"Tu prova ad avere un mondo nel cuore", così Fabrizio De André sintetizzava, nel suo modo unico, la storia teneramente tragicomica di Frank Dummer, il matto, uno dei personaggi emblematici e lancinanti di Spoon River. Abbiamo scelto di prendere in prestito questa frase per farci guidare nel nostro nuovo viaggio, che sarà la Stagione teatrale 2024/2025, e per rendere omaggio a questi dolorosi 25 anni senza Faber. Ora ci chiediamo chi sia il matto, o chi siano i matti. Qualche sospetto c'è, ma procediamo con ordine. Ci piace immaginare il teatro come luogo dove i cuori si aprono per accogliere emozioni e suggestioni che possano essere conservate e recuperate. Vediamo il teatro come uno scambio di energie tra platea e palcoscenico, dove le parole si trasformano in immagini, la musica si fonde col battito del cuore e la danza traccia confini impensabili. Ci piace pensare a un teatro in cui le parole del passato risuonino nel tempo presente. Come detto, un viaggio è fatto di sorprese, luoghi sconosciuti, misteri, miraggi e incontri imprevisti. È fatto da viaggiatori pronti a intraprendere nuove avventure, sapendo che ogni fine di viaggio è l'inizio di un altro. Forse non serve imparare un'enciclopedia a memoria, come faceva il matto di De André e Lee Masters, per provare ad avere un mondo nel cuore.

Nella stagione 2024/2025, cerchiamo di farlo attraverso la musica che si fa teatro e viceversa, con eventi imperdibili come l'apertura dedicata a FABRIZIO DE ANDRÈ con "L'AMORE SCOPPIÒ DAPPERTUTTO", interpretato da LAURA MARINONI e con la riscrittura musicale di ALESSANDRO NIDI per un quartetto dal grande impatto sonoro. Per onorare la memoria di Faber in questi 25 insopportabili anni senza di lui, proponiamo un concerto sinfonico curato da Milano Classica, “FABER, L'ULTIMO TROVATORE” insieme a incontri e altri momenti ancora da definire. Non poteva mancare un tributo anche a un altro grande autore, Giorgio Gaber, con la ripresa di “LIBERTÀ OBBLIGATORIA". Il nostro programma include anche il ritorno, molto richiesto, di "NUOVA BALERA PIZZIGONI", che mescola musica dal vivo e danza in una storia di segreti, miseria e nobiltà di una sala da ballo.

Cerchiamo di ampliare i nostri orizzonti con quattro appuntamenti internazionali e esplosivi: “ROBOT INFIDÈLE  " del gruppo straordinario MACHINE DE CIRQUE, per la prima volta a Milano; il ritorno di FAMILIE FLÖZ con una mini personale (Teatro Delusio e Feste); la prima assoluta di " FLAMENCO SKETCHES OF SPAIN ", un incontro tra la musica immortale di MILES DAVIS e la danza di ISRAEL GALVÁN , uno dei più grandi ballerini di Flamenco contemporaneo; infine, gli incredibili musicisti di MozART GROUP  con il loro pluripremiato e irresistibile “CLASSICAL THERAPY”.

Le nostre produzioni, di altissimo livello internazionale, rappresentano soprattutto l'incontro con due grandi protagonisti del teatro mondiale degli ultimi decenni: PETER STEIN con "CRISI DI NERVI", tre atti unici di Anton Čechov in ripresa al Menotti e in una lunga tournée nazionale e internazionale; e la novità assoluta "LE NUVOLE DI AMLETO" di EUGENIO BARBA, in co-produzione con ODIN TEATRET ed Emilia-Romagna Teatro ERT. Due maestri del teatro contemporaneo a confronto con autori immortali come Čechov e Shakespeare.

