivivere i contenuti espressivi di questa partitura: la grazia. La Cecino ha suonato il primo tempo della sonata di Clementi con un suono bellissimo, morbido, delicato, di una dolcezza ricca di sfumature, cui appunto diamo il nome di Grazia. Un Clementi interpretato dunque in una chiave classicistica, ma non di un classicismo marmoreo e algido, accademico; al contrario, un classicismo che contiene già in sé i germi della propria dissoluzione nella nuova sensibilità romantica, una sorta di congedo estremo dal classicismo. Un'interpretazione che si approfondisce nel meraviglioso Lento e patetico centrale, dove il fraseggio della Cecino disegna ampie arcate melodiche d'incantevole tenerezza, senza mai scadere nella retorica di un patetismo ad effetto, ma, come dire, tenuto 'sotto pelle', cioè come soffuso in un'esecuzione sempre controllata e dal suono nitido e luminoso. Semmai un che di 'tensione drammatica', in contrasto coi primi due tempi, affiora nel Finale Presto, di notevole difficoltà tecnica, di cui la bravura della Cecino ha interpretato con un suono sempre nitido e preciso quel 'ritmo ansimante' di cui parla Rattalino. Davvero una bellissima interpretazione, quale da tempo non ascoltavamo di una sonata di Clementi. Infine, il pezzo conclusivo, il Preludio, Corale e Fuga di C. Franck. In questo caso, a nostro giudizio, l'esecuzione di Vera Cecino, oltre a un Preludio tecnicamente impeccabile, raggiunge i suoi risultati migliori nella Fuga, ove il suo splendido fraseggio non solo mette in luce quel "rigore costruttivo" di cui la stessa interprete parla nelle note del Programma di sala, ma accompagna tale rigore con una timbrica e un gioco di dinamiche che arricchisce la struttura del pezzo con un apporto espressivo di notevole sensibilità e finezza. Un po' fiacco ci è sembrato invece il Corale, privo di quella 'tensione mistica' che ne costituisce il nucleo espressivo. A parte qualche appunto del tutto marginale, è stato un gran bel concerto, in cui Vera Cecino ha mostrato di avere tutti i numeri per affermarsi come pianista di notevole spessore e intelligenza interpretativa. In risposta agli applausi prolungati di un pubblico entusiasta, Vera Cecino ha eseguito due bis: dal libro I dei Preludi di Debussy "La serenata interrotta" e un Preludio di Nino Rota, entrambi eseguiti con precisione sensibilità espressiva. Un concerto da ricordare.

5 febbraio 2024 Bruno Busca

Il pianista Giovanni Bertolazzi a Villa Necchi Campiglio

Un impaginato vario ed interessante quello proposto ieri, nel tardo pomeriggio, dal pianista veronese Giovanni Bertolazzi nella milanese Villa Necchi Campiglio. Il concerto era organizzato dalla Società del Quartetto in collaborazione con il FAI. Virtuoso di sicura resa espressiva, Bertolazzi è stato premiato in importanti concorsi internazionali tra i quali il Franz Liszt di Budapest - secondo premio e cinque premi speciali-, il "Premio Alkan per il virtuosismo pianistico" di Milano, dove ha ottenuto la prima posizione, e ancora molti altri. L'impaginato prevedeva come brano introduttivo la celebre Ciaccona di J.S.Bach nella trascrizione di Ferruccio Busoni, dalla Partita n.2 in re minore BWV 1004. Da questo non semplice brano, circa 15 minuti di musica dove le arditezze del violino originario sono sta traslate a due mani nel virtuosismo del compositore-pianista italiano, Bertolazzi ha rivelato subito la sua cifra interpretativa giocata su una tecnica sicura, robusta, precisa nel sottolineare con chiarezza ogni frangente del brano, ricco di variazioni, inquadrate molto bene nel complessivo dell'esecuzione. Il Beethoven successivo con la nota Sonata n.21 in do maggiore op.53 "Waldstein" ha rivelato ancora grinta, sicurezza e chiarezza nel definire le frasi nei diversi piani sonori. Un ottimo Beethoven quello ascoltato. I due ultimi lavori, entrambi di Franz Liszt, cioè la Parafrasi da concerto sull'opera Ernani di Verdi e la conclusiva Rapsodia ungherese n.12 in do diesis minore, hanno evidenziato il frangente più virtuosistico di Bertolazzi, quello per il quale l'interprete ha da alcuni anni una più intensa predilezione. La sicurezza espositiva dei lavori e l'evidente espressività raggiunta, anche nei momenti di più ardua tecnica, sono indice di qualità per un pianista di ancora giovane età che sta già ottenendo importanti successi internazionali. L'avvincente performace del programma ufficiale ha avuto come coda due ottimi bis con un Valse triste in do minore del violinista- compositore ungherese Franz von Vecsey, nella trascrizione di Georges Cziffra e quindi la celebre Danza ritale del fuoco di Manuel De Falla. Un interprete tra i migliori della sua generazione che speriamo di riascoltare presto. Applausi fragorosi in una sala al completo.

4 febbraio 2024 Cesare Guzzardella

Giuseppe Albanese diretto da Pietari Inkinen per il concerto di Schumann

L'ottimo concerto ascoltato in anteprima al Teatro Dal Verme per I Pomeriggi Musicali prevedeva due capavori quali il Concerto in la minore op.54 di Robert Schumann e la Sinfonia n.3 in mi bem. maggiore op.55 "Eroica" di L.v. Beethoven. Alla direzione dell'Orchestra de I Pomeriggi c'era il finlandese Pietari Inkinen, direttore spesso presente nel territorio milanese. Protagonista del celebre concerto di Schumann il pianista calabrese Giuseppe Albanese è una realtà altrettanto continua nelle nostre sale da concerto. Il suo pianismo, in questo virtuosistico lavoro, è stato caratterizzato da un deciso impatto timbrico dovuto a evidente sicurezza nel gestire ogni frangente dei tre movimenti. L'ottima sinergia con Inkinen e con gli orchestrali de I Pomeriggi è stata utile per un'interpretazione di qualità. Anche nella non breve Cadenza dell'Allegro iniziale Albanese ha rivelato un'eccellente interiorizzazione del materale, restituito poi con chiarezza e valida discorsività. Applausi fragorosi da parte del numeroso pubblico intervenuto alla mattinata musicale. Il gesto preciso di Inkinen nel gestire la corposa "Eroica" beethoveniana ha, anche in questo celebre lavoro, portato ad un ottimo traguardo. Un'esecuzione energica e ricca di contrasti per i validi Pomeriggi. Il concerto ufficiale è previsto per questa sera alle ore 20.00 con replica per sabato alle 17.00. Da non perdere.

1 febbraio 2024 Cesare Guzzardella

Daniil Trifonov incanta il Teatro alla Scala

Un programma variegato e ben strutturato ha accolto al Teatro alla Scala il pianista trentaduenne russo Daniil Trifonov. Da alcuni anni alla ribalta internazionale, probabilmente il massimo pianista della sua generazione, l'interprete, anche compositore, mancava da Milano da alcuni anni avendo "saltato" alcune serate importanti per motivi di salute. Molto atteso, ha trovato un pubblico al completo venuto alla Scala per ascoltare di Jean- Philippe Rameau la Suite in la min. RCT 5, di Wolfgang Amadeus Mozart la Sonata n. 12 in fa magg. K. 332, di Felix Mendelssohn-Bartholdy le Variations sérieuses in re min. op. 54 e dopo l'intervallo, di Ludwig van Beethoven la Sonata in si bem. magg. op. 106 "Grosse Sonate für das Hammerklavier". Non è facile trovare parole che definiscano il sorprendente pianismo di Trifonov, un fuoriclasse che uscendo da situazioni interpretative consolidate entrate nella storia, sa personalizzare la musica dei grandi musicisti attraverso una mediazione creativa unica e di grande varietà espressiva. La caratterizzazione dei brani, scelti secondo un ordine intelligente, ha esaltato ogni compositore. L'interiorizzazione della bellissima e corposa Suite in la minore di Rameau, sette movimenti completati con una serie di sei variazioni legati alla Gavotta conclusiva, ha trovato un' esternazione dai colori antichi, in una sintesi discorsiva unica per dettaglio e contrasti dinamici vari nella discreta volumetria delle timbriche. L'enunciazione delle sei variazioni finali ha poi raggiunto un frangente apicale di bellezza. La successiva Sonata in fa maggiore mozartiana, di evidente estroversione rispetto il più antico Rameau, ha trovato ancora un grandissimo Trifonov proiettato nel migliore classicismo del genio di Salisburgo. Il contrasto tra l'Allegro iniziale, eseguito con rapida andatura, il finale rapidissimo dell'Allegro assai, con il centrale Adagio, dall'andatura riflessiva, con note quasi centellinate, ha creato un gioiello di raro ascolto. Le Variations Sérieuses op.54 mendelssohniane, rapidissime e in crescendo nei contrasti, di una modernità sorprendente, hanno concluso la lunga prima parte della serata. Con la Sonata n.29 "Hammerklavier" op.106 siamo poi entrati in un altro territorio musicale, dove la creatività dell'interprete, unita al genio del compositore, porta alla realizzazione di un lavoro ampio e complesso che al primo ascolto sembra rinnovare e rendere contemporanea l'opera del grande di Bonn. Visionaria, ricca di luce, l'op.106, autentico capolavoro, ha trovato una resa stupefacente nelle mani del pianista russo con momenti di rapida escursione coloristica alternati ad altri di infinita riflessione. Un' esecuzione memorabile, unitamente agli altri lavori. Tre i bis: il primo jazz, con rapide escursioni timbriche per Johnny Green/ Art Tatum in I cover the Waterfront, il secondo di Scriabin e per ultimo un valzer dalle Variazioni su Chopin di Mompou. Memorabile!

1 febbraio 2024 Cesare Guzzardella

GENNAIO 2024

Avi Avital e Omer Klein alle Serate Musicali

È raro ascoltare un duo formato da un mandolinista e da un pianista. Ieri sera, chi era presente nella Sala Verdi del Conservatorio per Serate Musicali ha trovato l'occasione ghiotta di ascoltare uno dei maggiori mandolinisti classici, Avi Avital, insieme ad un pianista di formazione jazz come Omar Klein. Avital ha inciso molti dischi con musiche di Vivaldi e Bach, vincendo anche premi discografici, e Klein ha un ampio repertorio nel classico trio jazz con contrabbasso e batteria. Entrambi israeliani, hanno da alcuni anni unito le loro qualità, passando dal folclore mediorientale e mediterraneo al mondo classico e al jazz. Un'unione di generi che ha portato ad un'interessante integrazione di modi di concepire la musica, tra precise annotazioni di partitura e luminosa improvvisazione. Ieri sera, nell'originale e applauditissimo concerto, l'intreccio tra i generi ha rivelato le personali qualità dei due eccellenti interpreti e, per quanto concerne Klein, anche le sue ottime capacità compositive. L'impaginato variegato prevedeva almeno sei brani di pregnante vena melodica folcloristica, nel dialogo tra ritmiche di mandolino e pianoforte. Brani di Omer Evital -violoncellista e compositore del trio di Klein da non confondere con Avi- e di Omer Klein si sono alternati, rivelandoci lo spessore artistico di entrambi i musicisti. Zamzama, Niggun, la profonda ballata Lonely Girl, Avi's song, Sleepwalker e altri ancora sono stati intervallati anche da un frangente più classico, dove il mandolinista ha interpretato i primi quattro movimenti (non la Ciaccona) della celebre Partita n. 2 in re minore per violino solo di J.S.Bach, in una sua trascrizione per mandolino solo. Al termine di ogni movimento- Allemande, Courante, Sarabande e Gigue- l'intervento al pianoforte di Klein, che partiva da Bach per trovare raffinate e delicate improvvisazioni jazz di notevole espressività . Prima di Bach anche un ottimo Fauré con Aprés un reve con un preciso mandolino. Un connubio certamente riuscito che, oltre a rivelare le qualità classiche di Avital, ha mostrato le abilità improvvisatorie di Klein, giocate su genuine, semplici e raffinate idee. Applausi fragorosi al termine e tre bis, -uno dei quali l' originale Espagna e anche l'ottimo Yemen hanno concluso la splendida serata. ( Foto in alto di Alberto Panzani- Stampa Serate Musicali )

