DICEMBRE  2017

Juana Zayas alle Serate Musicali

Puntuale ai concerti di Serate Musicali, la pianista cubana Juana Zayas è tornata in Sala Verdi proponendo lunedì 18 un repertorio classico, al quale siamo abituati ma che continuiamo ad apprezzare per la qualità della restituzione. Bach, Beethoven, Brahms, Schumann, Debussy e J. Strauss -rivisitato da Schulz-Evler- hanno occupato il programma ufficiale in esecuzioni molto studiate, dallo spessore altamente classico, giocate sulla bella sonorità e nei perfetti equilibri dinamici. Ha suonato benissimo la Zayas e ci è piaciuta di più nella Sonata Op.3 n.2 di Beethoven, nell'Arabesque n.1 di Debussy e nella virtuosistica e geniale Arabesque su "Il bel Danubio Blu "di Schulz-Evler che rivisita in modo efficace e iperbolico i famosi valzer di J.Strauss In questo lavoro la Zayas ha mostrato come un'eccellente pianista possa ridurre al semplice elementi armonici complessi che richiedono studi accurati e minuziosi. Lunghi applausi e tre bis chopiniani tra cui lo Studio n.12 Op.10 eseguito splendidamente. Da ricordare.

20 dicembre 2017  Cesare Guzzardella

Un concerto in memoria di Antonio Mormone, fondatore e presidente della Società dei Concerti

L'importante concerto annunciato da tempo e denominato "Concerto per Antonio" per ricordare il fondatore e presidente della Società dei Concerti Antonio Mormone si è svolto ieri sera in Sala Verdi, nel Conservatorio milanese, alla presenza di un foltissimo pubblico. La storica Orchestra d'archi de "I Solisti Veneti" fondata e diretta dal 1959 dal Maestro Claudio Scimone aveva avuto in passato e per molti anni come presidente lo stesso Mormone, come ricordato nel libretto di sala da Enrica Ciccarelli Mormone, da molti anni direttore artistico della società concertistica. Nel palcoscenico di Sala Verdi sono saliti numerosi solisti quali i violinisti Salvatore Accardo, Laura Gorna, Anna Tifu, Edoardo Zosi ed il clarinettista Lorenzo Guzzoni, per un impaginato con brani noti prevalentemente del Settecento di Corelli, Bach, Tartini e Vivaldi e meno noti di Grieg con l'Elegia per Archi e di Rossini con le Variazioni per clarinetto e archi dal Mosè in Egitto e la Donna del Lago. Dopo l'apertura orchestrale e il Concerto in sol minore di Arcangelo Corelli, i giovani ed eccellenti violinisti Anna Tifu ed Edoardo Zosi hanno duettato nel celebre Concerto in re minore di Bach per un'esecuzione eccellente, ricca di espressività. Il Concerto in sol maggiore di Tartini ha visto invece solista Salvatore Accardo per un'interpretazione delicata e ricca di sentimento. Dopo l'intervallo la breve Elegia op.34 di E.Grieg ha anticipato le rare e splendide variazioni rossiniane interpretate da un clarinettista d'eccezione quale Lorenzo Guazzoni, virtuoso dello strumento e salutato al termine dal pubblico con fragorosi applausi. Lo splendido brano conclusivo vivaldiano, il Concerto in si minore per quattro violini e violoncello e archi, ha visto sul palco tutti i quattro virtuosi del violino, Accardo, Gorna, Tifu e Zosi e anche il violoncellista Giuseppe Barutti per un' interpretazione equilibrata nelle parti e ancora intensamente espressiva. Applausi fragorosi e omaggi floreali al termine di una serata che verrà ricordata da tutti e ancor più da chi ha conosciuto l'animo gentile di Antonio.

18 dicembre 2017   Cesare Guzzardella

All'Auditorium Olivieri di Novara i pianisti Magagni-Cattarossi

La stagione musicale del Conservatorio G. Cantelli di Novara, da poco iniziata, ha proposto oggi pomeriggio, 16 dicembre, nello storico Auditorium Olivieri, un concerto di notevole interesse per il programma presentato: tutto all’insegna del ‘900, e incentrato su un abbinamento strumentale che nel secolo scorso ha avuto notevole fortuna: due pianoforti, magari con l’aggiunta delle percussioni. L’impaginato prevedeva di Sciostakovic il Concertino in La minore op.94, di J. Francaix le Huit Dances exotiques (entrambi i pezzi per due pianoforti) e di B. Bartok la davvero splendida Sonata per due pianoforti e percussioni. Alle tastiere Alberto Magagni (primo pianoforte) e Monica Cattarossi (è la partner musicale di Dindo, qui è stata il secondo pianoforte), ai timpani Matteo Moretti e alle percussioni e xilofono Gianluca Centola. Bravissimi Cattarossi e Magagni a rendere l’alternarsi di ironia e angoscia tipici del miglior Sciostakovic, con una individuazione efficace delle dinamiche e uno stacco puntuale dei tempi, nel succedersi di sezioni lente e di ritmi martellanti e incalzanti. Il suono metallico, ma non privo di venature di soffusa dolcezza nei momenti più intimi, specie nella parte riservata a Cattarossi, ha reso al meglio il disegno della composizione del grande russo. Opera minore dell’ampio catalogo di J. Francaix, le Huit Dances ne hanno comunque testimoniato l’ispirazione che ha costantemente guidato la sua opera: formatosi nella temperie della scuola dei sei, amico di Poulenc, Francaix è musicista di un neoclassicismo ironico, che, quasi in anticipo sul postmodernismo, si avvale dei contributi delle più diverse correnti musicali, in particolare il jazz e il rock’n roll, che non a caso è il titolo dell’ultima delle otto danze. La vena esotica del titolo affiora soprattutto dalle sambe e dalla merengue, anch’esse però come attratte dal vortice di un ritmo “motoristico”, meccanico, che può ricordare il primo Honegger, ma illuminato da un sorriso ironico, reso anche in questo caso al meglio dai due pianoforti. Il pezzo forte del concerto è stato comunque il gioiello di Bartok. Davvero apprezzabile l’interpretazione dei quattro strumentisti, abilissimi nel rendere l’incontenibile motore ritmico e la travolgente percussività dei tempi veloci, ma ancora più efficaci nell’interpretare il cuore magico della composizione, il terzo tempo, Lento ma non troppo, vero esempio di quella che M. Mila ha suggestivamente definito la “musica della notte” di Bartok, un mondo musicale sospeso in un’atmosfera di allucinata attesa, come sovrastato da una minaccia indefinibile, qui creata musicalmente da una melodia lunga affidata ai pianoforti, sovrapposta alla sequenza delle percussioni , e che, passando attraverso ottave e delicate quintine, esplode poi in sinistri clusters, per estinguersi magicamente su accordi sussurrati dallo xilofono e dal secondo pianoforte. Il tutto, suonato alla perfezione, ha concluso nel modo più affascinante questo bel pomeriggio di musica a Novara.