“Sarfatti” di Angela Dematté, da un’idea di Massimo Mattioli, per la regia di Andrea Chiodi, è un’interessante co-produzione del MART di Rovereto e del Teatro Stabile di Bolzano. Un’ottima Claudia Coli interpreta, in circa un’ora di monologo, la figura controversa dell’intellettuale veneziana Margherita Grassini, che sposò giovanissima, a circa diciotto anni, l’avvocato socialista Cesare Sarfatti, di cui assunse il cognome. Nata nel 1880 da un’agiata famiglia ebrea, dimostrò subito un’intelligenza non comune; imparò con facilità diverse lingue, studiò letteratura, filosofia, arte. Trasferitasi a Milano con il marito – da cui ebbe tre figli – nel 1902, entrò subito nella vita culturale della città: il suo salotto era frequentato dai più importanti artisti, architetti, scrittori, scienziati, politici e aristocratici dell’epoca. Dieci anni dopo, come giornalista dell’”Avanti!”, conobbe Mussolini, con il quale condivise idee e aspirazioni e fondò poi “Il Popolo d’Italia”. Divennero amanti e lo rimasero per circa vent’anni, con alterne vicende. La Sarfatti ebbe senza dubbio un ruolo rilevante nel contribuire alla creazione del mito del duce (è sua la biografia “Dux”, del 1926, che vendette un milione e mezzo di copie ed ebbe enorme successo anche negli Stati Uniti) sostenendolo pure con iniziative culturali e artistiche di cui lei era l’organizzatrice. Nel 1922 fondò il gruppo “Novecento”, con Funi, Sironi, Marussig e altri. Nel 1924 – anno del delitto Matteotti, appena accennato – rimase vedova. Tutto questo emerge dal monologo, che si svolge in una scena “cubica”, spoglia, con l’unico arredo di una sedia e di una sorta di parallelepipedo di plastica trasparente, poggiato su un tavolino, che funge da contenitore di una statuina di Mussolini – con il braccio alzato nel saluto romano – e di un modellino di scrivania/studio. La Coli recita evidenziando diversi stati d’animo del personaggio, soprattutto passione, tormento, fierezza. Si rivolge alla statuetta di Benito come al suo interlocutore immaginario, picchia esasperata i pugni sulla teca, rievoca la tragedia del figlio Roberto morto nel 1918, in guerra, a soli diciassette anni, si sposta continuamente dalla sedia al tavolino, togliendosi e indossando più volte la giacca e il cappello. Nello sfondo, a tratti, emergono suoni come le urla di consenso della folla acclamante nei raduni oceanici del fascismo; ma anche le voci di Mastroianni e di Anita Ekberg nel film felliniano “La dolce vita”, nella famosa scena della fontana di Trevi. Il monologo si conclude con frasi amare e connotate da profonda disillusione. Mussolini, oltre alla moglie Rachele, aveva molte altre amanti, e interruppe la relazione con la Sarfatti a metà degli anni ‘30, dopo averla emarginata anche dal punto di vista politico-culturale. Note trionfanti via via si perdono, come in un disco rotto, diventando una sorta di lamento finale. Applausi dal pubblico in una Sala Blu quasi completa.

Parallelamente allo scellerato patto che Antonio sottoscrive, evolvono altre linee del plot creando un’architettura drammaturgica di simmetrie e specularità dense di senso.
C’è la dimensione di Belmonte, una sorta di Arcadia dove la nobile Porzia, obbedendo al volere del padre, si concederà in sposa solo al pretendente che risolverà un enigma scegliendo quello giusto fra tre scrigni: a ciò ambisce Bassanio che vince optando per lo scrigno più povero. Specularmente agisce Jessica, bellissima figlia 

di Shylock, che invece tradendo le aspirazioni paterne, si unisce a un cristiano e fugge rubando un anello appartenuto alla madre. E se Porzia e Bassanio declinano il loro amore in modo “alto” più popolare ma simmetrico appare il rapporto fra l’amico di lui - Graziano - e Nerissa, fidata cameriera di Porzia.

Sarà l’intelligentissima dama “en travesti” ad intervenire come avvocato in difesa di Antonio, quando questi - perdute le sue navi - si troverà nella drammatica condizione di pagare la cruenta obbligazione a Shylock. Con argute argomentazioni salverà la vita ad Antonio, punirà la furia vendicativa dell’usuraio, assicurerà sostanze e futuro a Jessica riuscendo anche a rimproverare al marito Bassanio la sua scarsa costanza. Un mondo mutevole e vibrante di personaggi che incarnano inquietudini, chiaroscuri e complessità di modernità assoluta.

