Ieri, sabato 21/12, il Conservatorio G. Cantelli di Novara ha offerto l’ultimo concerto del 2024, che nella sua prima parte proponeva un recital di Gabriele Anglani, giovane pianista, tra i più talentuosi formatisi al Cantelli, che già avevamo avuto occasione di ascoltare ed apprezzare nell’ambito del Pianovara, il Festival pianistico novarese di fine estate. Siamo tornati con vivo interesse ad ascoltare Anglani in un programma dedicato a pezzi originariamente non destinati al pianoforte, ma trascritti per la tastiera da un qualche pianista famoso. Tra questi pezzi Anglani ne riproponeva tre di J.S.Bach già eseguiti per il Pianovara, il BWV 147, il BWV 208 e il BWV 855 (come bis): per questi rimandiamo alla recensione del concerto del 22/09/2024 su questo giornale. Nuovo rispetto a quel recital è stato invece, sempre di Bach, il Siciliano dalla Sonata in Mi Bemolle maggiore per flauto traverso e clavicembalo BWV 1031, trascritta per pianoforte dal leggendario Wilhelm Kempff. Con il suo tocco delicato, la sua sensibilità espressiva che qui si esprime soprattutto nella raffinatezza delle dinamiche, Anglani crea un suono di sublime ed elegante malinconia, da apparentarsi a certe pagine delle Passioni bachiane. Anglani non appartiene certo a quella cerchia di “bachiani puri e duri” che considera un peccato mortale suonare Bach al pianoforte usando il pedale di risonanza. Al contrario, il pianista pisano usa il pedale con grande frequenza, ma con un tocco appena accennato, così da conferire al suono una sottile, quasi evanescente alonatura, che contribuisce non poco ai suggestivi esiti espressivi dell’esecuzione. Nella stessa tonalità del Siciliano di Bach, il sol minore, il successivo Minuetto HWV 434/4 di Handel, sempre in una trascrizione di Kempff, ha sollecitato nel giovane pianista pisano le medesime corde espressive del brano precedente, offrendo un altro luminoso esempio di quella poetica degli affetti cara all’età barocca, qui virata sulla gamma della struggente malinconia. Con un balzo di un secolo e mezzo circa, l’impaginato di Anglani trasportava gli ascoltatori nel 1878 di “Après un rève, op..7 n.1, di G. Fauré, nella versione d’autore la prima delle cinque Mèlodies per voce e pianoforte, qui presentata nella trascrizione per solo pianoforte, opera del pianista italiano S. Fiorentino, uno dei grandi della scuola napoletana. Anglani interpreta questa celeberrima romanza di Fauré creando un’atmosfera sonora dai toni intimistici, di rarefatta eleganza, con un tocco davvero di gran classe e un gioco di chiaroscuri dinamici, soprattutto per la mano sinistra, carichi di suggestione. La tecnica di alto livello di Anglani esce confermata, se mai ce ne fosse stato bisogno, dall’ultimo pezzo in programma, la trascrizione per pianoforte, sempre di Fiorentino, del Lied “Widmung” di Schumann, in cui la varietà di fraseggio e una tesa linea espressiva tipicamente schumanniane sono cesellate mirabilmente dal tocco di Anglani. Un programma dunque tutto improntato all’espressione, senza alcuna concessione al virtuosismo, quello con cui questo giovane pianista ha dimostrato tutta la sua classe, davvero di gran livello. La seconda parte del concerto vedeva in scena il duo Andrea Pongiluppi, clarinetto, e al pianoforte Andrea Zanforlin, Maestro collaboratore di fama. Ottima l’esecuzione del primo dei due pezzi in programma, la Première Rapsodie L 124a, di C. Debussy, nell’originaria versione per i due strumenti (successivamente Debussy ne presentò una versione orchestrata). Molto bravi i due interpreti nello sfruttare al meglio le sezioni espressivamente contrastanti del pezzo, con il clarinetto di Pongiluppi che dà voce sia al registro più oscuro e meditativo, sia a quello più brioso e ritmicamente vivace dello strumento, mentre Zanforlin è bravissimo a creare con la tastiera impasti timbrici di una sfumata delicatezza da acquerelli sonori, in un gioco continuo e affascinante di rimandi ed echi col clarinetto. Chiudeva il concerto, in netto contrasto, un pezzo notissimo, la Sonata per clarinetto e pianoforte di Poulenc, eseguita in modo esemplare dai due interpreti, che ne hanno valorizzato la linea architettonica antidebussyana e antiwagneriana, costruita su campiture sonore improntate a linearità e purezza incantevoli: una tela di Mondrian contro una di Monet. Il pubblico, ancora una volta assai numeroso, ha applaudito con entusiasmo questo bel concerto, senza bis.

22 dicembre 2024. Bruno Busca

Ieri sera, 18/12, al Teatro Coccia di Novara il terzo concerto della stagione del Festival Cantelli ha visto protagonista il complesso di fiati (più un contrabbasso) dell’Harmonie Ensemble: Harmonie va qui inteso come parola tedesca che nel ‘700 identificava appunto una formazione cameristica di soli fiati, precisamente quella che nel 1784 eseguì a Vienna la Serenata Gran Partita di Mozart, il pezzo previsto dal programma della serata, capolavoro assoluto stranamente poco eseguito del grande Salisburghese. Composto da musicisti che fanno o hanno fatto parte di importanti orchestre italiane o internazionali, l’Harmonie Ensemble è diretto dal Maestro Alessandro Carnelli, anche lui con una significativa carriera sul podio. Dunque il programma del concerto prevedeva un solo pezzo: la mozartiana Serenata per 13 strumenti a fiato n.10 in Si bem. maggiore KV 361, detta ‘Gran Partita’, probabilmente per il numero di movimenti in cui è suddivisa, sette, insolitamente alto per questo genere di composizioni e che lo avvicina alla Suite di barocca memoria e inusuale per la sua durata, quasi un’ora, rispetto alla tradizionale musica d’intrattenimento: evidentemente Mozart intendeva andare oltre i confini del genere, pur conservandone tutta la freschezza e la sublime serenità. L’Harmonie Ensemble, sotto la sapiente guida del Maestro Carnelli, ha dato un’interpretazione davvero eccellente sotto il profilo esecutivo ed espressivamente coinvolgente, sfruttando con raffinatezza i colori delle diverse coppie strumentali (oboi, clarinetti, corni di bassetto, fagotti, corni a quattro), e mostrando una davvero squisita finezza nel trattamento delle dinamiche, nelle scelte agogiche e ritmiche, un’abilità virtuosistica che ha dato piena voce alla freschezza inventiva di questo gioiello dell’immenso scrigno mozartiano e infine e soprattutto un’elegante leggerezza che è la cifra essenziale di tanta incantevole musica mozartiana. Come vertici esemplari di questa riuscitissima esecuzione, indicheremmo l’Allegro Molto del primo movimento, in cui i fiati dell’Harmonie dispiegano in tutta la sua iridescente suggestione la straordinaria ricchezza di colori di questa Serenata e, naturalmente lo splendido Adagio Romanza del quinto movimento, in cui l’ascoltatore è stato emotivamente coinvolto dall’atmosfera notturna d’indicibile dolcezza e struggente malinconia, che i fiati dell’Harmonie hanno saputo così bene esprimere, nel dialogo incessante tra le coppie degli strumenti, capaci dei più suggestivi impasti timbrici. Nel timore che l’elenco degli strumentisti di cui disponiamo non sia corrispondente alla composizione dell’Ensemble di ieri sera, non facciamo nomi, ma fermo restando che a tutto l’Ensemble va tributato un giudizio di eccellenza, vorremmo qui segnalare in particolare la coppia dei clarinetti e il primo oboe, per l’energia e la bellezza del suono, e i quattro corni per la delicatezza del suono in sordina, evocato con sensibilità raffinata ove la partitura lo richiedeva. Al chiudersi del festoso ritmo alla turca del settimo e ultimo movimento, un delizioso Rondò che era un ‘invito alla danza’ di weberiana memoria, il pubblico è esploso in un fragoroso applauso, a testimoniare il pieno successo di quest’altra bella serata di musica, intensissima, che il Festival Cantelli ha regalato ai suoi affezionati musicofili. Pur affaticati da un pezzo lungo e molto impegnativo, i bravissimi fiati dell’Harmonie Ensemble hanno concesso due bis, i due Minuetti della Serenata. Un concerto da ricordare.

20 dicembre 2024 Bruno Busca

Ieri, 14/12, nell’ Auditorium del Cantelli è stata eseguito un concerto che presentava più di un motivo d’interesse: anzitutto due formazioni di tipo quartettistico piuttosto singolari nella storia della musica da camera; in secondo luogo gli autori, del primo o dell’avanzato ‘900, di rarissimo ascolto nelle nostre sale da concerto, benché meritevoli di maggiore attenzione; classico last but not least, gli esecutori, tutti giovani, neodiplomati e/o perfezionandi presso il Cantelli stesso, in buon numero già con una significativa esperienza concertistica alle spalle. Insomma la conferma che al Conservatorio di Novara i programmi sono spesso sorprendenti per originalità delle proposte, che escono dal prevedibile. Il concerto è stato inaugurato dal Quartetto per clarinetto, violino, violoncello e pianoforte op.1 del viennese Walter Rabl (1873-1940): Direttore d’orchestra e soprattutto insegnante di musica vocale, si dedicò solo in età giovanile alla composizione, con un linguaggio chiaramente influenzato da Brahms, suo grande estimatore. Una curiosità: pare che l’oggi totalmente dimenticato Rabl sia stato l’inventore di questo tipo di quartetto, portato in auge da Messiaen con il suo meraviglioso Quatuor pour la fin du Temps. Lucia Nardacci al clarinetto, Simone Restuccia al violino, Aurora Sciammetta al violoncello e Valeria Aiazzi al pianoforte hanno eseguito il quartetto, una volta superato qualche affanno nei raddoppi, in particolare tra violoncello e clarinetto, con buona intesa d’insieme e cura più che apprezzabile dei dettagli compositivi. In particolare i quattro giovani strumentisti hanno saputo valorizzare appieno quello che è forse l’elemento più interessante di questo Quartetto di Rabl, il continuo trascolorare di uno strumento nell’altro, col frequente ricorso alla tecnica del canone, dando vita a impasti timbrici variegati e sempre mobili, di raffinata carica espressiva. Un plauso particolare è dovuto al clarinetto di Lucia Nardacci, che nel movimento più bello dell’opera, l’Adagio molto, ha suonato la melodia lunga affidata al suo strumento con una intensità espressiva davvero notevole. La successiva formazione quartettistica è certamente ancor più rara e curiosa della prima: un quartetto di soli clarinetti, il Quartetto Gama, formatosi presso il Cantelli composto da Gaia Zecchini, Andrea Pongiluppi, Manuel Ticozzi e Alberto Viganò. Il loro esordio, ottimo, è stato il Divertimento, per tre clarinetti e clarinetto basso, affidato a Viganò, del compositore austriaco Alfred Uhl (1909-1992), che lo compose nel 1942, dedicandolo alla Filarmonica di Vienna e che è forse la sua unica opera a non aver conosciuto l’oblio totale. I ragazzi del Gama ne hanno proposto, con bravura e finezza, l’inventiva ritmica vibrante, venata di frizzante verve umoristica e un linguaggio di lucidità e humour dello Stravinsky neoclassico. Un brano tecnicamente non semplice, in cui i quattro giovani clarinettisti hanno dato prova dell’ottima preparazione di ciascuno di loro e della ben oliata compattezza del gruppo. Tutt’altra musica quella del successivo pezzo del francese Henry Tomasi (1901-1971), orbitante nel Gruppo dei Sei, i Trois Divertissement, dove il Gama è stato chiamato ad eseguire, con pieno successo, tre pezzi improntati a un accentuato melodismo, con una ricerca di differenziazione timbrica tra i quattro strumenti identici molto abile, anche sfruttando esperienze e linguaggi musicali tra loro assai eterogenei, come i ritmi zingareschi, a forte impronta orientaleggiante, nella Mascarade centrale. Concludevano il concerto le Cinque Danze popolari ungheresi di Ferenc Farkas, compositore magiaro vissuto tra 1905 e 2000, ben eseguito nel suo gradevole e fresco melodismo perfettamente tonale, agli antipodi di Bartok, che innovava profondamente il linguaggio della musica appropriandosi delle scale e dei ritmi della musica folklorica ; e l’arrangiamento, opera di Pongiluppi, dell‘aria dalla Tosca “E lucean le stelle”, che il Quartetto Gama ha suonato, ancora col clarinetto basso, con il dovuto pathos lirico, ennesimo omaggio all’anno pucciniano, ormai giunto a scadenza solare. Un concerto d’indubbio interesse, ben eseguito, che ha riscosso il meritato successo di un pubblico numeroso e plaudente, cui è stato regalato un simpatico fuori programma, una originale rielaborazione di Stille Nacht.

15-12-24 Bruno Busca

Un titolo pienamente azzeccato quello scelto per il bellissimo concerto pianistico di ieri sera alle "Serate Musicali" del Conservatorio milanese. "Incantesimi e incanti, da Oriente a Occidente" ci ha portato in uno straordinario mondo di immagini, di racconti e di esperienze sonore che solo un "mago" del pianoforte quale Roberto Cappello poteva evocare. L'importanza del concerto ascoltato non era data solo dal fatto di avere un grande virtuoso italiano sul palcoscenico di Sala Verdi, o dalla scelta accurata dei brani proposti - Korsakov e Borodin per "l'Oriente", Gershwin per "l'Occidente" - ma anche dal fatto che quei brani erano trascrizioni/arrangiamenti dello stesso Cappello. Quindi musica mai ascoltata, timbriche pianistiche che, soprattutto per i russi, hanno ricreato perfettamente quel clima coloristico tipico della grande orchestra. Ci riferiamo a Sherazade di Rimskij-Korsakov (1844-1908), alle Danze polovesiane di Aleksandr Borodin (1833-1887) e alla Rapsody in Blue di George Gershwin (1898-1937), rivisitata potenziandola di splendide armonizzazioni. Cappello (1951), pianista salentino con una padronanza tecnica assoluta, ha approfondito ogni dettaglio coloristico nei due russi, ricostruendo con i tasti del pianoforte quel clima fantasioso ricco di temi e di sviluppi armonici che ben conoscevamo dalle esecuzioni di grandi orchestre. La sua lunga esperienza d'interprete, consolidata con la vittoria nel prestigioso Concorso Internazionale pianistico "Ferruccio Busoni" di Bolzano del 1976, ci ha ancora una volta rivelato che ci troviamo di fronte ad uno dei massimi interpreti della sua generazione, sia in Italia che a livello internazionale. L'impalcatura architettonica molto solida della lunga "suite" di Sherazade, giocata su dinamiche ricche di contrasti, che evidenziano con chiarezza le linee melodiche nei differenti piani sonori, potenziate da corpose armonizzazioni ricche di colori, ha reso la prima parte del concerto di alto livello estetico. Ottima la sintesi discorsiva nelle Danze polovesiane di Borodin, quattro Danze riprese più volte e una coda dai colori esotici ed evocativi di esemplare bellezza. Notevole il contrasto con il modo di melodiare d'oltre oceano del grande Gershwin, reso magnificamente da Cappello nella celebre Rapsody in Blue, fantasioso brano reso ancora più celebre dal film della Disney, Fantasia 2000. Applausi calorosissimi dal pubblico intervenuto e due ottimi bis, con ancora una melodia di Gershwin, Embraceable You, ...a occidente.., rivisitata da Cappello, e un Rachmaninov doc, ...ad oriente..con il Momento musicale op.16 n.6. Davvero indimenticabile.

Ieri sera, 27 novembre, al Teatro Coccia di Novara la seconda serata del Festival Cantelli ha avuto come protagonista uno dei più grandi violinisti italiani del nostro tempo. Domenico Nordio, nella veste di solista e Direttore della neonata (2019), ma già affermata, Orchestra del Friuli Venezia Giulia. L’impaginato del concerto proponeva monograficamente tre pezzi di Mozart, i primi due dei quali tra loro strettamente legati: infatti l’Adagio per violino e orchestra in Mi maggiore Kv 261, che apriva la serata, fu composto per sostituire il movimento lento (ritenuto troppo difficile dal violinista della corte di Salisburgo, tal Brunetti)), del Concerto che segue nel programma, quello per violino e orchestra n.5 Kv 219 in La maggiore. L’ Adagio Kv 261, breve ma di grande intensità lirica, viene eseguito da Nordio con quella luminosa chiarezza di suono e quella intonazione che sa unire precisione a intensa carica espressiva, che hanno reso celebre la sua cavata. All’orecchio dell’ascoltatore giunge una linea solistica di trasparente levigatezza, che sviluppa con estrema finezza il mondo espressivo lirico e soffuso, già introdotto dalle battute iniziali dell’orchestra. Volendo confrontare questo Adagio, con quello originale, e oggi eseguito senza eccezioni, del Concerto Kv 219, l’interpretazione esemplare di Nordio ci aiuta a comprendere la maggior forza espressiva e lo spessore tecnico di quest’ultimo (da qui, forse, le lamentele del Brunetti). L’arco di Nordio sfrutta infatti con mirabile sensibilità i cromatismi del melodico tema unico di questo Adagio, ottenendone morbide sfumature coloristiche, una sonorità vellutata di tenera e avvolgente bellezza. Ma su questo Adagio del Kv 219, così superbamente interpretato, aggiungeremmo un’osservazione: Nordio evita di fondere le note in un tutto indifferenziato di grazia e bellezza formale, come si ascolta in molte esecuzioni, che accarezzano l’udito e nulla più. Al contrario il grande violinista veneto scava quanto di inquieto e quasi timoroso è presente in questo Adagio, facendo ben sentire l’ombra del passaggio in minore della parte centrale del movimento: gli acuti si fanno pungenti, i trilli sembrano leggeri tremiti, sulla dolce e incantata bellezza trascorre un fremito di un non so che di doloroso, come un presagio. Abbiamo insistito su questo movimento, perché ci pare esempio splendido del modo di suonare di Nordio, ma naturalmente anche i tempi estremi del concerto hanno trovato nel suo violino un interprete di altissimo livello, nella festosità trascinante che ispira gran parte dell’Allegro aperto iniziale, come nella delicatezza galante del Minuetto -Rondò finale. Se i primi due pezzi sono opera di un Mozart ancor ventenne e in cammino verso la piena maturità (1776), il terzo e ultimo pezzo in programma, la Sinfonia n.38, Kv 504 in Re maggiore, nota come “Praga”, appartiene invece agli anni finali del genio salisburghese (1787). Nordio guida con bravura l’Orchestra del Friuli ad un’interpretazione di intensa qualità espressiva, sin dall’Introduzione lenta, che sembra alzare il sipario su un mondo carico di contrasti e tensione, per poi proseguire con una condotta calibratissima dell’elaborazione contrappuntistica dell’Allegro, il rilievo dato ai cromatismi della scrittura dell’Andante, che fa affiorare un che di oscuro nell’amabile grazia del movimento e infine il ritmo incalzante dal tono gaio e frizzante, del Finale Presto, Gesto sicuro, valida scelta di tempi e ritmi, cura raffinata del dettaglio timbrico e dei mutamenti nelle dinamiche, il tutto ricondotto ad una precisa linea espressiva: questo il Nordio Direttore ascoltato ieri sera, coadiuvato da un’orchestra di ottimo livello in tutti i reparti. Meritato successo di pubblico che ha espresso il suo giudizio con un lungo e fragoroso applauso. Non sono stati concessi ‘fuori programma’.

28 novembre 2024 Bruno Busca

Un altro spettacolo d’opera di buon livello, tra quelli da noi visti a Novara, quello andato in scena venerdì 22 e ieri domenica 24 al Teatro Coccia con identico cast: l’Opera buffa di G. Rossini “Il Turco in Italia” (1814), coproduzione di un folto gruppo di teatri, quelli di Rovigo, di Ravenna, di Jesi, di Rimini, di Pisa, oltre, naturalmente, al Coccia: per realizzare spettacoli di alto livello, unire le forze è d’obbligo per Teatri che non siano La Scala o ad essa paragonabili. La regia di questo Turco in Italia è stata affidata a Roberto Catalano, con la collaborazione di Guido Buganza per la scenografia, di Ilaria Ariemme per i costumi e di Oscar Frosio per le luci. Le scelte registiche di Catalano puntano ad un’attualizzazione della vicenda del libretto, che, lungi dall’apparire gratuita e fuor di luogo, esplora con intelligenza uno dei possibili e più interessanti ‘livelli di senso’ di quest’opera rossiniana. Catalano trasporta la storia del libretto e l’atmosfera di svagato edonismo che la permea in un luogo indefinito degli anni’60 del ‘900, in piena esplosione del consumismo e della ‘dolce vita’. Il mondo in cui vivono i personaggi di questo “Turco in Italia” è il mondo della compulsiva accumulazione di oggetti, di beni di consumo, reclamizzati da dépliants pubblicitari, un vortice di cose, cui partecipa ogni personaggio e di cui è simbolo e dunque personaggio-chiave Fiorilla, che solo nella brama del consumo sembra trovare un’alternativa alla noiosa routine coniugale col marito Geronio, noia che la spinge ad accumulare non soltanto cose, ma anche amanti. Tale interpretazione si annuncia fin dall’ouverture a sipario alzato, con la coppia seduta inebetita a guardare la Tv e Fiorilla che, come spinta da una molla, comincia a ricevere pacchi su pacchi, consegnati da fattorini che si presentano continuamente alla porta di casa, ad un ritmo sempre più grottescamente frenetico. La scenografia sviluppa coerentemente questo tema: in una cornice essenziale, appaiono e scompaiono oggetti, ambienti, vetrine, luci, fattorini (tutti gli elementi del coro vestono da fattorini), soubrettes da sketch pubblicitario vanno e vengono. Fiorilla legge spesso un catalogo di offerte promozionali intorno a cui sembra ruotare la sua intera attività mentale. In questo mondo alienato l’amore non può che essere fatuo e superficiale possesso di un oggetto di piacere tra i tanti. In questa interpretazione del Turco in Italia, tuttavia, resta poco integrata una delle più geniali invenzioni di Romani e Rossini, il personaggio metateatrale del poeta Prosdocimo. Nel libretto di Felice Romani è l’accorto burattinaio della vicenda a scopi puramente artistico-creativi, osservatore della realtà per dare vita a un nuovo genere di dramma buffo e non si vede bene quale ruolo dovrebbe avere in questo mondo dei consumi senza freno. Forse quello di chi ne trae una conclusione morale, in cui si riconosce alla fine Fiorilla: quando non viene più desiderata da nessuno, scopre il vuoto di quella vita e con amara coscienza la rifiuta. La regia di Catalano è un perfetto congegno teatrale, con tempi comici gestiti magistralmente e uno scavo convincente nel dramma di Fiorilla, consumista alienata per noia e, in fondo, solitudine. All’ottimo livello della regia corrisponde quello della parte musicale. La direzione affidata nella rappresentazione novarese al bravo Maestro di origini iraniane Hossein Pishkar, ha dominato con gesto chiaro e deciso la partitura rossiniana, mostrando una qualità tecnica encomiabile nelle dinamiche più sfumate e nei timbri più morbidi, come l’attacco del quintetto dell’atto secondo. Secondo noi deve calibrare meglio il rapporto col palcoscenico: più di una volta, specie nel primo Atto, il volume dell’orchestra ha coperto le voci dei cantanti. Diretta da questa comunque valente bacchetta, ha mostrato le sue migliori qualità la brava Orchestra Giovanile Cherubini. Buona la prestazione del Coro lirico Veneto, diretto da Flavia Bernardi. Di buon livello anche le prestazioni dei cantanti. Fiorilla era il soprano Elena Galitskaja: le sue non perfette condizioni di salute sono state forse all’origine, nei numeri di agilità, di un acuto non ineccepibile, ma in compenso ha mostrato un apprezzabile fraseggio, sempre vario ed espressivo, con mezze voci di notevole bellezza espressiva e una dizione di perfezione rara per una non italiana, il tutto accompagnato da un’efficace presenza scenica. Un graditissimo ritorno al Coccia è stato quello del basso Simone Alberghini nel ruolo di Selim: al cui servizio ha messo il suo strumento vocale caldo e avvolgente, di ampia estensione, preciso nella coloratura, con acuti impeccabili, brillante nei numeri d’assieme per frizzante vivacità di buffo. Don Geronio, l’infelice marito di Fiorilla, altro basso buffo dell’opera, è stato interpretato come meglio non si potrebbe da Giulio Mastrototaro, dal fraseggio perfettamente tornito sia nelle parti buffe, sia in quelle sentimentali (di toccante espressività il duetto con Fiorilla “Son la vite sul campo appassita” del II Atto), sostenuto da un luminoso canto sillabato e da una voce di notevole ampiezza. Chiude la serie dei bassi il Prosdocimo di Daniele Terenzi, di voce ben timbrata, e ottima presenza scenica, per quanto, come detto, il suo significato nella vicenda, così come impostata dalla regia di Catalano fosse tutt’altro che chiaro. Riuscitissimo il don Narciso cantato dal tenore Francisco Brito, anche lui provvisto di una voce bella per timbro ed estensione, con fluida e precisa ascesa agli acuti, sempre sicuro, anche nei numeri più difficili, come l’arioso “Perché mai se son tradito”, dell’Atto I. Più che valida anche la sua presenza scenica, di fatuo latin lover. Del 2°tenore Antonio Garés, nella parte di Albazar, non possiamo che dire bene, per la sua voce dal timbro chiaro, ma sempre espressivo, anche lui ottimo attore. Zaida, parte di mezzosoprano, è chiamata a dare voce alla componente più sentimentale e passionale presente in quest’opera buffa: l’ha interpretata Simona Gardina, che ci è parsa un tantino sottotono tanto nella linea vocale, quanto nella dimensione attoriale. Buon successo di pubblico, come sempre assai numeroso, che ha applaudito a lungo, com’era giusto per un allestimento decisamente ben curato e ben realizzato.