30 gennaio 2024 Cesare Guzzardella

Alta qualità per il pianista Daniele Martinelli allo Spazio Teatro 89

L'ottimo concerto di ieri pomeriggio al Teatro Spazio 89, introdotto come sempre in modo accurato da Luca Schieppati, ha rivelato le eccellenti qualità del giovane pianista bergamasco Daniele Martinelli. La denominazione azzeccata "Con fuoco" - Passioni e visioni, dal Romanticismo al Novecento - era motivata dalla presenza di noti brani di Schumann, Berg, Scriabin e Messiaen. Partendo dal romanticismo più evoluto della Kreisleriana op. 16 (1837-38) di Robert Schumann , si è passati a tre lavori del Novecento eseguiti senza soluzione di continuità, mostrando una relazione stilistica molto vicina della Sonata op.1 (1907) dell'austriaco Alban Berg, con Vers la flamme op.72 (1915) del russo Alexander Scriabin e con Île de Feu I (1949) del francese Olivier Messiaen. È la rilevante interpretazione di Daniele Martinelli, vent'anni compiuti proprio ieri, che ha esaltato le qualità dei lavori da lui scelti per dare un senso unitario allo splendido impaginato. La sua sicurezza esecutiva, esternata con evidente immedesimazione nella sua matura gestualità, ha prodotto un taglio deciso nel produrre sonorità chiare, dettagliate e ben rilevate nei piani sonori particolarmente riconoscibili. Partendo molto bene dalle otto Fantasie che compongono la poetica Kreisleriana, rese con pregnante e riflessiva discorsività, la resa estetica è risultata ancor più di valore nella sonata giovanile di Berg e nel visionario Scriabin di Vers la flamme op.72, per rangiungere un momento alto e di grande impatto timbrico nel virtuosistico e ritmico brano Île de Feu I di Messiaen, tratto dai suoi "Quatre Études de rythme". Una rivelazione interpretativa di alta qualità quella di Martinelli, molto applaudità dal pubblico presente nell'elegante teatro periferico milanese. Due i bis classici concessi: prima un Allegro con spirito dalla Sonata in Re maggiore n.9 K311 di Mozart e quindi lo Studio Op.25 n.5 di Chopin, entrambi di pregio. Il prossimo concerto allo Spazio Teatro 89 sarà domenica 18 febbraio alle ore 17.00 con il pianista Pier Francesco Forlenza. Da non perdere!

29 gennaio 2024 Cesare Guzzardella

Francesco Libetta al MaMu per il compleanno di Mozart

Il pianista Francesco Libetta ha tenuto un concerto al MaMu - Magazzino musica, in via Soave a Milano per festeggiare il compleanno di "Amadè". Wolfgang Amadeus Mozart era nato infatti il 27 gennaio 1756. Il noto spazio musicale milanese, dove tra spartiti, dischi, libri preziosi, strumenti musicali e incontri di presentazione, è diventato un luogo spesso affollato di concerti, ha ieri trovato insieme al noto pianista pugliese anche la piccola Orchestra MaMu Ensemble, diretta per l"occasione dal pianista-direttore Emanuele Delucchi. L'impaginato, di straordinario interesse, prevedeva prima una rarissima trascrizione per pianoforte solo del Concerto in do maggiore K. 503 nella versione di Friedrich Kalkbrenner. Una trascrizione in senso virtuosistico del celebre brano composto nei classici tre movimenti che Libetta ha in modo estemporaneo eseguito molto bene, mettendo in rilievo con grande capacità tutte le parti non solo pianistiche ma anche orchestrali del corposo lavoro. Dopo il breve intervallo il Concerto in sol maggiore K 453 ha trovato oltre a Libetta anche l'Orchestra MaMu. La parte pianistica di Libetta è stata sostenuta armonicamente con passione dagli orchestrali e gli applausi del pubblico che gremiva per l'occasione la sala non sono mancati. Libetta ha voluto poi proporre due sorprendenti bis solistici, prima con un omaggio a Verdi che moriva il 27 gennaio 1901, con una straordinaria interprerazione dal quintetto da Rigoletto nella celebre trascrizione di F. Liszt e poi ancora Mozart con il movimento centrale di una tra le sue più celebri Sonate. Grande successo.

28 gennaio 2024 Cesare Guzzardella

GRANDE SERATA DI MUSICA A VERCELLI CON IL QUARTETTO ADORNO

Il ViottiFestival ha proposto ieri sera, sabato 27/01, al Teatro Civico di Vercelli, al suo affezionato e numeroso pubblico, un’altra bellissima serata di musica che ha visto protagonista uno dei migliori quartetti d’archi oggi in Italia, il Quartetto Adorno, nato nel 2015 e formato da quattro talentuosi giovani che rispondono al nome di Edoardo Zosi (primo violino), Liù Pellicciari (secondo violino), Benedetta Bucci (viola) e Stefano Cerrato (violoncello). Il programma con cui il Quartetto Adorno si è presentato a Vercelli comprendeva tre quartetti per archi di Beethoven, che rientrano in quel progetto di esecuzione integrale dei diciassette (comprendendo nel calcolo la Grande Fuga op.133 come opera autonoma) quartetti del Maestro di Bonn, progetto che sta ormai volgendo a termine e che gli ‘adorniani’ hanno portato in diverse sale da concerto italiane, oltre che a Vercelli. Ad essi si aggiungeva, come doveroso omaggio a G.B. Viotti nel bicentenario della morte, un quartetto del grande violinista e compositore vercellese. Già nella disposizione degli strumentisti, il Quartetto Adorno dimostra originalità e ricerca di una particolare sonorità: infatti inverte le posizioni di viola e violoncello, spostando all’esterno la prima e all’interno il violoncello, per consentire maggior proiezione all’arco grave. Questa inusuale disposizione della formazione quartettistica funziona al meglio, naturalmente, a condizione che si abbiano due eccellenti violinisti e un altrettanto eccellente viola, capaci tutti di una cavata di buon volume, com’è certamente nel caso del Quartetto Adorno. L’impaginato del programma intelligentemente proponeva tre quartetti, appartenenti alle tre ‘epoche’, o ‘stili’, in cui si è soliti distinguere l’opera beethoveniana. Il primo quartetto proposto, il n.1 in Fa maggiore op.18 (1798, ma in realtà è il secondo della serie di sei quartetti dell’opus 18), appartiene ancora al c.d. ‘ primo stile’ di Beethoven, che ancora risente di influenze settecentesche, soprattutto di Haydn, pur con il progressivo emergere di caratteri originali, soprattutto in direzione di un’accentuazione dei contrasti espressivi. E subito il Quartetto Adorno dimostra tutto il suo valore, fornendo un’interpretazione di alto livello di questa composizione sprizzante, salvo il tempo lento, quell’energia che, in un suo memorabile saggio, Quirino Principe individua come il principio ‘cosmico’ di tutta l’opera beethoveniana, di cui i quartetti costituiscono il vertice assoluto. Con tecnica perfetta e sintonia ormai pienamente collaudata tra gli strumentisti, i quattro dell’Adorno danno voce al carattere assertivo, dalla linea tematica concentrata quasi esclusivamente su un’ unica cellula motivica, dell’Allegro con brio iniziale, in cui il suono più incisivo del violoncello risalta a contrasto con quello più meditativo del primo violino. Ma è nello sviluppo, dalle dimensioni inusitate per l’epoca, che i quattro giovani Maestri hanno dato prova della qualità di questa compagine musicale, con una polifonia trasparente e trascinante, sorretta da una cavata complessiva di forte intensità espressiva: grazie anche ad una scelta sempre efficace delle dinamiche, ne usciva esaltato l’alternarsi di momenti robustamente drammatici ad altri di più distesa eleganza ancora settecentesca, in cui spiccava il timbro brillante dei violini, in particolare del primo, cui in questo primo gruppo di quartetti, Beethoven conferisce ancora un ruolo dominante. Di alta qualità artistica è stata anche l’esecuzione dell’Adagio affettuoso e appassionato, di cui l’Adorno ha interpretato con una forte carica espressiva, virata su un pathos intenso, ma senza retorica, il tema principale in minore, mentre ha dimostrato una cura sapiente dei dettagli timbrici nella sezione centrale del movimento, dominata dal primo violino e dal violoncello. Bravi, i quattro giovani musicisti, anche nel dar voce a quella vena di umorismo che impronta il terzo movimento in Allegro (non più un Minuetto, non ancora uno Scherzo) con il giocare incessante tra legato e staccato, e alla vivacità ritmica dell’Allegro finale. La maturità del Quartetto Adorno, la qualità e la serietà della ricerca dei valori espressivi della partitura si è confermata pienamente nel secondo dei quartetti della serata, noto come ‘Quartetto delle Arpe”, il n.10 in Mi bem. Maggiore op.74 (1809) Questo quartetto, non tra i più eseguiti tra i diciassette beethoveniani, segna, all’interno del ‘secondo’ stile, la ricerca di nuove strade, da parte di Beethoven, una nuova forma del discorso musicale. Qui l’interprete non ha più a che fare col Beethoven ‘eroico’ e drammatico, tipico del secondo stile, ma con un Beethoven che tende a portare in primo piano altri elementi della costruzione musicale, tra cui, assolutamente centrale, il timbro, il colore dell’impasto strumentale, di cui chi interpreta questo magnifico pezzo è chiamato a illuminare tutte le sfumature. A questa esigenza l’esecuzione del Quartetto Adorno ha corrisposto a un livello tecnico ed estetico che merita una valutazione di eccellenza. Impossibile, ovviamente soffermarsi su tutti i dettagli, ma per noi momenti memorabili di questa interpretazione rimarranno la delicatezza e ricchezza di sfumature del Poco Adagio introduttivo, con la paletta timbrica dei quattro strumenti che intreccia, fonde, sfuma l’inciso melodico dallo strano tono interrogativo che apre questo capolavoro; la finezza dei pizzicati, che sembrano espandersi, fino a spegnersi nella conclusione della sezione in Allegro del primo movimento (e cui si deve il titolo dato al quartetto);la dolcezza dell’Adagio, in forma di Rondò, quasi attonita nella sospensione arcanamente suggestiva delle pause, con la terza enunciazione del Refrain in cui la tessitura musicale arrivava all’ascoltatore come un miracolo di echi e rimandi tra quattro linee sonore diverse, eppur sfumate l’una nell’altra, come un meraviglioso arcobaleno sonoro; e il culmine di questa accuratissima e raffinatissima ricerca timbrica, il Finale Allegro, in forma di Variazioni (sei) su un dolce tema di lieder, sulle quali s’innalza, come incantesimo sonoro, la seconda, dove è la viola a procurare l’emozione più vibrante con il suo sommesso mormorio in legato. Una vera immersione in un mondo di suoni che richiama alla mente quella frase di Kierkegaard, tanto cara a quell’Adorno che i membri di questo quartetto hanno consacrato a loro nume tutelare: “Dove i raggi del sole non giungono, pur giungono i suoni”. Il terzo e ultimo quartetto di Beethoven in programma era il n.14, in Do# min. op.131, in pieno ‘terzo stile’ beethoveniano (1826). Eseguire uno degli ultimi quartetti di Beethoven, e in particolare, diremmo, proprio questo monumentale op.131, significa proporsi una sfida da far “tremar le vene e i polsi”. Già la tonalità comporta, con le sue quattro alterazioni in armatura di chiave, più di una complicazione nell’intonazione e nella diteggiatura, specie per gli archi ( e non parliamo del sol# min. del sesto movimento, che di alterazioni ne presenta ben cinque!). Aggiungiamo gli sforzi che Beethoven chiede agli strumentisti e in particolare al primo violino, con salti vertiginosi dal grave all’acuto e al sovracuto e difficoltà ritmiche d’ogni sorta: il Presto, cioè il quinto movimento dell’op.131 era, ai tempi di Beethoven, giudicato per gran parte ineseguibile, persino da uno dei più validi violinisti del tempo come Schuppanzigh, che Beethoven mandò semplicemente al diavolo. Vero banco di prova della qualità di un quartetto, suo ‘esame di maturità’, è stato affrontato dal Quartetto Adorno con un piglio e una bravura davvero ammirevoli, e con un esito interpretativo di notevole qualità, con intonazione pregevole e sincronismo rigoroso negli attacchi. Indicheremo anche in questo caso i momenti per noi più alti di questa esecuzione: il primo movimento, nella forma della fuga, forma amatissima dall’ultimo Beethoven, che i quattro giovani talenti hanno interpretato con chiarezza e nettezza apollinee, in cui l’intreccio polifonico delle quattro linee strumentali è parso spesso fondersi in un unico flusso, dai timbri diversi, e soprattutto quello che è un po’ il centro dell’intera opera, il quarto movimento, l’Andante ma non troppo e molto cantabile’ , un Tema con variazioni (anche questo un genere onnipresente nel ‘terzo stile’ beethoveniano). Man mano che le variazioni procedono, il Quartetto Adorno ne sottolinea il carattere sempre più armonicamente e tematicamente complesso, con una sottile cura dei dettagli armonico- contrappuntistici e timbrici, in cui ogni strumento sembra farsi portatore di un mondo d’idee musicali proprie, ora addensando il suono, ora rarefacendolo, con un gioco vario e incantevole di dinamiche, veramente bello a sentirsi. e l’Allegro finale, l’enigmatica esplosione con cui si conclude questo immenso (in tutti i significati dell’aggettivo) quartetto, che l’Adorno ha suonato con una intensità di suono straordinaria, corrusca di quei sinistri bagliori, che fecero dire allo scrittore romantico russo Alexander Bestujev che “nel finale del quartetto 14 di Beethoven s’acquatta l’ombra del diavolo”. Intelligenti pauca, dice un adagio latino: a chi capisce bastano poche parole: è stato un quartetto op.131 tra i più esteticamente riusciti da noi ascoltati recentemente. Davvero complimenti a questi giovani talenti. Tra il quartetto op.74 e quello op.131, che chiudeva la serata, è stato inserito l’omaggio a Viotti, il quartetto in Mi maggiore WII:6. Viotti compose sedici quartetti, come Beethoven, sempre che non conteggiamo la Grande Fuga come pezzo indipendente. Quello presentato ieri sera appartiene ad una raccolta di sei quartetti pubblicata nel 1783 ed è in soli due movimenti, entrambi in Allegro, il secondo in forma di Rondò. L’interpretazione che il Quartetto Adorno ne ha offerto colloca molto bene l’arte di Viotti nel suo appropriato contesto, cogliendone i caratteri peculiari: come bene dice la nota di presentazione del programma di sala, l’essenza dei quartetti di Viotti consiste in una garbata conversazione tra i quattro archi in uno stile concertante, in cui il dominio del primo violino è nettamente limitato a vantaggio degli altri tre archi. Questa conversazione si esprime in un linguaggio che unisce, in originale ed efficace sintesi, l’eleganza limpida dello stile galante con un lirismo che, lontana eredità barocca della scuola corelliana e della ‘musica degli affetti’, sa attingere talora un’intensità che presente il romanticismo, in particolare nel primo movimento, in cui la serenità del tema principale s’incrina in alcuni passaggi di ombroso ripiegamento. Valida, dunque l’interpretazione del Quartetto Adorno nel cogliere quella limpidezza e quella vena più pensosa ed elegiaca che scorre, per così dire, sotto di essa, grazie ad una cura meticolosa di dinamiche e timbri. Un concerto che ha riscosso un grandissimo e strameritato successo e davvero tra i più coinvolgenti della stagione, salutato da un prolungato e fragoroso applauso del pubblico accorso al Teatro Civico, che ha strappato il bis ai quattro protagonisti della serata: lo Scherzo dal quartetto di F. Schubert ‘La morte e la fanciulla’, eseguito con la finezza e la sensibilità espressiva di cui il Quartetto Adorno ha dato abbondante prova nel corso di tutta la serata. Da ricordare. ( Foto Ufficio Stampa Vercelli)