Il Don Giovanni al "Coccia" di Novara

In cartellone ieri sera, venerdì 15 dicembre, per la stagione lirica del Teatro Coccia di Novara, la ‘prima’ del Don Giovanni di Mozart, con replica domani, domenica 17 (stesso cast). Si tratta di una impegnativa coproduzione, che, inquadrata nel Progetto artistico Festival di Spoleto, ha visto coinvolti la Fondazione Teatro Coccia, il Ravenna Festival, il Festival di Spoleto e lo spagnolo Cartagena Festival. La regia è stata affidata a un nome noto dei palcoscenici, Giorgio Ferrara, che si è avvalso per la parte drammaturgica del poliedrico scrittore e drammaturgo francese René de Ceccatty. L’orchestra, come ormai da alcune stagioni diretta da M. Beltrami, direttore musicale del Coccia, è la giovanile L. Cherubini, creatura che, amorevolmente curata da Muti, offre ormai standard esecutivi di apprezzabile qualità professionale. Il coro, anch’esso ormai di casa al Coccia è il S. Gregorio Magno, di cui va detto che, sotto la bacchetta di Beltrami, sta crescendo, specie nella sezione femminile. Com’è stato, dunque, questo Don Giovanni novarese-ravennate-spoletino etc? La proposta registica è chiaramente enunciata nell’introduzione al libretto: secondo Ferrara e de Ceccatty la definizione di “dramma giocoso”, che compare ufficialmente sotto il titolo del capolavoro mozartiano, non va presa sul serio, anzi: il Don Giovanni, veniamo a sapere, è niente di meno che” una grande Messa da Requiem, un dialogo tra un ateo e la morte” (citiamo testualmente). Le scene comiche tra Masetto e Zerlina? La presenza di un buffo comico tra i più celebri della storia della musica come Leporello? Irrilevanti, poco più che equivoci disseminati dall’autore nel libretto per depistare l’ingenuo ascoltatore/spettatore, facendogli credere di trovarsi di fronte a una commedia, mentre in realtà gli si propone una sulfurea e tenebrosa tragedia. Insomma la complessa e affascinante ambiguità di un’ opera tra le più inquietanti della storia, sospesa tra vitalismo sfrenato e morte, come suo limite invalicabile, viene drasticamente semplificata a vantaggio di uno solo dei suoi elementi ( e allora, davvero, non si capisce che ci stia a fare, appunto. un Leporello…). Dunque, tutta la drammaturgia e la scenografia, curata quest’ultima da Dante Ferretti e Francesca Lo Schiavo, convergono univocamente verso una simbologia di morte, con un finale, diciamo, già scritto fin dall’inizio: la vicenda è ambientata in una “cripta-cimitero”, di cui in realtà nel primo atto non ci sono molte tracce (lo spazio sembra piuttosto quello di un sontuoso palazzo d’epoca, con alti colonnati), mentre è evidente nel secondo atto, con tavoli che sono in realtà sepolcri, un salotto che è in realtà un cimitero, ceri, tenebre, l’immancabile figura della morte incappucciata di nero con tanto di falce, che accompagna come un’ombra il protagonista etc. etc. Ma c’è di più: l’intera vicenda è immaginata come una visione, un sogno fatto dal filosofo S. Kierkegaard, che come si sa, dedica al capolavoro mozartiano un fondamentale capitolo del suo saggio Aut Aut. Ed ecco un’altra trovata della regia: prima dell’apertura del sipario, durante l’esecuzione dell’Ouverture e negli intervalli, sul proscenio cammina lentamente su e giù un signore avvolto in lugubri abiti neri (evidentemente: Kierkegaard) davanti a un sipario su cui sono proiettate citazioni dall’Aut Aut. E qui, francamente, rasentiamo il ridicolo…Poiché la rappresentazione deve avere l’aspetto di una “danza macabra” (citazione) tutti i personaggi “devono sempre essere in scena, come spettatori-testimoni di questa disperata vitalità” (altra citazione), sicché Ferrara e de Ceccatty si semplificano drasticamente uno dei compiti primari della regia, quello di ‘gestire’ il movimento e l’avvicendamento dei personaggi, salvo la ‘sorpresa finale’ dei cantanti che eseguono il concertato conclusivo tra il pubblico Tralasciando altre ‘innovazioni’ dal significato poco chiaro (perché, ad es. Don Giovanni uccide il Commendatore con la pistola invece che con la spada, come da libretto e da sempre sui palcoscenici?), il problema vero è che una simile impostazione registico-drammaturgica entra fatalmente in conflitto con la musica, specie quando questa è diretta da un Beltrami, amante dei tempi rapidi, più coerenti con un dramma giocoso, che con una messa da requiem. La parte musicale, pur affidata a un cast di livello complessivamente apprezzabile, ha un po’ risentito di questa impostazione registica, in particolare il don Giovanni del basso/baritono Dimitris Tiliakos: non dotato da madre natura di un gran timbro, un po’ troppo secco, ha tuttavia una buona tecnica e soprattutto una bella forza espressiva, che però la regia ha in parte spento, impedendogli di calarsi pienamente nella parte di un don Giovanni brutale e fascinosamente seduttorio, nella quale sembra abbia dato recentemente il meglio di sé sotto la direzione di Currentzis. Dei ruoli maschili il migliore è stato senza dubbio il Leporello di Andrea Concetti, ampiamente collaudato nella parte: voce non potente, ma morbida, ha un ottimo fraseggio, anche se il suo “Madamina…” è risultato un po’ fiacco (ma per colpa sua o della regia?). Da risentire il tenore americano Brian M. Moore, che nella parte di Don Ottavio è risultato alquanto scialbo, sia sotto l’aspetto vocale, sia sotto quello interpretativo, ma è ben possibile che così lo abbia voluto il regista. Vocalmente adeguato il Commendatore di Cristian Saitta, mentre il Masetto del giovane Cristian Giulianini ha messo in evidenza una tessitura trasparente, di un bel colore scuro nei centri, ma talvolta faticosa nell’emissione. Quanto alle parti femminili, Lucia Cesaroni, specializzata in ruoli mozartiani, è stata una apprezzabile donna Anna, con buona tessitura vocale, omogenea dai centri agli acuti e ben calata nel ruolo, mentre Francesca Sassu ha una bella voce brillante, ma poco adatta al ruolo di soprano drammatico di donna Elvira. Valida la Zerlina di Arianna Vendittelli, dal suono pulito, con buona tecnica negli appoggi. Beltrami ha diretto bene nel complesso, accompagnando con efficacia il fraseggio dei cantanti. Non ci è piaciuta troppo l’Ouverture, in alcune battute troppo precipitosa, sì da far perdere alcuni dettagli timbrici e dinamici. Belli i costumi curati da Maurizio Galante e ispirati ai quadri del pittore inglese del’700 Th. Gainsborough, ed efficaci le luci di Fiammetta Baldiserri. Applausi travolgenti e lunghissimi alla fine per tutti dal gran pubblico presente, vicino al tutto esaurito.

16 dicembre 2017 Bruno Busca

Ancora un meritato successo per l'Andrea Chénier scaligero

Ieri sera ancora meritato il successo alla terza rappresentazione di Andrea Chénier al Teatro alla Scala. La coppia Chailly-Martone ha centrato il bersaglio attraverso un'orchestrazione di rilievo per il primo e una messinscena all'insegna della tradizione ma ben fatta per il secondo. È da parecchi giorni che si parla della buona riuscita di quest'opera che mancava dal teatro milanese da trentadue anni e che probabilmente non ha mai trovato i favori del grande pubblico italiano. Con la prima del 7 dicembre le cose sono forse cambiate grazie oltre ai già citati due artisti, anche all'ottimo cast vocale impiegato, sie per i tre protagonisti principali - la coppia-sul palco e nella vita Netrebko-/Eyvazov, Maddalena e Chénier, e Luca Salsi, Gerard- che anche per tutti i comprimari. (Tutte le foto di Brescia-Almisano -Archivio Scala) Le ottime scenografie di Margherita Palli e i costumi di Ursula Patzak, messe in risalto dalle luci di ... hanno naturalmente fatto la loro parte per rendere comprensiva una vicenda in quattro quadri ben scritta da Luigi Illica, il famoso librettista pucciniano ben prestato ad Umberto Giordano. Osservando dall'alto del palco la sicura, energica e spedita direzione di Riccardo Chailly, ci siamo accorti del ruolo centrale della musica di Umberto Giordano. In questo lavoro, l'opera più conosciuta ed eseguita del compositore foggiano, si intreccia la tradizione verista di Mascagni e Puccini alle sofisticate arcate sinfoniche wagneriane. Queste danno un maggior impulso alla vicenda conferendo maggior ritmo e aumentando i contrasti tipici del grande periodo rivoluzionario francese. L'intreccio musica-vocalità è nell'Andrea Chénier elemento fondamentale e l'orchestrazione del Maestro milanese è riuscita a ben amalgamare le parti vocali con le ampie e stuggenti sonorità degli orchestrali scaligeri tra i quali evidenziamo alcune importanti parti solistiche. Tra le voci-tutte valide- non ancora citate ricordiamo almeno Carlo Bosi, l'Incredibile, Annalisa Stroppa, la mulatta Bersi, Mariana Pentcheva, la Contessa di Coigny, Judit Kutasi, Madelon, Gabriele Sagona, Roucher, ecc. Un plauso all'ottimo Corpo di ballo scaligero per i riusciti interventi preparati da Daniela Schiavone e naturalmente al Coro preparato da Bruno Casoni. Prossime repliche per il 16-19 e 22 dicembre e 2 -5 gennaio. Da non perdere.