25 novembre 2024 Bruno busca

Ieri sera, 23 novembre, sul palcoscenico del Teatro Civico di Vercelli, ha preso avvio il ventisettesimo ViottiFestival, per la gioia degli amanti della musica del Piemonte orientale e non solo. Questa gioia si è come materializzata nelle note straordinarie del ‘Paganini della tromba’, com’è comunemente definito oggi Sergej Nakarjakov,, trombettista russo nato nel 1977 e considerato il più grande virtuoso della tromba oggi. Per la verità Nakarjakov ieri ha suonato un flicorno, dal timbro più scuro e dolce rispetto alla tromba. La tecnica esecutiva davvero stupefacente di questo trombettista ha avvinto il pubblico con due pezzi: le ‘Variazioni su un tema rococò per violoncello e orchestra’ op.33 di P. I.Ciajkovskij, nella apparentemente inconcepibile versione per ottone e le ‘Variazioni su un tema di Norma di V. Bellini’, del grande trombettista francese dell’800 J. B. Arban. La tecnica brillante, elegante e raffinata, con un velocissimo staccato di lingua, e con una ‘respirazione circolare’ semplicemente prodigiosa, che permette di inspirare col naso, assicurando fluida continuità anche a frasi molto lunghe, consentono a Nakarjakov di realizzare al meglio l’impresa di riprodurre con il suo flicorno Courtois la morbidezza del suono e la sensuale cantabilità del violoncello, alternando nel tema e nelle sette variazioni del pezzo ciajkovskijano, momenti di fresco e gioioso zampillare di melodie dalla sonorità pastosa, e momenti di più ripiegata interiorità, suonati con una sfumatura di cui, prima di aver ascoltato Nakarjakov, non si crederebbe capace un ottone. Nel pezzo di Arban, concepito già ab origine per tromba, le note di ‘Casta Diva’ risuonano con un fine vibrato sentimentale, per lasciare poi il posto al tema più brillante della Marcia guerriera, dove il Paganini della tromba trova lo spazio per tutta una serie di pezzi di pirotecnica bravura, che non mancavano certo nelle Variazioni di Ciajkovskij, ma nel pezzo di Arban sono la ragion d’essere della composizione, eseguita alla fine della serata Se in questi due brani protagonista assoluto è stato il grande trombettista russo, negli altri tre pezzi dell’impaginato è tornata a dominare il palcoscenico del Civico la Camerata Ducale. Per la prima volta in ventisette anni il fondatore e direttore della Camerata Ducale, Guido Rimonda mancava ad un concerto della sua orchestra, in quanto impegnato in tournée a Lisbona, con un’altra parte della Ducale. La parte che suonava ieri a Vercelli è tornata all’antico: ha suonato senza direttore sul podio, ma guidata da quell’eccellente Konzertmeister che è Giulia Rimonda, vero punto di riferimento, soprattutto per tempi, ritmi e dinamiche per tutti i colleghi. L’eleganza e la trasparenza di suono, il controllo suggestivo di dinamiche e timbri, che sono ormai patrimonio acquisito di questa compagine orchestrale e dello stile interpretativo che il suo Direttore le ha impresso, hanno dato voce suadente al linguaggio aristocratico e alla rarefatta tessitura di controllata malinconia della ‘Serenata per archi in mi minore’ di Elgar. Bellissima anche l’esecuzione del celebre ‘Adagio per Archi’ di S. Barber, in cui la Camerata Ducale, sfrutta al meglio la strumentazione raffinata e suggestiva del pezzo, con la progressione crescente per archi divisi e l’aumento graduale e inarrestabile dell’intensità e dello spessore del suono, in un gioco di richiami timbrici tra le diverse linee strumentali, cui la Camerata Ducale dona una sottile iridescenza. Le “Antiche danze ed arie per liuto, Suite n.3”, composte da O. Respighi nel 1932, trascrivendo per orchestra di soli archi arie rinascimentali per liuto, sono un pezzo che par scritto apposta per esaltare le migliori qualità della Camerata Ducale. Una signorile e sempre controllata sensibilità per il suono ‘ben riuscito’, trova qui il modo d’impreziosirsi nell’atmosfera rinascimentale ricreata dal neoclassicismo del compositore bolognese, ora facendosi garbata melodia nel primo movimento, ‘Italiana’, ora limpido e dolce canto, venato di una ‘mezzavoce’ malinconica nella’ Pastorale, infine impennandosi nelle note più austere e severe della Finale Passacaglia. Un gran bell’inizio di stagione, questo concerto, che ha ottenuto il meritato successo di pubblico, come sempre numeroso, con prolungati e scroscianti applausi cui davano un che di deliziosamente gioioso i fanciulli e i ragazzi presenti in sala, centoventi, secondo quanto comunicato dalla Direttrice Artistica della Camerata Ducale Cristina Canzani. Citiamo questo dato perché in Italia ci pare più unico che raro! Nakarjakov concedeva un fuori programma che non abbiamo identificato: è stato comunque un pezzo molto bello, di pensosa mestizia, suonato meravigliosamente. Un’altra serata vercellese da ricordare. (Foto Ufficio Stampa di Vercelli)

24-11-24 Bruno Busca

I Pomeriggi Musicali hanno ospitato giovedì sera e ieri pomeriggio al Teatro Dal Verme l'Orchestra d'archi de "I Virtuosi Italiani", compagine cameristica diretta da Alberto Martini, anche primo violino. L'impaginato prevedeva pagine di Čaikovskij, di Di Marino e di Chopin. L'introduzione orchestrale con un' Elegia di Čaikovskij ha anticipato il brano probabilmente più atteso dal numeroso pubblico presente alla replica di sabato pomeriggio. Il Concerto per pianoforte e orchestra n.2 in Fa minore op.21 di Fryderyk Chopin, in una versione più cameristica con orchestra d'archi, ha trovato come solista al pianoforte la cinese Jin Ju, virtuosa premiata in importanti concorsi internazionali. L'accompagnamento solo con archi dei Virtuosi Italiani, funzionale alle timbriche pianistiche, dà la possibilità al solista di evidenziare ancor più le sue qualità, per una resa più intimista. Jin Ju, perfetta nel determinare con sicurezza l'intensa melodicità di questo secondo concerto chopiniano -che in realtà è stato composto qualche mese prima della più celebre Opera 11-, ha trovato una corretta e personale cifra interpretativa mettendo in risalto molto bene le voci nei diversi piani sonori. Un'esecuzione certamente di ottima qualità, specie nello splendido Larghetto centrale, eseguito con una riflessiva e profonda resa coloristica e ripetuto anche come primo bis. Applausi calorosissimi e come secondo bis un ottimo Notturno op.55 n.2. La seconda parte del concerto, affidata interamente ai Virtuosi, prevedeva prima un breve brano del trentino Roberto Di Martino, classe 1956. Un lavoro tonale in stile classico, ben orchestrato con frangenti alla "Piazzolla". A seguire, ottima l' interpretazione della Serenata per archi op.48 di Čaikovskij, un brano celebre per l'intensa melodicità resa con maestria dagli archi. Applausi fragorosi pianamente meritati.

Ieri sera al Teatro Faraggiana si è alzato il sipario sulla quarantaquattresima stagione della più importante manifestazione di musica classica di Novara, il Festival Cantelli, promosso dall’Associazione Amici della Musica. Ospite di lusso e per la prima volta a Novara, il grande violoncellista Enrico Dindo, nel doppio ruolo di solista e di direttore, alla guida dei Solisti di Pavia, orchestra da camera fondata dallo stesso Dindo nel 2001, e ormai famoso complesso, che da più di un ventennio ottiene meritato successo in Italia e all’estero. Il pezzo che ha introdotto la serata è quello forse più noto del violoncellista e compositore praghese David Popper (1843-1913): si tratta del Requiem per tre celli op.66, composto nel 1891, Il pezzo non è stato presentato nella sua forma originaria, ma in una versione con accompagnamento di archi, arrangiata da E. Dindo, secondo un’abitudine esecutiva divenuta frequente per questo brano. Dunque un Requiem per tre celli e archi. Grazie all’orchestrazione e alla direzione di Dindo il Requiem di Popper è stato eseguito con raffinata calibratura di timbri e dinamiche, il cui risultato è stata una suggestiva successione delle lente volute sonore del tema principale, intrise di una sfumata malinconia tardoromantica, ma non cupe. Il raffinato colore strumentale dei Solisti di Pavia e la particolare sensibilità interpretativa di Dindo hanno reso al meglio l’atmosfera tardo romantica che avvolge la scrittura di Popper, centrandone pienamente i valori espressivi e confermando una volta di più la caratteristica fondamentale dello stile di questo grande violoncellista: una volontà di canto, che è anche esplorazione e scavo nelle profondità spirituali di un mondo sonoro. Quando il suono del violoncello di Dindo si staccava dall’insieme, si levava dalle sue quattro corde un suono di una tale purezza e dolcezza, di una così trepidante e pur sommessa tensione sentimentale, da farlo parere una preghiera, soprattutto nei momenti di moto melodico ascendente dalle zone gravi all’acuto. Un altro arrangiamento per orchestra, sempre ad opera di Dindo seguiva il Requiem di Popper: ad essere orchestrata era in questo caso la Sonata in Do magg. per violoncello e pianoforte di S. Prokofiev op.119. Nell’esecuzione di questo pezzo, il violoncellista torinese ha dato un’ulteriore grande prova della cifra espressiva del suo modo di suonare: fin da subito, nell’Andante grave l’ascoltatore è coinvolto emotivamente dalle vibrazioni misteriose con cui le note gravi del violoncello solo suonano il tema introduttivo, per poi assecondare con un fraseggio di magnifico respiro e luminosità l’ampia arcata melodica successiva, in cui consiste il primo tema del movimento, di un colore romantico di cui Dindo è tra i più grandi interpreti oggi. Davvero incantevole il velluto baritonale con il quale il violoncello di Dindo dona morbidezza al canto della sezione centrale del secondo tempo Moderato, mentre nel Finale allegro ma non troppo emerge il Dindo virtuoso, dal suono elastico e potente, ma sempre al servizio dei valori espressivi della pagina, una continua evoluzione melodica, che tocca il suo culmine in una serie di variazioni. L’eccellente qualità di questa interpretazione deve molto, naturalmente, anche alla musicalità profonda e limpida, al finissimo lavoro sul colore e l’impasto timbrico del suono. A concludere il concerto, la Sinfonia da Camera n.1 per orchestra d’archi Op. 145, un pezzo di Mieczyslaw Weinberg, (1919-1996), compositore ebreo-polacco, salvatosi dall’Olocausto grazie alla fuga in URSS, ove trascorse il resto della sua vita, legandosi di stretta amicizia a Shostakovich e Prokofiev. Ottima l’esecuzione dei Solisti di Pavia, guidati dalla sapiente bacchetta di Dindo: un bel suono compatto e al tempo stesso chiaro e trasparente nelle sue linee strumentali, che hanno valorizzato al massimo i contrasti tra archi scuri e violini, costantemente presente nel vario intreccio delle linee melodiche. Il momento più bello, per noi, il secondo tempo, Allegretto, col suo tema iniziale, preparato da un pizzicato, su valori lunghi, sospeso in un’atmosfera di vago mistero, tra il buio dei bassi e la luce dei violini, e seguito per contrapposizione da un tema dal vitale ritmo danzante, talora vorticoso. La bravura di Dindo e dei Solisti di Pavia ha riscosso applausi prolungati e scroscianti di un pubblico numeroso ed entusiasta. Dindo ha concesso due bis, entrambi da Ciajkovskij, giusto per completare una serata tutta ’slava’: la trascrizione per violoncello e orchestra di uno dei Morceaux per pianoforte op.19, con l’orchestra arrangiata per soli archi, perché l’originale prevede anche i fiati, e l’Andante Cantabile dal Quartetto n.1 op.11, anch’esso in trascrizione per violoncello e orchestra. Due pezzi stupendamente eseguiti, valorizzandone la dolcezza e la delicatezza delle melodie. Un gran bel concerto, che apre come meglio non si potrebbe la nuova stagione del Festival Cantelli.

Per la rassegna "Raggi musicali” si è tenuto un concerto pianistico al Teatro Parenti del sacerdote-concertista don Carlo José Seno. L'incontro, introdotto da Andrée Ruth Shammah, "padrona di casa" del Parenti e dal prof. Alberto Boccotti, presidente del Centro Culturale Antonianum, era incentrato sul compositore Sergej Rachmaninov (1873-1943). Alberto Boccotti, prima del concerto, a nome del CCA, ha consegnato una targa alla Shammah per le attività prestigiose sue e dei collaboratori del Teatro Parenti. Quindi Carlo José Seno durante l'esecuzione di nove lavori pianistici del grande virtuoso-compositore russo - naturalizzato statunitense-, ha presentato di volta in volta ogni brano , realizzando una sorta di lezione-concerto di sicuro valore culturale. Don Carlo, classe 1958, diplomato al Conservatorio milanese, con perfezionamenti di studi musicali parigini, ha rivelato qualità interpretative di alto livello eseguendo brani celebri tratti dai Preludi, dagli Etudes-Tableaux e dai Momenti Musicali. Gli arcinoti Preludio in do diesis minore op.3 n. 2, eseguito ad introduzione, e il Preludio in sol minore op. 23 n. 5, interpretato a conclusione dell'impaginato, sono solo un esempio di come il sacerdote-pianista, da molti anni organizzatore della rassegna "Raggi musicali", esprima con passione, con le sue ottime restituzioni melodiche e virtuosistiche, la musica di Rachmaninov. L'equilibrio delle voci nei differenti piani sonori, la qualità coloristica delineata nella facile discorsività delle enunciazioni sonore, l'agogica e le dinamiche ben differenziate, rivelano l'ottimo livello dell'interprete. Ricordiamo tra gli altri brani, tutti rilevanti, almeno l' Etude-tableau in mi bemolle minore op. 39 n. 5 e il Momento musicale in mi bemolle minore op. 16 n. 2. (gli altri lavori erano le Opere 23 n.2, 23 n.4, 39 n.3, 32 n.12 e 32 n.5). Splendido il bis concesso con la nota Ave Maria di Charles Gounod nella delicata ed espressiva resa melodica. Applausi calorosissimi dal numeroso pubblico intervenuto.

All'Auditorium Di Vittorio di Porta Vittoria, per la stagione  di “Atelier Musicale“, la violista Maria Ronchini e la pianista Monica Cattarossi hanno tenuto un interessante concerto di musica del Novecento impaginando un programma variegato, con brani di compositori ungheresi ed inglesi presentati ad introduzione da Maurizio Franco. “Sguardi indipendenti a confronto“, il nome dato al programma, prevedeva, brani di musicisti magiari dell'est-Europa come George Enescu, Gyorgy Ligeti, Zoltan Kodaly,Gyorgy Kurtag - con Belà Bartòk nei bis- e brani dei britannici Rebecca Clark, Frank Bridge e Benjamin Britten. Il bellissimo concerto è iniziato con un eccellente e raro Konzertstück per viola e pianoforte di Enescu, quindi due brani per solo viola di Ligeti, denominati Facsar e Loop ; per solo pianoforte di Kodaly le Children Dances nn. 6, 7, 8 e da Játécok, di Kurtag, "Harmonika – Hommage à Borsody László" e "Aus der Ferne". Le esecuzioni di alto livello interpretativo hanno visto un equilibrio preciso e luminoso dei brani in duo, tra questi anche quello splendido e rarissimo della compositrice Rebecca Clarke, Morpheus, eseguito senza soluzione di continuità con l'Allegro appassionato di Franck Bridge. Molto belli tutti i brani solistici con i colori intensi della viola della Ronchini, uno strumento ad arco di recente produzione dalle profonde timbriche antiche. Valida l'idea della Cattarossi di alternare i brani solistici al pianoforte di Kodaly, più melodici e di immediata comprensione , con quelli di Kurtag, più astratti ma di efficace resa espressiva. Tutti questi brevi brani destinati ai giovanissimi, con linguaggi differenti ma, nell'alternanza, con contrasti stilistici decisamente riusciti, hanno trovato un'espressiva interpretazione. Ottimo poi il Britten finale di Lachrymae nel riferimento melodico di grande pregnanza espressiva ad un brano dell'inglese John Dowland. Splendide interpreti, applauditussime dal pubblico intervenuto. Di qualità i bis concessi di Belà Bartók. Da ricordare.

Un successo ancora meritatissimo alla quinta rappresentazione di Der Rosenkavalier, una messinscena già allestita nel 2016 e ora nobilitata da una direzione ineguagliabile di Kirill Petrenko. Il vero trionfatore della serata scaligera è riuscito, con una direzione esemplare, a mettere in risalto la splendida, complessa e variegata musica di Richard Strauss, espressa da un'eccellente Orchestra del Teatro alla Scala, con l'altrettanto valida componente vocale, creando un equilibrio complessivo perfetto. La messinscena di Harry Kupfer, con le scene di Hans Schavernoch, i costumi di Yan Tax, le luci di Juergen Hofmann e i video di Thomas Reimer, erano quelle della scorsa edizione. Una realizzazione più che valida, e sufficiente per contenere la meraviglia musicale di Strauss nella proporzionata realizzazione di Petrenko, una direzione giocata su una leggerezza e scorrevolezza delle timbriche esemplari, evidenziate con chiarezza negli infiniti rapporti dinamici. Il gesto di Petrenko, sempre tra il serio e il divertito, rivela un controllo totale di quello che accade nella buca e sul palcoscenico. L'ottima componente attoriale di un lavoro molto teatrale - una commedia in tre atti su libretto di Hugo von Hofmannsthal- con frangenti di godibile divertimento, ha visto voci importanti di primo livello nei nomi di Krassimira Stoyanova, la Marescialla, Günther Groissböck, il Barone Ochs, Kate Lindsey, Octavian, Sabine Devieilhe, Sophie, Michael Kraus, Faninal, Carolina Wenborne, Duenna, Gerardo Siegel, Valzacchi, Tanja Ariane Baumgartner, Annina, Piero Pretti, Einaudi Sanger, e le altre ottime voci. Non dimentichiamo il Coro esemplare preparato e diretto da Alberto Malazzi e quello delle Voci bianche dell'Accademia del Teatro alla Scala dirette da Marco De Gaspari. L'ltima replica è per il 29 ottobre, sempre alle ore 19.00. (Foto in alto di Brescia & Amisano dall'archivio del Teatro alla Scala)

DUE OPERE PER IL NUOVO OMAGGIO DI NOVARA A PUCCINI: LA BENEDIZIONE DI CRISTIAN CARRARA INTRODUCE IL GIANNI SCHICCHI

Ieri sera, 25 ottobre, sul palcoscenico del Teatro Coccia di Novara è stata rappresentato, per l’anno pucciniano, Gianni Schicchi, preceduto e introdotto dalla prima assoluta mondiale di un atto unico del compositore Cristian Carrara (n.1977) su libretto dello scrittore Marco Malvaldi: “La Benedizione”, scritto su commissione del Teatro Coccia, per uno spettacolo coprodotto dal Coccia e dalla Società Lirica Tamagno. “La Benedizione” si propone come narrazione degli antefatti del pucciniano Gianni Schicchi: se quest’ultimo ha inizio quando Buoso Donati è appena morto, “La Benedizione” ci racconta come Buoso Donati muore, fra i più cinici e sordidi intrighi dei famigliari, bramosi di impossessarsi delle sue ricchezze e decisi ad accelerarne la morte, esasperati da un’agonia che sembra non voler finire mai: il problema è come raggiungere questo obiettivo, con il veleno o con una bella coltellata ad opera di un sicario, ma l’impresa è resa comunque difficile dalla diffidenza di Buoso. Alla fine Buoso muore dopo aver dettato il testamento ad un frate confessore del monastero fiorentino di s. Reparata, cui il Donati lascia tutti i propri beni Più che un’Opera, questo atto unico di Carrara richiama alla mente le Farse o gli Intermezzi del teatro musicale del’700 napoletano, sia per l’argomento, sia per la brevità (dura poco più di mezz’ora). Anche la presenza di brani parlati conferma il legame con questi generi antichi e, al tempo stesso, avvicina “La Benedizione” all’operetta. Si tratta in ogni caso di un’opera gradevole, sia per il libretto, vivace e ben impostato nei suoi meccanismi narrativi, sia per la musica, dalla scrittura saldamente ancorata ad un linguaggio tonale, dal tessuto armonico equilibrato e di leggera trasparenza, con ritmi, agogiche e valori timbrici ben aderenti alle varie situazioni. La regia, affidata a Teresa Gargano, ambienta la vicenda di entrambe le opere in una Firenze di fine ‘900. Questa attualizzazione dell’opera, che è ormai divenuta una moda, talora irritante, in questo caso appare pienamente accettabile, perché questa borghesia cinica, bramosa di denaro, pronta a calpestare ogni valore morale pur di appagare la sua sfrenata cupidigia proprietaria, non era certo presente solo all’epoca di Dante, ma, ahimè, sembra celebrare il suo trionfo nel mondo di oggi, nel quale gli intrallazzatori alla Gianni Schicchi sono l’emblema di un’ intera società. Le scene delle due opere, curate da Lorenzo Mazzoletti sono tra loro collegate. Ne “La Benedizione” ci sono due ambienti separati, illuminati dai sempre efficaci giochi di luce di Ivan Pastrovicchio: un salotto, sfondo al torbido chiacchiericcio del parentado di Buoso, che trama per la sua morte e , appunto, la sua camera da letto ; in “Gianni Schicchi” resta invece una grande camera da letto, ove il contrasto fra l’oscurità che avvolge la scena e i costumi dei cantanti dai colori vivaci, curati da Silvia Lumes, e la presenza di un ricco buffet nello stesso spazio del letto funebre, simboleggiano la cinica e volgare dissacrazione della morte, che diventa un’allegra festa per i presunti eredi. In entrambe le scene campeggia la proiezione di una Firenze medievale, cui si sovrappongono immagini di una città moderna, su cui incombe (ne La Benedizione) un’immagine gotica di Adamo ed Eva: insomma, medioevo o fine XX secolo, l’umanità è peccatrice senza rimedio. Tanto vale allora scherzarci un po’ sopra. Il movimento scenico dei cantanti attori, ottimamente diretto, è in perfetta coerenza con questa linea registica, molto attenta anche a costruire, con notevole sensibilità musicale, uno stretto rapporto tra la musica e la gestualità dei cantanti. In buca una novità rispetto all’ormai, al Coccia, consueta e collaudatissima Orchestra Filarmonica Italiana: esordiva infatti a Novara la compagine bresciana Bazzini Consort, giovane sia per la data di fondazione, il 2017, sia per l’età media dei suoi membri: compagine di buon valore, solida per affiatamento e compattezza e per un suono preciso e sicuro in tutti i reparti strumentali. A dirigere la Bazzini Consort era l’ottimo ed esperto Vittorio Parisi: una direzione, la sua, decisamente valida nell’interpretazione delle due opere. Con il suo gesto preciso ed essenziale, il Maestro milanese dà il dovuto risalto alla trasparenza e leggerezza della scrittura armonica di Carrara, curandone con attenzione i dettagli timbrici e dinamici, quasi assaporandoli nella loro vena comica e grottesca. Altrettanto efficace è la resa della tagliente costruzione ritmica del tessuto musicale del Gianni Schicchi, con i suoi incisivi ‘ostinato’ e movenze da fox trot, dando un ruolo timbrico quasi protagonistico al tetro e insistito uso delle percussioni. Insomma la direzione di Parisi ha saputo integrare bene il piano musicale con quello della comicità delle situazioni e degli eventi sul palcoscenico, accompagnando con puntualità i cantanti. Tra questi, fra le parti principali, ritroviamo volentieri il baritono Marcello Rosiello, che avevamo già avuto modo di apprezzare lo scorso mese nella Rondine pucciniana, nel ruolo secondario di Rambaldo. Ieri era Buoso Donati ne “La Benedizione” e Gianni Schicchi nell’omonima opera di Puccini; insomma, il protagonista della serata Ha potuto fare pienamente sfoggio delle ottime qualità della sua voce, un baritono di ottima pasta timbrica, densa e nitida, di ampia proiezione e un efficace fraseggio e legato. Il tutto al servizio di una energia comica davvero di gran classe. In due opere corali come queste, a parte l’indiscusso protagonista, è difficile distinguere nettamente tra ruoli di primo piano e parti di fianco. Tra i ruoli maschili di una certa importanza segnaliamo il Rinuccio del tenore Nicola Di Filippo dalla voce di ridotta proiezione e un po’ carente nei registri medio-alti, tanto che talora il suo canto risultava coperto dall’orchestra. Senza infamia e senza lode il Gherardo del tenore Xiao Sen Su, mentre ha interpretato bene la sua parte (Simone) il basso Stefano Paradiso, voce ben timbrata di valida proiezione. Tra i ruoli femminili la Zita del contralto Francesca Mercuriali, ci ha dato l’impressione di scarsa scioltezza nel fraseggio e di una certa impettita rigidità nella recitazione, mentre il soprano Beatrice Caterino si è meritata, con la sua voce morbida e calda, benché un po’ spenta sugli acuti, la sua brava dose di applausi con la più famosa aria dello Schicchi. ‘O mio babbino caro’. Delle restanti numerose parti secondarie diciamo che hanno sbrigato il loro dovere con adeguato mestiere. Segnaliamo che alcune di queste voci, Xiao Sen Su, Mercuriali, Caterino, oltre ad altre non menzionate escono dall’Accademia Amo-Accademia dei Mestieri dell’Opera, una realtà in decisa crescita, creata dal Teatro Coccia, da cui sta uscendo una nuova leva di cantanti e altre figure legate all’opera musicale, che deve ancora maturare, ma promette bene. Buon successo di pubblico e meritati applausi per uno spettacolo gradevole, divertente, preparato con la consueta passione dal Teatro novarese. Si replica domani, domenica 27, stesso cast.(Foto dall'Ufficio Stampa del Teatro Coccia)

Un'intera giornata musicale quella proposta nella Sala Verdi del Conservatorio milanese dalla Fondazione La Società dei Concerti, con la medesima eccellente organizzazione - quella che fa capo all'instancabile Enrica Ciccarelli Mormone. Ieri, nel pomeriggio, si è esibito il vincitore dell'ultimo "Premio Paganini", il violinista tedesco Simon Zhu, accompagnato dall'ottimo pianista russo Vsevolod Dvorkin; poi, alla sera, abbiamo ascoltato il noto virtuoso del pianoforte Francesco Libetta. Due performance successive, dunque, di alto livello, con una quantità complessiva di brani che raramente capita di ascoltare. Il 23enne Zhu ha impaginato un programma dove la componente violinistica aveva il sopravvento, con un "a solo" bachiano che ha introdotto il concerto, due movimenti, il Grave e la Fuga, dalla Sonata n.2 in la minore BWV 1003. È emerso subito l'alto spessore interpretativo di Zhu giocato su una sicurezza estrema nel rendere il fraseggio chiaro e preciso. Con alcuni Capricci di Paganini, i numeri 5, 7 e 20, nella trascrizione con accompagnamento pianistico di Robert Schumann, è emersa la sua più alta qualità virtuosistica, in perfetta sintonia con le precise armonizzazioni pianistiche di Dvorkin, espresse ottimamente nel rispetto assoluto della componente violinistica. Un tale, prezioso equilibrio tra i due strumenti è davvero raro. Il brano conclusivo dell'impaginato ufficiale, la Sonata n.2 in re minore op. 121 per violino e pianoforte di Schumann, ha rivelato le grandi qualità di entrambi i musicisti, avendo, nella splendida Sonata, la componente pianistica un ruolo essenziale. Eccellente il bis con il Capriccio più corposo paganiniano, il n.24, quello con la serie di Variazioni, sempre nella trascrizione di Schumann. Un' interpretazione che ha meritato i fragorosi applausi tributati dal pubblico.