28 gennaio 2024 Bruno Busca

Marie-Ange Nguci diretta da Alexander Briger in Auditorium con l'Orchestra Sinfonica di Milano

L'interessante concerto sinfonico ascoltato ieri sera in Auditorium con l'Orchestra Sinfonica di Milano prevedeva due ultimi lavori di due grandi musicisti quali W.A.Mozart e J.Brahms. Il classico e in apparenza "facile" Concerto in si bem. maggiore n.27 K. 595 del grande salisburghese, del 1791, si opponeva all'ultima fatica sinfonica del musicista amburghese Brahms, un lavoro romantico evoluto che ritrova una sintesi espressiva del musicista più maturo, che ha terminato il genere sinfonico con la sua Sinfonia n.4 in mi minore op.98, composta nel 1884-85. Alla direzione della valida Sinfonica milanese, il direttore australiano Alexander Briger ha dato sfoggio delle sue qualità interpretative in entrambi i lavori. Nel delizioso concerto mozartiano, protagonista della serata e per la prima volta da me ascoltata, la giovane pianista franco-albanese Marie-Ange Nguci ha rivelato doti pianistiche di eccellente resa stilistica attraverso un tocco sicuro, chiaro, ben delineato nei piani sonori e certamente importante per lo svolgimento complessivo delle sonorità orchestrali. Il rapporto tra tutti e solista è stato di ottimo equilibrio volumetrico e di corposa miscela timbrica. L'apparente semplicità discorsiva del concerto di Mozart abbisogna di riempire con spessore interpretativo le semplici ed espressive frasi musicali delineate dalla successione di poche ma pregnanti note e la Nguci ha dato un grande prova di alta qualità discorsiva. Il virtuosismo più complesso della pianista è poi emerso nei due bis concessi di cui il primo era per la sola mano sinistra. Dopo l'intervallo, un cambio totale di registro ha definito la Quarta Sinfonia di Brahms per una direzione ed una esecuzione di ottimo livello, mediata da un'energica sintesi ben chiarificata dalle sezioni orchestrali e dai validi interventi solistici. Un concerto complessivamente valido che troverà la replica domenica alle ore 16.00. Da non perdere!

26 gennaio 2024 Cesare Guzzardella

La Filarmonica della Scala diretta da Ingo Metzmacher per Luigi Nono e Dmitrij Šostakovič

Meritato successo al Teatro alla Scala alla seconda replica del concerto sinfonico che prevedeva alla direzione della Filarmonica scaligera il tedesco Ingo Metzmacher per un omaggio a Claudio Abbado che oltre cinquant'anni fa, proprio alla Scala nel 1972, esegui l'importante brano del compositore veneto Luigi Nono “Como una ola de fuerza y luz“. Quest'anno ricorre il centenario dalla nascita di Nono, uno dei grandi esponenti italiani delle avanguardie musicali post anni '50 - insieme a Berio e Maderna- che cambiarono i modi di concepire la musica facendo anche uso della musica elettronica e unendo i linguaggi registrati in laboratorio, nello storico centro di Fonologia Musicale della Rai, con le esecuzioni strumentali dal vivo. Ricorre anche il decennale dalla morte di Claudio Abbado. Il brano di circa trenta minuti che ha anticipato l'esecuzione della Sinfonia n.4 di Dmitrij Šostakovič, era per Soprano, pianoforte, orchestra e nastro magnetico e ha trovato la voce di Serena Sáenz e il pianoforte di Pierre-Laurent Aimard, uno dei massimi interpreti del repertorio contemporaneo. Regista del suono Paolo Zavagna. Il suggestivo impatto del corposo lavoro di Nono ha riempito di stratificazioni sonore il Teatro scaligero attraverso la perfetta miscelazione della parte registrata, quella originale di allora, alle sonorità orchestrali dirette in modo eccellente da Ingo Metzmacher, direttore specialista nella musica del Novecento e contemporanea. L'alternanza tra i registri alti della limpida voce di Serena Sáenz, sia nel canto che nella lettura del testo di Nono tratto dal poema di Julio Huasi Luciano, e l'incisiva componente percussiva dove anche il pianoforte, suonato in modo impeccabile da Aimard soprattutto nei registri gravi in modo da fondersi con i roboanti effetti delle percussioni, ha ricreato quell'atmosfera magica e rivoluzionaria di quel particolare periodo storico del quale Nono fu tra i più autorevoli rappresentanti. Splendida esecuzione. Dopo il breve intervallo, un'esemplare interpretazione della Quarta Sinfonia di Šostakovič in Do minore op.43 (1937) ha rivelato il personalissimo linguaggio del compositore russo. Il lungo brano in quattro movimenti - Allegretto poco moderato, Moderato con moto, Largo e Allegretto - ricco di contrasti, cambiamenti di tempo, momenti raccolti e altri di fragorose esternazioni timbriche, è stato espresso con maestria dalla Filarmonica della Scala e dalla dettagliata direzione di Metzmacher. Successo inevitabile.