14 dicembre 2017 Cesare Guzzardella

A Novara un concerto con musiche russe e spagnole

Russia e Spagna unite nel magico mondo della musica: questa la sintesi del ricco programma proposto a Novara ieri sera, 13/12, al Teatro Faraggiana dal Festival Cantelli, giunto al suo ultimo appuntamento del 2017. L’ampio impaginato proponeva, sotto la direzione di Volodymyr Sheiko, alla guida dell’Orchestra Sinfonica della Radio Ucraina di Kiev, di N. Rimskij Korsakov il Capriccio spagnolo op.34, di P. De Sarasate la Zingaresca per violino e orchestra op.20 e la Fantasia Carmen per violino e orchestra op.25, di E. Granados Tres Danzas Espanolas e infine di M. Glinka le meno note Ouverures spagnole n.2 e n.1 (questa la successione nel programma) per orchestra. Si tratta, come subito il lettore comprende, di una musica il cui fascino sta tutto nei colori, nella timbrica, nel gioco variopinto della strumentazione. Dunque un genere di serata musicale il cui successo dipende dalla bravura di orchestra e direttore nel valorizzare al massimo il dettaglio timbrico, la sfumatura del suono, l’armonia, non tanto sul piano strutturale, quanto su quello propriamente sensuale, “fisico” del suono. Ebbene, questo è esattamente ciò che è avvenuto ieri sera: Sheiko e la sua orchestra (ne è infatti il direttore principale e artistico) hanno esibito, fin dal Capriccio di Rimskij Korsakov, un suono estremamente brillante, quasi smaltato, su cui si stagliavano di volta in volta le brevi cadenze virtuosistiche dei vari strumenti, occasione per i singoli orchestrali di esaltare la propria tecnica sicura, di puro conio della gloriosa scuola russa: splendido, nel pezzo di Rimskij Korsakov, il quarto tempo, una “zingaresca” in cui agli archi è richiesta l’imitazione della chitarra, come del resto avviene nella Ouverture n. 1 di Glinka, una suggestiva e trascinante Jota aragonese, dalle più sorprendenti combinazioni strumentali. In questo incantesimo di suoni si è poi inserito il grande ‘mago’ della serata il giovane violinista serbo Stefan Milenkovich, il solista delle due composizioni di De Sarasate. Cavata brillante ed intensamente espressiva, intonazione sicura, dominio delle più ardue tecniche delle quattro corde, capacità di far cantare lo strumento come pochi: queste le doti del solista serbo. Se il paragone non pare azzardato, abbiamo sentito nell’esecuzione di Milenkovich echi del suono di Oistrakh e del virtuosismo rapinoso di Hajfetz. Splendida, per tensione espressiva tesa sino al sospiro, la terza parte della Zingaresca (“Un poco più lento”), dove l’archetto del giovane serbo staccava con un velo di soave malinconia la figura ritmica del tema. Bellissimi anche i due bis concessi da Milenkovich, l’Allemanda dalla partita n. 2 per violino di J. S. Bach (quella conclusa dalla celeberrima ciaccona) e il meno noto Recitativo e Scherzo op.6 di Kreisler. Non vogliamo dimenticare però una delle composizioni che personalmente ci ha affascinato di più, le Tre danze spagnole di Granados, bellissime nella loro sottile vena di tristezza, come certi versi di Machado, interpretate al meglio da Sheiko , direttore dal gesto misurato ed esatto nei tempi e nelle dinamiche. Grandi applausi da parte di un pubblico discretamente numeroso con un bis orchestrale fragoroso e trascinante, dal sapore di festa natalizia, che confessiamo di non aver riconosciuto. Bella serata e arrivederci a marzo, per la ripresa della stagione del Festival Cantelli.

14 dicembre Bruno Busca

Steven Isserlis per Serate Musicali

Il violoncellista inglese Steven Isserlis torna puntualmente alle Serate Musicali di Fazzari. Come lo scorso anno, ieri sera era accompagnato dall'ottima pianista canadese Connie Shih, accolti in Sala Verdi da un pubblico non numeroso ma particolarmente attento ed interessato al programma proposto. L'impaginato, come sempre particolarmente diversificato, prevedeva musiche di Chopin nella prima parte e di Prokof'ev, Mustonen e Šostakovič dopo il breve intervallo. È certamente un eccellente violoncellista Isserlis. Ha eseguito molto bene i due rari lavori di Chopin: l'Introduzione e Polacca brillante Op.3 e la Sonata in sol minore Op.65 interpretati con con grande fluidità a dimostrazione della completa interiorizzazione di ogni elemento melodico-timbrico. Coadiuvato benissimo dalla Shih, che ha avuto un ruolo determinante nella giovanile Polacca Brillante, Isserlis ha riempito di espressività melodica lo splendido Largo della rara sonata. Molto interessante il virtuosistico lavoro del pianista-compositore Olli Mustonen con Chanson Russe et Danse Orientale eseguito con determinazione e con carattere improvvisatorio dalla coppia di strumentisti. Anche la Ballata in do minore op.15 del russo Prokof'ev ha trovato un'ottima restituzione. L'ultimo lavoro in programma , la Sonata in re minore op.40 di Šostakovič, ha visto una brusca interruzione per l'improvvisa rottura di una corda del cello, quindi la riproposta completa del lavoro caratterizzato da momenti di illuminato lirismo, tipico dell'autore, inframmezzato da accentuazioni ritmiche ben definite dallo splendido duo strumentale. Fragorosi gli applausi al termine e un bis con una splendida trascrizione da un Canto polacco di Chopin. Da ricordare.