Il violoncellista Ettore Pagano diretto da Pier Carlo Orizio in Conservatorio per la Società dei Concerti

6 ottobre 2024 Cesare Guzzardella

Non poteva che essere il maestro Mario Coppola, a concludere, ieri 5/10, il festival pianistico Pianovara, organizzato dal Conservatorio Cantelli di Novara. Mario Coppola, napoletano, gode di grande prestigio, sia come insegnante di pianoforte attualmente al Cantelli, ove vanta un alto numero di allievi vincitori di vari concorsi in Italia e all’estero e apprezzati pianisti in varie sale da concerto e festival (abbiamo ascoltato due giorni fa, qui al Cantelli, la bravissima De Bernardo), sia come pianista, formatosi nell’ambito della scuola napoletana, avendo come insegnante uno dei massimi esponenti di quella scuola, quel Sergio Fiorentino che, secondo un noto aneddoto, Arturo Benedetti Michelangeli riconobbe come unico altro vero pianista al mondo, oltre, naturalmente, a lui stesso. Della scuola napoletana Coppola ha ereditato le due caratteristiche di fondo: il ‘tocco’, che per i maestri di quella scuola significa cantabilità, tecnica del legato e trasparenza polifonica, e la nitidezza ed equilibrio del suono in velocità, con una tecnica ferrata, che ci pare guardi anche ad un altro grande maestro napoletano, Vincenzo Vitale. Su tutto regnano sovrane una squisita eleganza e una finissima sensibilità espressiva per ritmi, dinamiche e timbri. Le Variazioni in Re maggiore KV 573 di Mozart, primo pezzo in programma, sono servite sostanzialmente a Coppola a ‘riscaldare i polsi’ e a dar prova di un suono brillante e capace di ricreare il gradevole gusto galante di un pezzo decisamente minore di Amadè. Il maestro napoletano, grazie ad una fraseggio morbido, quasi in sordina, ma caldo e avvolgente nella sua straordinaria finezza di tocco, ha saputo trasmettere al pubblico tutta l’intensa poeticità e la soffusa dolcezza, venata di malinconia’ slava., dei due bellissimi notturni di Cjaikovskij, il n.1 op.10 in Fa maggiore e il n.4 op.19 in do diesis minore e soprattutto della sublime Barcarola Giugno, dalle Stagioni del grande compositore russo, di esecuzione che non esitiamo a definire perfetta, per la cura finissima del dettaglio timbrico e dinamico .In ‘Funerailles’ di Liszt, che chiudeva la serata, Coppola mostrava tutta la varietà dei suoi registri espressivi, esprimendo al meglio il percorso ascensionale disegnato dal sublime pezzo, dalla morte, col suo cupo ostinato ribattuto con energia e come inciso nella tastiera dal pianista, all’inebriante danza trionfale della salvezza, che trovava la sua voce sonora nella spumeggiante luminosità di una marcia trionfale, con i suoi abbellimenti cesellati da Coppola con la sua caratteristica trasparenza. Ma il clou dell’impaginato era rappresentato dalla penultima sonata di Beethoven (finalmente in questo festival!), la n.31 in La bemolle maggiore op.110. L’interpretazione che ne ha offerto Coppola è stata all’insegna della più tersa cantabilità, con momenti di intenso intimismo, in un flusso delicato di idee musicali, fraseggiate con quell’ “amabilità” che Beethoven prescrive in partitura per il primo movimento e con una espressività che sa essere struggente nell’Arioso dolente, per poi farsi evento sonoro di incantevole luminosità nella Fuga finale. Il recital di Coppola è stato accolto da applausi scroscianti di un pubblico entusiasta, che ha ottenuto come bis un pezzo di Chopin e uno di Fiorentino, omaggio di un grande allievo a un grandissimo maestro. Davvero un concerto che ricorderemo!

Ieri, 2/10, siamo tornati volentieri ad un concerto della giovane e talentuosa pianista napoletana Ludovica De Bernardo, presso il Conservatorio di Novara, ove svolge attualmente attività d’insegnamento. Avevamo già ascoltato la De Bernardo tempo fa, in un concerto dall’impaginato novecentesco. Da allora ha intensificato la sua già ampia attività concertistica, approfondendo anche i grandi classici del Romanticismo ottocentesco, sotto la guida di quello che dal 2012 è il suo grande mentore, il Maestro Mario Coppola, esponente tra i più autorevoli oggi della c.d. ‘scuola napoletana’. E tutto ottocentesco, salvo un pezzo di Ravel, era il programma presentato ieri da De Bernardo: Chopin, Liszt, Brahms. La raffinatezza ed eleganza squisita del tocco, unita a chiarezza e solidità di gran pregio, già ascoltata in precedenza, ci è apparsa nel recital di ieri arricchita da una più sottile e profonda esplorazione delle sfumature espressive del suono, cavato da un tocco morbido, talora quasi felpato, con legati e rubati che danno elegante fluidità al fraseggio. Queste qualità interpretative della brava pianista napoletana emergono subito sin dal primo pezzo, lo Scherzo in mi bemolle min. op.4 di J. Brahms, ove alla tensione ritmica, eseguita con sicurezza ed energia, si accompagna, soprattutto nel secondo dei due Trii, un melodismo che il tocco della De Bernardo soffonde di quella vaghezza malinconica che poi sarà del maggior Brahms. L’ascoltatore avverte poi, nello Scherzo in Mi magg. op.54 di F. Chopin, affidato al talento di questa pianista, quella sonorità “pastello luminoso e chiaro” di cui parlava Rattalino, mentre, sempre del grande polacco, dell’Andante spianato e Grande Polacca brillante in Sol Magg. op.22, il pubblico, dopo essere stato rapito dalla dolce cantabilità dell’Andante introduttivo, ha potuto apprezzare il suono energico e perlaceo sgranato dalla De Bernardo anche nei momenti agogicamente più mossi, e la finezza di gusto con cui è stata eseguita la ricchissima ornamentazione che accompagna gran parte della Grande Polacca. Ma la De Bernardo è pianista davvero completa e lo ha dimostrato con la n.13 delle Rapsodie ungheresi di F. Liszt, ove ha sfoggiato un vero e proprio fuoco d’artificio sonoro, nel ritmo frenetico della danza tzigana, eseguito però sempre con sapiente gusto e solida e razionale misura e soprattutto con una rara capacità di valorizzarne la splendida orchestrazione, con i suoi variegati e trascoloranti contrasti timbrici. La De Bernardo, fuori della serie di pezzi ottocenteschi ha introdotto nel suo recital, come detto, la Suite di Ravel “Les Valses nobles et sentimental” che ha davvero incantato gli ascoltatori con un’esecuzione di suprema eleganza, che è sembrata accarezzare piuttosto che evidenziare le durezze armoniche e le raffinate angolosità del pezzo, rendendo soavi anche le dissonanze, sino al gioco di svaporanti sfumature in cui sembra sciogliersi questa danza, che il tocco pregevole dell’interprete ci ha presentato quasi come un sogno di un mondo perduto, ma ancora capace, così evocato, di diventare incantesimo sonoro. Grandissimo il successo di questo bellissimo concerto, accolto da grandi applausi del pubblico, che ha ottenuto un bis: un pezzo di bravura di Debussy, suonato con assoluta perfezione. Da ricordare!

L’Univers féminin, il concerto così titolato ascoltato nella Sala Puccini del Conservatorio milanese per la rassegna Musica Maestri!, proponeva brani soprattutto di compositrici quali Anna Bon (1738-1767), Anna Amalie von Preußen (1723-1787) e Élisabeth-Claude Jacquet de La Guerre (1666-1729), ma anche di Marin Marais (1656-1728) e di Georg Philipp Telemann (1681-1767). Donne erano Lucia Rizzello al flauto traversiere, Noelia Reverte Reche alla viola da gamba e Chiara Tiboni al clavicembalo, componenti del Trio L'Inconstante, per un repertorio di musica antica suggestivo, che ci fa tornare lontano nel tempo per le sonorità degli strumenti d'epoca come il clavicembalo ben utilizzato come basso continuo in quasi tutti i brani , ma come ruolo protagonista nella Suite III in la minore di Élisabeth-Claude Jacquet de La Guerre, un brano ricco di delicati movimenti elargiti con sicurezza dalla bravissima Chiara Tiboni. Timbri antichi e tenui sono emersi anche nella viola da gamba, strumento a sette corde antenato del violoncello, con sonorità discrete e sensuali nel Prelude, La mignone e La minaudiere di Marin Marais, elargiti con delicata precisione da Noelia Reverte Reche; mentre i dolci colori del flauto traversiere si sono ancor più rivelati nelle sonate di Anna Bon e di Anna Amalie von Preußen con l'ottima flautista Lucia Rizzello. Momento di grande qualità estetica quella con il più celebre compositore tedesco Georg Philipp Telemann e il suo delizioso Trio sonata in la minore TWV 42:a7 di cui dalle bravissime interpreti è stato poi ripetuto l'orecchiabilissimo Allegro, quarto movimento della discorsiva e splendida Sonata. Successo in una sala stracolma di appassionati.

23 settembre 2024 Cesare Guzzardella

Il pianista londinese Nicolas Hodges , classe 1970, è conosciuto soprattutto per le sue esecuzioni di musica contemporanea, pur essendo anche ottimo interprete della musica dei classici Bach, Beethoven, Brahms, ecc. Ieri sera al Teatro Munari ha impaginato un programma particolare, dove la maggior parte di compositori contemporanei o del Novecento venivano intervallati da brevi brani di Bach. Hodges ha voluto realizzare una sorta di suite unendo tutti i lavori ed eseguendoli senza soluzione di continuità per una durata complessiva di circa sessanta minuti. Alexsander Goehr (1932-2024), Anton Webern (1883-1945), Rebecca Saunders (1967), J.S.Bach(1685-1750), Wolfgang Rihm (1952-2024) e André Boucourechliev (1925-1977) sono stati riuniti in questo lavoro eseguito con determinazione da Hodges e con una adeguata gestualità. Il brano introduttivo, Surrounding Silences op.108 di Goehr, scomparso nel mese di agosto di quest'anno, era in Prima esecuzione assoluta. E' la sua ultima composizione pianistica e certamente rappresenta un sereno "schiaffo" alla tastiera per l'infinita serie di cluster che con diverse modalità di voluminosità, dalle leggere carezze dei tasti alla estrema percussività, coprono tutti i registri dello strumento per una definizione sonora di particolare suggestione timbrica. Le successive storiche Variazioni op.27 di Anton Webern, esempio tra i più rilevanti di dodecafonia, hanno interrotto il senso aleatorio del brano precedente per una costruzione ben articolata costruttivamente. Maggiore melodicità, pur nell'atonalità, per il brano To an Utterance, study, della Saunders, che ha portato poi al primo Bach con il Duetto n.1 in Mi minore BWV 802 eseguito con leggera discorsività in modo impeccabile. L'ordine architettonico della musica del grande genio tedesco ha trovato poi un contrasto evidente con il brano più corposo del concerto, Zwei Linien di Rihm. In Prima esecuzione italiana, il lungo lavoro del secondo compositore tedesco, recentemente scomparso, è stato certamente interessante per la varietà dei contrasti tra i frangenti più riflessivi e i repentini andamenti melodici. Il Duetto n.4 in La minore BWV 805 di Bach ha ancora una volta riportato razionalità e certezza al concerto che poi ha trovato conclusione con l'aleatorietà del brano Archipel 4 di Boucourechliev. La partitura grafica circolare del lavoro ha dato molto spazio all'interpretazione di Hodges per suggestioni che ricordavano il primo brano ascoltato, quello posteriore di Goehr, anche per un certo utilizzo di brevi cluster. Un'interpretazione complessiva certamente efficace quella di Hodges nella non semplice scelta d'impaginato. Applausi frarogosi dal numeroso pubblico presente in teatro.

22 settembre 2024 Cesare Guzzardella

IL PIANOFORTE DEGLI ZOOMERS

Da alcuni anni ascolto in concerto il pianista milanese Antonio Alessandri, classe 2006. Ieri è stato più che presente al Festival MiTo eseguendo due volte l'impaginato del concerto - alle ore 17.00 e alle ore 19.00 - al Santuario San Giuseppe di via Verdi. Un programma completo il suo, di settanta minuti senza intervallo. Sono stati proposti brani di Chopin, di Capogrosso, di Ravel e di Stravinskij. Alessandri ha rivelato un controllo del materiale musicale unico, espresso con una tranquillità che solo chi ha memorizzato ogni dettaglio della partitura può avere. A parte il complesso brano contemporaneo di Capogrosso (1984), gli altri lavori, tutti celebri, sono stati naturalmente eseguiti a memoria. A cominciare dalla Sonata n.2 in si bem. Maggiore op.35 di Fryderyk Chopin che ha introdotto il pomeriggio rivelando l'alta cifra stilistica dell' interprete. Uno Chopin ricco di energia, sin dal movimento iniziale il Grave.Doppio movimento. L'ottimo Scherzo, con una parte centrale di grande riflessione, ha anticipato una Marche funèbre ricca di profondità espressiva, mentre il breve Finale.Presto, di rapidissima leggera esternazione - sembrava un brano contemporaneo- è stato eseguito con una chiarezza esemplare. Dottor Faust, Chapter XXV del perugino Fabio Massimo Capogrosso è un brano del 2016. Un lavoro decisamente pianistico che fa riferimento a molti musicisti del tardo romanticismo ma anche del primo e del secondo Novecento. Alessandri ne ha dato una lettura sicura, ricca di contrasti, cogliendo certamente, con straordinaria discorsività, l'essenza misteriosa del lavoro. Ottimo il Ravel dei Valse nobles et sentimentales, composizione del 1911 suddivisa in otto brevi parti approfondite con sicurezza ed eleganza dal diciottenne. Straordinario il brano conclusivo del programma. I Trois mouvementes de Petruška di Stravinskij hanno trovato una sintesi discorsiva stravolgente nella restituzione di Alessandri. Una chiarezza strutturale di altissimo livello, con dettagli evidenziati nell'andamento complessivamente rapido. I continui contrasti dei temi, intrisi di ritmiche definite con precisione dal pianista, hanno messo in risalto i tre movimenti della composizione legata al celebre balletto: Danse russe, Chez Petruška e La samaine grasse. Grandissima interpretazione. Applausi calorosissimi nel bellissimo santuario colmo di pubblico.

Ancora giovani pianisti al Dal Verme per una rassegna che sta ottenendo un grande successo di pubblico. Gli ultimi ascoltati, come sempre presentati da Davide Cabassi, noto pianista e organizzatore musicale, in conversazione con gli interpreti, hanno affrontato il periodo romantico della musica, arrivando poi anche al primo Novecento. Geograficamente abbiamo toccato la Polonia, la Norvegia, l'Italia e la Francia. Diego Petrella, pianista particolarmente attivo nel repertorio contemporaneo, ha eseguito con decisione la nota Sonata in si minore op.58, la terza del grande pianista e compositore polacco Fryderyk Chopin (1810-1848). È un lavoro di grande impatto virtuosistico che abbisogna di sicurezza, energia e visione complessiva adeguata per sostenere i quattro corposi movimenti che compongono la Sonata. Petrella ha avuto tutti i requisiti per un' ottima interpretazione, con un movimento finale, un Presto non tanto agitato, di eccellente qualità. Il pianista successivo, Gabriele Buccheri, si è impegnato nella straordinaria Sonata in mi minore op.7 del norvegese Edvard Grieg (1843-1907). È un brano di rara esecuzione che Buccheri ha affrontato con grande equilibrio e con sonorità trasparenti ben delineate. Lo stato febbrile in cui si trovavo non ha impedito di evidenziare le sue ottime qualità d'interprete. Ancora più rara, non essendoci video completi neanche in rete, la Sonata scelta dalla pianista cinese Qianyu Guo, riferita all'italiano Giuseppe Martucci. È un brano particolarmente virtuosistico l'Op.34, nella tonalità di Mi maggiore e nei classici quattro movimenti. La Guo ha espresso una cura del dettaglio con espressività trasparente del suo bel suono tondo. La pianista Volha Karmyzava  è arrivata al Novecento francese con due Sonatine, quella di Maurice Ravel e quella di Darius Milhaud. Sonate a tutti gli effetti, in realtà sono entrambe caratterizzate da una maggiore brevità di durata e da una struttura in tre movimenti. La deliziosa Op.40 del primo francese è di un'eleganza raffinata e la pianista russa, naturalizzata italiana, ha delineato con straordinaria sicurezza e con massima interiorizzazione il linguaggio raveliano, per una restituzione di alto livello estetico. Ottimo anche il Milhaud dell'Op.354 nei tre movimenti L'aube, La matinée e Midì, ben contrastati e ancora delineati con dinamiche precise in ogni dettaglio. Pubblico molto partecipe nella sala minore del Dal Verme spesso al completo.

18 settembre 2024 Cesare Guzzardella

Ieri, 17/09, l’Auditorium del Conservatorio Cantelli di Novara, nell’ambito del Festival PiaNovara, ha visto il recital del quarantenne pianista torinese Gabriele Carcano. Decennale e intensa carriera concertistica alle spalle, importanti premi in vari concorsi in Italia e all’estero, docenza di pianoforte principale all’Accademia della Musica di Pinerolo e al Cantelli di Novara, Carcano ha eseguito un programma impaginato con intelligenza e finezza: le 4 Ballate op. 10 di J. Brahms e i 4 Impromptu op.90 di F. Schubert. Una scelta, quella di Carcano, decisamente virata su una musica di cesellate sfumature, improntata ad una sottile vena di delicato e suggestivo intimismo. Carcano è pianista di fraseggio raffinato, fatto di un suono espressivamente ricco di sfumature e. a un tempo. Chiaro e trasparente. La Maestria del pianista torinese si esprime nel respiro della frase e in un tocco sensibile e timbricamente vario, unito ad una rigorosa autorevolezza interpretativa. Sono queste risorse che permettono a Carcano di esaltare la varietà dei registri timbrici e dinamici delle ballate brahmsiane, offrendo, in particolare un’interpretazione di livello altissimo della quarta in Si Maggiore, che il fine fraseggio del Maestro torinese, sostenuto da un uso del pedale ispirato da un gusto squisito, approfondisce nei suoi chiaroscuri quasi impressionistici e scava in una dimensione di intima e intensa meditazione poetica: siamo decisamente già nel clima dei Klavierstucke op.76, ed è chiaro che la magistrale interpretazione di Carcano guarda a quell’opera come imprescindibile riferimento per il pianismo brahmsiano. Quanto osservato a proposito delle Ballate di Brahms, non si potrebbe che ripetere per i quattro Impromptu di Schubert: anche per questi stupendi pezzi l’ascoltatore non può che restare davvero ammirato di fronte alla sensibilità di Carcano nell’interpretarne la varietà di timbri e chiaroscuri, sostenuta da un suono che, più che dalle dita, sembra davvero uscito dal cuore, senza mai un momento di monotona meccanicità. È soprattutto col terzo Impromptu in Sol bem. maggiore che il pianista torinese raggiunge i vertici d’intensità espressiva del suo recital: è davvero di meravigliosa bellezza il modo in cui Carcano suona la lunga melodia, tipicamente schubertiana nel suo espandersi in un alone sempre più ricco di sfumature, intensificandone progressivamente il clima emotivo di intimo raccoglimento, in una calma estatica, appena ombreggiata dall’atmosfera fremente e oscura della parte centrale. Un vero gioiello di interpretazione. Un tesoro di pezzi brevi di perfetta cesellatura tecnica ed emotiva: questo il recital di Carcano, che ha riscosso un meritato straordinario successo di pubblico, ricambiato col bis: uno dei Pezzi Lirici di Grieg, interpretato con tutta la garbata eleganza e ricchezza di valori timbrici di cui è capace questo Maestro del pianoforte. Un pianista, Carcano, che non ci si stancherebbe mai di ascoltare.

18 settembre 2024 Bruno Busca

Nel 150° della nascita di Arnold Schönberg sono stati proposti al Teatro alla Scala i Gurre-Lieder, opera tonale di Arnold Schönberg per una compagine orchestrale e corale di inconsueta dimensione. A questa si aggiungono anche cinque voci soliste che si sono avvicendate nelle tre parti che compongono il grande lavoro del primissimo Novecento. Il direttore Riccardo Chailly alla guida dell'Orchestra della Scala era coadiuvato per il Coro del Teatro da Alberto Malazzi, mentre il Chor des Bayerischen Rindfinks, che completava la massa delle voci, era diretto da Peter Dijkstra. È un lavoro importante quello dei "Canti di Gurre". Composti da Schönberg in più momenti": la prima parte era già stata organizzata nel 1903, mentre i canti rimanenti terminarono nel 1911 per essere eseguiti in una versione completa nel 1913. È uno Schönberg più tradizionale quello di questa ampia composizione, non certo dodecafonico, ma legato alla tradizione wagneriana, dei tardoromantici e anche di Mahler. La prima parte del lavoro era nata in versione cameristica per due pianoforti a otto mani che accompagnavano un soprano e un tenore. La versione definitiva, con la grande orchestra, ha reso unitarie le tre parti, con quelle laterali più ampie, e quella centrale più breve. L'ottima direzione di Chailly ha messo in risalto l'orchestrazione di Schönberg, particolarmente articolata, con frangenti cameristici in alternanza ad altri di grande impatto orchestrale e corale che rivelano la straordinaria cultura strumentale del compositore austriaco. L'utilizzo del Coro, avvenuto nella terza parte del lavoro, ha aumentato ancor più la dimensione volumetrica e spaziale dell'esecuzione. Di qualità il cast vocale: Andreas Schager in Waldemar, Camilla Nylund in Tove, Okka von der Damerau in Waldtaube, Michael Volle in Bauer e Sprecher e Norbert Ernst in Klaus Narr. Applausi meritatissimi interminabili in una Scala colma di pubblico. Questa sera alle ore 20.00 l'ultima replica. Da non perdere

17 settembre 2024. Cesare Guzzardella

Per il secondo anno consecutivo la lunga e articolata stagione di musica da camera proposta dal Conservatorio novarese G. Cantelli è stata aperta ieri, 16 settembre, dal Festival Pianovara, una vera ‘festa’ per i musicofili della città, che, tra master, convegni aperti al pubblico e concerti pianistici, si snoderà per un mese, sino alla metà di ottobre, con appuntamenti quasi quotidiani. Secondo il programma originario, il concerto inaugurale del Festival doveva vedere protagonista il Maestro ucraino Sajenko (1991), che ha purtroppo dato forfait per una indisposizione. Tale circostanza ha offerto l’occasione di ascoltare per la prima volta a Novara un giovanissimo pianista ‘emergente, il diciannovenne milanese Massimo Urban, che conta al suo attivo una nutrita serie di applauditi recital ed esibizioni, nonché un impressionante numero di premiazioni, tra assolute e speciali, in importanti concorsi nazionali e internazionali. Il programma con cui Urban si è esibito dinanzi al pubblico novarese era, soprattutto nei suoi due ultimi numeri, di notevole complessità tecnica: proponeva la Sonata n.12 in Fa maggiore op. 332 di Mozart, l’Uccello di Fuoco di Stravinsky, nella trascrizione per pianoforte solo di Guido Agosti (le ultime tre parti della versione 1919 della Suite), una delle poche composizioni rimaste ancor oggi in repertorio (Beatrice Rana, Daniil Trifonov) di questo grande pianista, allievo di Busoni, ingiustamente caduto nel dimenticatoio, per concludere con la Sonata in Si minore di Liszt. Ed è proprio questo il pezzo in cui, a nostro avviso, Urban ha dato il meglio di sé, con una esecuzione di alto livello, non solo sotto il profilo di un funambolico virtuosismo, ma anche sotto quello espressivo. Il diciannovenne milanese è dotato di un suono di grande volume e potenza, sostenuto da un tocco sempre preciso e ben tornito che nelle zone acute della tastiera sa attingere un bel nitore perlaceo. Con una scelta molto bel calibrata di tempi e ritmi, una sapiente gestione delle dinamiche e dei contrasti agogici e soprattutto un ricorso a pause di raffinata espressività, Urban ha saputo interpretare con intensa efficacia questa ‘cattedrale’ della musica, come lui stesso l’ha definita nella bella presentazione al pubblico. Sia le sezioni di più accesa e quasi convulsa tensione agogica, sia quella di più distesa e dolce melodicità, sono uscite, dal fraseggio eccellente di questo talentuoso ragazzo, come pagine capaci di grande impatto emotivo, e di ricchezza sonora ottimamente realizzata nella varietà delle sue sfumature. Nei precedenti due numeri del recital, abbiamo invece avuto l’impressione che Urban non sempre riuscisse a cogliere, con un fraseggio un po’ piatto e un suono poco duttile, la ricchezza di sfumature e la dolcezza tutta particolare della cantabilità mozartiana, soprattutto nel meraviglioso Adagio della KV 332, né desse voce adeguata a quella magica varietà di colori timbrici che caratterizza l’Uccello di fuoco, anche nella versione per pianoforte, molto ben adattata e orchestrata da G.Agosti. Urban ha ricambiato gli applausi prolungati ed entusiastici del pubblico con un fuori programma da Schubert, il n.3 dei Momenti musicali di F. Schubert, impostandolo in chiave di affabile cantabilità. Pur con qualcosa ancora da perfezionare, com’è ovvio a 19 anni, Massimo Urban è un pianista di notevole talento, pienamente provvisto delle basi per diventare nei prossimi anni un nome affermato nelle nostre sale da concerto.