Piermario Vescovo in “Una lettura di “The Merchant of Venice” a partire dalla sua fonte” evidenzia infatti «Basta (...) una minima porzione dell’intera estensione di questi motivi nel testo, per capire che Bassanio è la realizzazione del desiderio di ‘nobiltà’ di Antonio (ivi compreso il suo dispendio di rappresentanza) e che Antonio trova a propria volta - dall’incomprensibile «sadness», né mercantile né amorosa, che lo distanzia dall’interesse all’offerta

Il giovinotto, ‘soldato’ e ‘umanista’ che si accompagnava al Marchese di Monferrato, ha dunque studiato e si comporta da nobile e lo diventerà sposando Portia, appunto non per un calcolo venale che lo salvi dalla rovina o che gli permetta ancora di scialacquare, ma per una relazione che si spiega solo in termini simbolici. Per sposare Portia bisogna, infatti, essere degni di lei, avere ‘cuor gentile’, il che significa - nel percorso escogitato dal fu signore di Belmonte - essere capaci di preferire ciò che apparentemente non ha valore (il piombo) all’oro e all’argento: saper trovare il vero tesoro non facendosi ingannare dalle apparenze e soprattutto dai motti depistanti degli scrigni, che, come in un’‘impresa’, accompagnano un’immagine (l’oro, l’argento, il piombo), con la caratteristica che i motti sono qui arguti e non didascalici, e quindi ‘traditori’. Chi spreca il denaro o non se ne cura si mostra più adatto di chi lo accumula o saggiamente lo investe dell’impresa: questa la differenza capitale tra Bassanio, Shylock ed Antonio».

24 aprile 2024  Cesare Guzzardella

Un meritato successo al Teatro Parenti per lo spettacolo CHI COME ME di Roy Chen, per la regia , l'adattamento e i costumi di Andrée Ruth Shammah. Protagonisti dell'intelligente e originale pièce, allestita nella nuova bellissima sala a2a del Teatro Parenti, sono cinque adolescenti affetti da disturbi del comportamento. Sono ricoverati nel reparto psichiatrico di una casa di cura, dove vengono aiutati dal dott. Bauman (Paolo Briguglia) e da un'insegnante di teatro, la signorina Dorit (Elena Lietti), che vuole preparare con loro uno spettacolo da presentare ai genitori. Samuele Poma, nel ruolo del sedicenne Barak, il ragazzo più vicino alle dimissioni, vive un narcisismo patologico; Federico Di Giacomo è Emanuel, un geniale e problematico ragazzino con la sindrome di Asperger; Chiara Ferrara è la sensibilissima Alma, che manifesta tendenze autolesioniste e suicidarie; Amy Boda nel ruolo di Tamara/Tom affronta il dramma della disforia di genere; infine Alia Stegani è Ester, che per superare il trauma delle violenze sessuali subite da uno zio ha bisogno di "trasformarsi" in un leone. Tutti hanno rivelato qualità sorprendenti nel sostenere ruoli così difficili, immedesimandosi totalmente nei loro personaggi. Dal lavoro di Chen emerge l'auspicio che, oltre alle terapie farmacologiche, si utilizzino strategie come quelle adottate dai principali protagonisti adulti della pièce, ossia il dottor Bauman e Dorit: possono essere utili per migliaia di adolescenti che soffrono realmente di questi problemi. L'eccellente costruzione teatrale per la realizzazione scenica di Polina Adamov e le luci di Oscar Frosio è realizzata in uno spazio di piccole dimensioni, con una platea quasi circolare, che fa sì che lo spettatore entri quasi fisicamente nelle relazioni imprevedibili dei ragazzi, nei loro rapporti conflittuali ma anche amichevoli, e nelle loro relazioni con gli adulti. I cinque letti dei ragazzi sono sparsi nella platea, nel segno di una condivisione/partecipazione al loro dolore, che è quello di tutti noi. Il dialogo serrato, le trovate ludiche escogitate da Dorit e l'importante, coinvolgente parte musicale, con brani classici e pop , riescono a creare una sequenzialità del racconto che pur nella non breve durata -circa due ore- porta rapidamente gli spettatori al volutamente irrisolto finale. Di grande importanza il ruolo dei bravissimi Sara Bertelà e Pietro Micci, attori che, in una pluralità di parti, interpretano i genitori dei cinque ragazzi, risultando spesso anche parzialmente responsabili delle situazioni drammatiche dei loro figli. In essi, nel loro cambio continuo e alla fine frenetico d'identità e personalità, ritroviamo la parte più divertente del lavoro, che per l'importanza dell'argomento trattato ha un indirizzo complessivo particolarmente serio e drammatico, nonché attualissimo. Da non perdere assolutamente! Repliche fino al 4 maggio.