26 gennaio 2024 Cesare Guzzardella

LA LIRA DI ORFEO AL CONSERVATORIO CANTELLI DI NOVARA

Il Conservatorio Cantelli di Novara da anni ha avviato una sezione di corsi strumentali dedicata specificatamente alla musica barocca, il cui frutto è la creazione di un Ensemble Barocco, formato dai migliori allievi dei corsi, nonché periodici e interessanti concerti dedicati a particolari aspetti di questo affascinante periodo della Storia della musica. Quest’anno vedrà una serie di concerti intitolata ‘La lira di Orfeo’, dedicata alla scoperta degli strumenti della musica barocca, il primo dei quali, dedicato al clavicembalo e al violino barocco, si è tenuto ieri, giovedì 25 gennaio, nella Sala Tognatti del Conservatorio, in cui l’Ensemble Barocco del Cantelli vedeva la partecipazione degli allievi delle classi della Professoressa Centurioni (violino) e del Maestro Bonizzoni (clavicembalo). Va precisato che per ‘violino barocco’ s’intende uno strumento, in uso grosso modo tra metà’500 e primi del’700, un poco diverso dal violino moderno: leggermente più piccolo nelle dimensioni, con manico e tastiera più corti, ma soprattutto con una montatura diversa, un’anima più corta, dal suono particolarmente chiaro e trasparente, ricco di armonici e risonanze, di minor volume rispetto ai violini moderni (il che lo rende più adatto ad un accompagnamento del clavicembalo), ma piuttosto brillante. Ad iniziare il concerto sono stati i tre giovani violinisti Michele Alziati, Gabriele Cervia, e Federica Rolli, accompagnati dal basso continuo, affidato alla classica coppia violoncello (Andrea Alziati) e clavicembalo (Luca Canneto). Il brano presentato era di Fabrizio Caroso (1530 ca. – 1605), autore poco noto anche agli studiosi, tant’è che e ne ignorano quasi del tutto le vicende biografiche. Si tratta di una versione per soli strumenti di una composizione destinata ad accompagnare una danza con un madrigale a due voci, ‘Celeste giglio”. Buona l’esecuzione, con il suono brillante dei violini che, intrecciandosi al timbro più scuro del violoncello e a quello secco e quasi metallico del clavicembalo, ha animato con varietà di colori il vivace ritmo di danza di questo tipico pezzo da festa di corte. Alessio Platinetti ha poi eseguito al cembalo la Toccata prima, dal Primo libro di toccate (1615) di Girolamo Frescobaldi (1583-1643). Davvero apprezzabile la bravura con cui Platinetti ha saputo dare voce alla tipica espressività della musica barocca, quella musica degli ‘affetti’, che si realizza nella caratteristica varietà toccatistica con la sua sapiente alternanza di passi lirici e polifonici, col frequente cambiamento di temi, dei ritmi, della scrittura, qui imitativa e in libero contrappunto, con rapidi passaggi. Una festa per le orecchie, creata da un grandissimo musicista e ottimamente eseguita da un giovane già dotato del pieno controllo tecnico della tastiera. A Frescobaldi, uno dei più importanti tastieristi del Barocco musicale, seguiva nell’impaginato del concerto, una sonata del bresciano Biagio Marini (!587-1665), forse meno noto di Frescobaldi, ma non meno importante storicamente, perché fu tra gli inventori della sonata per violino: in assoluto, fu il primo violinista a noi noto a scrivere per il suo strumento. Il pezzo di Marini in programma era la Sonata IV sopra due corde dall’Opus VIII. Come Frescobaldi con la Toccata per clavicembalo, così anche Marini nella Sonata per violino adotta una forma strutturalmente molto libera nell’alternanza di movimenti lenti e veloci, senza alcuno schema vincolante di successione, perseguendo lo scopo di variare i movimenti a seconda degli affetti. Il giovane violinista Gabriele Cervia, accompagnato al basso da Alessio Platinetti, si fa davvero ammirare per la bravura con cui, dando smalto al suono brillante delle sue quattro corde, interpreta in modo convincente il ricco mondo di affetti di questo bel pezzo, dimostrando un virtuosismo tecnico già maturo nei passaggi più rapidi, nelle doppie corde , nei trilli, che abbondano nella scrittura di Marini, a potenziare la linea espressiva delle composizioni. Dall’Italia alla Francia con Francois Couperin (1668-1733) con una Courante, in cui ha dato ottima prova di sé il clavicembalista Gioele Cantalovo, nel valorizzare le diverse soluzioni timbrico-armoniche, secondo una tecnica di cui Couperin fu maestro alle generazioni successive di clavicembalisti, a cominciare dal suo più diretto erede, Philippe Rameau (1683-!764), come dimostra la sua Dauphine (1747), l’ultima composizione accertata per clavicembalo di Rameau. Pezzo isolato, non appartenente ad alcuno dei tre libri dei Pièces de clavecin, scritto in occasione delle nozze del Delfino di Francia, donde il titolo, presenta un carattere spiccatamente toccatistico, con il libero alternarsi di sezioni lente e altre veloci, con notevole tasso di virtuosismo tecnico nei passaggi rapidi e densità contrappuntistica, banco di prova, una volta di più, della piena maturità tecnica di Cantalovo. Di nuovo Couperin con La Piemontoise, dal IV Ordre,” Le Nations”, qui in versione per due violini (Gabriele Cervia e Federica Rolli), col basso continuo del violoncello (Andrea Alziati), e del clavicembalo (Gioele Cantalovo). Brano ‘descrittivo’, vive tutto dei diversi timbri dei tre strumenti, nella contrapposizione tra il brillante suono dei violini e il sottofondo caldo e scuro del violoncello e della vivacità ritmica che contraddistingue gran parte del pezzo, aspetti resi entrambi al meglio, con ottima intesa tra le parti, dai quattro esecutori. L’Ensemble Barocco del Cantelli affida al clavicembalista Luca Canneto l’esecuzione della Ciaccona del tedesco Johann Caspar Ferdinand Fischer, pezzo che risente chiaramente dell’influenza francese, in particolare per la ricchezza dell’ornamentazione, unita peraltro ad una scienza contrappuntistica tipicamente tedesca. Chiamato a confrontarsi con queste caratteristiche, Canneto se la cava egregiamente, mostrando anche lui di aver già raggiunto una valida padronanza tecnica dello strumento. Questo concerto barocco non poteva non concludersi con un omaggio a due protagonisti assoluti di quella lunga stagione musicale, e tra i grandissimi della musica di ogni tempo: Arcangelo Corelli, e, ovviamente, J.S. Bach. Apprezzatissimo, per la cantabilità lirica di limpido melodismo del violino di Michele Alziati l’Adagio dalla sonata terza dal Libro V per violino e clavicembalo di Arcangelo Corelli, con Matteo Cotti al cembalo. Con una scelta di grande interesse il pezzo è stato suonato in due versioni: la prima è quella contenuta nel manoscritto autografo, molto asciutta e priva di ornamentazione. Si sa che per Corelli e per molti compositori e musicisti dell’epoca l’ornamentazione non era obbligata, ma affidata all’estro dell’improvvisazione e quindi la partitura era poco più che un canovaccio. E’ stata quindi proposta una seconda versione di questo Adagio di Corelli, da un’edizione olandese delle sue sonate, caratterizzata dalla presenza di ricche ornamentazioni (trilli, acciaccature e mordenti), che si presume riproducesse la pratica esecutiva di Corelli: ne è risultato un brano di affascinante ‘belcantismo’ italiano, trasposto per il violino. I primi due movimenti della Sonata per violino e clavicembalo di J. S. Bach in Mi maggiore Adagio/Allegro BWV 1016 sono stati eseguiti da Gabriele Cervia al violino e Matteo Cotti al clavicembalo. Com’è risaputo , nel gruppo di Sonate BWV 1014-1019, il cembalo ‘obbligato’ acquista un peso strumentale che va ben oltre la semplice funzione di basso continuo, dialogando alla pari con il violino. Purtroppo, forse per la stanchezza, forse per l’emozione o la difficoltà tecnica del pezzo, l’esecuzione del pur bravo Cervia, con qualche stecca e note ‘sporcate’ di troppo, non è stata impeccabile, mentre Cotti al clavicembalo ha dato ottima prova di sé, sia nell’Adagio, in cui la mano destra (la sinistra ha un puro compito di sostegno accordale), è chiamata, in dialogo col violino all’elaborazione di un motivo ostinato, piacevolmente cantabile e ornato di varie fioriture ‘belcantistiche’, sia nell’Allegro, che presenta un severo contrappuntismo, con un impegnativo stile fugato, eseguito con trasparenza e precisione: stile ‘italiano’ e ‘stile tedesco’, si uniscono esemplarmente nel momento più alto e conclusivo della musica barocca, il genio bachiano. Gli applausi scroscianti del pubblico presente in Sala Tognatti testimoniano il pieno successo di questo concerto e il riconoscimento di una nuova realtà che si sta affacciando sulla scena musicale di Novara: l’Ensemble Barocco del Cantelli.

25 gennaio 2024 Bruno Busca

L' ottimo Mozart con il clarinetto di Dimitri Ashkenazy e la direzione di Beatrice Venezi

Il concerto ascoltato in anteprima questa mattina al Dal Verme aveva come brano di maggior attesa il Concerto per Clarinetto e Orchestra in la maggiore K. 622 di W. A. Mozart e come solista di riferimento il clarinettista Dimitri Ashkenazy. A completare il programma due lavori ispirati dal Settecento mozartiano o da epoche barocche più lontane quali Le Tombeau de Couperin di Ravel e la Sinfonia n.1 in re maggiore op. 25 "Classica" di Prokofiev. Alla direzione dell'Orchestra dei Pomeriggi Musicali c'era Beatrice Venezi. Di rilevante qualità, il celebre concerto mozartiano -una delle sue ultimissime composizioni ( ottobre 1791) - è stato ottimamente sostenuto da Ashkenazi, orientato da una direzione che, in questo capolavoro di scrittura, si è rivelata più che all'altezza. Le sonorità trasparenti e ben miscelate degli orchestrali de "I Pomariggi" hanno trovato una precisa ed espressiva risposta nel solismo del clarinettista. Dopo la breve pausa, i due lavori orchestrali di Ravel e di Prokoviev composti entrambi attorno al 1915, hanno trovato una buona esecuzione. Il riferimento al barocco in Ravel, con le quattro parti- Préludes, Forlane, Menuet e Rigaudon- che compongono il lavoro di Ravel e la classicità del brano di Prokofiev meritavano una definizione più netta delle timbriche e maggiori contrasti tra i rispettivi andamenti. Un concerto comunque complessivamente valido che avrà la prima ufficiale questa sera alle 20.00 e la replica sabato prossimo alle 17.00. Si consiglia la partecipazione.

25 gennaio 2024 Cesare Guzzardella

Slancio, rigore e passione per Anna Tifu e Giuseppe Andaloro

Decisamente azzeccata la denominazione "Slancio, rigore e passione" data al concerto della violinista sarda Anna Tifu e dal pianista siciliano Giuseppe Andaloro nella serata organizzata dalla Società dei Concerti. Da moltissimi anni suonano in duo e preparano impaginati particolarmente variegati e ricchi di virtuosismo. Nelle pagine ascoltate ieri sera i musicisti scelti erano Grieg, Schumann e Prokofiev per complessivi quattro brani, almeno due dei quali molto eseguiti. La celebre Sonata n. 3 in do minore op. 45 di E. Grieg ha introdotto il concerto rivelando da subito l'alta cifra espressiva e l'intesa di questa coppia in musica, che è andata in questi anni via via migliorando nel corso dei numerosi concerti sostenuti. Lo slancio, il rigore tecnico e la passione generata da una naturale capacità di unire ragione e sentimento ha avuto una conferma nei tre movimenti che compongono una sonata ricca di elementi folcloristici, scritta dal musicista norvegese nel 1887. Con la Fantasia in do magg. op. 131 di Robert Schumann, composta nel 1853 e di rarissima esecuzione, il mondo romantico è stato ancor più delineato da un'esecuzione apparentemente estemporanea ma che in realtà rivela uno studio approfondito di ogni dettaglio. Con il Prokofiev della rara Sonata n.1 in fa minore op.80, un lavoro cupo e tormentato, estremamente vario e sfaccettato, composto dal grande russo tra il 1938 e il 1946, è emersa la prorompente abilità di Andaloro di ricreare la struttura del brano con giusta enfasi per esternare timbriche ricche di energia e d'impatto scultoreo. La sua è una naturale abilità di esprimersi alla tastiera in modo chiaro, mettendo in risalto le parti più nascoste del difficile brano. La parte violinistica, altrettanto importante, espressa con precisione dalla Tifu, ha creato l'atmosfera unitaria della sonata, caratterizzata dal riconoscibile linguaggio del compositore. Un' interpretazione di alta levatura estetica. Con l'ultimo lavoro dell'impaginato, rimanendo in Sergej Prokofiev, la scelta della Suite da Romeo e Giulietta del 1937 ci ha permesso di riascoltare i dieci celebri brevi brani di questo capolavoro destinato al balletto, ma particolarmente diffuso anche nella versione orchestrale e cameristica. Il bellissimo vibrato del voluminoso violino di Anna Tifu, espresso con una precisa intonazione dello strumento anche nei più impervi sopracuti e con un'accattivante modalità di fraseggio, si è unito alle corpose armonizzazioni e al virtuosistico modo di melodiare di Andaloro. Ancora una volta la resa interpretativa è risultata altamente espressiva ed è stata apprezzata dal pubblico presente in Sala Verdi attraverso fragorosi applausi. Ottimo il bis concesso con un esemplare Blues, secondo movimento dalla Sonata n.2 (1923-27) di Maurice Ravel, interpretato dal duo con grinta jazzistica.

25 gennaio 2024 Cesare Guzzardella

Meritato successo alla Scala per la Médée di Cherubini

Successo per la Médée di Luigi Cherubini alla quarta rappresentazione scaligera. Prima dell'inizio il sovrintendente Dominique Meyer ha annunciato la sostituzione del soprano Marina Rebeka, influenzata, con Claire de Monteil nel ruolo di Médée. Per la prima volta l'opera in tre atti del compositore italiano su libretto di François-Benoît Hoffmann è stata eseguita al Teatro alla Scala nella versione in francese. Resa celebre nella versione italiana dalla Callas con le direzioni di Leonard Bernstein e di Thomas Schippers negli anni '50 e '60 del secolo scorso, Medea trovò nel teatro milanese la sua ultima rappresentazione nel maggio del 1962. La nuova produzione scaligera ha visto la regia di Damiano Michieletto sulle scene moderne e minimali di Paolo Fantin, i costumi recenti di Carla Teti, le luci, particolarmente rilevanti, di Alessandro Carletti e la drammaturgia di Mattia Palma. . È un'unica scena per tutti i tre atti - raggruppati in due parti- che mostra un ambiente moderno della ricca borghesia in sostituzione di quello che era il palazzo di Crèon a Corinto. Una modernizzazione che nulla toglie al ruolo ambiguo, tra amore e odio, della protagonista Médée. Michieletto con la sua regia essenziale, probabilmente ha voluto mettere a nudo i protagonisti utilizzando modalità teatrali attuali, partendo dall'idea che la triste vicenda, ispirata dalla tragedia classica di Euripide, da quella di Seneca e poi da quella seicentesca di Corneille, è quella che purtroppo comunemente accade ai nostri giorni. L'eccellente orchestrazione di Michele Gamba ha dato unità al lavoro. Il suo approccio alla musica di fine Settecento di Cherubini, proiettata però verso il Romanticismo, ha sintesi discorsiva con timbriche spesso energiche, ricche di ritmo. Il suo approccio è ideale per rendere attuale una partitura ricca di idee, moderna e in sintonia con la modernizzazione operata dal regista. Le parti recitate sono molto ridotte rispetto la versione originale francese andata in scena a Parigi nel 1797, e la vicenda viene anche raccontata dalle voci registrate in francese ( voci di T.Nessi e S. Barri ) dei bambini, figli di Médée, che interrompendo il flusso teatrale creano momenti di tenera riflessione soprattutto nel delineare l'amore di questi verso la madre. Il complessivo ottimo cast vocale ha trovato l'inaspettata voce di Médée in Claire de Monteil, un soprano che dal suo ingresso, nella parte finale del primo atto, è andata qualitativamente in crescendo sino ad un'ottima resa finale sia nella vocalità, con timbrica dai colori scuri di ottima resa espressiva , sia attorialmente. Di grande pregnanza coloristica la voce di Martina Russomanno, una Dircé ben orientata in palcoscenico; valido Nahuel di Pierro in Créon e in crescendo vocalmente Stanislav De Barbeyrac, Jason, ottimo nel finale del terzo atto; decisamente valida la voce di Ambroisine Bré in Néris specie nellaria "Ah! Nos peines seront communes". Di qualità Greta Doveri e Mara Gaudenzi. Eccellente, come sempre, il Coro scaligero ben inserito in scena, preparato da Alberto Malazzi. Bravi attorialmente i figli di Jason e Médée nei nomi di Tobia Pintor e Giada Riontino. Successo deciso con applausi sostenuti per tutti. Prossime recite il 26 e il 28 gennaio.(prime due foto di Brescia e Amisano- Archivio della Scala)