12 dicembre 2017 Cesare Guzzardella

Monica Bacelli e il Trio Metamorphosi per Milano Classica alla Palazzina Liberty

Il concerto mattutino ascoltato ieri mattina alla Palazzina Liberty di Milano e organizzato da Milano Classica, si è rivelato ottimo sia per la qualità interpretativa, sia per la scelta dell'impaginato. L'occasione era data dalla presentazione del nuovo Cd Decca del Trio Metamorphosi -Scotland- registrato insieme al bravissimo mezzosoprano Monica Bacelli, interprete prestigiosa che non ha bisogno di presentazioni essendo affermata internazionalmente nella lirica operistica e cameristica. I protagonisti musicisti del Cd, F.J. Haydn e L.v. Beethoven sono stati accostati in modo intelligente in quanto autori di lieder che recuperando il patrimonio popolare scozzese e attraverso le loro immense qualità, restituiscono brani di altissimo valore espressivo. Non per nulla Haydn, come ben raccontato nel corso della mattina dal pianista Angelo Pepicelli, ha composto circa 400 lieder ispirati dalla terra scozzese, brani che a loro volta hanno ispirato il genio di Bonn. Ricordiamo anche gli altri due bravissimi strumentisti : Mauro Loguercio al violino e Francesco Pepicelli al violoncello. Il trio ha anticipato l'ingresso della Bacelli con due brani, il primo tratto dal Trio in Mi maggiore composto da Haydn di ritorno dal suo secondo viaggio scozzese e il secondo di Beethoven, le deliziose Dieci variazioni dal Lied "Ich bin der Schneider Kakadu". Dall'ascolto dei due brani è subito emersa l'ottima qualità esecutiva del Trio Metamorphosi, qualità definita da eccellente equilibrio delle parti, sicurezza di tocco e restituzione espressiva dei colori. L'unione con l'eccellente voce di Monica Bacelli non poteva essere di meglio. Nella seconda parte del concerto entrava in sala la solista e il trio in kilt scozzese rendendo particolarmente divertente e scenografico il prosieguo musicale. Quattro lider di Haydn e cinque di Beethoven hanno alternato brevi momenti di divertimento musicale ad altri di maggiore impegno vocale. I toni caldi e profondi della Bacelli- e non dimentichiamo la sua spesso divertente e divertita gestualità- ha trovato nei tre strumentisti l'accompagnamento ideale. Grandissimo successo al termine e ancora un divertente bis con un drink-lied conclusivo. Da ricordare a lungo.

11 dicembre 2017   Cesare Guzzardella

Le Variazioni Goldberg per Angela Hewitt in Conservatorio

Angela Hewitt è tornata in Sala Verdi per un concerto organizzato dalla Società del Quartetto. La pianista canadese è divenuta nota al grande pubblico a metà degli anni '80 dopo un'importante vittoria ottenuta ad un concorso pianistico (1985) tenuto a Toronto e dedicato a Bach, e grazie anche all'uscita - per una prestigiosa casa discografica- di uno splendido cd dedicato al grande musicista tedesco, Un brano in programma: le celebri Variazioni Goldberg di J.S.Bach. Le Goldberg sono tra i lavori più  eseguiti di Bach, da quando a metà anni '50 Glenn Gould, anche lui canadese come la Hewitt, le interpretò in una celebre incisione. La Hewitt è nota per le sue qualità bachiane anche se da parecchi anni si occupa di altri classici di fine '700 e '800. Il sold out di martedì sera in Conservatorio testimonia la popolarità acquisita da questa interprete che difficilmente esce dal repertorio classico. Le rilevanti qualità interpretative sono da ricercarsi oltre che alla consolidata esperienza maturata negli anni, anche nella perfezione formale e nella bellezza del timbro. Avendo ascoltato in questi anni la pianista numerose volte, soprattutto in Bach, sono andato al concerto parzialmente prevenuto credendo di ascoltare un'interprete certamente di valore ma conservatrice e forse non troppo "creativa". Devo ricredermi: le meravigliose variazioni di Bach a partire dalla semplice melodia iniziale ripetuta al termine, hanno trovato un'interprete pienamente identificata nel ruolo che è riuscita ad esprimere un alto valore estetico. L'esecuzione è risultata elegante e coloristicamente molto bella con dinamiche ben equilibrate per tutti i circa settanta minuti di musica. Particolarmente attento il pubblico: non un colpo di tosse, fortunatamente non uno squillo di cellulare, applausi interminabili e al termine la protagonista visibilmente soddisfatta...e certamente tutti noi. Da ricordare.

7 dicembre 2017 Cesare Guzzardella

Prossimamente il Concerto di Natale a Vercelli

Giovedì 14 dicembre alle ore 11 presso la Casa Circondariale di Vercelli si terrà il concerto di Natale. protagonisti l' Orchestra Camerata Ducale ed il direttore violinista Guido Rimonda. Da non perdere

7 dicembre la redazione

Il trio Gluzman-Moser-Sudbin alle Serate Musicali

Avevamo recentemente ascoltato il pianista Yevgeny Sudbin in un concerto solistico di ottima qualità. Abbiamo ritrovato Sudbin ieri sera in una splendida formazione cameristica insieme al violinista Vadim Gluzman e al violoncellista Johannes Moser per i concerti di Serate Musicali. il programma, stilisticamente unitario, prevedeva brani di Schubert, Babajanian e Čaikovskij. Il Notturno in mi bem. Magg. D.897 ha introdotto il concerto evidenziando subito la cifra stilistica di questa formazione giocata su un ottimo equilibrio esecutivo dove tutti i tre componenti hanno dato prova di elevata qualità espressiva. Il compositore armeno Arno Babajanian (1921-1983) è assolutamente sconosciuto in Italia pur essendo musicista di grande spessore che si esprime con metodiche derivate dal tardo-romanticismo dell'ultimo Brahms, dal neoclassicismo di Prokof'ev e dal folclore bartòkiano. Il Trio in fa diesis minore ( 1952) eseguito in modo eccellente , è una rivelazione sia nell'equilibrio formale che nei contenuti, certamente non innovativi ma di qualità estetica. Eccellente l'Allegro vivace finale, movimento particolarmente interessante nella ritmica. Dopo l'intervallo il noto Trio in la minore op.50 di Čaikovskij ha concluso il programma ufficiale confermando le alte qualità di questa compagine cameristica. Ottimo il bis concesso con un Tango di Alfred Schnittke. Da ricordare.

5 dicembre 2017 Cesare Guzzardella

Una giovane violinista per i Pomeriggi Musicali diretti da Capuano

La violinista cinese Jingzhi Zhang a soli sedici anni si è esibita giovedì - in replica ieri pomeriggio - al Dal Verme con l'orchestra de I Pomeriggi Musicali diretta da Gianluca Capuano. A otto anni Jingzhi aveva vinto in Cina numerosi concorsi . Ha studiato anche a Milano e dal 2014 si è perfezionata in Svizzera con il grande solista dell'archetto Pavel Berman. Il concerto ascoltato in replica sabato pomeriggio, tra i brani orchestrali proposti, prevedeva anche due melodici lavori per violino e orchestra di L.v. Beethoven quali la Romanza n.1 Op.40 e la Romanza n.2 Op.50, quest'ultima particolarmente nota ed eseguita. Stupisce la musicalità della giovane solista espletata da splendido vibrato, timbriche delicate, perfettamente intonate e adeguate ai bellissimi colori del violino utilizzato. Coadiuvata dall'ottima direzone di Capuano, la Zhang ha rivelato di possedere risorse per diventare un' eccellente solista, risorse già rivelate in modo consistente nello splendido fraseggio del celebre Adagio cantabile dell'Op.50. Eccellente il bis solistico concesso con un movimento da Bach di grande impatto virtuosistico restituito con grande sicurezza tecnica e notevole espressività. Luminosa la direzione di Gianluca Capuano- noto anche come valido organista- che ha proposto anche due Ouverture di Rossini da Otello e Cenerentola e la nota Sinfonia n.101 in re maggiore "La pendola" di Franz Joseph Haydn. Di rilievo la resa orchestrale. Fragorosi applausi dal numero pubblico intervenuto. Da ricordare.