17 aprile 2024 Cesare Guzzardella e Anna Busca

Al Teatro Franco Parenti è stato presentato il nuovo spettacolo CHI COME ME, dello scrittore e drammaturgo israeliano Roy Chen, con adattamento, regia e costumi di Andrée Ruth Shammah. La pièce è stata tradotta dall'ebraico da Shulim Vogelmann ed è stata illustrata, oltre che dalla Shammah e dallo stesso Chen, dai numerosi attori presenti in scena, come Sara Bertelà, Paolo Briguglia, Elena Lietti, Pietro Micci, e gli altri giovanissimi protagonisti. Hanno parlato del loro ruolo e del loro incontro con il teatro Samuele Poma, che interpreta il ruolo del sedicenne Barak, Federico Di Giacomo - Emanuel, Chiara Ferrara- Alma, Amy Boda- Tamara/Tom e Alia Stegani- Ester. I personaggi principali sono infatti cinque adolescenti affetti da malattie psichiatriche, che vivono il loro dramma e la loro sofferenza insieme ai genitori e al medico curante. Sarà l'esperienza teatrale che vivranno, con le sue maschere recitanti e la sua intrinseca, emozionante schizofrenia positiva, a far emergere problemi nascosti e nuove personalità, in un percorso che potrà portarli a una sorta di equilibrio con la realtà. Come ha detto Chen, il teatro è terapeutico, soprattutto in momenti di sofferenza collettiva come quello che stiamo vivendo, connotato dagli orrori delle guerre tra Russia e Ucraina e tra Israele e Palestina. Lo spettacolo sarà presentato in una nuova, bellissima sala, sponsorizzata da a2a: ha la forma di un "abbraccio" tra pubblico e attori, che possono occupare spazi anche tra le poltrone e immergersi tra gli spettatori. La realizzazione scenica è di Polina Adamov, le luci di Oscar Frosio e le musiche sono di autori classici come Brahms, Debussy, Vivaldi Saint-Saëns, Schubert ma anche di Michele Tadini, compositore contemporaneo.Numerose le date in programma con la Prima Nazionale per il 9 aprile e le anteprime per il 5-6-7 aprile.( Foto ufficio Stampa Teatro Parenti)

4 aprile 2024 A. Busca e C.Guzzardella

La EMA entertainment presenta “Neverland l’isola che non c’è” la storia senza tempo del ragazzo che non voleva crescere, in una nuova, incantevole versione teatrale per tutta la famiglia. 

Peter Pan è tornato e questa volta è spettacolo!

La storia del ragazzo, che sceglie di fermare il tempo e vivere nel sogno dell’Isola che non c’è, diventa un musical irresistibile, divertente, commovente ed emozionante.

Gli ingredienti ci sono tutti: Peter vola e si scontra con un esilarante e crudele Capitan Uncino, Campanellino gelosa di Wendy combina guai, i Pirati guidati da Spugna combattono con i Bambini Sperduti e gli Indiani di Giglio Tigrato, ma è tutto un sogno o è realtà? La risposta ce la dà Mrs. Darling in un finale a sorpresa.

Scene e costumi meravigliosi, musiche originali indimenticabili, coreografie travolgenti con acrobati mozzafiato.