17 settembre 2024 Bruno Busca

Successo straordinario nella Sala Verdi del Conservatorio milanese per Gianandrea Noseda e l'Orchestra dell'Accademia Nazionale di Santa Cecilia. Il concerto organizzato dal Festival MiTo prevedeva tre lavori: il primo, Con brio, un brano contemporaneo, era di Jörg Widmann (1973). Un lavoro di oltre dieci minuti costruito in territorio tonale ma ricco di effetti sonori " concreti" ottenuti con tutti gli strumenti. Il brano orchestrale, realizzato ottimamente da Widman -compositore ma anche clarinettista- ha rivelato notevole creatività nell'integrare ogni sezione orchestrale in un discorso unitario di valida resa emotiva. Due brani celebri hanno continuato la serata: prima il Concerto per due pianoforti ed orchestra kV 365 di Mozart e, dopo l'intervallo, la Sonfonia n.5 op.67 di Beethoven. Solisti al pianoforte nel brano mozartiano due eccellenti interpreti quali Jan Lisiecki e Francesco Piemontesi. Il duo, in perfetta sincronia nella divisione delle parti solistiche, hanno trovato un'eccellente sinergia con l'Orchestra romana per una resa ottimale dei tre movimenti. Eccellente la decisa discorsività nella chiarezza espressiva del Rondò.Allegro finale. Due i bis concessi dal duo: prima un eccellente Dvorak a quattro mani e poi, accompagnando il primo violoncello dell'orchestra, un ottimo Cigno di Camille Saint-Saens. Applausi fragorosi. Di notevole qualità, a conclusione, la celebre Quinta Sinfonia beethoveniana, diretta con grinta e chiarezza da Noseda. Soprattutto nei movimenti laterali, l'Allegro con brio e l'Allegro-Presto finale la nota compagine di ottimi strumentisti ha mostrato una qualità di altissimo livello in ogni sezione dell'ampia orchestra. Applausi fragorosi in una sala stracolma di appassionati.

16 settembre 2024 Cesare Guzzardella

Un'impresa interpretativa non indifferente quella di eseguire l'intero Catalogues d'oiseaux di Olivier Messiaen. La pianista Costanza Principe, ascoltata più volte nel suo amatissimo Schumann, ha voluto spostarsi di un secolo per dedicarsi ai lavori di un importante musicista del Novecento, il francese Olivier Messiaen (1908-1992). È un ricercatore di sonorità Messiaen, oltre ad essere stato un appassionato studioso di ornitologia. Nella sua ampia opera Cataloguue d'oiseaux, 13 ampi brani dalla durata complessiva di quasi tre ore, titolati con nomi di uccelli, il grande musicista francese - anche eccellente organista e pianista- ha messo in perfetta sintonia le timbriche pianistiche con i cinguettii sottili e rapidi dell'usignolo, del rigolo, del passero, dell'allocco e di altri ancora. La Principe ha suddiviso la raccolta in tre momenti esecutivi: alle ore 9.00, alle 16.30 e alle 20.00, in un luogo all'aperto, il giardino della Rotonda della Besana, con il pianoforte localizzato sotto un grande albero. Un ambiente naturalistico che unisce perfettamente i due mondi sovrapposti con passione dal grande musicista d'Avignone. La monumentale opera gioca sul caratteristico linguaggio del francese, un linguaggio molto personale, ricco di colori, di ritmi e di effetti di rapida successione di note che, tra stratificazioni di accordi apparentemente dissonanti, e successione di veloci sequenze di frasi/cinguettii, ci immergono in un mondo naturale costruito da timbriche di efficace resa espressiva. La Principe, con una sicurezza inaudita, di chi ha studiato in modo approfondito il lavoro immergendosi con passione nella poetica del francese, ha superato questa straordinaria impresa eseguendo i brani senza un attimo di cedimento, anche quando nel concerto pomeridiano, un evidente disturbo di bimbi che giocavano nell'area giochi ha parzialmente compromesso la sua tensione emotiva. Nel concerto serale, a luci soffuse, la resa già ottima dell'interprete ha raggiunto situazioni d'eccellenza che dimostrano le qualità e la versatilità di un'artista che ha lasciato per alcune ore il mondo romantico, soprattutto schumanniano, per quello modale e naturalistico di Olivier Messiaen. Interpretazioni di alto livello per la bella e bravissima Principe, molto apprezzate dal numeroso pubblico intervenuto al Festival MiTo.

15 settembre 2024 Cesare Guzzardella

Il Festival MiTo ha portato a Milano l'Orchestre de l'Opéra de Lyon e il suo attuale direttore musicale, il milanese Daniele Rustioni. L'impaginato proposto, con due importanti lavori, ha rivelato tutte le qualità di questa eccellente compagine strumentale e quelle del suo direttore. Prima una suite da Roméo et Juliette op.17 del francese Héctor Berlioz, quindi Pelleas und Melisande op.5 dell'austriaco Arnold Schönberg. Due brani particolarmente impegnativi per la complessità di scrittura nel territorio orchestrale, portato ad un virtuosismo esasperato in Berlioz e ad un confine con il mondo tonale con il poema sinfonico di Schönberg. Per Berlioz gli esempi virtuosistici strumentali sono Paganini e Liszt e l'esempio massimo di costruttore orchestrale è Beethoven; lui vuole riassumere il mondo virtuosistico e quello sinfonico realizzando una sintesi perfetta tra questi due mondi. Per Schönberg l'Op.5 rappresenta invece la fase finale dei riferimenti tonali del tardo romanticismo e del cromatismo con gli esempi prediletti di Brahms e di Wagner. Con il Pelléas in Schönberg iniziano a scorgersi i primi riferimenti al mondo atonale e a quello della dodecafonia del quale il musicista diventerà l'inventore. Ottime le interpretazioni fornite dall'orchestra francese. Rustioni ha rivelato una capacità di pesare anche le timbriche più discrete, dove i volumi sonori stentano quasi a rivelarsi. Energici molti frangenti della suite di Berlioz e ben approfondita e dettagliata la non facile opera di Schönberg, un lavoro che dimostra la solidità costruttiva del grande compositore viennese naturalizzato statunitense. Grande successo di pubblico al Dal Verme, con Rustioni che al temine ha voluto ricordare che ieri, 13 settembre, era il compleanno di Arnold Schönberg: avrebbe compiuto 150 anni! Serata splendida

Al Teatro Dal Verme un programma novecentesco e contemporaneo ha visto sul podio dell'Orchestra "I Pomeriggi Musicali" Alessandro Cadario, direttore abituato alle novità, come quella del brano ideato dalla compositrice Roberta Vacca (1967) su commissione di MiTo ed eseguito in Prima Assoluta. È denominato P24 - 5 fotogrammi per orchestra - Omaggio a Puccini. Il lavoro, in cinque parti, precisamente Il toscano, La barca, La spingarda, La macchina e Le donne, vuole omaggiare il grande compositore toscano rivelando anche riconoscibili citazioni dalle sue opere. La Vacca ha trovato una relazione tra i cinque oggetti/affetti delle titolazione con le sonorità della sua musica. È un brano interessante per l'originalità del linguaggio, personale nelle timbriche velate, con volumi spesso sottili: restituzioni morbide rese molto bene dagli orchestrali, evidenziando i contrasti dinamici senza bisogno di accentuazioni volumetriche eccessive. Il lavoro orchestrale, di oltre venticinque minuti di durata, ha comunque momenti di estroversione ritmica e nell'ultimo fotogramma, "Le donne", le citazioni di celebri arie pucciniane, dalle opere più note, risultano evidenti. L'ottima composizione, presentata dalla stessa compositrice, è stata particolarmente applaudita dal numeroso pubblico presente in sala. Dopo il breve intervallo è salita sul palcoscenico la violinista Anna Tifu per una rarità quale il Concerto in re maggiore per violino e orchestra op.35 di Erich Wofgang Korngold. Questo brano, nei tre classici movimenti, è stato scritto dal compositore austriaco-statunutense nel 1945 e sta subendo da alcuni anni una certa attenzione per l'originalità delle timbriche neo-romantiche. La nota violinista sarda, mediata anche dall'ottima resa coloristica de "I Pomeriggi" e dalla precisa direzione di Cadario, ha trovato un'ottima resa discorsiva, con intonazione perfetta anche nei momenti di maggiore virtuosismo. Di spessore compositivo il Moderato mobile e la Romanza centrale, meno rilevante ma comunque interpretato altrettanto bene il movimento finale, un Allegro assai vivace molto folcloristico e "americano" che la Tifu ha risolto con scioltezza espressiva. Le qualità espressive della virtuosa si sono ancora rivelate nel bellissimo bis solistico concesso, con un ottimo Ysaye, quello delle Furies dalla Sonata n.2 per violino solo. Applausi fragorosi a tutti i protagonisti.

È una rassegna particolarmente interessante quella in corso per il Festival MiTo nella sala più piccola del Teatro Dal Verme. Giovani e preparatissimi pianisti si succedono alle ore 13.00 per un breve concerto dedicato al genere "Sonata". Trenta o al massimo quaranta minuti di musica sono anticipati da una breve presentazione di Davide Cabassi, noto pianista e organizzatore musicale, in conversazione con il rispettivo interprete. Noi abbiamo ascoltato il giorno 10 settembre Lorenzo Pusterla impegnato in quattro Sonate (R90-R21-R88-R117) dello spagnolo Padre Antonio Soler (1729-1783) e poi di Domenico Scarlatti (1685-1757) con altrettanto quattro Sonate, precisamente le K213-K119-K208 e K127. Il giorno successivo è stato il turno della giovanissima Emma Guercio impegnata in Sonate classiche di Franz Joseph Haydn (1732-1808) con la Sonata XVI: 36 e di Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) con la Sonata K 333. Interessante vedere il passaggio geografico-musicale, come sottolineato da Cabassi e dagli interpreti, tra il Barocco della scuola tastieristica italo-spagnola di Soler e di Scarlatti e il classicismo dei due austriaci. Valide le interpretazioni delle sonate di Soler e Scarlatti, quasi tutte di rara frequentazione. Pusterla ha rivelato una chiara espressività giocata su una costruzione particolarmente razionale. Di eccellente qualità l'interpretazione della Guercio dei classici Haydn e Mozart nelle due differenti sonate accomunate da un non indifferente sviluppo costruttivo. La pianista, a soli sedici anni, ha dimostrato di possedere un'evidente capacità di pesare le timbriche con una precisione di dettaglio estremamente sicura e di rara chiarezza coloristica. Applausi sostenuti ad entrambi gli interpreti in una sala sempre colma di appassionati.

12 settembre 2024 Cesare Guzzardella

Il cappello di paglia di Firenze di Nino Rota, farsa musicale in quattro atti e cinque quadri, è tornato al Teatro alla Scala dopo ventisei anni. Nella terza rappresentazione vista ieri, in una serata dedicata ai giovani, la riuscita della divertente messinscena del regista Mario Acampa è risultata evidente, con applausi fragorosi per tutti i protagonisti. Conosciamo tutti Rota per le straordinarie colonne sonore, meno per la produzione cameristica e orchestrale anche se da alcuni decenni è in corso una doverosa rivalutazione; non lo conosciamo molto per la produzione lirica, oltre una decina di lavori, dove l'opera in scena in questi giorni certamente rimane la più frequentata. Nella farsa Il cappello di paglia di Firenze la facilità del musicista milanese di creare motivi orecchiabili è indubbia, la qualità d'orchestrazione, nella fattispecie curata molto bene da Donato Renzetti, è mirabile. Rimaniamo un po' perplessi sulla qualità musicale complessiva ritrovata nei quattro atti, mancante di unità stilistica, con frangenti leggeri ma per nulla profondi, momenti da avanspettacolo con altri più impegnati , riferibili stilisticamente a grandi compositori, specie i russi, ma inseriti come un collage. È nella realizzazione teatrale che questo rispettabile lavoro trae il suo successo. Nell'ottima messinscena di questi giorni dobbiamo sottolineare, oltre alla valida direzione di Renzetti e alla presenza corale curata ottimamente da Salvo Sgrò, la resa vocale dell'ottimo cast con molti allievi dell'Accademia di perfezionamento del Teatro alla Scala. Non dimentichiamo che l'ottima resa strumentale era quella dell'Orchestra e del Coro dell'Accademia del Teatro scaligero. I protagonisti, tutti all'altezza anche attorialmente alla terza rappresentazione erano: Pierluigi D'Aloia, Fadinard, Huanhong Li, Nonancourt, Vito Priante, Beaupertuis, Paolo Antonio Nevi, Lo zio Vézinet, William Allione, Emilio, Haiyang Guo, Felice, Laura Lolita Peršivana, Elena, Greta Doveri, Anaide, Marcella Rahal, la Baronessa di Champigny, Fan Zhou, La modista, Daniel Bossi, Minardi, Tianxuefei Sun, Achille di Rosalba e Wonjun Jo, Un Caporale delle guardie. Di qualità le scene rotanti di Riccardo Sgaramella, i costumi colorati di Chiara Almatea Sciarelli, le luci di Andrea Guretti e le coreografie di Anna Olkhovaya. Le prossime rappresentazioni sono il 14 e il 18 settembre. Da non perdere!( foto di Brescia e Amisano- Archivio Scala)

11 settembre 2024 Cesare Guzzardella

Da una collaborazione tra il musicista bolognese Fabio Vacchi (1949) e il video-artista Lorenzo Letizia (1980), su commissione del Festival MiTo, è nato "Il Diavolo a tutto campo" , un ampio lavoro per video, coro, orchestra e tromba concertante. L'idea di celebrare i 125 anni di nascita della squadra calcistica del Milan - situazione analoga verrà realizzata a Torino con la relativa squadra- ha generato questa particolare e, probabilmente, prima opera artistica, dove le suggestive timbriche dell'Orchestra Sinfonica e Coro Sinfonico di Milano, orchestra per l'occasione diretta magistralmente dal direttore ventisettenne Diego Ceretta, e il collage video-grafico di Lorenzo Letizia hanno portato ad un'interessante realizzazione artistica. La musica di Vacchi, di rilevante suggestione timbrica, ha messo in rilievo la tromba solista del bravissimo Alessandro Rosi. È un lavoro complesso, diviso in molte sezioni "Il Diavolo a tutto campo", che vuole evidenziare la ritualità del gioco del calcio senza sminuirne la portata culturale e sociale. Nella presentazione al brano, introdotto da Angelo Foletto, con il musicista, il video-artista e un rappresentante dell'AC Milan, Vacchi ha evidenziato la valenza democratica del calcio, gioco che unisce tutte le culture, tutte le etnie, senza distinzione di classe. La composizione, oltre settanta minuti d'intensa musica, è suddivisa in più sezioni e la tromba solista, spesso a distanza con il "tutto orchestrale", crea un'atmosfera di profondità discorsiva definita anche da pregnanti ed espressive timbriche orchestrali sovente ampliate dai colori dell'ampio Coro preparato da Massimo Fiocchi Malaspina. Gli impasti coloristici delineati da un linguaggio comprensibile, ben articolato nella solida impalcatura architettonica, generano situazioni inquiete ma di indubbia espressività con richiami alla tradizione migliore del Novecento europeo. Le immagini di Letizia scorrono rapidamente sullo schermo, in bianco e nero, a colori, con salti nel tempo, dai decenni più lontani, soprattutto riferiti agli anni '60 e '70, sino a quelli più vicini a noi mostrando anche intrecci tra passato e presente della città di Milano. Il montaggio molto libero, realizzato dal video-regista, ha una sua autonomia, e le sequenze filmiche sono spesso slegate dalla musica di Vacchi, musica che non vuole avere nessuna valenza descrittiva, ma, come dice il compositore, solo evocativa. Il numeroso pubblico intervenuto in Auditorium ha certamente apprezzato l'originale lavoro, tributando al termine fragorosi applausi al direttore, all'orchestra, al coro, alla tromba solista e anche al compositore e al video-artista saliti sul palcoscenico. Una suggestiva ed interessante serata pluridisciplinare.

10 settembre 2024 Cesare Guzzardella

È un omaggio al Novecento il concerto inaugurale del Festival MiTo di Milano. Il Teatro alla Scala, l'Orchestra Filarmonica del teatro e il suo direttore Riccardo Chailly hanno reso musicalmente pregnante il tardo pomeriggio di ieri con un impaginato che prevedeva brani di Luciano Berio, Wolfgang Rihm e Maurice Ravel. I quattro brevi brani sinfonici del musicista ligure, Quatre Dédicaces, hanno introdotto il concerto rivelando una forza espressiva di straordinario livello, giocata su un utilizzo di grande impatto volumetrico degli ottoni e dei legni. Fanfara, Entrata, Festum e Encore sono stati composti da Berio negli anni '80 e rivelano le qualità del compositore nel tessere in modo esaustivo chiare ed incisive timbriche, dove gli impasti delle sezioni orchestrali dei quattro brevi e raffinati brani trovano punti coloristici comuni per una prorompente forza discorsiva. L'ottima resa della Filarmonica ha trovato un attento e accurato direttore in Chailly, il quale ha dato una prova di ottima qualità. Di analoga o forse ancor più significativa resa espressiva il secondo brano in programma. Dis-Kontur di Rihm, musicista tedesco scomparso nel luglio di quest'anno, è un lavoro per grande orchestra composto nel 1974, all'età di ventidue anni. Era in prima esecuzione italiana. La complessità del brano, di quasi venticinque minuti di durata, trova come protagonista iniziale un percussionista che con 51 colpi di martello, mediati anche dai timpani, introduce timbriche definite da modalità compositive ricche di colori, suggestive e di grande pregnanza espressiva. La lucida è trasparente direzione di Chailly - direttore che ha voluto rendere omaggio al compositore scomparso con delle sentite parole introduttive all'esecuzione del coinvolgente lavoro- ha portato ad un'interpretazione di eccellente qualità per una resa sinergica di ogni sezione orchestrale. Il brano conclusivo, le note Suite n.1 e n.2 (1911-12) di Maurice Ravel dal balletto Daphinis et Chloé, hanno portato poi ad un clima incantato che ha rivelato tutte le qualità del raffinato musicista ed eccelso orchestratore francese. La resa interpretativa dell'ottima Filarmonica scaligera è stata all'altezza di questo capolavoro che trova nel movimento conclusivo della Suite n.2, la Danse générale, il frangente più affascinante. Applausi calorosi al termine, in un Teatro alla Scala al completo.

L' appuntamento conclusivo del Festival Worm Up! del Teatro Dal Verme ha trovato ieri sera l' Orchestra de "I Pomeriggi Musicali" diretta da Alessandro Cadario insieme al "Quinteto Astor Piazzolla", una formazione cameristica che ha come figura centrale il bandoneon, lo strumento che ha reso celebre il grande compositore argentino Astor Piazzolla. L'impaginato scelto era imperniato sulle sue composizioni. Una carrellata di brani più o meno conosciuti è stata programmata nel lungo concerto iniziato prima con una serie di lavori per solo Quintetto con il bandoneon di Pablo Mainetti, il violino di Serdar Geldymuradov, la chitarra di Armando de la Vega, il pianoforte di Nicolás Guerschberg e il contrabbasso di Daniel Falasca. Poi la sola Orchestra dei Pomeriggi, diretta molto bene da Cadario con ricerca di dettaglio coloristico, ha trovato un'eccellente resa in lavori nei quali è emersa la raffinata capacità d'orchestrazione di un musicista geniale come Piazzolla, che dalle melodie folcloristiche intrise di una ritmica spesso sincopata, derivante dal tango argentino, arriva poi ad una seducente ricerca di sonorità classiche, definite in ogni frangente dalle sezioni orchestrali, sonorità che hanno creato un linguaggio personalissimo, che non trova analogie con altri compositori. La parte finale del concerto ha visto il Quintetto insieme all'Orchestra per ancora numerosi brani eseguiti con maestria sia dai solisti che dalle sezioni orchestrali. Eccellenti le parti soliste con il bandoneon di Mainetti ( Buenos Aires, 1971) in primo piano in numerosi lavori, ma con anche interventi  del violino, della chitarra e del pianoforte. Applausi meritatissimi dal numeroso pubblico intervenuto al Teatro dal Verme. Parecchi i bis concessi come il celebre Libertango o uno strepitoso Fugato finale eseguiti dal solo eccellente Quinteto uscito in palcoscenico più volte per gli interminabili applausi del pubblico. Da ricordare.

14 luglio 2024 Cesare Guzzardella

E' stata presentata a Palazzo Marino la rassegna di cinema e di musica "Milano Cineconcerti Festival 2024". È una grande kermesse di cinema e di musica che prevede ben 17 spettacoli all'aperto con proiezioni di pellicole mute con accompagnamento musicale dal vivo curato da solisti, formazioni cameristiche e gruppi d'improvvisazione. Gli spettacoli live sono realizzati in due diverse piazze della città, Piazza Belloveso e Piazza Schiavone, del Municipio 9. Artefice dell' iniziativa è Rossella Spinosa, pianista e compositrice allieva di Azio Corghi, Giacomo Manzoni e Luis Bacalov. La Spinosa, specialista del settore, ha realizzato le musiche degli spettacoli in programma come quelli che citiamo dal programma: "Sconfiggere la povertà", The Immigrant di C.Chaplin (1917) e "Sconfiggere la fame", Il trionfo della vita di A.Gravina (1922). Ricordiamo però le prime data in Piazza Belloveso per il 15 luglio con La Casa Elettrica di B.Keaton (1922) e per il 16 luglio Una locanda di Tokio di Y.Ozu (1935). Dopo l'introduzione dell'Assessore alla Cultura Tommaso Sacchi, che tra le molte cose dette ha sottolineato l'importanza dell'inziativa fatta anche per portare cultura e musica nelle zone più periferiche della città, la Spinosa ha poi motivato le scelte fatte dei numerosi spettacoli in relazione anche ai due luoghi dove avverranno le proiezioni. Importanti saranno i solisti selezionati per fare musica, musicisti di primo livello provenienti anche dalle più rilevanti formazioni strumentali milanesi. Infine la Presidente del Municipio 9 , Anita Pirovano, ha concluso la presentazione raccontando aneddoti su esperienze fatte a Milano nelle iniziative passate, focalizzando l'attenzione sull'importanza di ogni esperienza culturale  in ogni zona della città. Spettacoli di particolare interesse quindi quelli che ci aspettano tra pochi giorni, cine-concerti che consigliamo a tutti.

11 luglio 2024 Cesare Guzzardella

"Musica dissidente", a cura di Carlo Boccadoro, ha avuto la seconda giornata d'incontro alla Fondazione "Giangiacomo Feltrinelli" di via Pasubio 5 a Milano. Gli strumentisti del Teatro alla Scala, Andrea Piccoli al violino, Francesco Martignon al violoncello e Andrea Rebaudengo al pianoforte, hanno eseguito brani di Armando Gentilucci (1939-1989) e di Mikis Theodorakis (1925-2021). Boccadoro, compositore, pianista e direttore d'orchestra, ma anche saggista e organizzatore musicale, ha voluto introdurre i brani dei compositori citati, da lui segnalati, inserendoli in un ambito storico-politico particolare, legato a periodi di dittatura, di assenza di democrazia e di abusi perpetrati nelle carceri dove compositori non allineati al regime, come Theodorakis in Grecia, durante il regime dei "Colonnelli", furono detenuti e torturati. Attraverso la lettura di testi o di poesie di alcuni importanti scrittori e poeti, che hanno messo in risalto le situazioni di sudditanza ad un potere che controllava completamente la vita delle persone, Boccadoro ha quindi introdotto i due lavori in programma. Il primo, Come qualcosa palpita nel fondo, per violino ed elettronica, di Armando Gentilucci, era nella rara versione originale del 1973, ripresentata dopo quasi vent'anni, essendo più frequente la versione solo strumentale. Il secondo brano, il Trio per violino, violoncello e pianoforte del musicista greco Mikis Theodorakis, è invece un lavoro giovanile del compositore e politico greco, composto prima del suo arresto. Un brano, in prima esecuzione italiana, che rivela le abilità di Theodorakis di comporre in senso classico, con grande varietà melodica e con stile anche complesso riferito ai suoi contemporanei, come Ŝostakovič o Prokof'ev. L'interessante brano di Gentilucci, musicista deceduto in età ancora giovane, ha una parte elettronica realizzata nel famoso studio di Fonologia della RAI fondato da Luciano Berio e da Bruno Maderna, con l'ausilio del grande tecnico Marino Zuccheri. Oltre alle parti elettroniche registrate su nastro magnetico, con voci di carcerati e di palestinesi in lotta, si ascolta una voce femminile registrata che recita testi di tre brevi poesie. La parte "melodica" è invece realizzata live dal violino solista, ieri quello del bravissimo Andrea Piccoli. La pregnanza di Piccoli nell'elargire la sequenza melodica atonale, d'intensa espressività, ben si è inserita nella sofisticata realizzazione elettronica. Un documento importante, come ricordato da Boccadoro, quello del compianto Gentilucci. Di ottima qualità per melodicità le sequenze del Trio per violino, violoncello e pianoforte del musicista greco. Applausi sostenuti a tutti i protagonisti, nella bellissima sala della Fondazione Feltrinelli. Ultimo incontro previsto per il 16 luglio, sempre ad ingresso libero con prenotazione, con la violinista Francesca Bonaita e il pianista Alessandro Commellato per brani contemporanei di Fabio Vacchi, Giorgio Colombo Tacconi e di Florence Price e Jesse Montgomery. Da non perdere