24 gennaio 2024 Cesare Guzzardella

Lucas Debargue alle Serate Musicali del Conservatorio

Serate Musicali accolgono il pianista francese trentatreenne Lucas Debargue dal 2017. Nel 2015 otteneva un premio (quarto posto) al prestigioso Concorso Internazionale Čaikovskij di Mosca e da allora si è imposto sulla scena internazionale come uno dei più raffinati pianisti della sua generazione. La sua vena creativa -è anche un ottimo jazzista- lo pone tra gli interpreti con autentica personalità. Gli impaginati diversificati di questi anni hanno trovato anche nello splendido concerto di ieri sera in Sala Verdi una varietà nella scelta dei compositori: Bach, Chopin, Beethoven e Medtner hanno rivelato, ancora una volta, le qualità di un interprete che esce dagli schemi classici sin dal modo di proporre l'ordine dei brani. Partendo dal Preludio e fuga n.7 del bachiano Clavicembalo ben temperato ( primo libro ) eseguito con una luminosità evidente in una variegata gamma dinamica, Debargue è passato poi alla Ballata n.3 op.47 di Chopin, con un salto storico che non sarebbe accettabile da ogni interprete classico del passato. I bellissimi colori donati a Chopin, nella sua personalizzazione erano in sintonia con il suo Bach. Tornando in dietro nel tempo ha poi eseguito la celebre Sonata n.14 op.27 n.2 "Al chiaro di luna" di Beethoven. Il noto Adagio sostenuto iniziale, eseguito con pacata e profonda interiorizzazione ha trovato in contrasto l'Allegretto centrale e poi il rapido Presto agitato finale espresso nei dettagli e con contrasti ben delineati nella veloce esternazione. Il ritorno a Chopin con la splendida Ballata n.4 op.52 ha riportato l'interprete nel territorio precedente al compositore tedesco. Decisamente valida e personale la sua visione chopiniana, eseguita con tocco leggero ma espressivo, nella definizione unitaria del lavoro. Il breve intervallo ha permesso uno stacco per un autore molto interessante quale il russo Nicolai Medtner con la sua Sonata n.1 in fa minore op.5 (1901-1903). Prima delle sue 14 sonate pianistiche, è un lavoro giovanile assai ampio, in quattro movimenti, già personale e orientato ad un notevole virtuosismo come nel sorprendente Finale.Allegro risolto. Debargue ha trovato in Medtner un compositore creativo a lui congeniale per varietà compositiva, con continuo cambio di tempi e di andature, per una sonata visionaria particolarmente ispirata. Applausi fragorosi meriratissimi da parte del pubblico presente in Sala Verdi, con la presenza di numerosi giovani. L'infaticabile pianista, malgrado un serio problema alle gambe che lo ha costretto a rimanere il più possibile seduto davanti al pianoforte, ha proposto due eccellenti bis con due Sonate di Domenico Scarlatti (K 132 e K 253) tra le meno eseguite e da lui rese stupendamente nella varietà dei contrasti. Ancora fragorosi applausi.

23 gennaio 2024 Cesare Guzzardella

L'eccellente Royal Concertgebouw Orchestra diretta da Chung alla Scala

Il concerto straordinario di ieri sera al Teatro alla Scala ha trovato la Royal Concertgebouw Orchestra diretta da Myung-Whun Chung. Una compagine, quella olandese, tra le migliori al mondo, specie nelle grandi sinfonie di Mahler e di Bruckner. L'impaginato prevedeva prima il Concerto n.17 in sol maggiore K. 453 di Mozart e poi la Sinfonia n.7 in mi maggiore di Anton Bruckner. Due compositori austriaci diretti da un sud-coreano di Seul che proprio oggi -22 gennaio- compie settantun'anni. Protagonista del concerto mozartiano Emanuel Ax, pianista statunitense settantaquatrenne nato in ucraina. Altissimo il livello estetico dei due lavori. Il concerto mozartiano ha avuto un fuoriclasse al pianoforte. Il classicismo di Ax in un autore come Mozart si è rivelato in tutto il suo equilibrio, nella discreta eleganza e nella bellezza dei colori che il brano impone. La componente orchestrale, importante come quella solistica, era perfettamente in sinergia con i colori tenui e interiori del pianoforte. Splendidi tutti e tre i movimenti e rilevante anche il più estroverso Allegretto finale definito, tra tonalità maggiore e minore, da una serie di variazioni sul tema, sia solistiche che dell'orchestra. Applausi meritatissimi ed eccellente il bis pianistico di Ax con il Valzer op.34 n.2 di Frederyc Chopin eseguito con vellutata pregnanza coloristica. Dopo il breve intervallo la corposa Settima Sinfonia di Bruckner è stata esaltata dalla direzione di Chung e dai colori della splendida orchestra. La chiarezza espressiva ascoltata in tutti i quattro movimenti è emersa in modo evidente. Chung riesce, con un gesto discreto ma efficace, a implementare un rapporto volumetrico tra le diverse sezioni orchestrali molto equilibrato, ben miscelate le timbriche e prive di ogni prevaricazione le sezioni di maggiore potenza sonora. La qualità superlativa della compagine è emersa attraverso il lavoro di cesello dei colori, delle dinamiche nei giusti tempi scelti dal direttore. Un successo strepitoso in un teatro straripante di appassionati e con moltissimi giovani. Uscite continue in palcoscenico per il grande direttore che ha preteso gli applausi per ogni sezione strumentale e per le importanti parti solistiche. Memorabile!

22 gennaio 2024 Cesare Guzzardella

A NOVARA LA STAGIONE LIRICA 2024 INAUGURATA DALLA BUTTERFLY

Quasi inevitabilmente la stagione lirica 2024 del Teatro Coccia di Novara si è aperta con un omaggio al centenario della morte di Giacomo Puccini, con quell’opera che, dopo il clamoroso ‘tonfo’ della prima alla Scala nel 1904, era destinata a diventare uno dei suoi capolavori più amati e popolari: Madame Butterfly. A titoli pucciniani è poi destinata circa metà della programmazione di questa stagione del Coccia. Alla terza ed ultima rappresentazione di questa Butterfly, abbiamo assistito ieri, domenica 21/01 (cast principale). Produzione esclusiva del Teatro Coccia, la rappresentazione riprende, con qualche modifica, l’allestimento del 2017, con il medesimo regista, il novarese Renato Bonajuto e la medesima sceneggiatrice, Laura Marocchino. Come già nel 2017, il palcoscenico del Coccia, privato del sipario, viene trasformato in una ‘scatola’ a pareti scorrevoli, con una sorta di velario, sul lato rivolto alla platea, che si abbassa o si alza, a seconda che la ‘scatola’ si chiuda o debba restare aperta, come avviene, ovviamente, per gran parte dello spettacolo. Rispetto al precedente allestimento la regia ha voluto aggiungere un giardino Zen, fatto di pochi, essenziali elementi, un luogo di serena meditazione e di pace, quella felicità cui Cio-cio-san, come gran parte dei personaggi pucciniani, agogna, senza poterla realizzare, con inevitabile esito tragico. Ma la vera, spettacolare novità della nuova messa in scena di questa Butterfly 2024 sta nella decorazione e nei costumi. Le pareti in legno e carta di riso della scatola-casa vengono presentate, in questa occasione, decorati da dipinti, eseguiti a mano dalle maestranze specializzate del Coccia, con terre particolari compattate e spalmate con colla di coniglio (?) e raffigurano rami di ciliegio e ideogrammi finemente stilizzati; i costumi, cui si è dedicato quel raffinato esteta che risponde al nome dello stilista parmigiano Artemio Cabassi, sono una meraviglia tale, che Cabassi si è sentito in dovere di presentarla al pubblico prima dello spettacolo: i kimono e gli obi ( le cinture tipiche legate ai kimono) che indossano i personaggi “giapponesi” sono originali, uno di essi addirittura confezionato più di un secolo fa, fabbricati in Giappone (cui immaginiamo debbano essere restituiti) con sete di qualità speciale e dai colori raffinatissimi: il kimono con cui entra in scena nel primo atto Butterfly è bianco e rosso, sia perché il rosso, ha spiegato Cabassi, è in Giappone il colore degli abiti matrimoniali femminili, sia perché, immaginiamo noi, il contrasto tra bianco e rosso simboleggia il contrasto tra la Cio-cio-san candida e ingenua sposa-bambina all’inizio della vicenda, e la Cio-cio-san tragica figura femminile che alla fine si squarcia il ventre con un pugnale, travolta dalla disperazione e dal crollo di tutti i suoi sogni di felicità familiare e coniugale. Se a tutto questo abbagliante apparato di bellezza aggiungiamo il magico gioco di luci del sempre bravissimo tecnico dell’illuminazione Ivan Pastrovicchio, capace di ricreare notturni di straordinaria suggestione, possiamo ben dire che se” l’occhio vuole la sua parte”, ebbene, con questa Butterfly l’ha avuta a sazietà. L’hanno avuta anche le orecchie? Qui il discorso deve farsi necessariamente più cauto e articolato. L’orchestra, la solida e collaudata Filarmonica italiana era per l’occasione diretta dallo spagnolo José Miguel Pérez Sierra, che vanta una buona conoscenza della partitura, che tuttavia, per dolorosi motivi personali che non staremo qui a riferire, non eseguiva da ben dieci anni. Di Pérez Siérra va elogiata la cura sempre precisa del dettaglio timbrico e dinamico di questa meraviglia pucciniana, una scelta dei tempi perfettamente calibrata al servizio del flusso sempre mutevole e cangiante dei sentimenti dei vari personaggi, che il direttore spagnolo scolpisce in musica con efficacia e intenso coinvolgimento emotivo. Trasparenza e duttilità, dunque, i meriti principali di questa ‘direzione spagnola’ Tuttavia abbiamo più volte avuto l’impressione che il suono dell’orchestra non aiutasse i cantanti, coprendo le loro voci; poiché sappiamo per esperienza che questa percezione può dipendere da particolari condizioni dell’acustica ambientale, sospendiamo il giudizio su questo aspetto della direzione di Pérez Sierra: certo la scelta, che proprio non abbiamo capito, di dislocare le batterie nei due palchi del primo ordine più vicini al palcoscenico (per intenderci, più o meno dove nel classico teatro settecentesco sono le ‘barcacce’), potenziando notevolmente l’effetto sonoro degli strumenti più fragorosi dell’orchestra, non ha giovato ai rapporti tra buca e palcoscenico. Veniamo alle voci. Anche le poltroncine della platea sanno che la Butterfly dipende, musicalmente e drammaturgicamente parlando, da lei, dal primo soprano, dalla cantante che interpreta Cio-cio-san Butterfly. In questa rappresentazione novarese il compito è toccato a Francesca Sassu, giovane, ma con alle spalle una già solida esperienza in teatri prestigiosi, tra cui La Scala. La Sassu è un tipico soprano lirico, dotata di uno strumento vocale morbido e caldo, valida nei mezzi toni ma a nostro avviso, nel ruolo di Butterfly , che ci pare debuttasse qui a Novara ( purtroppo i libretti di sala del Coccia ultimamente hanno cancellato la preziosa sezione riguardante gli interpreti) ha mostrato alcuni limiti: una certa fragilità nei registri medio-bassi, che in parte comprometteva la fluidità del fraseggio e qualche forzatura di troppo negli acuti, che non sempre le riuscivano omogenei. Dobbiamo però dire, a suo onore, che è venuta crescendo nel corso dell’opera, mostrando sempre maggior sicurezza e una più che apprezzabile capacità interpretativa nel disegnare l’evoluzione della personalità di Butterfly e nel dare voce alla sua tragedia, sia nel momento della lunga attesa del ritorno dell’immeritatamente amato Pinkerton, sia nel precipitare del dramma finale. Abbastanza convincente la sua aria più celebre, “Un bel dì vedremo”, al netto da un esordio un po’ sporcato in acuto. L’altra importante voce femminile, il mezzosoprano Suzuki, interpretato da Anna Malavasi, ha sfoggiato un bel timbro brunito e una vocalità duttile e abbastanza fluida, con buon fraseggio, reggendo bene la parte anche sotto il profilo attoriale. Come già nella Bohème di dicembre, anche in questa Butterfly secondo noi era carente il primo tenore, nella fattispecie il ventisettenne romano Valerio Borgioni. Parafrasando Montale, “questo di lui oggi possiamo dire”: non è, per ora almeno, un tenore pucciniano: di casa nelle opere rossiniane e donizettiane (immaginiamo del Donizetti ‘buffo’), è un tenore dotato di una vocalità di buona proiezione, di timbro chiaro, capace di salire ai registri acuti senza troppe difficoltà. Del tenore pucciniano gli manca però la virtù principale: la duttilità e la tensione lirica dello strumento vocale, base imprescindibile per la linea espressiva del canto. La voce di Borgioni è all’esatto opposto una voce monocorde, ignara di sfumature, diciamola tutta: inespressiva. Forse non è un caso che la tensione drammatica dell’opera sia cominciata a crescere con la sua temporanea e prolungata uscita di scena. Il suo contributo al duetto d’amore che chiude il primo atto, uno dei momenti clou dell’opera, è stato pressoché nullo. Non aggiungiamo giudizi circa le sue capacità di attore, anche perché Pinkerton, anche in conseguenza delle modifiche apportate da Puccini alla Butterfly nel 1906, è il personaggio meno risolto e coerente fra tutti quelli creati dal maestro lucchese, sospeso, senza nessuna credibile motivazione, tra il volgare e arrogante cinismo del I° Atto e le insulse e poco credibili velleità di pentimento del III°; e interpretare credibilmente un personaggio fallito drammaturgicamente non è impresa di poco conto, per nessuno. Per completare il quartetto dei personaggi più presenti sulla scena della Butterfly, Angelo Veccia è il baritono interprete del ruolo di Sharpless. Di timbro baritonale non di primissima qualità, ha però un’ottima espansione e un fraseggio chiaro e fluente, con sapienti mezze voci e fiati lunghi: nel complesso una buona prova, la sua. Dei personaggi più di contorno non possiamo dire altro che hanno sbrigato secondo dovere le rispettive parti: dal tenore Marco Miglietta (Goro più che convincente), al basso Emil Abdullaiev (lo zio Bonzo), al tenore Xiaosen Su (Yamadori), al mezzosoprano Eleonora Filippone, la moglie americana di Pinkerton, al basso Antonio Baratti, l’ufficiale del registro. Un elogio speciale va al simpatico e bravissimo bimbo quinquenne Romeo Lunedei, figlio di Anna Malavasi, che è presente dal secondo atto sul palcoscenico nel ruolo di Dolore, il figlio di Butterfly e Pinkerton: per nulla intimidito, si muove con assoluta disinvoltura sulla scena e alla fine saluta con la sua manina il pubblico con la consumata eleganza dei cantanti adulti. Figlio d’arte? Sicuramente valida la prova del coro Schola Cantorum di s. Alberto Magno diretto dal Maestro Alberto Sala, ottimo in tutti i registri vocali e in piena sintonia con orchestra e cantanti. Alla fine il pubblico, da tutto esaurito, ha tributato un lungo applauso e ha richiamato più volte interpreti e direttore sul palcoscenico. Un altro successo del Coccia, un’altra tappa della sua scalata alle prime posizioni, per qualità e prestigio, fra i teatri di tradizione in Italia.