Tutto questo è NEVERLAND, un musical per tutti, un’emozione imperdibile!      Roberto Ciufo

“I più accurati piani di uomini e topi vanno spesso a rovescio lasciandoci soltanto cruccio e pena al posto della promessa gioia” Robert Burns. Due amici George Milton e Lennie Small coltivano il loro progetto di trovare un posto dove la terra costa poco: un posto piccolo, da coltivare. E poi allevare polli, maiali e conigli. George accudisce da sempre Small che in contrasto con il suo nome è un gigante con il cuore e la mente di un bambino. Così spostandosi di ranch in ranch per cercare lavoro inseguono il loro sogno insieme. È la metafora di un’America oppressa dalla crisi e del contrasto tra un’umanità giovane e innocente e un’altra gretta ed egoista. Romanzo breve ma anche testo teatrale pubblicato negli Stati Uniti nel 1937”.

Nel 1962 allo scrittore fu conferito il Premio Nobel per la letteratura con la seguente motivazione: "Per le sue scritture realistiche ed immaginative, che uniscono l'umore sensibile e la percezione sociale acuta". Considerato uno dei principali esponenti della cosiddetta generazione perduta, ha ricevuto anche la Medaglia presidenziale della libertà dal Presidente Lyndon B. Johnson il 14 settembre 1964.

In questo allestimento che si avvale anche di attori molto giovani la storia, per le tematiche e i rapporti tra i protagonisti, vuole creare una forte sinergia con un pubblico di giovanissimi e di adolescenti e stimolare quesiti e dibattito.

Continua al Teatro Parenti il grande successo della pièce teatrale Il Figlio (Le fils, 2018) del drammaturgo francese Florian Zeller. Il lavoro è l'ultimo di una trilogia (La madre, Il padre, Il figlio) che ha ispirato il film The Father (2021), di cui lo stesso Zeller è stato regista e sceneggiatore, interpretato da uno strepitoso Anthony Hopkins, che ha ben meritato l'Oscar. L'adattamento di Piero Maccarinelli, con le riuscite scene di Carlo de Marino, ben illuminate da Javier Delle Monache, ha delineato lucidamente i ruoli degli eccellenti protagonisti: Cesare Bocci (il padre Piero), Galatea Ranzi (la madre Anna), Giulio Pranno (il figlio Nicola) e Marta Gastini (la compagna di Piero). I genitori, separati, vengono a sapere all'improvviso e tardivamente che Nicola, diciottenne che vive con la madre ed è all'ultimo anno di liceo, da tre mesi non frequenta più la scuola. Nicola chiede di andare a vivere col padre e con la sua compagna, che hanno avuto da poco il piccolo Sasha. Sarà accontentato, con la speranza che una nuova scuola, una nuova casa e la vicinanza del fratellino neonato possano aiutarlo a riprendersi. Ma quella che agli occhi dei genitori appare come una transitoria depressione adolescenziale in realtà sarà riconosciuta dagli psichiatri, dopo alcuni mesi, a seguito di un tentativo di suicidio, come un grave disturbo bipolare. Nel frattempo la vita di entrambi i genitori viene stravolta da problematiche sempre più difficili da affrontare, che emergono da dialoghi serrati e coinvolgenti. Il finale è di grande impatto emotivo. Tutti gli attori in scena sono stati bravissimi a ricreare una vicenda raccontata con grande realismo, che si richiama purtroppo a drammi oggi diffusi, legati spesso all'individualismo e all'incapacità degli adulti di mettersi in sintonia emotiva con le nuove generazioni. Si commettono errori e si potenziano così le fragilità; non si riconoscono in tempo i disturbi psichiatrici, si sottovalutano i comportamenti autodistruttivi. Repliche fino al 3 marzo. Da non perdere!