Il Teatro alla Scala ha voluto un nuovo allestimento di Turandot per commemorare i cento anni dalla morte di Giacomo Puccini ( 1858- 1924). Ha scelto l'ultima opera, quella che il musicista toscano lasciò incompiuta a metà del terzo atto nel 1924. Fu Toscanini, due anni dopo, nel '26 a presentare, proprio alla Scala, Turandot, con l'interruzione che abbiamo visto ieri sera, alla quarta rappresentazione (il finale del compositore Franco Alfano ascoltato ieri fu scritto ed eseguito successivamente) . Un minuto e oltre di silenzio sono stati riservati al genio lucchese, davanti alla sua immagine sferica, con la frase "Qui Giacomo Puccini morì". In tutto il teatro tenui ma diffuse luci di lumini, distribuiti ai presenti, hanno creato un'atmosfera quasi magica a ricordo del grande musicista: una commemorazione che ha visto grande partecipazione emotiva di interpreti, coro, strumentisti e pubblico. Abbiamo assistito a una Turandot dove tutte le componenti artistiche, interagendo in modo perfetto per un obiettivo unitario, hanno contribuito ad un'eccellente resa e a un successo pienamente meritato. Una Turandot di grande impatto scenico quella voluta dal regista Davide Livermore, anche scenografo insieme a Eleonora Peronetti e Paolo Gep Cucco nell' impressionante integrazione video D-Wok, con costumi di Mariana Fracasso e luci di Antonio Castro. L'ottima direzione musicale di Michele Gamba -che ancora una volta si dimostra grande conoscitore della musica operistica, mediata dalle sue competenze nei repertori antichi e contemporanei - era giocata su un senso di grandiosità timbrica, espressa con equilibrio dall'Orchestra del Teatro alla Scala e dell'imponente Coro. Le voci coristiche sono determinanti in questo lavoro e sono state straordinariamente preparate da Alberto Malazzi. Ottime le scene, ricche di contrasto, tra la povertà della periferia di Pechino, dove troneggia l'insegna dell'Hotel Amour, e lo sfarzo della reggia di Turandot, che sale in verticale con una lunga scalinata. I colori forti ricordano indubbiamente la mostra contemporanea "Dal cuore alle mani", allestita a Palazzo Reale con le splendide creazioni di Dolce & Gabbana. Bravissima Anna Netrebko nel ruolo della Principessa Turandot: voce potente, intonata, di grande impatto scenico, perfetta nell'esprimere in modo efficace il suo ruolo di donna crudele, divenuto poi più morbido nel finale di Alfano. Ottima la performance di Yusif Eyvazov, in perfetto antagonismo con Turandot, un Calaf che risulta al termine il vincitore. Decisamente di spessore la celebre aria Nessun dorma all'inizio del terzo atto, iniziata in una parte laterale alta della scena, e completata in basso nel palcoscenico, con una penultima nota prolungata particolarmente incisiva. Eccellente la Liù di Rosa Feola, probabilmente la voce più bella nel complesso, molto in crescendo qualitativamente nel terzo atto nella conclusione pucciniana. Di alta qualità Raül Giménez, l'Imperatore Altoum, Vitalij Kowaljow, Timur, Sung-Hwan Damien Park, Chuan Wang e Jinxu Xiahou, rispettivamente Ping, Pang e Pong; ottimi il Mandarino Adriano Gramigni, le due ancelle Silvia Spruzzola e Vittoria Vimercati e il Principe di Persia Haiyang Guo. Applausi fragorosi per tutti. Prossime recite per il 6, il 9 , il 12 e il 15 luglio. Assolutamente da non perdere.( Prime due foto di Brescia e Amisano - Archivio del Teatro alla Scala)

"Au Cinema ce soir" è la denominazione di un riuscito incontro con un valido pianista francese, Jean-Marc Luisada, tenuto in Sala Esedra al Museo dell Scala. Lo ricordiamo premiato al Concorso "Dino Ciani" nel lontano 1983. Da allora Luisada ha fatto molta strada nel territorio concertistico internazionale, incidendo anche importanti dischi per le maggiori case discografiche. L'ultima sua incisione è assai particolare, perché unisce la musica alle immagini di film fondamentali, grandi capolavori come La dolce vita di Fellini, Morte a Venezia di Visconti o Manhattan di Woody Allen, per citarne solo alcuni. Ieri sera, davanti ad un pubblico che gremiva l'elegante sala scaligera, il pianista è stato presentato da Luca Ciammarughi, musicologo, pianista e organizzatore di eventi musicali, nonché ideatore della fortunata rassegna chiamata "Dischi e Tasti", che si svolge da alcuni anni grazie al supporto di Donatella Brunazzi. Il timbro voluminoso del pianoforte utilizzato, appartenuto a Liszt, e stabilmente presente al Museo della Scala, ha consentito al pianista francese, classe 1958, di collegare in modo convincente e fluido alcuni brani- in parte composti appositamente per celebri film, oppure, famosissimi, solo utilizzati per dare significato alle sequenze visive più importanti- ad un originale suo scritto, dove racconta la sua passione per il cinema, nata in tenera età, unitamente a quella per il pianoforte. Aiutato dai genitori, Luisada ha sempre coltivato i suoi due principali interessi. Nelle pagine, lette con spirito di partecipazione da Ciammarughi, emerge la sua smisurata passione per alcuni capolavori del cinema italiano e francese, visti e rivisti da lui moltissime volte. L'ottimo impaginato pianistico ha messo in evidenza l'alta personalizzazione dell'interprete, e l'eccellente resa esecutiva. Iniziando dal tema di Nino Rota dal felliniano La Dolce Vita, Luisada è passato poi ad un pregnante Mozart con la Fantasia K397 in re minore, utilizzata da John Huston in "The Unforgiven". Quindi un Brahms doc quello del francese, con i Tre Intermezzi op.117 per il film "Rendez-vous à Bray" di Andrè Delvaux, e sempre dell'amburghese un profondo Tema e variazioni dal noto Sestetto op.18, utilizzato nel capolavoro di Louis Malle "Les Amants". Di qualità la Mazurka in la minore op.17 n.4 di Chopin, scelta per il film di Ingmar Bergman "Sussurri e grida", e poi il bellissimo Scherzo n.2 op.31, sempre del compositore polacco. Ad integrazione dell'impaginato un brano di Scott Joplin, un ottimo Gershwin dalla Rapsodia in blue e alla fine un eccellente "Alla turca" di W A. Mozart concludevano il pomeriggio musicale. Applausi meritatissimi per un interprete di enorme sensibilità.

19 giugno 2024 Cesare Guzzardella

Un programma interamente beethoveniano quello ascoltato oggi, nella replica domenicale in Auditorium. L'Orchestra Sinfonica di Milano diretta da Patrick Fournillier ha eseguito due importanti lavori del grande musicista tedesco: prima il Concerto n.5 in mi bem .maggiore per pianoforte ed orchestra op.73 "Imperatore", quindi la Fantasia corale per pianoforte, Soli, Coro e Orchestra in Do minore op.80. Al pianoforte i noti fratelli Jussen, Luca e Arthur, si sono avvicendati nella parte solistica. Luca, il più giovane ha affrontato con grinta, nitore timbrico e determinazione il celebre Concerto "Imperatore", definendo con chiarezza espressiva ogni frangente e trovando naturalezza espressiva anche nel delizioso movimento centrale Adagio, un poco mosso. Applausi sostenuti dopo l'ottima interpretazione dell'opera.73. Dopo il breve intervallo, l'Orchestra, il Coro, i solisti e Arthur Jussen, il fratello meno giovane, sono saliti sul palcoscenico per la Fantasia op.80. Un brano del 1808 costruito su una semplice melodia, variata dal pianoforte di Arthur e dall'orchestra sino ad arrivare alla dirompente componente corale e alle sei voci soliste che hanno potenziato il tema del brano beethoveniano sino all'ultimo intervento pianistico del bravissimo Arthur Jussen. Pubblico entusiasta al termine con applausi a tutti i protagonisti e anche al direttore del Coro Massimo Fiocchi Malaspina. I due fratelli, a quattro mani, hanno concesso un espressivo bis con un noto Corale di J.SBach. Applausi fragorosi a tutti.

16 giugno 2024 Cesare Guzzardella

L'ultimo concerto stagionale della rassegna pianistica "Il pianoforte in Ateneo" organizzata da Davide Cabassi e dal prof. Enrico Reggiani ha trovato una pianista di primo livello quale la napoletana Mariangela Vacatello impegnata in alcune sonate del russo Alexander Scriabin. La Vacatello da alcuni anni si è specializzata nella musica pianistica di questo genio vissuto a cavallo tra Ottocento e Novecento, incidendo anche recentemente tutte le sue Sonate pianistiche. Ieri sera, nella splendida cornice dell'Aula Magna dell'Università Cattolica milanese ha selezionato alcune tra le note 10 sonate, precisamente tre di esse, la n.3, la n.5 e la n.9 e concludendo poi l'impaginato ufficiale con il brano Vers la flamme op.72. Le interpretazioni di altissimo livello tecnico-espressivo ci hanno rivelato ancora una volta una pianista dal virtuosismo impeccabile, proiettata in modo deciso nel definire un autore particolarmente sentito e per il quale mostra un'empatia straordinaria. L'incredibile articolazione manuale, unita alla capacità di rilevazione di ogni dettaglio costruttivo delle difficili Sonate, hanno portato ad un'espressività tangibile che rendono l'interprete probabilmente la migliore pianista italiana nel definire il mondo immaginifico, simbolico e astratto della musica del grande russo e certamente tra le migliori a livello internazionale. Gli applausi calorosissimi del numeroso pubblico che gremiva l'Aula Magna dell'Università, con molti del pubblico in piedi in segno di grande apprezzamento, hanno portato a due bis sempre di Scriabin, di grande impatto espressivo, tra cui il Preludio op.9 n.1 per la mano sinistra. Splendida serata.

13 giugno 2024 Cesare Guzzardella

L'ultimo concerto della Stagione 2023-2024 della Società dei Concerti ha avuto come protagonisti la Dortmunder Philharmoniker diretta da Gabriel Feltz e il pianista pugliese Benedetto Lupo. Il programma, interamente dedicato a Johannes Brahms, prevedeva capolavori di età matura del grande compositore tedesco quali il Concerto n 2 in si bem. Maggiore op.83 per pianoforte e orchestra e la Sinfonia n.2 in re maggiore op.73. Nel concerto, Benedetto Lupo al pianoforte ha interagito bene con la compagine orchestrale nei corposi quattro movimenti che compongono l'ultimo lavoro di Brahms per questo genere. Lupo ha mostrato una linea interpretativa giocata su alternanze dinamiche ben rilevate, con frangenti particolarmente voluminosi e altri di leggerezza ben inseriti nel tessuto orchestrale. La composizione è del 1879, ed è caratterizzata da un'ampia costruzione ricca di sviluppi specie nell'Allegro non troppo iniziale e nel successivo Allegro appassionato, quasi un doppio primo movimento che abbisogna di una straordinaria resa virtuosistica per esprimere alcune caratteristiche insite nella complessa composizione, dove anche la componente pianistica esprime una timbrica quasi "orchestrale" per via delle armonizzazioni appariscenti tipiche del Brahms più maturo. La restituzione, di ottimo livello sia di Lupo che della compagine orchestrale è stata molto apprezzata dal pubblico presente in Sala Verdi. Applausi sostenuti e un ottimo il bis con un Intermezzo brahmsiano tra i più celebri.La prosecuzione della serata con la valida Sinfonia n.2 in re maggiore op.73 ha rivelato la precisa ed espressiva restituzione dell'orchestra e una visione del celebre lavoro brahmsiano da parte di Feltz molto valida anche nei giusti andamenti dei movimenti. Ottima esecuzione e ancora decisi meritati applausi. Come bis l'Orchestra tedesca ha concesso il celebre Pizzicato Polka di J. Strauss dai colori molto viennesi. Applausi ancora sostenuti meritati.

13 giugno 2024 Cesare Guzzardella

Capita raramente di ascoltare un concerto che abbia come protagonista la tromba. L'occasione è stata data da Musica con le Ali, l'associazione che diffonde la musica aiutando soprattutto le nuove generazioni di musicisti. L'impaginato presentato nel tardo pomeriggio di oggi prevedeva brani del Novecento e i due protagonisti, Andrea Lucchi, prima tromba dell'Orchestra dell'Accademia Nazionale di Santa Cecilia e la ventisettenne pianista Sofia Adinolfi, hanno pensato ad un impaginato variegato con sette brani di sette musicisti differenti quali Rauber, Enescu, Bozza, Bernstein, Nestico, Carmichael ed Evans. Lavori uniti solamente dal periodo storico del secolo scorso ma ben organizzati nella struttura della scelta esecutiva e sconfinanti in generi anche diversi, con alcuni classici del jazz a conclusione. Le esecuzioni ben delineate dai due ottimi interpreti, hanno trovato nell'elegante Sala Esedra il luogo salottiero migliore per gustare ogni nota di ogni brano. L'incisività e la voluminosità della tromba di Lucchi ha incontrato le ottime armonizzazioni del corposo pianoforte - appartenuto a Liszt- utilizzato dalla brava Adinolfi. Dopo il corposo ed interessante brano iniziale in più parti di François Rabuer, il Concert "Humeurs", citiamo almeno gli ultimi due brani in programma , The Nearness of You di Hoagy Carmichael e il delizioso Waltz for Debby, entrambi arrangiati da A.G. Priolo ed eseguiti con espressività dal duo. Ottimi anche gli altri lavori con il Caprice op 47 di Eugéne Bozza, il Rondò for Lifey del grande Leonard Bernstein, una rarità di Sammy Nestico, il Portrait of a Trumpet e altro ancora. Celebre il bis concesso con un prezioso classico Oblivion di Astor Piazzola in un ottimo arrangiamento per tromba. Successo meritatissimo in una Sala Esedra al completo.

12 Giugno 2024 Cesare Guzzardella

Due interessanti concerti avvenuti domenica in Conservatorio, nella più piccola Sala Puccini, ci hanno fatto conoscere musiche di musicisti mai ascoltati e/o brani di rara esecuzione. Il primo, in tarda mattinata, per la rassegna "Il filo di Arianna", a cura di Rosalba Montrucchio, era musica al femminile particolarmente bella, che prevedeva brani delle compositrici Louise Farrenc (1804-1875), Katherine Hoover (1937-2018), Claude Arrieu (1903-1990), Amy Beach (1867-1944) e Cécile Chaminade (1857-1944). Gli interpreti del primo brano, giovanissimi e di sicura prossima professionalità, erano Giada Guzzetti al flauto, Hilary Scuderi all'oboe, Lorenzo Filippa al clarinetto, Federica Faccini al fagotto, Luca Magnani al corno ed Emma Guercio al pianoforte per il Sestetto op.40 della Farrenc, una musica splendida con un'armonizzazione pianistica dell'eccellente Emma Guercio. L'originalissimo Trio per flauti della Hoover, musicista scomparsa nel 2018, ha rivelato ancora bravissimi interpreti: Daniele Cardone, Gabriel Hoek e Chiara Shqepa ai flauti. Ancora validi i brani successivi: prima dell'Arrieu il Trio in do con Vittoria Pedron all' oboe, Massimo Restifo Pecorella al clarinetto e Dario Romano al fagotto; quindi della più nota Amy Beach, dalla Pastorale in sol maggiore il Lento tranquillo con Marta D’Aleo al flauto, Paolo Miraglia oboe, Ivan Schiavon al clarinetto, Davide Ancona al fagotto e Luca Magnani al corno. A conclusione della mattinata un'altra affermata compositrice, la Chaminade con il suo Scarf dance op. 37 n. 3 era interpretato ancora con passione e scorrevolezza da Marta D’Aleo al flauto, Paolo Miraglia all' oboe, Alice Morali al clarinetto e Davide Ancona al fagotto. Esecuzioni tutte di valore espressivo. Nel tardo pomeriggio ancora un interessantissimo concerto sostenuto da quattro viole. La formazione denominata Forever Viola Quartet era composta da Maria Ronchini, Alessio Lisato , Martina Raschetti e la giovanissima Maria Cecilia Villani. Una perfetta sintonia dei colori caldi dello strumento con scambio delle parti efficace e scorrevolezza esemplare, ci ha permesso di ascoltare musiche di Gioachino Rossini (1792-1868), Sancho Engano (1922-1995), Frank Bridge (1879-1941) e York Bowen (1884-1961). Segnaliamo almeno di Frank Bridge il Lament per due viole, di York Bowen la Fantasia op. 41 per quattro viole e la bellissima trascrizione per i quattro identici archi di Engano di frangenti conosciuti e profondi tratti da opere di Puccini. Tutti bravissimi. Applausi calorosi meritatissimi per entrambi i concerti.

11 giugno 2024 Cesare Guzzardella

Un programma interamente russo quello ascoltato alla replica domenicale in Auditorium. L'Orchestra Sinfonica di Milano diretta da Stanislav Kochanovsky, ha iniziato con il celebre Concerto per pianoforte e orchestra n.1 in Si bem. minore op.23 di Čaikovskij per concludere con la Spartacus Suite, di Aram Chačaturjan. Al pianoforte la russa Anna Vinnitskaya ha dato sfoggio delle sue alte qualità d'interprete. Vincitrice del Concorso Reine Elisabeth di Bruxelles nel 2007, la Vinnitskaya ha messo in evidenza sicurezza, precisione di dettaglio, discorsività esemplare, unita a una leggerezza di tocco nel delineare i tre movimenti del concerto a partire dal corposo Allegro non troppo e molto maestoso iniziale intrapreso con grinta ed espressività. Coadiuvata dall'ottima direzione del russo e dalla resa precisa di ogni sezione della Sinfonica di Milano, l'eccellente pianista ha trovato il giusto dosaggio coloristico anche nell'Andantino centrale e nell'esuberante Allegro con fuoco finale. Un' esecuzione complessiva di alta resa estetica. Applausi fragorosi e un pacato bis solistico con un ottimo breve brano di Čaikovskij dal sapore chopiniano. Dopo il breve intervallo, ottima l'esecuzione della Spartacus Suite di Chačarutjan, sei movimenti estroversi di grande melodicità di un compositore rimasto celebre per la più celebre Danza delle spade eseguita come bis al termine del programma ufficiale. Ottimo concerto.

Un programma di particolare interesse quello ascoltato in Sala Puccini, nel Conservatorio milanese, per la rassegna "Il filo d'Arianna" . Due ottime pianiste quali Gaia Lorenzo e Sonia Candellone hanno suddiviso l'impaginato denominato "In search of lost time", interpretando brani di compositrici del Novecento o ancora viventi. Lili Boulanger (1893-1918), Franghiz Ali-Zadeh (1947) e Macarena Rosmanich (1981) per la Lorenzo, Sofija Gubajdulina (1931) e Galina Ustvol’skaja (1919-2006) per la Candellone, hanno rivelato qualità di scrittura eccellenti, significative delle capacità al femminile di comporre. La rivalutazione delle compositrici del passato e del presente - circa seimila - troppo spesso del tutto ignorate, si sta attuando da alcuni anni grazie ai numerosi validi interpreti, spesso donne, come le giovani musiciste che abbiamo ascoltato. Si porta dunque avanti il dovuto riconoscimento dell'importante contributo femminile alla musica e alle arti, che non sono certo prerogativa dell'uomo. Il Thème et variations in do minore di Lili Boulanger ha introdotto la serata, rivelando la modernità della compositrice francese, vissuta purtroppo troppo poco - morì a soli 24 anni - e mostrando le qualità espressive di Gaia Lorenzo, in un lavoro dominato dalle note gravi della tastiera per cupe armonizzazioni trasformate molto bene nelle pregnanti variazioni. Il richiamo alla musica di fine Ottocento di questo lavoro non esclude la modernità di un brano del 1913 assolutamente proiettato nel futuro. Il brano successivo di Franghiz Ali-Zadeh, musicista dell’Azerbaijan, denominato Music for piano, è una composizione degli anni '90 per pianoforte preparato in nove parti, con timbriche spesso ripetute ben delineate negli originali cromatismi. Di qualità l'interpretazione della Lorenzo. La giovane pianista ha concluso la sua esibizione con Kafka’s Ghost della cilena Rosmanich. Un brano per pianoforte preparato composto del nostro millennio, eseguito prevalentemente in piedi, sull'arpa delle corde del pianoforte, per una realizzazione dal sapore "concreto" dove l'effetto timbrico è in risalto rispetto a quello delle più riconoscibili note. Una performance efficace molto applaudità. I due brani eseguiti dalla Candellone hanno evidenziato le straordinarie qualità di questa giovane e preparatissima interprete. Prima la Sonata n. 5 in dieci movimenti (1986) della russa, di San Pietroburgo, Galina Ustvol’skaja, dove incisive sonorità sono costruite attorno ad una nota scandita con intensa volumetria. Ottime le capacità della Candellone di penetrare, con dinamiche molto chiare, ogni frangente della valida Sonata. Quindi della russa, di Cistopol', Sofija Gubajdulina, probabilmente la più importante compositrice vivente, una giovanile Chaconne (1962), uno splendido brano ispirato da Bach e da Ŝostakovič, reso con esaustiva chiarezza in ogni dettaglio dalla Candellone. Applausi meritatissimi alle due bravissime interpreti.

Presso l'Archivio di Stato di Milano continua la validissima iniziativa - a ingresso libero - che sa unire splendida musica e ricerca archivistica di lavori e spartiti, portando a suonare giovanissimi interpreti di eccellente qualità, alcuni già laureati e altri agli ultimi anni dei Conservatori: molti già vincitori di concorsi prestigiosi. I concerti, organizzati musicalmente da Silvia Leggio, docente di pianoforte al Conservatorio "G. Verdi" di Milano, trovano da alcuni anni il prezioso sostegno di Annalisa Rossi, Sovraintendente Archivistico e Bibliografico della Lombardia; ora si possono avvalere anche dell'appoggio del nuovo Direttore dell'Archivio di Stato, il giovane dott.Stefano Leardi, che ha commentato con grande favore l'iniziativa. Dopo i saluti dei due dirigenti, Silvia Leggio ha presentato i brani e gli interpreti. Un impaginato ben costruito, denominato "Appassionato", che ha voluto unire brani legati al mondo romantico, ricchi di passione, nella splendida cornice del doppio cortile colonnato dell'Archivio di via Senato. Il pianista russo Denis Malakhov, recentemente laureatosi con lode, ha introdotto il tardo pomeriggio musicale con il 1°movimento Allegro assai dalla celebre Sonata op. 57 "Appassionata" di L.v.Beethoven, musicista che in molti lavori anticipa il romanticismo musicale proprio del pieno Ottocento: ne ha dato un' esecuzione grintosa e convincente. Di particolare espressività il successivo brano, una cernita dagli Otto pezzi per clarinetto, viola e pianoforte di Max Bruch. L'Allegro con moto, le Melodie rumene e l'Allegro vivace hanno trovato Francesco Garibotti al clarinetto, Cecilia Villani alla viola e Daniele Di Teodoro al pianoforte, con un'esecuzione di luminosa discorsività. A seguire, due brani di Franz Liszt hanno visto impegnati prima Gabriele Castelli per il virtuosistico Studio trascendentale n.10 e poi Claudia Vento per la Ballata n.2 in sol minore. Interpretazioni entrambe valide, con lo Studio di esuberante esternazione e la Ballata con momenti di grande passionalità da parte della Vento. Il brano conclusivo di Clara Wieck, compositrice, celebre pianista e moglie di Robert Schumann, ha trovato un trio di fratelli da alcuni anni in auge: il Trio Kaufman ( Luca al violino, Chiara al violoncello e Valentina al pianoforte). Hanno eseguito i primi due movimenti, l'Allegro e lo Scherzo, del Trio op.17 in Sol minore per violino, violoncello e pianoforte. Un'interpretazione di notevole equilibrio ed intensa espressività. Applausi calorosi e meritatissimi dal pubblico a tutti gli ottimi interpreti; al termine, la gentile offerta di un brindisi a tutti gli intervenuti. Prossimo appuntamento il 21 giugno.

7 Giugno 2025 Cesare Guzzardella

Un impaginato tutto italiano quello offerto da Serate Musicali ieri sera in Conservatorio. Denominato "Suono italiano" il concerto ascoltato con la compagine d' Archi "L'Appassionata" con il Maestro concertatore Lorenzo Gugole, prevedeva brani di Respighi, Puccini, Rota e Battistoni e la presenza di un ottimo flautista quale Tommaso Benciolini. Gli archi sono stati i protagonisti indiscussi in tutti i lavori. Partendo da Ottorino Respighi (1879-1936) con la Suite per archi e flauto P.57, abbiamo ascoltato piacevoli melodie ottimamente orchestrate dal musicista bolognese, forse il più noto della sua generazione, con validi interventi del flauto di Benciolini. L'omaggio a Puccini (1858-1924) con il successivo Crisantemi, un'Elegia per Quartetto d'archi del 1890 trascritta per orchestra d'archi, ci ha portato in una profonda esternazione lirica rivelatrice di un compositore camerista di talento. Di spessore la resa del gruppo d'archi. Con Nino Rota (1911-1979) e il suo Concerto d'archi (1977) siamo passati ad un linguaggio neoclassico che ricorda certo Ŝostakoviç, ma con frangenti melodici italiani tipici del compositore milanese. Particolarmente efficace il Finale. Allegrissimo sostenuto con straordinaria grinta dalla compagine strumentale. L'ultimo brano in programma era una novità in Prima Esecuzione Assoluta del compositore veronese Andrea Battistoni (1987): un Concertino per flauto ed archi nei classici tre movimenti che recupera il mondo antico e certo folclore dal sapore irlandese, con un riferimento al rock progressivo degli anni '70 "alla Jethro Tull". Una scrittura tonale efficace, con melodie orecchiabili e un flauto discorsivo ed incisivo ancora definito dal bravissimo Benciolini. I folclorici e più ritmici movimenti laterali, due Allegri, hanno trovato sosta nel melodioso movimento centrale, un Moderato cantabile di grande sentimento. Un lavoro piacevole, che segna un ritorno al passato ma che, al contrario di molta musica contemporanea, avrà possibilità di numerose esecuzioni per la sua facile memorizzazione e per la chiarezza delle intenzioni. Timbriche ben controllate e ben miscelate dagli archi e parte solistica con finale incisivo e virtuosistico dell'Allegro molto ed energico ottimamente restituito dal flauto di Benciolini. Applausi sostenuti dal pubblico presente in Sala Verdi e ripetizione dell'Allegro finale dell'ottimo Concertino.

Il primo concerto del 2024 del ciclo “Il filo di Arianna" del Conservatorio milanese ha trovato sul palcoscenico di Sala Verdi la Youth Orchestra del Conservatorio diretta da Giulio Daniele Moles per tre brani, due certamente molto eseguiti. Il primo di Mel Bonis - Mélanie Hélène Bonis (1858-1937) - la Suite en forme de valse op. 35, era una rarità esecutiva scritta dalla compositrice francese, parigina di nascita, nel 1898 . Particolarmente melodica, in uno stile che ricorda certo Fauré e Čaikovskij, la Suite ha trovato una valida restituzione dai giovanissimi orchestrali. Il brano successivo, il Concerto n. 3 in do minore per pianoforte e orchestra op. 37 di Beethoven, ha visto un'eccellente protagonista nell' undicenne Martina Meola, pianista originaria della Moldavia, da alcuni anni in Italia, e vincitrice nella "Categoria H Giovani talenti" del Primo Premio 2023 del Conservatorio milanese. Del suo straordinario talento musicale avevamo parlato in articoli precedenti. Ancora ieri ha esternato qualità superlative che, riferite poi alla giovanissima età, destano infinito stupore. L'Orchestra ha introdotto abbastanza bene l'Allegro iniziale del celebre Terzo Concerto pianistico beethoveniano. Con l'ingresso solistico di Martina, il livello di resa espressiva si è subito alzato. La chiarezza espositiva , la sicurezza nel proporre i temi e le armonizzazioni non semplici di questo capolavoro, la resa straordinaria definita anche da una gestualità intensa, seria e grintosa nella facilità d'esternazione, hanno sbalordito il numerosissimo pubblico presente. Ottima la capacità riflessiva del pacato Largo centrale e bellissimo nella purezza del timbro e nella discorsività il Rondò-Allegro finale. Applausi fragorosi dal numerosissimo pubblico presente in Sala Verdi, e due eccellenti bis concessi da Martina: prima uno splendido Allegro da concerto di Granados e poi un delicato ed intenso Alkan con la Barcarola . Dopo il breve intervallo, un Coro di voci di giovanissimi - ottimamente preparati - diretto da Maria Grazia Lascala saliva sul palcoscenico, insieme all' Orchestra ed al direttore Moles, per il Requiem in re minore op. 48 di Gabriel Fauré (1845-1924). Orchestra e coro hanno rivelato indiscusse qualità interpretative, con giusti rapporti volumetrici, dinamiche sottili ed espressive. Ottime le due principali voci soliste con Lee Chaeyoung, soprano, e Filippo Fontana, baritono. Applausi fragorosi al termine a tutti i protagonisti, con ripetizione del movimento più celebre dello straordinario Requiem.