22 gennaio 2024 Bruno Busca

Evgeny Kissin incanta il pubblico del Conservatorio milanese

Il “Concerto per Antonio”, dedicato ad Antonio Mormone, fondatore della "Fondazione La Societa dei Concerti" e scopritore di talenti, ha avuto come protagonista in Sala Verdi il cinquantaduenne moscovita Evgeny Kissin, celebrità del pianismo mondiale che venne introdotto nel circuito concertistico milanese da Mormone quando era ancora una giovane promessa. Ieri nel tardo pomeriggio, in una Sala al completo, il pianista ha presentato un impaginato vario con quattro autori classici quali Beethoven, Chopin Brahms e Prokofiev. Brani celebri che Kissin ha restituito con il suo linguaggio interpretativo fortemente interiorizzato, giocato su una chiarezza coloristica esemplare, con andature moderate e riflessive atte ad evidenziare la componente strutturale delle composizioni. Ha iniziato dalla Sonata n.27 in mi minore op.90 di Beethoven quella in due ampi movimenti espressi elegantemente, con suono scavato, tornito, evidenziando la melodicità del molto cantabile finale. Anche in Chopin, con il Notturno in fa diesis minore op.48 n.2 e con la più ampia Fantasia in fa minore op.49, Kissin ha mostrato il suo modo razionale di mediare il romanticismo del polacco. Uno Chopin troppo perfetto, per nulla estemporaneo e in linea con il suo approccio stilistico alla ricerca dell'equilibrio geometrico. Dopo l'intervallo le Quattro Ballate op.10 di Brahms hanno rivelato un compositore che anticipa il tempo futuro. La raffinata capacità costruttiva di Kissin, controllata razionalmente e indubbiamente coerente con la sua cifra interpretativa, ha evidenziato molto bene almeno le prime tre ballate, l'Andante in re minore, l'Andante in re maggiore e l'Intermezzo in si minore. In esse il senso unitario dei brani e la geometria musicale con forte personalizzazione è stata perfetta. La n.4, l'Andante con moto in si maggiore, ha mostrato nella parte centrale una forte dilatazione che ha fatto perdere probabilmente il senso unitario del lavoro ma che rappresenta un momento di infinita riflessione. Con l'interpretazione del brano finale, la Sonata n.2 in re minore op.14 di Segej Prokofiev, Kissin ha rivelato la sua più autentica affinità con il grande compositore della sua terra. Un' esecuzione di raro spessore espressivo nei quattro movimenti che compongono la straordinaria sonata novecentesca, ricca di rapporti geometrici tra gli elementi che la costituiscono. Perfetti i tempi esecutivi, e articolate le dinamiche dei rispettivi movimenti per un'interpretazione complessiva esemplare. Il fortunato pubblico presente in Conservatorio, mediamente più giovane del solito, entusiasta, ha espresso applausi interminabili. Tre i brevi bis concessi partendo da Chopin con la Mazurka op.67 n.4, passando per Prokofiev con la Marcia da L'Amore delle tre melarance, e concludendo con il noto Walzer op.39 n.15 di Brahms. Standing ovation per Kissin visibilmente soddisfatto e autografi conclusivi nel foyer di Sala Verdi. Straordinario!

21 gennaio 2024 Cesare Guzzardella

Seconda edizione del Premio di Composizione "Costruttori di Armonie" al Conservatorio milanese

Ieri sera in Sala Puccini si è svolta al Conservatorio milanese la finale del Concorso Internazionale di Composizione "Costruttori di Armonie", organizzato da Serate Musicali con il sostegno della famiglia Lodigiani. La serata è stata presentata da Luca Schieppati, organizzatore musicale e pianista. Il Concorso è dedicato a Giuseppe Lodigiani (1918-2004), ingegnere ed importante costruttore, con grande passioni per le arti e soprattutto per la musica, ed è sostenuto dalla famiglia. Siamo giunti alla seconda edizione dedicata quest'anno al violino. Una giuria presieduta da Fulvio Luciani, violinista, dai compositori Carlo Galante e Giorgio Colombo Taccani e dai violinisti Maria Ronchini e Piercarlo Sacco, hanno valutato i quattro brani finalisti: di Giorgio Dalla Villa "Mit innigster Empfindung" per violino e pianoforte; dell'iraniano Sina Jafarikia "Apan Napat" per violino solo; del sud-coreano Jee Seo "On Fever II" per violino solo; del giapponese Hisataka Nishimori "Souten no Raika" ( Lightning in the Azure) per violino e pianoforte. I brani sono stati eseguiti con efficace espressività dal violinista Francesco Melis e dalla pianista Eunmi Park. Presentati da Luca Schieppati con dovizia di dettaglio, i lavori erano tutti di rilievo compositivo, differenti per stile e resa estetica, ed hanno messo in risalto le ottime qualità costruttive dei compositori, ben sottolineate dalle accurate interpretazioni del violinista e della pianista . Al termine delle esecuzioni, alla presenza in sala di molti appassionati, la giuria ha attribuito il Primo Premio al sud-coreano Jee Seo per la sua ritmica On Fever II, brano di breve durata ma di efficace sintesi espressiva. Secondo premio ex-equo assegnato all'italiano Giorgio Dalla Villa e al giapponese Hisataka Nishimori, per due lavori di ottima fattura e di limpida resa costruttiva. Segnaliamo anche il premio del pubblico assegnato al giapponese Hisataka Nishimori per Souten no Raika. Dalla Villa e Nishimori, presenti in sala, insieme agli interpreti, la giuria, Laca Schieppati e la famiglia Lodigiani, sono saliti in palcoscenico per gli applausi finali. Il prossimo anno "Costruttori di Armonie" sarà dedicato al pianoforte. Una iniziativa importante, in collaborazione con il Conservatorio milanese "G.Verdi", che ha lo scopo di promuovere la musica contemporanea e i nuovi modi d'interpretarla.

20 gennaio 2024 Cesare Guzzardella

La Missa Brevis di Benjamin Britten e non solo al Museo del Novecento milanese

Un pomeriggio particolarmente interessante quello organizzato nella Sala Fontana del Museo del Noivecento milanese dalla Rete Culturale Cantosospeso, in collaborazione con la Rede Cultural Luther King con la partecipazione del Coro Didone formato da Sira Milani - Soprano, Woojin Kim - Soprano, Giulia Taccagni – Contralto, Davide Rocca - Baritono e in aggiunta Gledis Gjuzi – pianoforte, Andrea Grossi - contrabbasso e pianoforte , tutti diretti da Tais Conte Renzetti. Il programma assai vario denominato "CANTI DI PACE IN TEMPI DI GUERRA" aveva come polo centrale la Missa Brevis di Benjamin Britten, brano liturgico adattato per l'occasione agli spazi luminosi della panoramica Sala Fontana. Non solo Britten però, anche una serie di brani cameristici di György Kurtág, di Andrea Grossi, di Shervin Hajipour, di Maurice Ravel, di Richie Beirach, di Gilberto Mendes e un Canto Tradizionale Índios Kanamari del Brasile. Tutti i brani sono stati eseguiti all'interno di un percorso preciso ottimamente costruito che ha visto alternarsi lavori cameristici a brani corali. L'eccellente interpretazione della Missa Brevis dell'inglese Benjamin Britten trascritta per voci, coro, pianoforte e contrabbasso dall'originale per voci, coro e organo, è stata diretta molto bene da Tais Conte Renzetti con la precisa esternazione del Coro Didone, la partecipazione del baritono Davide Rocca, voce pregnante ed incisiva, e le armonizzazioni della pianista Gledis Zjusi e del contrabbassista Andrea Grossi. Tra gli altri brani segnaliamo almeno l'espressivo brano Baraje di Shervin Hajipour con l'intensa voce del contralto Giulia Taccagni sostenuta dal contrabbasso di Andrea Grossi. Di rilievo Wahanararai, canto tradizionale Indios Kanamari del Brasile inserito benissimo in un contesto ambientale con suoni di uccelli ed effetti naturali; d'intensa incisività Kaddish di Maurice Ravel con la voce baritonale di Rocca e con la Zjusi al pianoforte; particolarmente espressivo il brano jazz Elm di Richie Beirach nella versione per pianoforte e contrabbasso con la Zjusi e Grossi. Di ispirazione anche gestuale l'iniziale brano per pianoforte a quattro mano di Andrea Grossi, valido nella sua semplicità. Un pomeriggio di qualità introdotto da Paola Bonara del Coro Polifonico Cantosospeso e terminato con la reinterpretazione del bellissimo Vila Socó Meu Amor di Gilberto Mendes. Successo e fragorosi applausi nella Sala Fontana colma di pubblico.