L'Eterno marito, pièce teatrale in questi giorni in scena al Teatro Parenti, ha trovato un meritato successo di pubblico anche nella replica di ieri sera, in una Sala A al completo. Il libero adattamento di Davide Carnevali dal romanzo breve di Fëdor Dostoevskij - pubblicato nel 1870 - per la regia di Claudio Autelli, ha il punto di forza sia nella bravura dei due protagonisti, Ciro Massella nel ruolo di Pavel Pavlovic Trusotsky e Francesco Villano in quello di Alexis Ivanovic Veltcianinof, sia nell'originale messinscena che prevede un' integrazione armoniosa della recita con un contesto filmico proiettato dietro il palcoscenico. Il dialogo serrato tra i due personaggi maschili, legati da un'ambigua relazione di amicizia e di rivalità, viene spesso interrotto e integrato dalla proiezione su un grande schermo. Qui compare anche un personaggio femminile che ha un ruolo fondamentale nel racconto di Dostoevskij: una bimba, Lisa, che risulta essere la figlia che la moglie di Pavel, Natalia, morta di tisi da poco, ha avuto anni prima da Alexis, uno dei suoi numerosi amanti. Sempre vissuta con Pavel, che però la maltratta, Lisa - gravemente malata - verrà portata da Alexis a casa di un'amica, dove però morirà in pochi giorni. Il dramma si svolge su più piani: l'ipocondriaco Alexis soffre di insonnia e di perdita della memoria, ed inizialmente è convinto, in una sorta di incubo paranoico, di essere seguito e spiato da Pavel, "l'uomo dal cappello con una fascia nera", che tuttavia non riconosce subito; il ruolo di attori, con i loro veri nomi, Ciro e Francesco, si sovrappone spesso alla vicenda e include anche la partecipazione del pubblico, che viene filmato, illuminato da luci accecanti, coinvolto in qualche scena, tanto che uno spettatore si rivelerà poi essere in realtà un attore; il sofferto dialogo tra i due protagonisti farà emergere le debolezze di entrambi, tradito e traditore, nel loro rapporto superficiale col mondo femminile, di cui non comprendono l'essenza. Natalia, una sorta di fantasma che compare nei loro discorsi spesso inconcludenti e assurdi, se non palesemente deliranti, domina ancora entrambi. Secondo Alexis, Pavel incarna alla perfezione la figura dell’eterno marito, ovvero di colui che esiste solo in questo ruolo, e pur di continuare il matrimonio tace a se stesso i tradimenti della moglie e finge di non saperne nulla. Il dramma precipita quando Pavel tenta di uccidere nel sonno il suo "unico amico" - rivale. La conclusione è in realtà circolare: due anni dopo, durante un viaggio in treno, Alexis incontra casualmente in una stazione una donna che sta aspettando il marito. È la seconda moglie di Pavel, che sopraggiunge. La storia non si ripeterà, Alexis sale sul treno e riparte: nella carrozza ha la visione della piccola, innocente Lisa. Temi dunque come l'amore, l'adulterio, la paternità, il senso di colpa, il ruolo del caso nel destino di ognuno, la verità contrapposta all'inganno, la malattia e la morte s'intrecciano continuamente in una sorta di danza vorticosa in cui finiamo per essere, volenti o nolenti, tutti ballerini. Ultime repliche per il 16, 17 e 18 febbraio. Da non perdere!

Quasi Amici è una storia importante, di quelle storie che meritano di essere condivise e raccontate. Anche con il linguaggio delle emozioni più profonde: quello teatrale.  Un adattamento per il teatro del soggetto e della sceneggiatura di Quasi amici è affascinante perché permette di dilatare, in drammaturgia teatrale, quelle emozioni che nascono per il cinema con un altro linguaggio, non solo visivo, ma anche filmico. Emozioni che devono irrobustirsi però con parole e simboli precisi sul palcoscenico per poter rimandare tutti noi a un immaginario condiviso con il quale far dialogare il proprio. E partecipare. Ed è straordinario raccontare ancora più nell’intimità delle parole, degli scambi, delle svolte narrative, delle luci, dei movimenti, che solo una drammaturgia teatrale può cogliere e restituire, dando il senso profondo di una grande amicizia in fieri. Osservando poi il percorso che compiono i due protagonisti per crescere, ognuno nella rispettiva vita e in quella dell’altro e di come uno diventi assolutamente necessario all’altro per poter proseguire indenne, o quasi, il proprio cammino su questa terra. Due uomini talmente diversi da costituire una teorizzazione dell’antimateria. Due particelle che potrebbero portare a un’esplosione, un annichilimento delle proprie personalità e invece avviene il miracolo. Ed è questo Miracolo laico che vorrei raccontare. Un uomo molto agiato, ricco, molto ricco, troppo ricco, intelligente, affascinante; un uomo che vive di cultura e con la cultura vive, che si muove e conquista e soddisfa il proprio ego narcisistico con il cervello più che con il corpo. Un uomo a cui il destino ha voluto, per contrappasso, relegare a solo cervello, facendolo precipitare con il parapendio e fratturandogli la quarta vertebra cervicale e riprendendosi il corpo. Quel corpo, che era solo un bagaglio della mente, ora nell’assenza, diventa il fantasma di un’identità da inseguire e recuperare. E un altro uomo che entra ed esce di galera, sin da ragazzino, svelto, con una sua intelligenza vivace e una cultura fatta sulla strada e nei film di serie b, che ha visto. Ma decisamente smart. Un uomo che preferisce porre il suo corpo avanti a tutto e lasciare il cervello quieto nelle retrovie. Un corpo che, da subito, ha cercato di farsi strada nelle periferie degradate, in cui un’incertezza diventa come in natura, essenziale per determinare il proprio posto nella catena alimentare. Un predatore che in realtà̀ è una preda delle proprie debolezze. Un uomo che si è privato della carica del cervello che avrebbe potuto essere per lui determinante. ecc...                          Note di Regia:  Alberto Ferrari