Il bellissimo programma scelto da Riccardo Chailly ai confini della tonalità, ovvero in quel periodo nel quale Arnold Schönberg e i suoi due discepoli Anton Webern e Alban Berg decidevano di portare a termine le esperienze tonali con i loro lavori giovanili, prima di stravolgere la musica con la dodecafonia e l'atonalità più destrutturata, prevedeva la versione per orchestra d'archi di Verklärte Nacht (1943) una Notte trasfigurata dall'originale del 1899 per Sestetto d'archi del più anziano compositore; quindi la Passacaglia op.1 (1908) di Webern e a conclusione di Berg Tre frammenti dal Wozzeck op.7 (1917-21). Il raffinato brano iniziale,Verklärte Nacht, giocato su sonorità morbide, penetranti e visionarie, ha trovato nella direzione di Chailly l'interprete ideale. Il riferimento a Brahms e a certe influenze wagneriane risulta evidente e la capacità degli archi dell'eccellente Filamonica della Scala di plasmare il brano con minime differenze volumetriche, per raggiungere situazioni di grande espressività, ha portato ad un risultato complessivo esemplare, ben capito dal numeroso pubblico presente in teatro alla seconda replica ascoltata. D'intensa resa timbrica la Passacaglia di Webern, eseguita con l'Orchestra allargata ai fiati e alle percussioni. Un brano più vicino, rispetto a Notte trasfigurata, ai cambiamenti nel mondo tonale con quelle notevoli continue lente variazioni sul tema iniziale. Ottime tutte le sezioni orchestrali. Nell'ultimo lavoro in programma, estrapolato dal Wozzeck op.7, i tre frammenti scelti hanno anche messo in risalto l'eccellente timbro del soprano Marlis Petersen, una Marie in risalto in Soldaten, soldaten dal primo atto e nel tema dalla prima scena dell'atto terzo. Mentre il terzo frammento dal finale del terzo atto ha trovato un'interpretazione raffinatissima dei Filarmonici con la conclusiva apparizione del figlio di Marie e la presenza del Coro di voci bianche preparato dal grande Bruno Casoni. Applausi fragorosi dal pubblico per la splendida direzione, la resa della Filarmonica e dei protagonisti.

31 maggio 2024 Cesare Guzardella

È stata presentata a Milano presso la Steinway & Sons di Largo Donegani 3 la Stagione 2025 di Serate Musicali. Fondata nel 1971, la storica Associazione culturale per la divulgazione della Musica da Camera "Serate Musicali" celebra oltre 50 anni di eccellenza, vantando un Albo d’Oro di artisti e orchestre senza pari, almeno in Italia. Il Presidente è fondatore M.tro Hans Fazzari insieme al pianista e organizzatore musicale Emilio Aversano hanno illustrato la nuova Stagione dove accanto a storici interpreti, da decenni presenti alle Serate Musicali, come Elisso Virsaladze, presente il prossimo anno per ben due serate, Uto Ughi, Mikhail Pletnev, Steven Isserlis, Gidon Kremer, Roberto Cappello, Yevgeny Sudbin, Freddy Kempf, Julian Rachlin e ancora altri, verrà dato spazio a nuovi strumentisti o formazioni cameristiche e orchestrali. Tra i numerosi altri interpreti presenti citiamo almeno Cristian Sandrin, Florin Croitoru, il Quartetto di Venezia, Zatlomir Fung, Sandro Ivo Bartoli, Paolo Taballione o musicisti importanti già presenti in altre stagioni come Carlo Levi Minzi, Enrico Pompili, l'Orchestra Filarmonica di Bacau, il Quartetto Janacek e altri ancora. Fazzari, memoria storica delle Serate, ha poi raccontato la nascita della Società concertistica, partendo dai primi concerti presso la Società del Giardino di via San Paolo 10 e subito dopo di quelli di Sala Verdi con serate memorabili con i grandi protagonisti della migliore interpretazione musicale. Per maggiori dettagli si può consultare il sito www.seratemusicali.it

Era da alcuni anni che il pianista mantovano Cristiano Burato, classe 1968, non veniva in Sala Verdi. In passato numerosi concerti, tenuti sempre per Serate Musicali, ci hanno permesso di conoscere un interprete di qualità che risulta essere tra i più rappresentativi della sua generazione. La vittoria, nel lontano 1996, del prestigioso Premio Ciani (giuria presieduta da Riccardo Muti) ha permesso una carriera importante, incentrata soprattutto su repertori classici e avente in Chopin probabilmente il maggiore riferimento. Nell'ottobre del 2010 intraprese per Serate Musicali, e per l'occasione al Teatro Dal Verme, una "Maratona Chopin” nella quale del celebre compositore vennero eseguite tutte le Polacche, compreso l’Andante spianato e Grande Polacca brillante op.22 e quattro Notturni. Ieri sera in Conservatorio ancora un "tutto Chopin" ha ritrovato un pianista di sicura rilevanza estetica. Prima le Quattro Ballate e poi i Quattro Scherzi hanno evidenziato la valida personalizzazione interpretativa di Burato per un compositore la cui scrittura pianistica risulta essere unica e autentica in ogni frangente. Esecuzioni di grande equilibrio le sue, con ottime dilatazioni temporali nei frangenti più intimi hanno sottolineato uno Chopin raffinato nella scrittura intensamente pianistica. I numerosi contrasti presenti in questi celebri capolavori, giocati su un'alternanza tra riflessione nelle infinite invenzioni melodiche ed esternazioni concitate nel loro sviluppo, hanno trovato il giusto peso nelle mani di Burato. Un interprete che domina la tastiera elargendo modi introspettivi ricchi di espressività nei chiari dettagli rilevati, ma anche con evidente sintesi discorsiva nelle esternazioni delle maggiori volumetrie. Pubblico non numeroso in Sala Verdi ma estremamente soddisfatto al termine del programma ufficiale. Due i bis concessi: prima una notevole Danza del fuoco di Manuel De Falla ( ricordate quella celebre di Arthur Rubinstein?) eseguita con notevole scioltezza ricca di pregnanza virtuositico-espressiva; quindi ancora Chopin con il delizioso introspettivo Valzer in la minore op.34 n.2 interpretato magistralmente, rivelando perfettamente le linee melodiche dei vari registri in un equilibrio dinamico efficace. Concerto splendido!

28 maggio 2024 Cesare Guzzardella

Les Percussions de Strasbourg sono giunti al Teatro alla Scala per interpretare due lavori di Iannis Xenakis (1922-2001): Pléiades (1978-79) e Persephassa (1969), entrambi per sei percussionisti. Ospiti del Festival Milano Musica, gli eccellenti strumentisti hanno dato prova di sincronia virtuosistica nel suddividere le complesse parti percussive in ritmiche regolari e soprattutto irregolari, dove differenze anche millimetriche del tempo vengono colte con un'incredibile perfezione di lettura. Le due performance, dove anche la componente scenografica ha un significato, prevedevano due disposizioni differenti in teatro. In Pléiades i sei Percussionisti, con una grande quantità di strumenti - tamburi, xilofoni, vibrafoni - erano in cerchio sul palcoscenico, e spesso scambiavano le parti. Momenti più delicati nell'uso di vibrafoni, marimba e xilofoni venivano alternati, nelle quattro sezioni del corposo brano, ad altri di fragorosa esternazione. In Persephassa, una diversa distribuzione degli strumentisti, che occupavano tutta la sala - sul palcoscenico , sul palco reale e lateralmente in platea, in modo simmetrico - ha consentito una performance in cui il concetto di spazialità sonora veniva invocato anche con momenti di pacatezza dal sapore orientale. Un programma certamente non semplice, ma ben apprezzato dal numeroso pubblico di appassionati, alcuni molto giovani. I sei Percussionisti, Alexandre Esperet, Minh-Tām Nguyen, Francisco Papirer, Thibaut Weber, Hsin-Hsaun Wu e Yi-Ping Yang, hanno certamente rivelato doti ritmiche stupefacenti nel definire i due lavori, frutto di profonde ricerche sonore del celebre compositore greco, pure ingegnere ed informatico. Applausi calorosi.

L'anteprima del mattino del Dal Verme prevedeva due brani particolarmente noti quali il Concerto per pianoforte e orchestra in La minore Op.16 di Edvard Grieg e la Sinfonia n.3 in mi bem.maggiore op.97 "Renana"di Robert Schumanm. Sul podio dell'Orchestra I Pomeriggi Musicali , James Feddeck era affiancato nel primo lavoro da una pianista di fama internazionale quale Lise de la Salle. Francese, classe 1988, con studi parigini e vincitrice di numerosi concorsi internazionali, ha rivelato di possedere ottime qualità interpretative in un brano di splendida costruzione formale strutturato nei classici tre movimenti. La sicurezza, mediata da una gestualità classica perfetta nel proporre il lavoro di tardo Ottocento, intriso ancora di un romanticismo evidente, ha sottolineato il lavoro di un musicista ancora 25enne in un brano ricco di virtuosismo e con melodie che rimangono facilmente in memoria. L'interprete, coadiuvata da un'ottima direzione di Feddeck, nella valida restituzione orchestrale ha centrato il segno per espressività, e non sono certo le imprecisioni iniziali pianistiche del terzo movimento Allegro moderato molto e marcato ( era anche l'anteprima) , a inficiare un'interpretazione di eccellente qualità complessiva nella parte pianistica, dove Lise de la Salle ha mostrato un'energia particolarmente efficace nell'imprimere un suono robusto, molto espressivo e ricco di dosaggi dinamici. Applausi meritatissimi! Dopo il breve intervallo, la celebre Terza Sinfonia "Renana" di Schumann ha trovato una buona restituzione musicale, specie nei movimenti laterali dei cinque che la compongono. Questa sera alle ore 20.00 la prima ufficiale e sabato alle ore 17.00 la replica. Da non perdere.

23 maggio 2024 Cesare Guzzardella

Un programma tutto beethoveniano è stato proposto dal Quartetto Adorno, compagine cameristica da alcuni anni affermata internazionalmente per le indiscusse qualità interpretative e formata da Edoardo Zosi al primo violino, Liù Pelliciari al secondo violino, Benedetta Bucci alla viola e Francesco Stefanelli al violoncello, quest'ultimo in sostituzione di Stefano Cerrato. Da oltre il 2017, anno in cui ottenne un importante premio al Concorso Internazionale dedicato a Paolo Borciani, il Quartetto Adorno è impegnato in repertori sia classici che contemporanei. I tre quartetti Razumovsky rappresentano un momento centrale della produzione del grande tedesco in questo genere musicale. Il Quartetto n. 7 in fa magg. op. 59 n.1, quello n. 8 in mi minore op. 59 n. 2 e il Quartetto n. 9 in do maggore op. 59 n.3 sono stati composti tra il 1805 e il 1806 su commissione del Conte Razumovsky e sono un esempio di eccellente scrittura nella forma consolidata di quel periodo espressa nei classici quattro movimenti. Le ottime interpretazioni ascoltate hanno ancora una volta rivelato la coesione dei quattro archi nell'esprimere in maniera compatta il complesso sviluppo della musica beethoveniana, dove l'incontro tra le quattro linee di scrittura avviene secondo una visione unitaria di timbriche e di realizzazioni formali. Il colore, spesso appena accennato, nei frangenti più delicati si oppone ad una più grintosa definizione nei movimenti più concitati dei finali, come nell'Allegro molto del Quartetto in do maggiore, ultimo della serie, dove la discorsività degli archi raggiunge arditezze virtuosistiche trascinanti ed esemplari. Splendide interpretazioni per tutti tre i brani. Ricordiamo che la formazione, per la Serie Zaffiro del concerto pomeridiano, aveva eseguito il terzo Quartetto dell'op.59 beethoveniano insieme al noto Quintetto in la minore op.14 di Camille Saint-Saëns dove la parte pianistica era sostenuta da Sandro De Palma. Una serata particolarmente valida quella ascoltata in Sala Verdi, molto applaudita e meritevole di un maggior numero di spettatori.

23 maggio 2024 Cesare Guzzardella

Ieri sera straordinario successo al Teatro alla Scala per il soprano statunitense Lisette Oropesa L'avevamo ascoltata insieme al tenore Benjamin Bernheim, sempre in Scala, tre settimane fa - il 29 aprile- in uno splendido concerto diretto da Marco Armiliato. Ieri l'abbiamo ancor più apprezzata in un recital tutto suo, accompagnata al pianoforte con discrezione e incisiva sottolineatura della vocalità dall'ottima Beatrice Benzi. Un concerto in due parti, dove la prima era incentrata soprattutto su composizioni italiane di Mercadante, di Bellini - con le deliziose Sei ariette per camera- e di Donizetti, ma con anche un breve intermezzo solo pianistico di Chopin ( una Variazione da Hexaméron) e un brano finale in stile italiano - Vedi quanto adoro ancora, ingrato- di Franz Schubert. La seconda parte, con netto cambio di registro vocale, trovava soprattutto compositori spagnoli come Rodrigo, De Falla, Sorozabál e Barbieri, con anche il cubano Joaquín Nin e un breve intermezzo pianistico di Granados. Un concerto per un soprano di indiscusse qualità, dove oltre alla impostata voce nel bel canto italiano dei primi brani, emergeva il particolare personalissimo timbro, restituito con tutta la passione espressiva nella strepitosa seconda parte spagnola. Lisette, nata nel 1983 a New Orleans ma di origine cubana, ha rivelato un carattere solare, legato alle sue origini, e vicinissimo alla nostra natura mediterranea. Ci ha regalato arie di rara esecuzione come i Quatros madrigales amatorios di Joaquin Rodrigo, la Montanara e la Ballata del Conte Sol di Joaquín Nin, Mio Dio come sono soli i morti! di Manuel De Falla, Nel paese delle favole di Pablo Sorozábal e la straordinaria Canzone della colomba di Francisco Asenjo Barbieri. Tutti lavori interpretati con calore ed intensa espressività dando rilievo anche alla componente attoriale. Nei bis un omaggio a Verdi e a Mozart tra applausi fragorosi: prima il graziosissimo Stornello di Verdi, poi le mozartiane Nozze di Figaro con Deh vieni, non tardare o gioia bella, concludendo con ancora Verdi dalla Traviata con Ah, fors'è lui che l'anima,...Follie!.. follie! Sempre libera degg'io. Applausi interminabili strameritati!!

20 maggio 2024 Cesare Guzzardella

Il pianista 23enne Paolo Ehrenheim è stato protagonista di un eccellente concerto "en plein air" nel bel cortile del palazzo di Porta Vercellina 31, luogo del FAI, che ospita anche gli spazi della Fondazione Somaini. Ehrenheim, vincitore di importanti concorsi internazionali, dopo aver iniziato e approfondito lo studio del pianoforte con Lisa Vergani, si è perfezionato con la grande Elisso Virsaladze e attualmente è allievo di Luca Schieppati al Conservatorio milanese. Beethoven, Brahms, Schumann e Chopin sono stati affrontati con straordinaria leggerezza discorsiva dal giovane interprete, che ha anche introdotto i brani in programma inquadrandoli nel loro contesto storico-musicale. Il primo brano, più corposo, la Sonata op.101 di Beethoven, ha trovato un equilibrio inusuale nella leggerezza di tocco e nella restituzione chiara della diversificata Sonata del grande tedesco, ricca di temi e di contrasti. I tre brani successivi, dei tre grandi romantici, ad iniziare dalle brahmsiane Variazioni op.18b, Variazioni pianistiche dall'originale Sestetto d'archi, hanno rivelato l'attitudine dell'interprete per questo mondo musicale. Una selezione dai Bunte Blätter op. 9 di Schumann e per finire lo Scherzo op.39 di Chopin hanno trovato ancora una straordinaria capacità di dosaggio delle timbriche. Ottimo il bis scarlattiano. Applausi meritatissimi dal numeroso pubblico intervenuto. Al termine del concerto è stato possibile visitare alla Fondazione, che si affaccia sul cortile, la mostra "Francesco Somaini - alle origini del Sacro", con magnifiche opere del grande scultore originario di Lomazzo (1926-2005). La figlia Luisa le ha illustrate ad alcuni visitatori, mettendo in luce con competenza la straordinaria personalità del padre e la sua originale e modernissima concezione creativa di forma, materia ed energia. Una mattina davvero splendida, all'insegna dell'Arte!

18 maggio 2024 Cesare Guzzardella

Milano Musica in collaborazione con l'Orchestra Sinfonica di Milano ha trovato ancora un'ottima serata, questa volta nell'Auditorium milanese, per un concerto riuscito tra il contemporaneo e il classico. Prima, in Prima Esecuzione Assoluta (seconda nella replica ascoltata) il Concerto per pianoforte e orchestra con elettronica "Kinderszenen"del perugino Marco Momi (1978), quindi la Sinfonia n.1 Op.38 "La Primavera" di Robert Schumann (1810- 1856). Momi, compositore affermato internazionalmente, ha voluto ispirarsi alle celebri Kinderszenen op.15 schumanniane, lavoro del 1838, per un brano complesso che ha in comune con l'opera dedicata ai più giovani del genio tedesco, probabilmente una sorta di reminiscenze del passato. Il complesso lavoro di Momi era affidato per la direzione orchestrale al milanese Michele Gamba, direttore che ama la musica più vicino a noi, come quella classica e antica. Al pianoforte una solista d'eccellenza come la napoletana Mariangela Vacatello ha avuto un ruolo privilegiato, non disgiunto dalla parte orchestrale e quella elettronica preparata da Serge Lemouton e diffusa in Sala dall'ingegnere del suono Jérémie Henrot, entrambi dell'Ircam francese. Il brano di Momi, di suggestiva penetrazione timbrica, utilizza il pianoforte in una rielaborazione sonora amplificata e nell'uso prevalentemente percussivo della tastiera. La Vacatello, pianista che ben conosciamo in repertori classici o del primo Novecento, ha rivelato notevoli qualità nell'uso più moderno dello strumento. La parte solistica, con situazioni timbriche variegate che coprivano ogni registro della tastiera, era integrata completamente nelle suggestioni timbriche orientate con maestria dalla direzione di Gamba. La componente evocativa legata anche agli effetti speciali, riferite ad immagini quasi filmiche, come lo sciacquio delle onde del mare, le voci dei bambini che sembrano correre sulla spiaggia, e altre situazioni che si richiamano alla musica concreta, esprime certamente una forte drammaticità piuttosto che un'atmosfera giocosa. La resa complessiva di tutti i partecipanti alla realizzazione, con l'eccellente direzione di Gamba e la precisione millimetrica della Vacatello ha portato ad un successo tangibile tra il numeroso pubblico presente. Dopo il breve intervallo, decisamente di qualità la Sinfonia n.1 " La primavera" di Schumann. Gamba ha trovato i giusti tempi e una gestualità sicura ed energica per una resa di qualità espressa dagli ottimi orchestrali della Sinfonica di Milano.

17 maggio 2024 Cesare Guzzardella

È passato un anno dal concerto milanese del pianista russo Grigory Sokolov che nel maggio 2023 interpretava brani di Henry Purcell (1659,1695) e di W.A. Mozart (1756-1791) e i suoi classici sei bis. Ieri sera in Conservatorio, sempre per la rinomata organizzazione concertistica "Fondazione La Società dei Concerti", come avviene da decenni, è tornato per l'atteso concerto, questa volta più diversificato nelle classiche scelte d'impaginato. Prima un tutto Bach, poi, dopo l'intervallo, Chopin e Schumann. In una Sala Verdi gremita di pubblico il miracolo è di nuovo accaduto in termini di personalizzazione e di qualità interpretativa complessiva. Certamente i Vier Duette, BWV 802-805 e la Partita II in do min. BWV 826 di J.S. Bach, eseguiti senza soluzione di continuità nella prima parte della serata, hanno rivelato le capacità del grande interprete ad accostarsi al repertorio più lontano in modo impeccabile. Il suo Bach perfetto, senza una minima sbavatura e ricco di contrasti nei giusti equilibri, è incontestabile e prezioso. Anche se, per questo compositore, probabilmente il più grande di tutti, le possibilità interpretative sono pressoché infinite, e troviamo nella storia del brano decine di modi di affrontare le sue perfette architetture con maniere molto differenti, per rese sempre di grande valore. Comunque la chiarezza espositiva e la capacità di penetrare nelle sonorità da parte del grande pianisra russo non si discute. Le 4 Mazurche op. 30 e le 3 Mazurche op. 50 di Fryderic Chopin (1810-1849), eseguite dopo la pausa, ci hanno portato in un mondo sonoro completamente differente, avente in comune con Bach solo lo stile personale di Sokolov, che accomuna tutte le sue interpretazioni. Il suo Chopin profondo, chiaro, dettagliato non è certamente quello polacco, nobile e raffinato di alcuni interpreti privilegiati entrati nella storia, ma la chiarezza esplicativa delle sue Mazurche, con alcune di esse ancor più rilevate da un'agogica rallentata ricca di riflessione, hanno una perfezione interiore di evidente espressività. Di notevole spessore anche l'ultimo brano in programma, le celebri Waldszenen -"Scene della foresta” (1848-49)- , opera non giovanile di Robert Schumann (1810-1856). Ancora una volta ci troviamo di fronte a lavori non virtuosistici nelle difficoltà tecniche da affrontare, ma virtuosistico è il suo modo di sottolineare ogni elemento costruttivo dei nove brani che compongono la deliziosa Op. 82. Applausi fragorosi e interminabili da parte del pubblico e ancora una volta sei bis, concessi dal grande Maestro. Tutti esemplari nelle loro sintesi discosive: ad iniziare dal Preludio Op.11 n.4 di Scriabin; procedendo con due Chopin, la Mazurca op.63 n.3 e l'Etudè op.25 n.2, quindi l'amato Purcell con un'incredibile Chaconne; poi ancora Chopin con un'incisiva chiarissima Mazurca op. 68 n.3 E a conclusione un Bach-Busoni doc con lo splendido Corale-Preludio BWV 639 Ich ruf zu dir, Herr. Concerto, come sempre, da non dimenticare!

Due luoghi alternativi milanesi dove spesso avvengono incontri musicali importanti si trovano in via Silvio Pellico 6 (Amici del Loggione del Teatro alla Scala) e in via Fratelli Zoia 89 (Spazio Teatro 89). Il primo, centralissimo, di fianco alla Galleria Vittorio Emanuele; il secondo decentrato, verso Baggio. In entrambi la musica viene presentata, raccontata e introdotta da esperti del settore come Luca Schieppati, ideatore dell'intelligente rassegna cameristica di via Fratelli Zoia, e Mario Marcarini per gli Amici del Loggione, inventore dei "Lieti Calici" (incontri musicali seguiti da un brindisi, con ottimi vini e non solo). Due modi intelligenti di diffondere la musica migliore, dando spazio a validissimi giovani interpreti, che possono così rendere pubbliche le loro qualità. Questa mattina in via Pellico abbiamo ascoltato la pianista calabrese Ingrid Carbone, venuta più volte in questi anni per presentare i suoi Cd e per tenere brevi concerti, arricchiti anche da valide introduzioni ai brani da eseguire. Oggi ha tenuto un'interessante Lezione-Concerto sulla musica di Liszt, speficatamente sulle trascrizioni virtuosistiche del genio ungherese di alcuni lieder di Franz Schubert ("La giovane suora", "Da cantare sull'acqua", "Ave Maria"). Le rispettive costruzioni musicali, in funzione anche dei testi, sono state illustrate con grande competenza, prima delle valide interpretazioni, molto applaudite. Il bis, volutamente fuori tema, ma legato al concetto di virtuosismo lisztiano, è stato il celebre O Polichinelo del brasiliano Villa Lobos, eseguito ottimamente dalla Carbone, che ricordiamo essere anche docente universitaria di matematica, disciplina che rappresenta l'altra sua grande passione insieme alla musica. Nel pomeriggio si è invece svolto, nel piccolo ed elegante Spazio Teatro 89, l'ultimo concerto stagionale organizzato da Schieppati, pianista, docente, studioso e organizzatore musicale. I Solisti di Milano Classica - Elisa Scanziani al violino, Claudia Brancaccio alla viola e Fabio Mureddu al violoncello - per l'occasione uniti al pianoforte di Schieppati, si sono cimentati nel Quartetto per pianoforte e archi op. 60 di Brahms e nella Sinfonia n. 4 op. 60 di Beethoven. L'impaginato del concerto è stato scelto da Schieppati con la curiosa denominazione "Numeri, romanzi e trascrizioni". Il numero 60 associato alle due opere ha un collegamento con i suoi anni, compiuti da poco. Schieppati si è voluto regalare, condividendo il bellissimo "dono" con il pubblico, la musica del Quartetto per pianoforte ed archi di J.Brahms, uno dei più celebri, composti in età matura, e quella della Sinfonia n.4 di L.v. Beethoven, eseguita in una riuscita trascrizione del 1830 di Johann Nepomuk Hummel. Quest'ultimo, musicista tedesco purtroppo un po' dimenticato, era noto soprattutto per le sua capacità di trascrivere per ogni strumento, in formazioni cameristiche ridotte, brani pensati per ampie formazioni orchestrali. Il Quartetto di Brahms era ispirata al romanzo epistolare di Goethe "I dolori del giovane Werther" (1874): e si conclude con un insieme di note che richiamano il suono di uno sparo, come per rievocare il suicidio di Werther nel finale. L'ottima resa interpretativa del Quartetto brahmsiano è emersa dal valido equilibrio tra la componente pianistica e le decise note degli archi. Di qualità anche il pacato ed espressivo Andante, il terzo movimento. Il successivo lavoro, la trascrizione della beethoveniana Sinfonia n.4 in si bemolle maggiore, ci ha permesso di apprezzare la qualità trascrittiva di Hummel- anche se l'originale parte per flauto è stata sostituita dalla pregnante viola- e la resa musicale dei quattro interpreti, con ruolo però privilegiato del pianoforte. Un'esecuzione ottima, che valorizza il mondo cameristico capace anche di esternare sinfonie. Applausi meritatissimi e come bis una toccante Salut d'Amour di Edward Elgar dedicata a tutte le mamme nel giorno della loro festa. Splendida giornata musicale!