3 dicembre 2017 Cesare Guzzardella

NOVEMBRE  2017

Leif Ove Andsnes in Conservatorio per la Società del Quartetto

A quarantasette anni, il pianista norvegese Leif Ove Andsnes, per il quarto anno ( 1999- 2008- 2010-2017) è ospite della Società del Quartetto e ieri sera in Sala Verdi con un programma particolarmente variegato definito da alcuni brani di Sibelius, di Widmann, di Schubert, di Beethoven e di Chopin ci ha rivelato ancora una volta la sua accurata, equilibrata ed espressiva restituzione musicale. Il programma "classico", ha visto nell'interessante lavoro di Jörd Widmann, Idyll und Abgrund, Sechs Schubert Reminiszenzen (2009), una pausa contemporanea, anche se il riferimento al classicismo del viennese era molto evidente e le trovate musicali del giovane compositore tedesco -classe 1973- interessanti. Le affinità musicali con la musica nordica del norvegese Andsnes sono emerse con i brevi ed efficaci cinque brani del finlandese Jean Sibelius, musicista legato al nostro eccellente pianista anche da ragioni geografiche. Non per nulla il secondo bis concesso al termine del concerto, era un'esecuzione mirabile ancora di un brano di Sibelius, l'Improvviso Op.5 n.5 , probabilmente il brano esecutivamente più bello della serata. La splendida perfezione formale- tecnica del pianista l'abbiamo ritrovata nei noti Tre Klavierstücke D 946 di Schubert eseguiti con discreta espressività. Maggiormente incisiva la celebre Sonata in re minore op.31 n.2 "La tempesta" con un Rondò. Allegretto finale di grande fluidità e di strabiliante bellezza coloristica. Bene Chopin con il Notturno in si maggiore Op.62 n.1 e la Ballata n.4 in fa min. Op.52 al quale si aggiunge il primo bis con la celebre Ballata n.1 eseguita in modo perfetto da un non polacco. Fragorosi gli applausi al termine.

29 novembre 2017 Cesare Guzzardella

Enrico Pompili e Alessandro Deljavan alle Serate Musicali

Il concerto di ieri sera in Sala Verdi per Serate Musicali prevedeva brani interpretati da due pianisti italiani piuttosto noti quali Enrico Pompili e Alessandro Deljavan. Due impaginati differenti. Per Pompili una scelta personalizzata di compositori come Schubert, Castiglioni, Johann Strauss, Debussy e Ravel; per Deljavan un solo compositore, Frédéric Chopin con i celebri 12 Studi Op.25. Il pianista bolzanese spesso organizza recital con rarità interpretative come alcune di quelle ascoltate: l'Allegro moderato, frammento da lui completato dalla Sonata D 571, incompiuta di Schubert o il raro Castiglioni di In principio era danza. I brani - tra i quali Soirée de Vienne n.7 sempre di Schubert nella rivisitazione lisztiana, Du und Du di Strauss rivisitato da Dohnányi, Le plus que lente di Debussy e a conclusione À la maniére de Borodine e La Valse di Ravel- , sono stati ben assemblati in un tutt'uno discorsivo dominato da una certa caratteristica di leggerezza musicale ma anche di gran valore tecnico-virtuosistivo - come nella nota La Valse. Ottima l'interpretazione di Pompili e coraggiosa e azzeccata la scelta operata. Cambio di registro nella seconda parte del concerto con uno Chopin eccellente donato dal pianista italo-persiano Deljavan. Le difficoltà degli Studi chopiniani sono note a tutti i pianisti che studiano questi capolavori - Op.10 e Op.25- per il loro programma di studio pianistico. Sono brani di grande difficoltà tecnica ma l'abilità dell'interprete è quella di valorizzarli perchè diventino quei capolavori di estetica musicale che in realtà sono, specie nell'esecuzione completa di una serie, nel nostro caso l'Op.25. Il bravissimo Deljavan è riuscito mirabilmente a fornirci un' interpretazione di altissima qualità estetica. I 12 brevi ed intensi capolavori erano legati tra loro in un unicum discorsivo perfettamente equilibrato. I colori splendidi, ottenuti con un dosaggio dei piani sonori corretti e una tecnica manuale essenziale, atta a non ottenere eccessi volumetrici. La gestualità consona di Deljavan , funzionale all'autentica espressività, insieme alle altre motivazioni fanno di questa interpretazione un punto di riferimento importante per un pianista che merita certamente ancor più prestigio di quello che ha già, considerando il panorama pianistico mondiale. Splendido anche lo Studio Op.10 n.12 concesso come bis. Validi i bis eseguiti dai due pianisti saliti ancora sul palcoscenico per uno Schubert a quattro mani (Danza militare) e un breve novecento russo a quattro mani. Da ricordare a lungo.

28 novembre 2017 Cesare Guzzardella

Il Festival Cantelli al Teatro Faraggiana di Novara

Il Festival Cantelli di Novara, ieri sera 25 novembre al suo secondo appuntamento stagionale al Teatro Faraggiana, ha offerto agli appassionati la preziosa occasione di fare la conoscenza di un’ottima formazione orchestrale da camera europea, la svizzera Camerata Bern, che, nata cinquantacinque anni fa, vanta la singolare prerogativa di esibirsi senza direttore sul podio. Il suo repertorio è assai ampio, svariando dal barocco al ‘900, ma l’impaginato proposto ieri sera al pubblico novarese era strettamente confinato entro i limiti cronologici del secondo ‘700: Boccherini, con la Sinfonia n.14 in La magg. op.21/6 G. 498, F. J. Haydn con il Concerto per violoncello in Re magg. Hob:VIIb:2, Mozart col Divertimento per due corni e orchestra KV 334. Come si nota, un programma pensato con intelligenza storico-musicale, che permette all’ascoltatore di confrontare diversi generi e linguaggi musicali, che convissero in un giro d’anni relativamente breve: un modello di sinfonismo, quello boccheriniano, alternativo a quello che si andava affermando in area austro-tedesca per poi imporsi trionfalmente in tutta Europa, il concerto per strumento solista nella concezione di Haydn e infine quella forma ‘libera’, leggera, più legata all’intrattenimento salottiero, che è il Divertimento, nella particolare elaborazione propostane da Mozart. La Camerata Bern ha sfoggiato un suono di qualità eccellente, sotto tutti gli aspetti: perfetta intesa delle linee strumentali, esatto smalto dei timbri, morbidezza e intensità negli archi, dalla cavata sapiente nella resa dei chiaroscuri dinamici. Ne scaturisce una capacità di tornire fraseggi cesellati come veri gioielli sonori, in cui non una sola nota va perduta e l’ascoltatore è come ammaliato dalla limpida fluidità dell’insieme. Un altro merito spetta alla Bern: la duttilità interpretativa con cui sa dare voce alle diverse personalità musicali: il melodismo rococò e divagante e il libero gioco dei colori orchestrali di Boccherini, l’energia vitale di Haydn, la grazia trascendentale, screziata dalle ombre sottili di malinconiche modulazioni al modo minore, in Mozart; tutta questa varietà di mondi sonori era evocata con una cura estrema del dettaglio, dalle brevi figure ritmiche dell’Allegro assai iniziale della sinfonia di Boccherini, ai passaggi contrappuntistici finemente tessuti nel conclusivo Rondò del Divertimento mozartiano. Ma la serata vedeva anche la presenza di un solista, il giovane violoncellista tedesco Julian Steckel, cui era affidata la parte solistica del concerto di Haydn. Steckel è violoncellista dal suono raffinato ed elegante, dotato di un’arcata capace di evocare dalle corde un fraseggio sciolto e trasparente anche nelle zone più impervie della partitura dai sopracuti della cadenza del primo tempo ai frequenti spiccati, che il giovane maestro sa eseguire con rara perfezione nella resa precisa della nota. Ma è in generale il colore, caldo e morbido, con cui Steckel ha suonato Haydn che ci è piaciuto molto, specie ove questo colore si ombreggiava di un pathos già di vago sapore romantico, come nel grande “solo” dell’Adagio. Un violoncellista, questo Steckel, che ci piacerebbe ascoltare più di frequente: dall’accurato programma di sala sembra di capire che le sue tournée italiane non siano molto frequenti. Ottimamente eseguito anche il bis, una Sarabanda da Bach, suonata su un registro sommesso, ai confini del silenzio, quasi come di fronte alle porte di un tempio misterioso…Una bella serata di eccellente musica, applaudita lungamente dal pubblico, purtroppo non numeroso come l’occasione avrebbe meritato.