20 gennaio 2024 CesareGuzzardella

Julian Rachlin e Sarah McElravy al Dal Verme con I Pomeriggi Musicali

Un programma tutto mozartiano ha accolto l'Orchestra I Pomeriggi Musicali e il direttore-violinista Julian Rachlin. Da molti anni Rachlin ottiene meritati successi nelle sale da concerto internazionali. A Milano torna spesso e questa mattina, nell'anteprima del Dal Verme un folto pubblico con anche centinaia di studenti provenienti dalle scuole secondarie milanesi, ha avuto l'opportunità di ascoltare la Sinfonia dalle Nozze di Figaro, la Sinfonia Concertante per violino, viola e Orchestra K 364 e la Sinfonia n.40 in sol minore K 550, quella che inizia con il celebre Molto allegro che tutti conoscono. Rachlin, solo direttore nei brani laterali, ha trovato l'appoggio solistico al suo violino dalla violista Sarah McElravy nella stupenda Sinfonia Concertante. L'impatto musicale del primo noto lavoro iniziale, ottimamente diretto da Rachlin, ha visto un seguito ancora più efficace nella K 364, grazie al riuscito dialogo tra i due protagonisti, l'ottimo violino di Rachlin e la pregnante e voluminosa viola della McElravy, un'interprete raffinata, precisa che anche nelle bellissime cadenze del concerto ha restituito con discorsività leggera e grintosa, insieme al compagno, la genialità mozartiana. Un concerto in corpose tre parti -Allegro maestoso, Andante e Presto - che è piaciuto moltissimo al pubblico presente in sala e che ha entusiasmato gli stessi solisti visibilmente soddisfatti. Dapo il breve intervallo, valida l'esecuzione della K 550, con ancora una notevole resa dei bravissimi orchestrali de I Pomeriggi. Questa sera alle 20.00 la prima ufficiale e sabato alle 17.00 la replica. Da non perdere.

18 gennaio 2024 Cesare Guzzardella

Un doppio concerto per la Fondazione la Società dei Concerti in Conservatorio

Nella giornata di ieri la Società dei Concerti ha organizzato un doppio appuntamento musicale in Sala Verdi: nel pomeriggio per la "Serie Zaffiro" la pianista Costanza Principe e il Quartetto Goldberg hanno proposto un tutto Schumann; alla sera, per la "Serie Rubino", un duo statunitense formato dal violinista Randall Goosby e dal pianista Zhu Wang hanno interpretato un programma tra Europa e America con musicisti di raro ascolto come S. Coleridge-Taylor, W.Grant Still e F.Price e con autori noti quali A. Dvořák e R.Strauss. L'ottima pianista Costanza Principe ha un debole per Robert Schumann e una profonda immedesimazione quando lo esegue. La Sonata n. 3 op. 14, detta anche “Concerto senza orchestra” (versione 1836) ha introdotto il pomeriggio musicale. Alta valenza espressiva per la Principe che ha rivelato idee interpretative molto chiare sul compositore tedesco. Tra i brani più complessi da eseguire per il complesso intreccio melodico e armonico, questa sonata e forse tra i brani meno frequentati. Un capolavoro che ha visto un' interiorizzazione completa della giovane pianista ed una restituzione chiara e dettagliata, con una limpidezza strutturale assai rara nella sua sintesi discorsiva ben delineata. La giovane interprete ha trovato poi, nell'altrettanto stupendo Quintetto per pianoforte e archi in mi bem. maggiore op. 44, il quartetto d'archi Goldberg come compagni. Un gruppo cameristico certamente di alta qualità, in perfetta sinergia con la parte pianistica. L'ottimo equilibrio tra i violini di Jingzhi Zhang e Giacomo Lucato, la viola di Matilde Simionato e il violoncello di Martino Simionato, con le valide armonizzazioni della pianista, ha portato ad una resa estetica equilibrata tra le parti e soprattutto di grande espressività in ogni movimento. Applausi calorosissimi agli interpreti dal numeroso pubblico intervenuto in Sala Verdi. Il concerto della sera ha rappresentato una doppia novità: poco conosciuti erano gli eccellenti interpreti e altrettanto poco conosciuti molti dei compositori inseriti nel diversificato e originale impaginato. La componente "americana" ascoltata, con influenze di spirituals e blues, l'abbiamo ritrovata in ben quattro compositori. L'inglese Samuel Coleridge-Taylor (1875-1912) duranti i suoi soggiorni negli Stati Uniti assimilò quel mondo musicale producendo brani melodicissimi come la bellissima Suite per violino e pianoforte n.3; lo statunitense W.Grant Still (1895-1978) con la sua Suite per violino e pianoforte ha riportato il mondo africano e le influenze jazz nel suo lavoro costituito di tre parti: African dancer, Mother and Child e Gamin; la compositrice statunitense Florence Price (1887-1853), di origine africana, nelle sue due Fantasie per violino e pianoforte, la n.1 in sol minore e la n.2 in fa diesis minore, ha trovato un modo più complesso e virtuosistico di esprimersi facendo una sintesi originale tra idiomi romantici europei e ritmi indo-americani; il ceco Antonin Dvořák è debitore della musica statunitense per via della sua lunga permanenza oltre oceano e per certi colori di quel mondo ibrido tra Europa ed Africa individuabili nella deliziosa Sonatina per violino e pianoforte op.100. Gli eccellenti interpreti Randoll Goosby e Zhu Wang hanno rivelato una chiarezza espressiva di raro ascolto in tutti i lavori, nei quali l'equilibrio tra il melodicissimo violino con un vibrato di pregio, e la luminosa parte pianistica ha portato ad un' interpretazione analitica, precisa in ogni dettaglio e molto espressiva. Le escursioni dinamiche, con volumetrie centellinate in minimi cambiamenti, hanno rivelato poi la statura interpretativa del duo. L'ultimo brano d'impaginato con la Sonata in mi bemolle maggiore op.18 del tedesco Richard Strauss (1864-1949) ci ha portato in un clima tardo romantico ben diverso con influssi wagneriani. Una sonata costruita benissimo dal grande compositore, restituita con indubbia bravura dal duo, con la parte pianistica dominante per armonizzazione e virtuosismo. Bravissimi! Pubblico entusiasta e calorosi applausi al termine. Due i bis concessi: prima il melodico Cantabile di Niccolò Paganini e poi Estrellita del messicano Manuel Ponce nella celebre trascrizione di Jascha Heifetz. Entrambi ottimi. Ricordiamo il "Concerto per Antonio" di sabato 20 gennaio alle ore 18.00 con il grande pianista Evgeny Kissin che eseguirà musiche di Beethoven, Chopin. Brahms e Prokofiev. Da non perdere.

18 gennaio 2024 Cesare Guzzardella

Gabriella Costa e Andrea Bacchetti alle Serate Musicali tra Francia e America

L'interessante impaginato preparato dal soprano Gabriella Costa e dal pianista Andrea Bacchetti per il concerto di ieri sera, organizzato da Serate Musicali, ruotava intorno a due grandi città come Parigi e New York e aveva come riferimento la nota compositrice, pianista, direttrice d'orchestra e soprattutto didatta parigina Nadia Boulanger. Molti dei compositori in programma conobbero, ebbero come riferimento o come insegnante la grande donna della musica. Debussy, Faurè, Ravel, sul versante francese e Bernstein, Gershwin, Barber e Copland su quello americano conobbero la Boulanger. Sono stati eseguiti brani anche della compositrice e della sorella minore Lili, morta giovanissima all'età di 25 anni. Bacchetti, pianista genovese noto soprattutto per il suo ottimo Bach, è anche un interprete versatile, aperto alla musica contemporanea, alla "leggera" e anche al jazz. Nel programna ha introdotto la parte cameristica con due brani di Claude Debussy, tratti da Children' Corner- Jimbo's Lullaby e The Little Shepherd- e nella parte centrale della serata è stato eseguito prima un Preludio di Lili Boulanger e poi tre brani, il primo del celebre pianista jazz Oscar Peterson, il secondo Ol' man river di Jerome Kern e quindi Pulcinelle di Heitor Villa-Lobos.Ottime le interpretazioni pianistiche, curate nel dettaglio ed esternate con tocco morbido ed elegante. Ma è nella voce di Gabriella Costa, ottimamente armonizzata da Bacchetti, che il concerto ha preso la piega più importante. Clair de lune e Chanson d'amour di Gabriel Fauré seguite da Cinque melodie popolari greche di Maurice Ravel ci hanno portato nella leggerezza e dolcezza francese ben evidenziate dal timbro penetrante, preciso e luminoso della Costa. A seguire tre brani di Nadia Boulanger - Cantique, Chanson ed Élégie- ci hanno fatto scoprire le qualità di un donna compositrice di grande valore. Due brani fuori programma di Aaron Copland, esattamente Long time ago e Zion's Walls hanno anticipato Somewhere e Maria di Leonard Bernstein tratte dal celebre West Side Story; quindi The man I love e Summertime, due capolavori di George Gershwin e, a conclusione, tre rarità , ma certamente validi brani di Samuel Barber tra cui il Nocturne- Op.13 n.4. Anche sul versante americano la voce spontanea e precisa in tutti i registri di Gabriella Costa si è rivelata ottima e un Bacchetti più sciolto ha implementato la bellezza delle melodie con il suo tocco ricco di dettagli. Due i bis concessi, prima ancora Ol' Man River cantato benissimo dalla Costa e poi un estemporaneo I got rhithm di Gershwin ha concluso l'ottima serata. Applausi calorosi meritatissimi.

16 gennaio 2024 Cesare Guzzardella

Ispirazioni floreali per l'Inari Duo allo Spazio Teatro 89

"Le ispirazioni floreali", nella musica del bellissimo concerto che ha preso il titolo - "Ci vuole un fiore" - dalla celebre canzone di Sergio Endrigo sulle parole di Gianni Rodari, sono state ben evidenziate nell'impaginato studiato dal soprano Barbara Massaro e dalla pianista Elena Chiavegato. Allo Spazio Teatro 89 di via Fratelli Zoia, Luca Schieppati, ottimo pianista e instancabile organizzatore della rassegna musicale, in collaborazione anche con Serate Musicali, ha sapientemente introdotto l'originale e ben studiato programma. Si alternava la musica di undici compositori che hanno dedicato pagine liederistiche, utilizzando testi di letterati illustri come Goethe, Heine, Hugo - solo per citarne i più noti- che riguardavano tematiche floreali. Iniziando da Alessandro Scarlatti con l'aria Violette, dall'opera Pirro e Demetrio - l'unico brano estratto da un'opera, gli altri erano tutti cameristici- si è svolto un percorso che dalla fine del '600 ha attraversato oltre due secoli di storia della musica, con Mozart, Schubert, Mendelssohn, Schumann e R.Strauss, per arrivare ad un gruppo di francesi come Debussy, Ravel, Poulenc, Fauré, Chabrier e nel bis, con l'unica donna presente come compositrice, la parigina Lili Boulanger. Nei diciassette titoli presentati i fiori erano protagonisti - rose, papaveri, fiordalisi, lillà, violette - e ben in sintonia con i caratteri dolci, sentimentali e gentili delle piacevoli melodie. La voce di soprano dell'ottima Barbara Massaro, diplomata col massimo dei voti al Conservatorio "G.Verdi" di Milano non solo in canto ma anche in viola, ha trovato come complemento il pianismo delicato e preciso di un' altra eccellente diplomata al prestigioso Conservatorio, Elena Chiavegato, di madre giapponese e padre italiano. Le due interpreti si sono presentate in palcoscenico con due originali abiti disegnati dallo stilista Emilio Bonadio, uno verde a motivi floreali per la pianista e l'altro rosa, a forma di corolla, per la cantante. Tra i brani eseguiti, tutti di ottima resa interpretativa, ricordiamo Il linguaggio dei fiori di F.Schubert, La mia rosa di Robert Schumann, I Fiordalisi e la Rosa dell'acqua di Richard Strauss, Dei fiori di Claude Debussy, Manto di fiori di Maurice Ravel, Fiori di Francis Poulenc, La farfalle e il fiore di Francis Poulenc, Tutti i fiori di Emmanuel Chabrier e il bis con Les lilas qui avaient fleuri di Lili Boulanger. Un concerto che per la bravura delle interpreti e l'originalità della scelta musicale dovrebbe essere portato in molte sale e diventare un "must" in una programmazione primaverile! Il prossimo incontro allo Spazio Teatro 89 sarà con il pianista Daniele Martinelli per Schumann, Scriabin, Berg e Messiaen. Da non perdere.