Dalla  Redazione

È in scena al Teatro Parenti, fino a domenica 14 gennaio, Fabrizio Gifuni. Attore di successo di teatro e di cinema, romano di origini pugliesi e siciliane, ha messo in scena un doppio spettacolo, in serate differenti, dedicato a Pier Paolo Pasolini e ad Aldo Moro. Sono due ideazioni drammaturgiche che Gifuni, presentando lo spettacolo visto ieri sera in una Sala Grande del Teatro Parenti al completo, inquadra come "I fantasmi della nostra storia". Nell'incisiva introduzione al primo lavoro, "Il male dei ricci" - titolo ispirato a un verso di una poesia in friulano di Pasolini - Gifuni ha portato un interessante raffronto tra lo scrittore-regista e il politico democristiano: due corpi rimasti senza una vera sepoltura perché finiti tragicamente uccisi, rispettivamente nel 1975 e nel 1978, e privati del diritto alla giustizia . Ancora oggi, infatti, entrambi i delitti non sono stati chiariti. Per la storia d'Italia, dunque, Pasolini e Moro sono davvero fantasmi, che nel buio e nel silenzio di un teatro affollato, a quasi cinquant'anni dalla loro morte, possono ritrovare la voce grazie a un attore sul palcoscenico. La vicenda pasoliniana è narrata in duplice modalità. Nella prima Gifuni diventa Pasolini stesso; nella seconda l'attore interpreta con profonda immedesimazione pagine da "I Ragazzi di vita", o legge stralci da "Poesie in forma di rosa", "Lettere luterane" e "Scritti corsari". Il passaggio tra Pasolini- personaggio e Gifuni- attore avviene senza soluzione di continuità. La filosofia pasoliniana contro la nuova dittatura della società dei consumi viene raccontata dall'attore- Pasolini, mentre il triste mondo, prima amorale e poi immorale di Riccetto, protagonista de "Ragazzi di vita" , viene delineato in romanesco con eccellente resa attoriale. Non è un lavoro facile quello che viene proposto su Pasolini; certamente mette in risalto sia il grande intellettuale che l'uomo ipersensibile, capace di cogliere con grande lucidità e preveggenza, partendo dalla sua personale immersione fisica e letteraria nelle borgate romane, il cambiamento che avanzava inesorabile, distruttore di una sorta di primitiva vitalità. Applausi ripetuti e calorosi dal pubblico.