13 maggio 2024 Cesare Guzzardella

Un Concerto Straordinario, quello del giovane Quartetto Werther, è stato anticipato dalla presentazione della prossima Stagione Concertistica della "Fondazione La Società dei Concerti". La Presidente Enrica Ciccarelli ha ben sottolineato la ricchezza di grandi interpreti che si avvicenderanno nelle tre serie di concerti previste, tra Serie Smeraldo e Serie Rubino alla sera, e Serie Zaffiro pomeridiana. Tra i nomi presenti, tutti importanti, segnaliamo almeno Alexandra Dovgan, Beatrice Rana, Rudolf Buchbinder, Olga Kern, Evgeny Kissin, Arcadi Volodos, Grigory Sokolov, Hélène Grimaud, Seong -Jon Cho, Francesco Libetta, Paul Lewis, Simon Zhu, Luca Geniusas, Eva Gevorgyan, Anna Tifu e ancora molti altri. Insomma una Stagione ricchissima che merita uno o più abbonamenti. Splendido il Concerto cameristico ascoltato. Il Quartetto Werther è formato da Misia Iannoni Bastianini al violino, Martina Santarone alla viola, Vladimir Bogdanovic al violoncello e Antonino Fiumara al pianoforte. Sono entrati nel panorama delle migliori formazioni cameristiche emergenti internazionali vincendo il XXXIX Premio "Abbiati, il Premio "Farulli" nel 2020 e molti altri ancora importanti premi. L'impaginato prevedeva due capolavori per Quartetto con pianoforte, prima quello in Mi bemolle maggiore op.47 di Robert Schumann, poi quello in Sol minore op.25 di Johannes Brahms. L'eccellente sinergia tra la componente pianistica e quella dei tre voluminosi e nitidi archi, ha generato interpretazioni di alto livello espressivo in entrambi i corposi lavori che segnano l'evoluzione straordinaria del romanticismo musicale. La componente armonica pianista, scorrevole, incalzante e precisa di Antonino Fiumara ha ben stabilizzato le accurate e scorrevoli note del violino, della viola e del violoncello, per un equilibrio timbrico di grande valore espressivo. La tensione discorsiva nel delineare le timbriche nei diversi movimenti ha portato ad un'interpretazione di eccellente resa espressiva in entrambi i noti lavori. Applausi fragorosi meritatissimi e come bis prima un breve brano folcloristico con ritmiche mediterranee niente meno che di Richard Strauss e poi l'Andante del Quartetto n.3 "Werther" di Johannes Brahms. Bravissimi!!!

11 maggio 2024 Cesare Guzzardella

Presentata al Teatro Dal Verme l'80esima Stagione concertistica de I Pomeriggi Musicali

Un grande Luca Rasca alla "Primavera di Baggio"

Accade assai spesso che tra i principali motivi di attrazione dei concerti, che si tengono il sabato pomeriggio al Conservatorio G. Cantelli di Novara, siano i programmi, che propongono spesso autori e composizioni assai rari o addirittura sconosciuti, spesso ingiustamente. È stato il caso del concerto di ieri pomeriggio, sabato 4/05, che pure si era aperto con un pezzo celeberrimo, di autore altrettanto celebre, la versione per violoncello della Sonata in La maggiore per violino e pianoforte di Cesar Franck (1886). A eseguirla erano chiamati due giovani strumentisti, entrambi selezionati tra i migliori del Conservatorio novarese, già ‘rodati’ da attività concertistica e prove concorsuali: Elena Lombardo al violoncello, attualmente specializzanda presso l’Accademia di Musica di Pinerolo, con la prestigiosa insegnante Marianne Chen e Enrico Casagrande al pianoforte. La versione per violoncello del capolavoro di C. Franck sta conoscendo crescente fortuna nelle nostre sale da concerto e, avendola ascoltata ieri per la prima volta, l’abbiamo trovata assolutamente apprezzabile: il suono del violoncello dà risalto a certe pieghe di particolare morbidezza, e a velature crepuscolari, che, perfettamente coerenti con l’atmosfera spirituale del pezzo, possono sfuggire anche al miglior violino. Proprio per questo è da lodare l’interpretazione di Elena Lombardo: un suono morbido e caldo e sottilmente crepuscolare ha esaltato l’intensità lirica che pervade l’intera composizione., già a partire dal tema intonato ad un’ispirazione di berceuse, sognante e di ampia arcata melodica che apre il primo tempo e si ripeterà ciclicamente per tutti i tre tempi. Ma la bravura di questa giovane violoncellista spicca anche nel successivo allegro, in cui il perfetto dominio della tecnica strumentale e la potente energia di suono le consentono di esprimere con efficacia l’impeto drammatico del movimento, con una coinvolgente tensione espressiva, realizzata anche con una finissima calibratura dei chiaroscuri dinamici. Siamo dolenti invece di dover esprimere qualche riserva sull’interpretazione della parte pianistica: Casagrande non ci è sempre parso all’altezza dei compiti esecutivi cui era chiamato, con un suono di scialba espressività e talora anche impreciso: deve ancora maturare la capacità di scegliere il ‘suono’ giusto e un più sicuro dominio della tastiera. La seconda parte del concerto era dedicata al duo Flauto-Pianoforte: al flauto Alessandro Orlando, diplomato al Conservatorio di Novara, con importanti affermazioni in concorsi nazionali e al pianoforte il ventiseienne sassarese Luigi Camedda, attualmente specializzando al Cantelli. E’ precisamente in questa seconda parte che il programma proponeva autori e brani che non si possono dire di frequente esecuzione nelle nostre sale da concerto Il primo dei quattro pezzi previsti era di Edison Denisov, (1929-1996), compositore russo-sovietico del secondo Novecento, della generazione di una Gubajdullina, di uno Schnittke, di un Sil’vestrov. Non collegabile a precisi indirizzi musicali, anche se inizialmente interessato all’esperienza dodecafonica, è venuto maturando uno stile che si distingue per una sobria linearità melodica e di struttura armonica, di cui è testimonianza la bella Sonata per flauto e pianoforte del 1960. In un unico tempo, disegna una struttura ad arco, in cui l’elemento melodico, di limpida semplicità, enunciato all’inizio, si fa via via più fragile, per il continuo contrasto delle dinamiche, e il sussulto improvviso di una ritmica minacciosa, affidata nei suoi valori più intensi al pianoforte, che tende a spezzarlo, sino a travolgerlo, per poi nuovamente ricomporlo, ma come esile e in sordina, fino a spegnersi in un inquietante silenzio. Bravi, davvero, Orlando e Camedda, che hanno sempre trovato il suono giusto per dare piena espressione a questo bellissimo pezzo, con un accurato controllo delle dinamiche, e soprattutto una scelta dei ritmi (in cui talora si avvertiva la lontana eco del Jazz, carissimo a Denisov) e dei tempi, del tutto aderente alla linea espressiva del pezzo, secondo noi il migliore di questa parte del concerto. Di una certa, sia pur non ampia fama in Italia, gode l’autore del pezzo successivo del concerto, la Seconda Ballata per flauto e pianoforte del 1939: si tratta del compositore svizzero-francese Franck Martin (1890—1974); il suo è infatti uno stile piuttosto originale, che concilia dodecafonia, intesa in modo non dogmatico, alla Schonberg, e tonalità. Ovviamente, l’elemento di contatto e ‘passaggio’ tra i due sistemi è il cromatismo, nonché l’adozione di successioni particolari della serie che possono evocare schemi tonali, un po’ come fece Berg. L’esecuzione fornita da Orlando e Camedda si raccomanda per la pulizia del suono di entrambi gli strumenti e per l’incisiva espressività del fraseggio, soprattutto del flauto, che con un continuo passaggio di registri e chiaroscuri dinamici, conferisce un’ombra d’inquietudine al flusso, ritmicamente sostenuto e incalzante, della composizione. Un pezzo in effetti ricco di ombre, sin dall’inizio, col minaccioso ritmo ribattuto del pianoforte e un recitativo, anch’esso a ritmo ‘puntato’ del flauto che non sembra quasi trovare una sua strada melodica: un momento di forte tensione, che dà la chiave per il successivo svolgimento del discorso musicale, molto ben eseguito dal duo di giovani strumentisti. Decisamente appartenenti al cono d’ombra del semianonimato i due successivi brani, il ‘Notturno’ e la ‘Romance’ (Romanza), opera di due compositrici, rispettivamente la francese Lili Boulanger (1893-1918), sorella della ben più famosa Nadia, e l’americana Amy Beach (1867-1944) che all’attività di compositrice (la prima donna americana a dedicarsi professionalmente alla musica ‘colta’) affiancò anche quella di pianista, che la condusse anche a compiere tournée in Europa. Entrambi i pezzi si caratterizzano per un melodismo intenso e ampio, affidato al flauto, un melodismo talora reso mosso e inquieto da misure più veloci e agitate nel caso del ‘Notturno’ della Boulanger, più sommesso e morbido nella Romanza della Beach. In entrambi i pezzi il duo Orlando Camedda ha condotto la propria interpretazione impostandola secondo una suggestiva ricerca espressiva, con cura attenta dei dettagli dinamici e timbrici e una perfetta intesa tra i due strumenti. Gli applausi scroscianti del folto pubblico presente in Auditorium hanno siglato il pieno successo del concerto.

Un concerto straordinario quello scaligero di ieri sera che ha visto sul podio Marco Armiliato con i giovani dell'Orchestra dell'Accademia Teatro alla Scala e con il soprano statunitense Lisette Oropesa e il tenore francese Benjamin Bernheim. Un impaginato diversificato, che ha trovato anche frangenti solamente sinfonici che hanno esaltato le qualità dei giovani strumentisti. Partendo con la Sinfonia dalla verdiana Forza del destino, incontrando la Sinfonia dei Masnadieri, sempre di Verdi, arrivando all'Ouverture da Roméo e Juliette di Charles Gounod, abbiamo ascoltato l'energica direzione di Armiliato e l'ottima restituzione degli orchestrali, che oltre ad avare solisti di talento come Chiara Rollini, violino di spalla, e Andrea Cavalazzi, primo violoncello , trovano accordi sinergici di primo livello. Ma la punta di diamante della splendida serata è stata certamente quella del duo solistico. Sia Lisetta Oropesa che Benjamin Bernheim, in arie e duetti, hanno espresso delle timbriche che già all'origine rivelano un colore eccellente. Se a questo si aggiunge la capacità di esprimere una naturale vocalità, con l'ausilio di tutti gli adeguati elementi tecnici, arriviamo ad un livello interpretativo che raramente si ascolta. Nella prima parte della serata hanno eseguito brani tutti italiani di Verdi, Donizetti e Puccini , mentre nella seconda le arie prevalentemente francesi erano di Gounod, Bizet e Massenet, con anche un brano del tedesco Meyerbeer. La serata, qualitativamente in crescendo, ha raggiunto momenti memorabili nella seconda parte con la romanza di Bizet da Les pêcheurs de perles "Je crois entendre encore", interpetrata con maestria da Bernheim e l'aria di Giacomo Meyerbeer da Robert le Diable " Robert, toi que j'aime", con una voce della Oropesa splendida. Le due interpretazioni sono state accolte da ovazioni da parte del pubblico che gremiva la Scala. Dopo l'eccellente Massenet da Manon, con je suis seul!...e Perdonnez-moi..., entusiasmanti i bis pucciniani concessi da Bohème. Applausi conclusivi interminabili. Da ricordare a lungo.

30 aprile 2024 Cesare Guzzardella

Ingrid Kuribayashi, soprano americano-giapponese, vincitrice del Premio del Conservatorio 2023 nella Categoria di Canto F dedicata al grande baritono Giuseppe Zecchillo, e il pianista giapponese Takahiro Maruyama, hanno tenuto un concerto per Musica Maestri! , la valida rassegna del Conservatorio che impegna gli insegnanti e i migliori studenti dell"importante istituzione milanese. Eseguendo brani di Rossini, Donizetti, Verdi, Meyerbeer e Puccini, la Kuribayashi ha rivelato le sue ottime qualità interpretative, ben evidenziate dalle precise armonie pianistiche di Maruyama. Tra i numerosi brani eseguiti dei compositori citati, tutti di valida resa, si sono ancor più rivelati di ottima qualità quelli di Rossini con «Anzoleta dopo la regata» da La regata veneziana, «Il mio ben sospiro e chiamo» da La scala di seta e, da Semiramide «Bel raggio lusinghier». Di Gaetano Donizetti «Prendi, per me sei libero» da L’elisir d’amore e di Giacomo Meyerbeer da Le pardon de Ploërmel, «Ombre Légère». Di ottima resa anche i brani pucciniani da Bohème e da La rondine. Applausi meritatissimi dal numeroso pubblico di Sala Puccini.

29 aprile 2024 Cesare Guzzardella

Sono giovani gli strumentisti della OGSI, una compagine che annovera ragazze e ragazzi di un età compresa tra i 14 e i 18 anni. Capeggiati dal direttore venezuelano Yuram Ruiz, gli oltre sessanta strumentisti hanno dato prova di serietà e d'mpegno per una restituzione interpretativa ottima, relativamente alla giovane età. Il programma scelto prevedeva tre lavori classici di Haydn, Mozart e Schubert. La notorietà dei primi due concerti è certa, e i lavori sono stati eseguiti con l'ausilio di un noto solista, il pianista ligure Andrea Bacchetti. Prima il Concerto in re maggiore per pianoforte e orchestra Hob XVIII di Joseph Haydn (1732-1809) e poi il Concerto in do minore per pianoforte e orchestra K 491 di W.A. Mozart (1756-1791) hanno occupato la prima parte della serata. L'equilibrio tra pianoforte e orchestra, ottimamente mediato dal direttore Ruiz, ha portato ad una valida resa espressiva, probabilmente più intensa in Haydn. L'ottimo pianismo di Bacchetti, giocato su una precisa perfezione discorsiva, espletata con leggerezza e con una meditata elargizione delle timbriche, ha dato un'impronta altamente classica ai due brani. Particolarmente riuscita la Cadenza dell'Allegro del mozartiano K 491 composta dal pianista inglese Stephen Hough. Bacchetti ha poi voluto ripetere il finale dell'Allegro vivace di Mozart e poi ha concesso uno splendido Bach con un affascinante Preludio e fuga: di straordinaria leggerezza il Preludio e di preciso rigore tecnico nella chiara polifonia delle parti la relativa Fuga. Applausi meritatissimi. Dopo il breve intervallo la rarità esecutiva della Sinfonia n.1 in re maggiore D 82 di un Franz Schubert (1797-1828) sedicenne, ha ancora rivelato le qualità dei giovanissimi dell'Orchestra della Svizzera italiana. Applausi meriratissimi al direttore e all'orchestra.

23 aprile 2024 Cesare Guzzardella

Denominato "Viaggio in Italia", il concerto cui abbiamo assistito ieri sera in Auditorium prevedeva un incontro con i colori italiani di cinque compositori: Massenet, Melchiorre, Čaikovskij, Rossellini e Alfano. Nella scelta dell'impaginato il direttore Giuseppe Grazioli, da molti anni presente con l'Orchestra Sinfonica di Milano, ha rivelato ancora una volta le sue affinità con un repertorio melodico mediterraneo, repertorio che lui ricerca in modo intelligente per proporre brani anche di rara frequentazione, come quelli ascoltati nel valido concerto. Tra le composizioni dei tre italiani, quelle del francese Jules Massenet e del russo P.I. Čaikovskij sono state dedicate all'Italia: Scènes napolitaines, del primo, e Capriccio italiano Op.45, del secondo, sono lavori ispirati dalle loro assidue frequentazioni con il Bel Paese. Il romano Renzo Rossellini (1908-1982) componeva nel 1954 la rapsodia Canti del Golfo di Napoli, e Franco Alfano (1875-1954) nel 1909 la sua Suite romantica, una serie di temi legati a luoghi italiani. In questi quattro lavori Giuseppe Grazioli ha espresso un'orchestrazione energica, con frangenti di esasperata concitazione, dove la sintesi discorsiva era proiettata all'esaltazione della ritmica mediterranea, delle tarantelle, delle altre danze, con colori solari molto accentuati. Bravissimi gli strumentisti della Sinfonica di Milano in ogni sezione orchestrale. Particolarmente valido il brano di Franco Alfano, il musicista divenuto celebre per aver completato la pucciniana Turandot, ma anche importante compositore che andrebbe rivalutato anche solo per la maestria delle sue orchestrazioni e per la modernità espressiva ricercata. Grazioli, direttore-ricercatore, uno dei pochi che esegue la musica del compositore napoletano, ha realizzato anche un CD con la Sinfonica di Milano che contiene oltre al brano ascoltato anche altri quattro validi lavori. Ad inframmezzare la musica melodica eseguita, abbiamo ascoltato in Prima Esecuzione Assoluta il nuovo lavoro del ligure Alessandro Melchiorre (Imperia,1951). Il suo Microliti (2024) è stato composto partendo da aforismi, prose e frammenti letterari tratte dall'opera omonima di Paul Celan, ma anche di altri poeti e letterati come Rilke, Mandel'stam e Kundera. Prevede due voci e l'orchestra. Le voci erano quelle di Joo Cho, soprano, e di Nicholas Isherwood, basso, entrambe ben inserite nel contesto orchestrale e con ottima resa coloristica. La musica di Melchiorre, di ottima costruzione formale e di suggestiva resa timbrica, ha sottolineato il testo di drammatico significato, adattandosi ai contenuti specifici in una costruzione unitaria ed espressiva. Applausi a tutti i protagonisti. Domani, domenica, replica alle ore 16.00.

Il primo appuntamento della nuova rassegna del Conservatorio denominata Musica Maestri International ha visto ieri sera in Sala Puccini il Con Fuoco Duo, con Robert Walzel al clarinetto e Steven Michael Glaser al pianoforte. La nuova iniziativa, ieri introdotta da Stefania Mormone docente di pianoforte nel Conservatorio milanese, allarga la rassegna di successo Musica Maestri! che abitualmente si svolge in Sala Puccini. Statunitensi, entrambi, docenti dei rispettivi strumenti in università americane, il duo ha voluto omaggiare l'Italia inserendo nel variegato impaginato denominato Melodies for many occasions, brani di Puccini e di Morricone molto popolari, unitamente ad autori come Bernstein, con la rara ed efficace Sonata per clarinetto e pianoforte, di Harlos con “Benniana“, di Richard Rodney Bennett con “Ballad in memory of Shirley Horn“ e di Simon A. Sargon con "KlezMuzik". Ottimi interpreti, i due strumentisti hanno elargito esecuzioni chiare, con misurato equilibrio tra le parti strumentali e di valida resa espressiva complessiva. Bis ancora di Ennio Morricone. Applausi sostenuti da un pubblico purtroppo non numeroso in un iniziativa che meritava una sala al completo.

A NOVARA LE ULTIME SETTE PAROLE DI CRISTO IN CROCE DI HAYDN CON IL QUARTETTO IRI DA IRI

Ieri sera, Venerdì Santo, a Novara, il Quartetto d’archi Iri da Iri ha eseguito uno dei capolavori della musica religiosa di tutti i tempi, “Le ultime sette parole di Cristo in Croce” op.51 Hob: III di F. J. Haydn. La prima versione di questo lavoro, per soli, coro e orchestra, eseguita per la prima volta nel 1787, venne quasi subito trascritta, già l’anno dopo, con alcune importanti modifiche, per quartetto d’archi da Haydn stesso, che, come è risaputo, attribuiva grande efficacia emotiva alla musica strumentale in chiesa. La composizione, nella sua versione per quartetto d’archi, più snella rispetto a quella per voci, coro e orchestra, è suddivisa in sette ‘sonate’ (così le chiama Haydn stesso, in quanto quasi tutte rispettano lo schema della forma-sonata), tutte in tempo lento e precedute da un’Introduzione, anch’essa in tempo lento e concluse da un pezzo, intitolato “Terremoto”, l’unico in tempo veloce, un Presto .Le sette sonate sono intervallate da brevi frasi in latino tratte dai Vangeli, appunto le ultime sette frasi (‘parole’) pronunciate da Cristo nella sua agonia sulla croce. Realizzando le intenzioni dell’autore, il Quartetto Iri da Iri ha scelto di eseguire le Sette parole in una chiesa novarese, la settecentesca (nell’attuale veste architettonica) S. Andrea, rispettandone integralmente le modalità esecutive, con la lettura, in italiano dei brevi brani evangelici tra una sonata e l’altra. seguiti da un breve commento .Sull’origine del nome dell’ensemble abbiamo recentemente parlato in un articolo del 17 marzo, e ci esimiamo dal ripetere quanto già detto. Precisiamo solo che il quartetto d’archi è formato da Anna Molinari e Tea Vitali, violini, Lara Albesano, viola, Lucia Molinari, violoncello, tutte giovani diplomate e perfezionate negli studi dei rispettivi strumenti, seguendo corsi di formazione rigorosi e con un’esperienza concertistica ormai significativa. Il giudizio su questa esecuzione non può che essere ampiamente positivo: il quartetto Iri da Iri è stato infatti pienamente all’altezza di un’opera di grande valore, complessa sia sotto il profilo tecnico, per la presenza di un fitto contrappunto, sia per i profondi valori espressivi che lo contraddistinguono. Tutte e quattro le parti dell’Iri da Iri hanno suonato con perfetta intonazione, con un suono chiaro e preciso, con impeccabile intesa, con un fraseggio ispirato da una cura rigorosa dei dettagli dinamici, essenziali in quest’opera. Un compito particolarmente gravoso, e assolto con risultati eccellenti, toccava al violoncello, cui era richiesta una particolare energia e intensità nel volume del suono, in quanto rappresentava l’unico basso in una composizione che tende a gravitare su una sonorità cupa e scura, tanto che alcuni quartetti scelgono di rafforzare il violoncello, trasformandosi in quintetti, con l’appoggio di un contrabbasso, soluzione peraltro non autorizzata da Haydn: ebbene, la qualità del suono cavato da Lucia Molinari per volume e proiezione non ha fatto rimpiangere certo il rinforzo del contrabbasso. In generale Le sette ultime parole di Cristo ascoltate ieri sera hanno colpito gli ascoltatori (che hanno riempito la chiesa), per il pathos, profondo, ma contenuto da una forma musicale di classico nitore, e sostenuto da una linea espressiva alimentata da un suono, in particolare nelle sette sonate, sussultante, a tratti quasi sospirato, di una delicatezza sovente sfumata in pianissimi di eterea levità, di potente carica suggestiva. I momenti in cui questo ‘pathos sospirato’ si sono impennati in una più accentuata tensione drammatica hanno visto generalmente il primo violino come strumento protagonista, come nel primo tema dell’Introduzione, dove Anna Molinari ha dato alla sua arcata una forza espressiva di alto impatto emotivo o come nella cadenza solistica della sonata IV, dove il suono del violino sembra ricreare con efficacia l’atmosfera di desolato abbandono e solitudine di Cristo sulla Croce, a commento delle parole di Marco “Deus meus, Deus meus, utquid dereliquisti me?” Tutta l’opera, come abbiamo detto, nell’ora circa della sua durata, ha incantato ed emozionato il pubblico, ma se vogliamo indicare i momenti in assoluto più alti, citeremmo le ultime tre sonate: la V, la “sonata della sete” che segue la parola di Cristo “sitio”, “ho sete”, coi delicatissimi pizzicati degli archi all’unisono, seguiti dal tema dell’invocazione drammatica; la VI, il “Consummatum est” dove il sol minore diventa davvero la ‘tonalità della morte’, con il suo primo tema scandito su cinque note lunghe in cui risuonano con tensione indicibile le cinque sillabe della frase; la VII, infine, col suo meraviglioso tema principale, di esaltante serenità, col quale, alla fine del dramma della passione, Gesù morente affida il suo spirito al Padre. Le quattro bravissime strumentiste dell’Iri da Iri hanno offerto di questi altissimi momenti di straordinaria musica un’interpretazione pienamente adeguata, che ha emozionato e commosso il pubblico, che ha tributato loro un meritatissimo, torrenziale applauso. Davvero, da ricordare.

30 marzo 2024 Bruno Busca

Le Sonate per violino e fortepiano di Mozart con Isabelle Faust e Alexander Melnikov per il "Quartetto"

La chitarra di Manuel Barrueco è tornata alle Serate Musicali del Conservatorio

Ieri sera Rosa Feola ha ottenuto un meritatissimo successo al Teatro alla Scala. Il soprano, nata a San Nicola la Strada in provincia di Caserta, aveva l'eccellente sostegno strumentale del pianista romano Fabio Centanni, in un repertorio che includeva brani di Rossini, Martucci, Respighi, Debussy, Mozart e Donizetti. Nella prima parte della serata alcuni brani erano rarità di grande valore, quali i Tre pezzi op. 84 di Giuseppe Martucci o i Quattro rispetti toscani di Ottorino Respighi, anticipati dalla Regata veneziana di Gioachino Rossini e conclusi con l'intenso Azael, Azael perche mi hai lasciata, dall'Enfant prodigue di Claude Debussy. L'ottima timbrica della Feola ha trovato precise armonizzazioni da Centanni, calibrate in ogni registro per sostenere ogni sottile inflessione coloristica della voce. Di maggiore frequentazione i brani della seconda parte del recital con un' aria dal Don Giovanni di Mozart, Don Ottavio, son morta! Qui la Feola, coadiuvata dal tenore Haiyang Guo, allievo del corsi di perfezionamenti scaligeri, ha esternato maggiormente tutta la sua intensità vocale con grande abilità anche attoriale. A seguire sono state eseguiti Bel raggio lusinghier da Semiramide di Rossini e Regnava nel silenzio da Lucia di Lammermoor di Donizetti, entrambi ancora indicativi delle qualità del grande soprano. Le capacità interpretative di Centanni le abbiamo rilevate anche nei due brani per solo pianoforte, eseguiti nei momenti di riposo della voce di Feola: prima il pregnante Debussy con Poissons d'or, dalla seconda serie di Images e poi l'efficace e graziosissimo Petite caprice ( in stile Offenbach) dai Péchés de vieillesse di Rossini. Applausi calorosissimi in un teatro gremito di pubblico e tre bis concessi dalla Feola con Quando men vò soletta per la via da Bohème, A' vucchella di F.P. Tosti e Signore ascolta da Turandot. Voce eccellente e soprano visibilmente soddisfatto.