26-11-2017 Bruno Busca

Christoph Eschenbach e Tzimon Barto alla Scala con la Filarmonica

Il concerto ascoltato in replica ieri sera al Teatro alla Scala ha visto due personalità di spicco quali il direttore tedesco Christoph Eschenbach ed il pianista statunitense Tzimon Barto per un impaginato molto interessante e proiettato verso colori americani. La rara Ouverture di Antonin Dvořàk Karneval Op. 92 ha introdotto la serata, seguito dal Concerto in fa di George Gershwin, forse la più impegnativa composizione sinfonica del grande statunitense. Al termine l'aggancio con la nazione d'oltre oceano era data dalla celebre Sinfonia dal Nuovo mondo Op.95, lavoro di Dvořàk scritto nel periodo americano del musicista. Il successo ottenuto per le ottime interpretazioni della Filarmonica della Scala, sempre all'altezza della situazione, è senz'altro merito anche delle grandi capacità direttoriali di Eschenbach, professionista eclettico, con repertori che vanno dal classico al contemporaneo, noto anche come valente pianista. Di alto valore energetico l'Ouverture introduttiva con una miscela di timbriche ben impastate e ricche di significati. Il noto concerto di Gershwin , lavoro in tre movimenti particolarmente evoluti dal punto di vista compositivo, ha trovato in Barto un interprete riflessivo che nei momenti solistici ha dato il meglio, attraverso suoni calibrati, pesati e con dinamiche variegate ma soprattutto discrete ed interiori, rivelando l'anima più classica del grande musicista americano. Alcuni incisi solistici hanno rivelato una personalità di spicco, come dimostrato anche dal bis concesso dal pianista con il celebre Notturno postumo di Federic Chopin, eseguito con andamento pacato e molto interiorizzato. Ricordiamo anche l'importante parte solistica della tromba, nell'Andante con moto centrale, col bravissimo scaligero Francesco Tamiati. Dopo il breve intervallo la nota sinfonia del musicista ceco ha ritrovato ancora una volta le alte qualità del direttore sostenute dai bravissimi orchestrali , bravi in tutti i settori. Grande successo di pubblico.

24 novembre 2017   Cesare Guzzardella

Roberto Prosseda per i concerti cameristici del M.A.C.

Roberto Prosseda ha tenuto un concerto al M.A.C. di Milano per i concerti cameristici organizzati da LaVerdi, interamente dedicato a Mozart. Ha interpretato quattro Sonate: le K.283, K.330, K.331 e K.457. Presentando il programma, Il pianista ha sottolineato la scelta effettuata di suonare un pianoforte accordato secondo il sistema Vallotti, accordatura usata anche nelle sue recenti incisioni discografiche dedicate a Mozart sullo stesso pianoforte Fazioli che abbiamo ascoltato lunedì sera. La caratteristica "non equabile" di questa accordatura era quella utilizzata ai tempi di Mozart e Prosseda ha preferito un'esecuzione sulle modalità di allora perchè giustamente ritenute maggiormente efficaci. Decisamente valide le esecuzioni ascoltate che rivelano una personalità accentuata da una ricerca - quella che il pianista sta effettuando da molti anni su diversi compositori- intelligente ed approfondita. Dalla maggior leggerezza della Sonata in sol magg. K 283 eseguita all'inizio, alla Sonata in La magg. K 331 soprattutto nota per l'Alla turca, arrivando alla corposa e profonda tonalità in Do minore della K.457, Prosseda ha rivelato ancora una volta ottime qualità interpretative rivelando timbriche asciutte, precise, espressive e ricche di contrasti che hanno esaltato in toto il genio del grande musicista salisburghese. Splendida la Fantasia in re minore eseguita come bis e magiche le semplici e poche note dell'Adagio per Glass Harmonica adattato benissimo alle sonorità del pianoforte. Da ricordare a lungo.

22 novembre 2017 Cesare Guzzardella

 I Mdi ensemble per Milano Musica al Gerolamo

La formazione cameristica Mdi ensemble è tra quelle più note e capaci nel repertorio contemporaneo. Ieri per il Festival Milano Musica nella splendida cornice del Teatro Gerolamo, hanno eseguito brani di Sciarrino, cui la rassegna è dedicata, di Lachenmann e di Pesson. Precisamente TemA per flauto, voce e violoncello e Quartetto d’Archi I di Helmut Lachenmann, affiancati a Centauro marino e Omaggio a Burri di Salvatore Sciarrino e a Cassation di Gérard Pesson . I lavori hanno in comune l'uso ampio degli strumenti musicali, sia archi che fiati, utilizzati in modo da ottenere effetti sonori diversificati con strofinamenti sulla scatola armonica, sul manico, insuflazioni particolari dei fiati, ecc. Citiamo almeno tre validi lavori quali TemA brano del 1968 di Lachenmann nel quale la ricerca vocale della voce- quella ottima del soprano Angèle Chemin- risulta in dialettica con il flauto e il violoncello in un tutt'uno timbrico in ottima fusione complessiva. La componente gestuale e visiva risulta essere determinante per la comprensione del lavoro. In Cassation, brano del 2003 di Pesson, la gestualità, le pause, e l'uso inconsueto degli strumenti generano una sequenza musicale ancora più sottile e nascosta dove la ritmicità del suono-pausa-gesto è evidente. Particolarmente interessante infine il brano di Sciarrino, Centauro marino (1984) sia per l'impasto sonoro di tutti gli strumenti che per la rilevante parte pianistica del bravissimo solista particolarmente evidente e sapientemente coinvolto nel lavoro. Ricordiamo che i Mdi ensemble hanno realizzato nel 2015 il documentario See the sound. Viaggio nel suono di Lachenmann, realizzato per l’80° compleanno del compositore, in collaborazione anche con Milano Musica.

21 novembre 2017 Cesare Guzzardella

Stefan Milenkovich con l'orchestra I Virtuosi italiani al Dal Verme

Il violinista serbo Stefan Milenkovich, l'enfant prodige che alla fine degli anni '80 si era esibito in una serie di importanti concerti in Italia, è tornato per la terza volta in meno di due anni a Milano per eseguire al Teatro dal Verme il più conosciuto dei concerti per violino e orchestra di Niccolò Paganini, il N.2 in si min. Op.7 " La Campanella" . In precedenza aveva eseguito i noti concerti solistici di Mendelssohn e di Brahms. La celebre melodia, ascoltata in replica nel tardo pomeriggio di domenica, conosciuta anche per la strepitosa versione pianistica fatta da Franz Liszt, è maggiormente rilevante se inserita nel contesto di tutto il concerto con i primi due movimenti meno conosciuti, L' Allegro maestoso iniziale e l'Adagio centrale entrambi di grande valore estetico. Con il movimento conclusivo, il Rondò " La Campanella" , le qualità virtuosistiche del solista raggiungono vertici estremi e dobbiamo dire che Milenkovich è riuscito ad ottenere una perfezione formale di altissima qualità non disgiunta da un'espressività pregnante e raffinata. Coadiuvato dall'orchestra I Virtuosi italiani, di grande levatura musicale e dalle timbriche pienamente italiane, Milenkovich ha rivelato ancora di essere tra i migliori violinisti della sua generazione anche con i due bis concessi, prima Fritz Kreisler e poi Bach dalla Partita n.2. Non dimentichiamo la Sonata n.3 per archi di Rossini eseguita come brano introduttivo e la Serenata per archi di Dvorak eseguita nella seconda parte del concerto. I due lavori hanno fatto emergere le eccellenti qualità dell'orchestra capeggiata dall'ottimo direttore e primo violino Alberto Martini. Anche le timbriche delicate e di largo respiro di questi due lavori hanno reso questo concerto di grande qualità. Da ricordare