Grande successo al Teatro Parenti per Paolo Rossi e la sua compagnia in "Da questa sera si recita a soggetto! Il Metodo Pirandello". Il divertente spettacolo, tra cabaret e teatro, ha trovato come importante supporto anche il pubblico presente, in particolare alcuni spettatori reclutati prima dell'inizio dello spettacolo, che hanno interagito con gli attori divenendo loro stessi, per qualche minuto, protagonisti della scena. Come nella celebre opera pirandelliana, il lavoro di Paolo Rossi e di Carlo G.Gabardini è una sorta di "teatro nel teatro". L'improvvisazione è comunque certamente il filo portante dello spettacolo, sostenuta abilmente da un Paolo Rossi perfettamente a suo agio nel ruolo di perno di un sistema che ruota, spesso vorticosamente, su temi diversi, comunque ben collegati alla vita e al pensiero di Pirandello. L'attore è figlio di quel teatro-cabaret milanese che ha avuto come padri Dario Fo, Enzo Jannacci, Giorgio Gaber e chi, alla fine degli anni '60 e negli anni '70, calpestava il palcoscenico del Derby di Milano. La comicità dissacrante di Rossi, sfociante in un intelligente umorismo frutto di riflessioni profonde sulla Vita, sulla Morte, sulla Libertà, sulla Gelosia, ritrova in questo spettacolo la giusta centralità. Un contrabbasso, una chitarra e una consolle gestita da un'attrice - disc-jockey, al limite del teatro dell'assurdo - accompagnano a tratti lo spettacolo. Bravissimi i co-protagonisti: Emanuele Dell’Aquila, Alex Orciari, Caterina Gabanella, Laura Bussani, Alessandro Cassutti. Validi anche gli improvvisati "attori" scesi dalla platea! In chiusura, Paolo Rossi - "morto" in scena come Molière - ha letto una lettera di "scuse" al grande drammaturgo siciliano, per non avere seguito affatto il suo copione... E dopo il commiato, il palcoscenico si è trasformato in una discoteca, con luci colorate e musica ad alto volume, in cui si sono immersi molti giovani del pubblico. La festa non finisce mai!

Una serata particolarmente riuscita quella dell'attrice e chanteuse napoletana Mariangela D'Abbraccio, arrivata al Teatro Parenti accompagnata dal valido pianista Massimiliano Gagliardi per lo spettacolo "Anima Latina". Il lavoro è ottimamente costruito dalla regia di Francesco Tavassi, che mette in risalto il talento della protagonista, in grado di passare dalla recitazione al canto in modo unitario e coinvolgente. Una sorta di pastiche che unisce, senza soluzione di continuità, numerosi brani provenienti soprattutto dal mondo latino, napoletano e del Sud America - in particolare Argentina e Brasile - ma con incursioni anche più a nord, grazie ad autentici piccoli capolavori della cosiddetta scuola di Genova, di Tenco ("Vedrai, vedrai") , De Andrè ("Amore che vieni, amore che vai"), Endrigo (Canzone per te), o di quella romana di Bruno Martino ("Estate") e pugliese di Domenico Modugno. Non solo brani cantati, quindi, ma anche poesie ed extrapolazioni di testi teatrali ben recitati, spesso ad introduzione delle canzoni. Borges, Pessoa, Neruda, Lorca o Eduardo, si sono intrecciati con il tango argentino di Piazzolla, con i testi di Vinicius De Moraes, con canzoni classiche napoletane di Salvatore Di Giacomo e di Libero Bovio, ma anche con Pino Daniele e con i testi di numerosi cantautori letti poeticamente e cantati in modo personale e convincente. Ottimi gli arrangiamenti pianistici, che hanno unito la recita e il canto: il M. tro Gagliardi è stato preciso e attento alle inflessioni verbali e vocali della D'Abbraccio, rivelando una musicalità autentica, dal carattere improvvisatorio, e adeguato alle apparentemente spontanee incursioni della protagonista, ricche di coordinate gestualità e fisicità, studiate alla perfezione. Uno spettacolo che alla prima rappresentazione di ieri sera al Teatro Parenti, in Sala A, non troppo grande e per questo adattissima al lavoro proposto, ha trovato un successo davvero meritato. Due i bis, tra i quali lo splendido " Dicitencello vuje". Numerosi e calorosi gli applausi del pubblico, presente al completo. Lo spettacolo verrà replicato fino al 7 gennaio, con una recita speciale per il 31 dicembre, che si concluderà con un brindisi per festeggiare l'arrivo del 2024. Assolutamente da non perdere.