25 marzo 2024 Cesare Guzzardella

Musica Maestri!, la Stagione concertistica dei docenti e degli studenti vincitori di premi del Conservatorio milanese, ha ospitato in Sala Puccini la pianista Martina Meola. Nata nel novembre 2012, non ha ancora dodici anni e ha vinto il premio per I Giovani Talenti categoria H. Il non breve concerto era abbinato ad un incontro importante con il CUAMM- Medici con l'Africa, un gruppo di volontari che sostengono la formazione del personale sanitario, finanziando la borsa di studio per un medico referente per l'ospedale statale Rumbek in Sud Sudan. La sala, colma di pubblico, ha ascoltato con attenzione Martina in un impaginato assai diversificato, che prevedeva brani di Schumann, Beethoven, Chopin, Liszt e Granados. Un pianismo perfetto nella classicità di brani importanti quello ascoltato, con alcuni lavori corposi come il Tema con variazioni sul nome Abegg op.1 di Schumann o la Sonata n.17 op.31 n.2 "La tempesta" di Beethoven. Brani piu brevi come lo Studio n.1 op.25 o il Valzer op.64 n.2 di Chopin o il delizioso Piccolo Valzer di Puccini, dalla Bohème ( aria di Musetta). D'incredibile virtuosismo il Liszt della Rapsodia ungherese n.11 o il Granados dell'Allegro da concerto op.46. Tra i bis concessi da Martina, il Valzer Op.64 n.1 di Chopin o il Sogno d'amore di Liszt. Si rimane davvero sbalorditi per l'avanzato livello interpretativo della giovanissima Meola, che studia in Conservatorio con la docente Silvia Limongelli: insegnante che ha il non facile compito di dare indicazioni ad un'allieva così talentuosa! La pregnante restituzione della Sonata beethoveniana, la facilità di esternazione della Rapsodia di Liszt o dell'Allegro di Granados, la trasparenza timbrica di tutti i lavori, rivelano doti naturali di una pianista dalle risorse già eccezionali, che certamente daranno molti frutti durante la sua crescita musicale. Pubblico entusiasta ed applausi calorosi a Martina - graziosissima nel suo abito bianco - , che ha ricevuto i complimenti anche dal direttore del Conservatorio di Milano "G. Verdi" Massimiliano Baggio , salito sul palcoscenico insieme a un rappresentante del CUAMM. Questo a sua volta ha ringraziato un giovane medico, Alberto, che è stato lo scorso anno in Sud Sudan a formare altri medici (per sostenere l'attività del CUAMM, si può versare un bonifico con causale "PMB3 Rumbek_FORMAZIONE Erogazione liberale" Banca Popolare Etica IBAN: IT 32C 0501812101 000011078904 www.mediciconlafrica.org   ). Un concerto magnifico e importante!

25 marzo 2024 Cesare Guzzardella

IL VIOLINO DI SERGEJ KHACHATRYAN ILLUMINA IL VIOTTIFESTIVAL DI VERCELLI

Ho riascoltato volentieri il concerto diretto da Alessandro Cadario per I Pomeriggi Musicali, per riassaporare sia l'ottimo Beethoven che la bravura del pianista Emanuele Arciuli, alle prese con l'avvincente Concerto per pianoforte e orchestra " Luminary" del compositore thailandese Narong Prangcharoen, un lavoro di particolare resa, la cui anteprima di giovedì 21 è stata già da me commentata. La triste notizia, diffusasi immediatamente, della scomparsa del grandissimo Maurizio Pollini (5 gennaio 1942- 23 marzo 2024), che ci ha lasciato questa mattina a 82 anni, ha purtroppo connotato la giornata. Pollini è sempre stato un punto di riferimento del concertismo pianistico, che con lui ha trovato il modo migliore per un'efficace condivisione del repertorio classico, grazie ai suoi amatissimi Beethoven, Chopin, Schubert e ai compositori del Novecento da lui privilegiati, come Stravinskij, Bartok, Schönberg, Stockhausen, Nono. Pollini ha dato meravigliosi concerti per oltre sessant'anni nelle sale della nostra città e soprattutto nel suo amato Teatro alla Scala dove ha voluto suonare fino all'ultimo, anche quando la malattia gli rendeva faticosa la tastiera. Oggi, alla replica pomeridiana del concerto de  I Pomeriggi Musicali, dopo l'annuncio iniziale della scomparsa del Maestro,il direttore Cadario e i Professori d'Orchestra, unitamente a tutto il pubblico in piedi, lo hanno omaggiato con un minuto di silenzio. Dopo l'ottima interpretazione del valido concerto di Prangcharoen,eseguito ancora una volta molto bene, Emanuele Arciuli ha voluto ricordare personalmente Pollini eseguendo come bis uno dei lavori più cari al grande pianista, i Sei pezzi op.19 di Arnold Schönberg. Lavori brevissimi ma intensi, di cui Arciuli ha dato un' ottima resa estetica.

23 marzo 2024 Cesare Guzzardella

L'interessante impaginato ascoltato questa mattina all'anteprima dei concerti de "I Pomeriggi Musicali" prevedeva brani di due compositori, L.v. Beethoven e il thailandese Narong Prangcharoen (1973). Alla direzione dell'orchestra c'era Alessandro Cadario, rinomato direttore sia dei grandi classici che del repertorio contemporaneo. I noti lavori del genio tedesco erano l'Ouverture "Le creature di Prometeo", eseguita ad introduzione del concerto, e la Sinfonia n.7 in la maggiore op.92, elargita al termine. Centralmente, in Prima esecuzione italiana, il Concerto per pianoforte e orchestra "Luminary" di Prangcharoen ha visto come solista Emanuele Arciuli, un esperto nel settore contemporaneo, sempre alla ricerca di novità interpretative come la riuscita composizione del thailandese. Il corposo brano di oltre venticinque minuti è stato realizzato nel 2016 e dedicato al maestro del compositore, il pianista Bennett Lerner. È un unico lungo movimento dove però si riconoscono tre parti: quella centrale più lirica in contrasto con la dinamicità di quelle laterali. La forza espressiva di questa suggestiva opera, sorretta da una solida impalcatura dal carattere narrativo, rimane impressa per il ruolo incisivo, spesso percussivo del pianoforte, perfettamente integrato con l'evidente sinfonismo orchestrale altrettanto acceso. Non mancano i frangenti più meditativi, come quelli della parte centrale o nelle brevi cadenze pianistiche. Arciuli ha sostenuto la non facile parte solistica con grande precisione nelle scansioni ritmiche, spesso una miriade di note ribattute volte a sostenere la tensione drammatica accentuata. L'esemplare resa complessiva del solista, unitamente all'ottima sinergia con la direzione di Cadario e la valida resa espressiva di ogni sezione orchestrale, ha generato un successo entusiasmante nel numeroso pubblico presente al Dal Verme, pubblico che ha applaudito a lungo un brano che si spera possa trovare altre esecuzioni in Italia nei prossimi anni, cosa non scontata per gli autori contemporanei. Di ottima qualità sia il Beethoven introduttivo dell'Ouverture che la celebre Settima Sinfonia, resa ancor più interessante dall'eccellente espressività dello scultoreo Allegretto. Questa sera alle ore 20.00 la prima ufficiale e sabato alle 17.00 la replica. Da non perdere!

21 marzo 2024 Cesare Guzzardella

Gli straordinari colori della compagine strumentale "Festival Strings Lucerne" sono emersi nel notevole impaginato scelto per il concerto organizzato dalla "Società dei Concerti". L'Orchestra d'archi - ieri sera di sedici strumentisti - è stata fondata nel 1956, ed è tra le migliori formazioni di livello internazionale. Maestro concertatore dal 2012 è Daniel Dodds, dal 2000 anche primo violino. Il brano introduttivo, la Novelletten n.1 in fa maggiore op.53 per archi, una rarità di N.W. Gade, ha introdotto la serata rivelando da subito lo spessore della compagine orchestrale. La parte centrale della serata ha riservato un ospite d'eccezione quale la giovane violinista Leia Zhu. Non ancora diciottenne, era stata già ospite della Società concertistica nel 2018. Impegnata prima nel Concerto per violino e orchestra d'archi in re minore di Mendelssohn e poi nella celebre La campanella- dal Concerto n.2 di Paganini-, la britannica Leia Zhu, coadiuvata in maniera eccellente dai sedici archi, ha rivelato una musicalità di primo livello, esternando una leggerezza di tocco straordinaria, unitamente ad incisività e cantabilità. L'ottima esecuzione del concerto mendelssohniano ha visto successivamente un'eccellente resa solistica nella brillante La campanella, dove la chiarezza del fraseggio e la solida struttura complessiva dei tre movimenti, hanno ritrovato l'elemento virtuosistico con una resa d'apparente facilità d'esecuzione. Le intonazioni perfette della Zhu, anche nei più impervi sopracuti, realizzati con evidente nitore espressivo e la bellezza delle timbriche hanno portato ad un tripudio di applausi. Eccellente il bis solistico concesso, con il celebre Capriccio n.24 di Paganini, quello di maggiore lunghezza per via delle numerose variazioni sul noto tema iniziale. Ancora applausi sostenuti. I potenziali migliori dell'orchestra d'archi si sono poi rivelati nell'ultimo brano in programma. La Serenade in do maggiore op 48 di Čajkovskij è un gioiello compositivo assoluto, dove l'equilibrio delle quattro ampie parti che compongono questo capolavoro, travano un'evidente bellezza nelle melodie di ogni movimento, dall'Andante non troppo, allo strepitoso Valse moderato, all'Elegia e al Finale con il tema russo. Il perfetto equilibrio era controllato dalla straordinaria orchestrazione del violinista-direttore Dodds, e la chiarezza dei dettagli è stata di grande rilevanza estetica. Applausi sostenuti dal pubblico presente in Sala Verdi e un valido bis interpretato con profonda espressività: Evening Song op.85 n.12 di Robert Schumann nella riuscita trascrizione di J. Svendsen. Eccellente serata!

Ieri, nel tardo pomeriggio, un nuovo appuntamento musicale realizzato dall'associazione "Musica con le ali" si è svolto nella Sala Esedra del Museo Teatrale alla Scala. Il terzo incontro dello splendido "Salotto Musicale" milanese, ha visto un giovane valido interprete al pianoforte quale Axel Trolese, ventiseienne di Genzano (RM), che ha offerto un programma di brani all'insegna del virtuosimo, iniziando con J.S.Bach (1685-1750), passando per Isaac Albéniz (1860-1909), arrivando a Maurice Ravel (1875-1937) e concludendo con Aleksandr Skrjabin (1872-1915). Il Concerto Italiano BWV 971 del grande genio sassone ha rivelato la sicurezza digitale di Trolese nell'imprimere un taglio deciso e chiaro alle polifonie bachiane. I brani di Albéniz, dal libro terzo di Iberia, con i tre lavori El Albaicín, El Polo e Lavapiés, sono di raro ascolto e di straordinaria difficoltà esecutiva e rappresentano una specialità del pianista che ha già inciso in Cd tutta la serie. Le valide esecuzioni hanno rivelato ancor più le doti virtuosistiche di Trolese nell'esprimere con chiarezza anche le più impervie dissonanze che sono presenti, specie nel terzo pregnante lavoro. Il brano successivo, più celebre del precedente e molto eseguito nelle sale da concerto, Gaspard de la nuit, del grande compositore francese, è stato eseguito, senza soluzione di continuità, con Vers la flamme“ op. 72, opera di straordinaria realizzazione del compositore russo. Una scelta motivata da Trolese per l'effettiva consonanza coloristico-timbrica delle due importanti composizioni realizzate nello stesso periodo storico, specie con il conclusivo Scarbo della prima grande opera. Ottima la discorsività complessiva dei due lavori, ben delineati dal voluminoso pianoforte Steinway & Sons, che ricordiamo essere appartenuto a Liszt dal 1883 e da alcuni anni utilizzato per i concerti del Museo scaligero. Applausi calorosi in una Sala Esedra colma di appassionati. Di profonda espressività il bis concesso da Trolese, visibilmente soddisfatto, con il primo, semplice ma profondo  brano tratto da Musica Callada del catalano Frederic Mompou (1893-1987) e denominato Angelico. Ancora calorosi applausi. Il prossimo incontro per "Musica con le ali" in Sala Esedra è per l'8 aprile con la pianista Monica Zhang che eseguirà brani di Beethoven, di Liszt e di Mussorgskij. Da non perdere.

11 marzo 2024 Cesare Guzzardella

IL TRIO PER PIANOFORTE ED ARCHI PROTAGONISTA DEI CONCERTI DEL SABATO AL CONSERVATORIO DI NOVARA

Per i Concerti del Sabato, la stagione di musica da camera del Conservatorio di Novara, ieri, sabato 9 marzo, si è esibito all’Auditorium un trio formato da strumentisti decisamente di notevole livello: al pianoforte sedeva Emanuele Delucchi, nato nel 1987, milanese di adozione, affermatosi grazie ad una ormai vasta attività concertistica come solista e in ambito cameristico, attualmente docente al Conservatorio di Rovigo; con lui suonavano la violinista emiliana Rita Mascagna (n.1984) anche lei con una esperienza formativa e concertistica di notevole spessore, docente dello strumento presso il Conservatorio Cantelli di Novara, ed il violoncellista Fabio Mureddu, accomunato agli altri due membri del trio da una più che significativa attività concertistica sia in orchestra (Filarmonica della Scala e Filarmonica di S. Cecilia), sia e soprattutto nella musica da camera, di cui è insegnante al Cantelli. Attraente il programma del concerto, aperto dal Trio ‘pathetique’ in Re min. del padre della musica russa dell’800, Mikhail Glinka. Questo Trio è per la verità la versione per archi e pianoforte di un originale previsto per clarinetto, fagotto e pianoforte, anche se Glinka stesso prevedeva la possibilità di sostituire il violoncello al fagotto. La scelta interpretativa di Delucchi, Mascagna e Mureddu è stata quella di accentuare il carattere concertante del Trio, in cui ogni strumento è un ‘personaggio’ impegnato in un dialogo contrastato con gli altri due: sicuramente il modello ispiratore di questo Trio è il melodramma italiano, che Glinka ha modo di conoscere a fondo durante il suo soggiorno in Italia negli anni ’30 dell’800, legandosi di amicizia con i grandi cantanti di allora, dalla Pasta a Rubini, e all’editore Ricordi, che gli pubblicò questo Trio. Ecco allora che il violino, delicato ed energico a un tempo, di Rita Mascagna, il violoncello di raffinata morbidezza di Fabio Mureddu, il pianoforte di Emanuele Delucchi, bravissimo nell’accompagnare con squisiti arabeschi, veri ‘trini’ sonori di perlaceo nitore con scale e trilli della mano destra, i due archi nel tempo più bello del pezzo, l’Adagio, diventano altrettante voci di un pezzo di puro belcantismo italiano, in cui il suono svaria suggestivamente dall’appassionato del primo tempo all’effuso patetismo del Largo. Seguiva il Trio in Do min. op.101 di J. Brahms. Composizione caratterizzata da una concisione ed essenzialità di scrittura, che alleggerisce quella densità contrappuntistica e tematica tipiche del comporre brahmsiano, si caratterizza semmai per una poliedrica varietà di ritmi, che l’esecuzione di Delucchi, Mascagna e Mureddu incide con il dovuto rilievo, a cominciare dall’energia ‘beethoveniana’ del tema principale dell’Allegro iniziale (‘energico’ appunto, secondo la definizione in partitura) per passare a quell’Allegro non assai, che, pur essendo in tempo binario, fa le veci di uno Scherzo, in seconda posizione, forse il tempo più ritmicamente articolato: sono molto bravi, i tre strumentisti, a trovare la giusta agogica per dare voce al carattere sfuggente, di un ‘botta e risposta’ sottilmente inquietante e misterioso del tema principale, rimbalzante tra i due archi e la tastiera, e all’estrosità del trio centrale, per finire coll’andamento capriccioso e scattante del tema principale del Finale Allegro Molto, in cui il ricco proliferare d’idee, tipico di Brahms, torna ad affacciarsi, ma sempre puntando sull’effetto ritmico, teso a scompensare ogni regolarità nello svolgimento melodico. Va aggiunto, a merito dei tre validissimi protagonisti del concerto di ieri, che questa raffinata e un po’ stravagante ricerca ritmica di Brahms, è sempre stata eseguita con un elegante e composto equilibrio nel controllo del materiale sonoro, nel giusto rispetto della sovrana ‘classicità’ che domina la musica del grande amburghese. Ma accanto a questa particolare attenzione per l’elemento ritmico, Delucchi, Mascagna e Mureddu hanno dato prova, in questo Trio op.101, di saper scavare nelle profondità più suggestive del suono di Brahms, in particolare nel terzo tempo, un Andantino grazioso, che, nonostante la tonalità maggiore in contrasto con la minore d’impianto della composizione, appare come il movimento più velato di ombre crepuscolari e autunnali, tipiche dell’ultimo Brahms, suggestivamente espresse dai tre strumenti con una sapiente calibratura dei chiaroscuri nelle dinamiche e nei timbri. Nella sognante melodia del secondo tema, in particolare, il dialogo fra i due archi e il pianoforte raggiunge davvero livelli di raffinatezza ammirevole, realizzando quel ‘non so che’ di indefinibile malinconia tipicamente brahmsiano, con la soave cantabilità del violino, la vellutata tenerezza del violoncello nei registri medio-alti e la delicatezza di tocco del pianoforte, velata dalle sfumature di un’abile gestione del pedale di risonanza. Concludeva il concerto un altro pezzo brahmsiano, il Trio in Sol magg. op.36, in realtà trascrizione ad opera di Th. Kirchner del sestetto per archi di Brahms op.36 n.2, il celebre “Agathe Sextett”. L’esecuzione ascoltata ieri all’Auditorium del Conservatorio è stata di qualità veramente apprezzabile, sia sotto il profilo tecnico, per la precisione nell’intonazione, la scelta dei tempi, la perfezione nelle entrate dei singoli strumenti, sia sotto il profilo propriamente espressivo, con una cura molto attenta delle dinamiche e soprattutto della paletta timbrica, assai varia e sottile, come sempre in Brahms. In particolare è da sottolineare la duttilità con cui Delucchi, Mascagna e Mureddu hanno saputo trovare il suono adeguato all’atmosfera delicata, appena adombrata da una sfumata vena malinconica, virata improvvisamente verso toni di vera disperazione nella sezione sviluppo, propria del primo tempo, alla fresca cantabilità del tema principale dello Scherzo, alla melodia sognante dell’Adagio, e infine a quel finale Poco Allegro, piuttosto singolare, in cui è stato accentuato in particolare il carattere ironico, quasi burlesco, in strana contraddizione col rigore strutturale della forma di Rondò-Sonata. Gran successo di pubblico, che riempiva tutti i posti dell’Auditorium, sottolineato dai prolungati applausi, senza, tuttavia, che la richiesta di bis venisse soddisfatta. Ottimo concerto, dunque, quello offerto ieri dal Conservatorio di Novara, che sempre più si va confermando protagonista irrinunciabile della vita musicale novarese.

10 marzo 2024 Bruno Busca

Meritato successo alla penultima rappresentazione di Die Entführung Aus Dem Serail, il Singspiel in tre atti di W.A. Mozart su libretto di Johann Gottlieb Stephanie jn. da C.F. Bretzner. L'ottima orchestrazione del giovane direttore tedesco Thomas Guggeis certamente rappresenta un punto di favore per un'opera storica assai nota per la regia di Giorgio Strehler. È una messinscena che ha segnato un momento importante nelle rappresentazioni liriche del Teatro alla Scala. Il Singspiel tedesco - genere nel quale alle parti recitate si alternano i pezzi cantati- non è certo tra le opere più rappresentate del grande salisburghese. Il ricordo di Giorgio Strehler, a ventisei anni dalla sua scomparsa, e di Luciano Damiani, qui scenografo e costumista, a sedici anni dalla sua dipartita, ed il loro classico allestimento rappresentato in Scala la prima volta nel 1972 e prima ancora a Salisburgo nel '65, certamente resta indelebile per chi ha potuto assistervi. L'ultima volta di questo allestimento nel teatro del Piermarini è stato nel 2017, per la direzione di Zubin Mehta. Ieri sera abbiamo trovato un cast vocale all'altezza del compito assegnato. Bravissimi anche attorialmente tutti, con molti movimenti tipici della commedia dell'arte. Segnaliamo particolarmente la voce di Jessica Pratt in Kostanze, la cantante più applaudita. Ottimi tutti gli altri: Daniel Behle in Belmonte, Jasmin Delfs in Blonde, Peter Rose in Osmin, Michael Laurenz in Pedrillo e poi l'eccellente parte recitata di Sven-Eric Bechtole, Selim e quella mimata di Marco Merlini, il Servo muto. Di rilievo il Coro preparato da Giorgio Martano con i relativi solisti: Roberta Salvati, Alessandra Fratelli, Luigi Albani e Giuseppe Capoferri. L'ultima rappresentazione sarà domani, 10 marzo alle ore 14.30. Rimangono ancora pochi posti. Da non perdere. (prime due foto di Brescia e Amisano- Archivio della Scala)

6 marzo 2024 Cesare Guzzardella

Roberto Cominati, pianista napoletano, classe 1969, è salito alla ribalta concertistica dopo la vittoria nei prestigiosi concorsi internazionali "Alfredo Casella" (1991) e "Ferruccio Busoni" (1993). La sua attività di pilota d'aerei di linea non gli ha impedito di dedicarsi a numerosi concerti in tutto il mondo. Ieri sera, per le Serate Musicali al Conservatorio, ha scelto due compositori a lui cari, quali Claude Debussy e Robert Schumann. Entrambi importanti innovatori di linguaggi armonici, sia il francese che il tedesco hanno inciso molto nella storia della musica, soprattutto pianistica, ma non solo, per la loro vasta produzione nella quale la componente di ricerca anche coloristica risulta fondamentale. Di Debussy, Cominati ha scelto il libro n.2 dei Préludes, mentre di Schumann una rarità esecutiva quale la Sonata n.3 in fa minore op.14 "Concerto senza orchestra". L'ottima interpretazione dei dodici preludi, eseguiti senza soluzione di continuità, ha rivelato la raffinatezza di un pianista dal tocco leggero, accompagnato a tecnica precisa e sintesi discorsiva di chi ha interiorizzato completamente il materiale sonoro. Cominati ha delineato con maestria i colori del compositore francese, di cui, a fine concerto, come bis, ha interpretato con meditazione e chiarezza il celebre Clair de lune. La sonata di Schumann, scritta dal giovane genio a soli venticinque anni ma già ricca di armonie, dal linguaggio elaborato e dalle timbriche molto orchestrali, è stata resa da Cominati con un'ottima sintesi dei quattro movimenti che la compongono. Lunghi applausi meritatissimi e, come secondo bis, un classico brano americano di Harold Arlen, "Over the Rainbow", interpretato con raffinate influenze jazz.

5 marzo 2024 Cesare Guzzardella

Da quindici anni suonano in duo il violinista Piercarlo Sacco e il pianista Luca Schieppati. Ieri pomeriggio alla Spazio Teatro 89 di via Fretelli Zoia a Milano, hanno voluto rendere omaggio al grande romanziere russo Lev Tolstoj (1828-1910) con un concerto denominato "Qualcosa di terribile- Tolstoj, la musica e altre invettive". Come accennato da Schieppati nella presentazione del concerto, Tolstoj amava la musica; la moglie pianista accompagnava molti strumentisti e lui stesso compose alcuni semplici brani. Ammirava i grandi geni della musica, a cominciare dal suo contemporaneo ed amico P.I.Čaikovskij (1840-1893). Del musicista russo è stato eseguito il brano "Méditation" da Souvenir d'un lieu cher, op.42, nella trascrizione per violino e pianoforte. È un lavoro di pregnante espressività romantica interpretato con passione da Sacco e da Schieppati. Il successivo, un semplice e grazioso Valzer per pianoforte di Lev Tolstoj - poche note del grande romanziere - anticipava il brano di Carlo Galante (1959), Per Sof'ja Tolstaja. Piccola Sonata in forma di Diario , eseguito alla presenza del compositore milanese. È un lavoro in due movimenti, un Mosso e un Agitato, il secondo tempo composto alcuni anni dopo il primo, sempre per il duo Sacco/Schieppati. Galante ha tratto ispirazione dalla lettura dei diari della moglie del romanziere, Sof'ja, una donna che ebbe certo una convivenza sofferta con un genio dal carattere particolarmente difficile. Il brano, ricco di forti contrasti, nell'ottima costruzione compositiva che fa dialogare con grinta il melodioso violino di Sacco con le armonie pianistiche di Schieppati, riflette le situazioni spesso burrascose nella vita della celebre coppia russa. Nalla parte centrale compare anche un riferimento al grazioso tema di Valzer di Tolstoj. Un lavoro di ottima qualità, che ancora una volta ritrova un compositore che scrive in modo espressivo, con un linguaggio accessibile, che crea emozioni. Il brano successivo, Morceaux de Salon op.6 n.2 di Sergej Rachmaninov (1873-1943) è una rarità esecutiva di felice impatto virtuosistico e di eccellente integrazione timbrica tra i due strumenti. È stato scelto Rachmaninov ricordando che ebbe anche lui modo di conoscere personalmente Tolstoj, davanti al quale suonò alcuni suoi pezzi. Ne ricevette ahimè critiche, non consensi, in un momento, per di più, di grave depressione del giovane compositore. Eccellente l'interpretazione di un lavoro che trova una discorsività dal sapore lisztiano. Il capolavoro conclusivo era la celebre Sonata op.47 "A Kreutzer" di Beethoven (1770-1827). Questa volta è Tolstoj debitore al genio tedesco, in quanto ne fu ispirato per il suo omonimo romanzo breve del 1889. Un'interpretazione di valore, con timbriche decise, robuste nell'ottima sinergia dei protagonisti. Applausi fragorosi dai numerosi intervenuti e come bis la Vision Congolaise, secondo brano dal Trittico op.136 di Camille Saint-Saëns. Di assoluta originalità, è inserito nel recente Cd uscito per Da Vinci Classics (recensione su questo giornale) ed interamente dedicato alle musiche per violino e pianoforte del compositore francese: lavori eseguiti benissimo dall'affiatato duo Sacco-Schieppati.