15 gennaio 2024 Cesare Guzzardella

John Axelrod dirige la Sinfonica di Milano in Čaikovskij e Stravinskij

Un programma interamente russo ha visto il ritorno in Auditorium del direttore texano John Axelrod. Prima la Suite Lo Schiaccianoci di Čaikovskij, poi L'oiseau de feu di Stravinskij, due lavori legati al mondo del balletto che hanno acquistato nel tempo autonomia espressiva nel repertorio sinfonico di tutti i direttori d'orchestra. La Suite op.71 del primo russo è del 1892 ed è suddivisa in nove parti con sei danze, una marcia, un celebre Valzer dei fiori oltre all'Ouverture introduttiva. Brani celebri che facilmente si ricordano al primo ascolto. Altrettanto celebre L'oiseau de feu del secondo russo; è del 1909, in diciannove momenti perfettamente collegati per un unicum discorsivo; ha trovato la prima esecuzione nel 1910 a Parigi. Lavoro già evoluto del primo Novecento, rappresenta un momento di splendore per Stravinskij per il superamento del linguaggio del passato e l'inizio di una personale forma espressiva. Segna poi la fondamentale collaborazione del compositore con l'impresario Sergej Diaghilev per i famosi Balletti Russi. Axelrod, bacchetta molto conosciuta dal pubblico per le numerose collaborazioni con l'Orchestra Sinfonica di Milano, risalenti anche al periodo de "LaVerdi", ha mostrato di essere tra i migliori direttori di questa compagine orchestrale, una formazione che conosce molto bene e con la quale trova una sintonia speciale. Eccellenti prima i delicati e trasparenti brani de Lo Schiaccianoci e di ottima qualità L'oiseau de feu, ampio lavoro ricco di contrasti timbrici e dinamici, in crescendo anche per la qualità innovativa della musica. Un esempio di grande orchestrazione che richiede una visione unitaria perfettamente ritrovata da Axelrod. Un successo annunciato con un riscontro nel volto del direttore, negli orchestrali e nell'entusiasmo del numeroso pubblico presente. Applausi fragorosi e ripetuti. Questa sera alle ore 20.00 si replica. Da non perdere.

12 gennaio 2024 Cesare Guzzardella

Guido Rimonda e la Camerata Ducale omaggiano Giovanni Battista Viotti a 200 anni dalla sua scomparsa

Era il 1992 quando a Vercelli venne alla luce la Camerata Ducale, formazione cameristica nata per valorizzare l'opera del vercellese più illustre, quel Giovanni Battista Viotti (1755-1824), violinista e compositore, che nacque a dire il vero a pochi chilometri dalla città piemontese, nel piccolo paese di Fontanetto Po. Artefice della nota compagine orchestrale era, ed è ancora il direttore e il principale violinista, Guido Rimonda. A duecento anni dalla morte del grande virtuoso e compositore piemontese, Rimonda ha voluto rendergli omaggio nella bellissima serata organizzata nel Conservatorio milanese dalla Fondazione la Società dei Concerti. Tutte composizioni di Viotti quelle in programma, brani di un musicista conosciuto da tutti gli intenditori e gli appassionati di musica violinistica , ma che meriterebbe una maggiore diffusione nelle sale da concerto italiane. La sterminata produzione compositiva di Viotti, soprattutto dedicata al violino e all'orchestra, ha trovato ieri sera un'eccellente sintesi attraverso una scelta di alcuni lavori quali il Rondò dal Concerto n.25 in la minore, Meditazione in preghiera, Tema e variazioni in do maggiore e il conclusivo completo Concerto n.24 in si minore per violino e orchestra. Il noto interprete cinquantacinquenne di Saluzzo, ha introdotto verbalmente, come d'abitudine, ogni brano dell'impaginato, inserdolo nel contesto più ampio della vita del compositore, un grande innovatore, anticipatore del romanticismo musicale ed anche inventore dell'archetto moderno. Come da anni accade, ad inizio concerto Rimonda entra con il suo eccellente violino Stradivari dal fondo di Sala Verdi introducendo in solitaria le note del violino, raggiungendo il palcoscenico e la sua orchestra per completare l'introduzione al primo brano in programma. La corposità timbrica del suo splendido strumento ad arco e la precisa restituzione sonora hanno da subito rivelato l'alta cifra interpretativa del virtuoso che è approdato poi al Rondò dal Concerto n.25 in la minore. L'eccellenza melodica di Viotti, tutta italiana nello stile, si è potenziata in bellezza nella nota Meditazione in preghiera, un brano di profonda espressività nelle discrete e interiorizzate note della semplice melodia. Ottimo l'equilibrio con la compagine strumentale, formata da strumentisti prevalentemente giovani. Il brano successivo, il Tema con variazioni in do maggiore del 1781, non è altro che il celebre tema della Marsigliese, divenuto successivamente l'inno francese, che nella originaria versione italiana trova alcune splendide variazioni anticipatrici, nella componente virtuosistica, delle più note variazioni paganiniane. Ricordiamo che il celebre virtuoso genovese è nato però quasi trent'anni dopo il meno noto piemontese. Dopo il breve intervallo, il brano più corposo, il Concerto n.24 in si minore, ha rivelato ancora la grandezza del grande musicista e la sua profondità artistica. L'eccellente restituzione interpretativa di Rimonda e della Camerata Ducale nel delineare gli splendidi tre movimenti e cioè il Maestoso iniziale, l'Andante sostenuto centrale e il conclusivo Allegretto che compngono il concerto, hanno ancora esaltato il genio musicale di Giovanni Battista Viotti. Applausi sostenuti e prolungati dal pubblico presente in Sala Verdi al termine del programma ufficiale e come bis il penetrante Andante dal Concerto n.13. Ancora prolungati e fragorosi applausi a tutti i protagonisti.

11 gennaio 2024 Cesare Guzzardella

Enrico Pieranunzi diretto da Michele Corcella tra jazz e classica alle Serate Musicali

Un concerto diverso dal consueto quello ascoltato ieri sera alle Serate Musicali del Conservatorio milanese. Enrico Pieranunzi, affermato pianista e compositore jazz, ha portato in Sala Verdi la musica di John Lewis (1920-2001), celebre pianista e compositore jazz statunitense, noto anche per la sua storica formazione, quel Modern Jazz Quartet che tra gli anni '50 e gli anni '90 del secolo scorso cercò una fusione tra il mondo della musica classica e l'improvvisazione tipica del jazz ottenendo validi risultati. Il quartetto americano non fu l'unico a valorizzare l'importante fusione tra stilemi differenti: personalità altrattanto importanti quali, ad esempio, David Brubeck o Gil Evans operarono in modo analogo. Pieranunzi, in trio con Luca Bulgarelli al contrabbasso e Mauro Beggio alla batteria, è stato supportato in modalità "classica" dall'Orchestra Filarmonica Italiana diretta da Michele Corcella, autore di tutti gli arrangiamenti dei brani eseguiti e ideatore, insieme al pianista jazz, di un progetto musicale denominato Blues & Bach: the music of John Lewis. Tra i brani eseguiti di John Lewis segnaliamo Vendome, Sketting in Central Park, Spanish Steps, Milano, Concorde, Jasmine Tree e Django, celebre brano di Lewis dedicato al chitarrista gitano belga-francese Django Reinhardt. Eseguito poi come bis un eccellente Autumn in New York di Vernon Duke (1903-1969) con un momento di "a solo" del batterista Mauro Beggio di particolare efficacia ritmica. Tutti i brani hanno trovato un ottimo dosaggio di timbriche tra la componente jazzistica del trio, con parti improvvisate, cadenze pianistiche e individualità dell'ottimo contrabbasso di Bulgarelli o del batterista Beggio, e le componenti dettagliate scritte in partitura da Corcella per i dieci strumentisti dell'Orchestra che tra il quintetto d'archi e i cinque strumenti a fiato hanno dato prova di grande resa stilistica. L'alternanza tra le parti ben delineate in trio e l'orchestra cameristica o la resa corale d'insieme, ha portato ad una valida realizzazione musicale complessiva che ci ha fatto rivivere il clima musicale di quei decenni nei quali ritmo e improvvisazione jazz hanno sposato la precisa declinazione melodica della parte scritta in partitura. Ottimo il delicato pianismo di Pieranunzi, ricco di raffinatezze melodico-ritmiche. Il musicista ha anche introdotto in modo ironico, come è suo solito fare, ogni brano in programma. Meritato successo e applausi fragorosi del pubblico presente in Sala Verdi a tutti i protagonisti. Lunedì 15 gennaio, sempre per Serate Musicali, sarà presente il soprano Gabriella Costa e il pianista Andrea Bacchetti in un programma diversificato ed interessante. Da non perdere.

(FOTO DI ALBERTO PANZANI-UFF.STAMPA SERATE MUSICALI)

9 gennaio 2024 Cesare Guzzardella

DICEMBRE 2023 -

L'Anima Latina con Mariangela D'Abbraccio al Teatro Parenti

Una serata particolarmente riuscita quella dell'attrice e chanteuse napoletana Mariangela D'Abbraccio, arrivata al Teatro Parenti accompagnata dal valido pianista Massimiliano Gagliardi per lo spettacolo "Anima Latina". Il lavoro è ottimamente costruito dalla regia di Francesco Tavassi, che mette in risalto il talento della protagonista, in grado di passare dalla recitazione al canto in modo unitario e coinvolgente. Una sorta di pastiche che unisce, senza soluzione di continuità, numerosi brani provenienti soprattutto dal mondo latino, napoletano e del Sud America - in particolare Argentina e Brasile - ma con incursioni anche più a nord, grazie ad autentici piccoli capolavori della cosiddetta scuola di Genova, di Tenco ("Vedrai, vedrai") , De Andrè ("Amore che vieni, amore che vai"), Endrigo ("Canzone per te"), o di quella romana di Bruno Martino ("Estate") e pugliese di Domenico Modugno. Non solo brani cantati, quindi, ma anche poesie ed extrapolazioni di testi teatrali ben recitati, spesso ad introduzione delle canzoni. Borges, Pessoa, Neruda, Lorca o Eduardo, si sono intrecciati con il tango argentino di Piazzolla, con i testi di Vinicius De Moraes, con canzoni classiche napoletane di Salvatore Di Giacomo e di Libero Bovio, ma anche con Pino Daniele e con i testi di numerosi cantautori letti poeticamente e cantati in modo personale e convincente. Ottimi gli arrangiamenti pianistici, che hanno unito la recita e il canto: il M. tro Gagliardi è stato preciso e attento alle inflessioni verbali e vocali della D'Abbraccio, rivelando una musicalità autentica, dal carattere improvvisatorio, e adeguato alle apparentemente spontanee incursioni della protagonista, ricche di coordinate gestualità e fisicità, studiate alla perfezione. Uno spettacolo che alla prima rappresentazione di ieri sera al Teatro Parenti, in Sala A, non troppo grande e per questo adattissima al lavoro proposto, ha trovato un successo davvero meritato. Due i bis, tra i quali lo splendido " Dicitencello vuje". Numerosi e calorosi gli applausi del pubblico, presente al completo. Lo spettacolo verrà replicato fino al 7 gennaio, con una recita speciale per il 31 dicembre, che si concluderà con un brindisi per festeggiare l'arrivo del 2024. Assolutamente da non perdere.

29 dicembre 2023 Cesare Guzzardella