18 febbraio 2017 Cesare Guzzardella

Ti vedo, ti sento, mi perdo: Salvatore Sciarrino alla Scala

La nuova opera in due atti di Salvatore Sciarrino Ti vedo, ti sento, mi perdo, è in scena in questi giorni al Teatro alla Scala. Presenta un' unica scena varia e dinamicamente ricca su tre piani di svolgimento, in un'ambientazione minimale riferita a Palazzo Colonna a Roma. Lateralmente, sul palcoscenico e in palchi laterali, vengono sistemati gruppi di strumentisti - alcuni archi a sinistra e pochi fiati a destra- che hanno un ruolo d'accompagnamento, di sostegno o di rinforzo timbrico alle voci sia nei momenti di canto che in quelli di declamazione. La giusta intonazione vocale e la fonetica giocano un ruolo essenziale nel complesso lavoro di Sciarrino e i protagonisti, tutti all'altezza, narrano le vicende dissolute ed infine tragiche in modo particolarmente creativo ed espressivo di Alessandro Stradella. Valida è la regia di Jürgen Flimm che ha splendidamente inserito i personaggi nell'ottima scenografia di George Tsypin (foto Archivio Scala), attraverso i costumi d'epoca di Ursula Kudrna, la coreografia di Tiziana Colombo e le luci di Olaf Freese. Il giovane direttore francese Maxime Pascal è riuscito ad aggregare le timbriche molto cameristiche dell'ottima Orchestra del Teatro alla Scala con la complessa parte vocale in un linguaggio che ha nei riferimenti alla musica antica del '500 o '600- Stradella in primis- e nella ricerca vocale, motivazioni per un'importante realizzazione. L'interessante distribuzione spaziale delle parti musicali-sceniche prevedono oltre l'orchestra in buca anche dislocazioni strumentali di archi, fiati, arpa e pianoforte fuori scena. L'impasto sonoro complessivo di tutte le componenti è stato con maestria realizzato dal direttore. Ricordiamo le intonatissime declamazioni di Charles Workman, il Musico e di Otto Katzameier, il Letterato, la straordinaria voce di Laura Aikin, la Cantatrice, i bravissimi Sonia Grané, Pasquozza, Lena Haselmann, Chiappina, Thomas Lichtenecker, Solfetto, Christian Oldenburg, Finocchio, Emanuele Cordaro, Minchiello, Ramiro Maturana, il Giovane Cantore e tutti i bravissimi coristi. L'opera in scena al Teatro alla Scala s'inserisce nel contesto musicale che il Festival di musica Contemporanea Milano Musica ha dedicato quest'anno al musicista palermitano, autore vivente tra i più eseguiti al mondo. Le prossime repliche scaligere sono previste per il 21-24 e 26 novembre. Da non perdere.

19 novembre 2017 Cesare Guzzardella

La stagione 2017/18 del Viotti Festival

La stagione 2017/18, iniziatasi ieri sera, sabato 18/11, è doppiamente speciale per la Camerata Ducale, compagine orchestrale da anni protagonista assoluta della vita musicale del Piemonte orientale: ricorre infatti il doppio anniversario del 25° della fondazione, originariamente pensata collo scopo di eseguire l’opera omnia per violino di G. B. Viotti, e il 20° della nascita del Viotti Festival, con sede presso il Teatro Civico di Vercelli, una stagione concertistica dedicata prevalentemente alla musica orchestrale e cameristica del ‘7-‘800, che ha appunto come orchestra stabile la Camerata. Lo ricordavano prima del concerto, con un po’ di emozione, i due fondatori dell’orchestra, compagni nel lavoro e nella vita, il direttore e violinista Guido Rimonda e Cristina Canziani, pianista nonché impagabile direttore artistico della Camerata Ducale. E decisamente degna di inaugurare un anno così simbolicamente importante è stata la serata di ieri, con un impaginato che ricordava le “Accademie musicali” di settecentesca memoria: interamente dedicato ad Haydn, il programma proponeva, come ‘aperitivo’ l’ Ouverture da L’anima del filosofo (ovvero Orfeo ed Euridice) Hob. XXVIII: 13 e a seguire tre concerti, il n. 4 per violino e orchestra Hob VII : 13, il n.1 in do maggiore per violoncello e orchestra Hob VIIb:1 e infine il celebre concerto per pianoforte (ma originariamente per clavicembalo o fortepiano) in Re maggiore Hob XVIII: 11. A eseguire le parti solistiche dei tre concerti erano chiamati rispettivamente Guido Rimonda (nella doppia veste di direttore e solista al violino), Silvia Chiesa al violoncello e Maurizio Baglini al pianoforte. Cantabilità italiana e capacità di esplorare anche le zone più umbratili e meno scontate delle partiture: queste le virtù che da sempre vanta la Camerata sotto la bacchetta di Rimonda e pienamente confermate dal concerto di ieri sera, che ha offerto ancora una volta al pubblico, affezionato e in costante crescita, esecuzioni di prim’ordine. Bellissima la limpidezza di suono con cui Rimonda ha reso la non facile partitura del concerto per violino, con un fraseggio perfettamente calibrato su profili ritmici sottilmente cangianti, con progressioni serrate, specie nel primo tempo, e con quelle bellissime arcate “alla corda” e quei balzati e spiccati sempre precisi (s.t. nel finale) che ogni volta ammiriamo in Rimonda e che lo rendono un degno erede della miglior tradizione viottiana. Molto intensa sul piano espressivo, pur senza nulla concedere a eccessi ‘preromantici’, è stata l’interpretazione di Silvia Chiesa, soprattutto, com’è ovvio, nel memorabile Adagio centrale del concerto haydniano, dove il violoncello è chiamato a esprimere tutte le sue potenzialità di canto. Il suono della Chiesa è sempre controllato da una superba tecnica esecutiva, che le consente di impennarsi senza sforzo agli straordinari acuti della partitura, ma che sa abbandonarsi anche a quegli straordinari momenti che potremmo definire estatici, che questo gioiello haydniano propone all’ascolto: una solista completa, in cui tecnica e scavo emozionale della partitura si fondono e si sostengono reciprocamente. Degna conclusione della serata il concerto per pianoforte in re maggiore, per il quale il sempre ineccepibile Baglini ha scelto un tocco leggero, scintillante, sfumato spesso d’ironia, che, come ha giustamente rilevato il prof. Piovano nella sua bella introduzione al concerto, è una componente ineliminabile di tanta musica del maestro di Rohrau. Aggiungeremmo che l’interpretazione di Baglini ha dato risalto efficace ad un altro elemento del mondo musicale di Haydn: la cantabilità operistica all’italiana, evidente nel Poco Adagio centrale, affascinante nella esecuzione del pianista pisano. Musicalmente interessante il pezzo introduttivo, un’Ouverture bipartita, con due mondi musicali del tutto diversi: una solenne introduzione in stile francese, e un allegro di sonata di respiro sinfonico, a ricordarci la varietà di apporti della cultura musicale di Haydn. Niente bis, ma, fra torrenziali applausi, un simpatico Happy Birthday, strameritato, suonato in onore di un’orchestra che occupa ormai un posto significativo nel variegato panorama delle orchestre italiane.

19 novembre 2017 Bruno Busca

IL DUO RIMONDA-BIANCHI INAUGURA
LA STAGIONE CAMERISTICA DEL 20° VIOTTI FESTIVAL

Sabato 25 novembre 2017 al Teatro Civico di Vercelli alle ore 21.00 Guido Rimonda, al violino e Massimo Giuseppe Bianchi, pianoforte terranno un Concerto col seguente programma: Giovan Battista Viotti- Sonata per violino e basso n. 5 in sol maggiore W5: 11 (G: 39); Wolfgang Amadeus Mozart Sonata in sol maggiore K 379 (K6 373a) ;Antonín Dvořák Quattro pezzi romantici op. 75; Edvard Grieg Sonata n. 3 in do minore op. 45 Info:www.viottifestival.it Associazione Camerata Ducale 011 75.57.91 . Violino e pianoforte: binomio classico, quasi la quintessenza della musica da camera, non così esoterico e per specialisti come il quartetto, un binomio che annovera capolavori eccelsi dal tardo barocco ai giorni nostri. Dove c’è spazio per pagine intimistiche e brani brillanti, per il virtuosismo connaturato al violino stesso, ma anche per una pressoché totale simbiosi con l’onnipresente pianoforte.
Un programma davvero ricco - quello della seconda serata in abbonamento per la stagione del Viotti Festival.

dalla redazione   19-11-20171

Un ricordo per Vico Chamla, fotografo dei musicisti, in Conservatorio

Sarebbe piaciuta la serata organizzata ieri sera in Conservatorio a Vico Chamla, il valente fotografo, appassionato di musica e amico di molti musicisti. In molti anni ha ritratto con splendide immagini fotografiche decine e decine di strumentisti . Lavorava soprattutto a Milano, nelle sale da concerto, con Sala Verdi quale ambiente privilegiato. La serata in Sala Puccini, ben organizzata e presentata da Oreste Bossini, ha visto la partecipazione di alcuni musicisti quali Fabio Bonizzoni, Caterina Dell'Agnello, Giovanni Scaglione, Tatiana Larionova, Davide Cabassi e del poeta Sandro Boccardi. Non dimentichiamo i bravissimi giovani interpreti del Laboratorio Orchestra d'Archi del Conservatorio di Milano che hanno introdotto il concerto con due brani di Antonio Vivaldi. I brani ottimamente eseguiti di Couperin, Vivaldi, Bach, -la splendida Suite n.2- hanno trovato conclusione con la rara ed efficace raccolta di brevi valzer di W.Rihm da Mehrere kurze Walzer ottimamente eseguiti al pianoforte dalla coppia, musicale e nella vita, Larionova-Cabassi. Una serata che rimarrà nel ricordo di tutti quelli che hanno conosciuto l'anima gentile di Vico Chamla.

 17 novembre  2017 Cesare Guzzardella

SETTEMBRE  2017

Musiche dedicate alla Spagna con la Sinfonica Verdi e la pianista Zilberstein per il MiTo

Era dedicato alla Spagna il concerto ascoltato ieri sera in Auditorium con l'Orchestra Sinfonica Verdi. I tre brani diretti dal madrileno Andrés Salado appartenevano a tre differenti autori: il primo di un compositore arabo-statunitense quale Mohammed Fairouz, classe 1985, particolarmente conosciuto ed eseguito negli Stati Uniti. Il suo corposo Concerto per violino e orchestra - in prima esecuzione italiana- ha trovato come solista la bravissima Chloë Hanslip alle prese con un violino Guarneri del Gesù del 1737. Il secondo brano in programma di Manuel de Falla, Noches en los jardines de España, ha visto al pianoforte l'eccellente Lilya Zilberstein. Per finire il celebre Bolero di Maurice Ravel ha concluso la splendida serata. Il Concerto per violino denominato Al-Andalus e dedicato alla penisola iberica, è in tre lunghi movimenti per circa 40 minuti complessivi di musica. Più che di atmsfera spagnola, presente soprattutto nel primo movimento Ibn-Firnas' Flight, il lavoro di Fairouz ha rivelato una sintesi musicale intrisa di timbriche occidentali prevalentemente tonali riferite al primo Novecento di Prokof'ev, Bartók, ed al minimalismo americano, -unita a stilemi tipici del mondo arabo. Il brano pieno di melodicità e di suggestivi colori ci è piaciuto assai per la varietà musicale espressa con un linguaggio accessibile ed immediato che rimanda anche alle radici folcloristiche europee ed a quelle arabe. Decisamente interessante il personale linguaggio dell'autore tipico della realtà globalizzata in cui viviamo. Ottima la parte violinistica, assai virtuosistica, della bravissima Hanslip e la direzione orchestrale. Dopo il primo brano, nella seconda parte della serata, i tre movimenti della celebri Noches di De Falla sono stati interpretati in maniera eccellente dalla fuoriclasse Zilberstein, solista di rara precisione formale e timbricamente ineccepibile. A conclusione le qualità della bravissima Orchestra Verdi sono emerse nella splendida esecuzione del noto Bolero iniziato con la precisa e costante ritmica del tamburo di Ivan Fossati, bravissimo orchestrale della Sinfonica Verdi . Il percussionista è salito al termine sul podio insieme all'ottimo direttore Salado tra i fragorosi applausi del numeroso pubblico intervenuto. Successo di pubblico. Da ricordare a lungo.

20 settembre 2017     Cesare Guzzardella

Bychkov e Gerstein con l'Orchestra della Rai per MiTo in Conservatorio

Tra i numerosi concerti proposti da MiTo a Milano, di grande valenza musicale si è rivelato quello ascoltato ieri sera in Sala Verdi, nel Conservatorio milanese, con l'Orchestra Sinfonica Nazionale della Rai diretta da Semyon Bychkov. In programma due lavori celebri di due grandi russi quali Rachmaninov e Stravinskij: il Concerto n.2 op.18 del primo e Le Sacre du printemps del secondo. Per il concerto ottimo il solista russo Kirill Gerstein che ha mostrato valide qualità interpretative definendo in modo chiaro le celebri melodie del brano. Ottimo il bis pianistico concesso con una profonda Melodie di Rachmaninov. Di grande impatto musicale il celebre brano stravinskijano eseguito nella seconda parte della serata. Bychkov ha fornito un'interpretazione analitica ricca di equilibrio ben evidenziando le chiarissime timbriche dell'orchestra in ogni settore. Grandissimo successo e ovazione tributata dal pubblico che gremiva la capiente sala del Conservatorio milanese. Da ricordare.

15 settembre 2017 Cesare Guzzardella

Thielemann e Buchbinder per Beethoven e Bruckner alla Scala

Da molti anni mancava dal Teatro alla Scala il direttore d'orchestra berlinese Christian Thielemann. È tornato ieri sera con un'orchestra di primo livello quale la Sächsische Staatskapelle Dresden, una delle formazioni più antiche al mondo. Come valore aggiunto abbiamo ascoltato il pianista austriaco Rudolf Buchbinder nel noto Concerto n.1 in do magg. Op.15 di Beethoven. Nella seconda parte della serata un rilevante Bruckner con la Sinfonia n.1 in do minore. È una gran bella orchestra quella di Dresda, ancor più se diretta dal suo direttore principale Thielemann, interprete elegante e raffinato in Beethoven, profondo e attento alle sottili dinamiche in Bruckner. Ottima la sintonia musicale con Buchbinder che sappiamo essere uno tra i migliori pianisti del repertorio classico. In Beethoven Thielemann ha saputo dosare i bellissimi colori orchestrali sapientemente e con discrezione tali da far emergere il raffinato solismo viennese di Buchbinder, pianista sempre garbato ed elegante nel suo fraseggio. Questi ha concesso al termine un breve bis, la giga dalla Partita n.1  di J.S.Bach, poco attinente con il concerto e di normale levatura estetica. Comunque meritati i fragorosi applausi finali. Decisamente valida l'interpretazione della Prima di Bruckner dove sono emerse le rilevanti qualità dell'orchestra con una sezione d'archi eccellente, ottima in tutte le altre e con un gruppo di ottoni di gran classe. Direzione equilibrata, chiara e dettagliata in ogni frangente quella di Thielemann e meritatissimi i lunghi applausi tributati al termine della splendida serata dal numerosissimo pubblico intervenuto. Da ricordare.

12 settembre 2017   Cesare Guzzardella

LUGLIO 2017